Размещено на http://www.allbest.ru/

Поп-амрт (англ. pop-art, сокращение от popular art) -- направление в изобразительном искусстве 1950--1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.

Массовая культура - вид культуры, характеризующийся производством культурных ценностей:

- рассчитанных на массовое потребление и на усредненный массовый вкус;

- стандартизованных по форме и содержанию;

- предполагающих коммерческий успех; и

- распространяемых средствами массовой информации.

Поп-арт - направление в изобразительном авангардистском искусстве 1950-1960-х годов, "раскрывающее эстетические ценности" образцов массовой продукции. Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается иной контекст:

- изменяются масштаб и материал;

- обнажается прием или технический метод;

- выявляются информационные помехи и др.

При этом исходный образ неизменно утрачивает первоначальную идентичность, обесценивается или обнаруживает свою изнанку, парадоксально преобразуется и иронически перетолковывается.

Несколько озорное название стиля имеет две трактовки: сокращение от английского ("popular art" - популярное искусство) и звукоподражание ("pop" хлопок, удар, с таким значением слово использовали в комиксах, роль которых в эстетике поп-арта существенна).

Сам поп-арт произошел из абстрактного экспрессионизма, но ориентируется на образы, создаваемые институтами СМИ и рекламы, а также продукты массового потребления.

Сегодня поп-арт часто ассоциируют с комиксами или портретами Мэрлин Монро. Но это нечто большее. Ныне поп-арт это огромное направление в искусстве, которое активно используется при создании рекламы, портретов, украшении интерьеров.

Как и любое направление в искусстве, поп-арт сильно критикуют. Известные художественные критики активно высказывают позицию, что поп-арт не искусство и даже в некотором смысле опасен.

Как бы то ни было, на сегодняшний день становится модным быть близко к творчеству. Поп-арт тут набирает обороты. Иметь портрет в стилистике поп-арт стало не просто модным, а даже является необходимым атрибутом современной творческой прослойки.

Чаще всего портреты в стеле поп-арт рисуются с фотографий, так как цветовая симфония портрета должна быть продумана в силу ограниченности цветов. Но благодаря продвинутым технологиям и творческому подходу, портрет или даже целую картину в стиле поп-арт сейчас стало возможным заполучить в течении нескольких дней.

История

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926--1990). В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня.

Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом»[1].

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже -- Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)

Принято считать, что термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя в 1958 году, однако интерес, возникший к массовой культуре, и попытки сформировать на этой почве новое искусство являлись характерными особенностями лондонской «Независимой группы» (объединение молодых художников) еще с начала 50- х годов 20 века.

Первые «поп-артовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже - Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Не это ли делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»(1956 год). Казалось, что этот коллаж с известным бодибилдером Чарлзом Атласом и богемной “pin-up girl” в качестве новой семейной пары открывает дверь в новую эпоху. Комиксы и банка ветчины в изображенном интерьере заняли место живописи и скульптуры. С тех пор соединение фрагментов различной печатной продукции в одном произведении стало одним из главных приемов поп-арта.

Следующее поколение студентов Королевского художественного колледжа, среди которых были англичане Рональд Брукс Китай, Патрик Колфилд, Дэвид Хокни и Аллен Джонс также использовали в своем творчестве вездесущие городские изображения, такие как граффити и рекламные плакаты, создавали глянцевые образы, которые отсылали к порнографическим журналам.

Тем временем, в Америке публика впервые увидела работу, которая с тех пор станет самой узнаваемой во всем мире: сделанные Энди Уорхолом в технике шелкографии портрет Мэрилин Монро. Вскоре эту работу дополнили комиксы Лихтенштейна в формате масляной живописи, огромные виниловые гамбургеры и рожки мороженого Олденбурга и обнаженные тела Вессельмана.

Критика была неоднозначна по отношению к новому искусства. Некоторые эксперты были столь оскорблены признанием «низкой культуры», что объявили поп-арт «не-искусством» и «анти-искусством». Однако в Лос-Анджелесе новое искусство особенно хорошо приняли: здесь отсутствовала серьезная художественная традиция, но было много молодых богатых жителей, страстно желавших коллекционировать современное искусство.

С помощью многочисленных галерей и музейных выставок поп-арт распространился по всей Европе и США. К 1965-году смысловое значение термина расширили, включив в него все аспекты городской массовой культуры: первое значение - для изобразительного искусства, второе, более широкое, - для определения культуры в целом, включая поп-музыку, поп-беллетристику и т.д.

Уорхол отмечал, что «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами. Поп-артисты создавали образы, который любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду - комиксы, столы для пикника, мужские штаны, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки кока-колы - все те великие вещи, которые абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать».

Так как поп-арт был инспирирован торговым дизайном, он и вернулся в коммерческий дизайн, рекламу, моду и дизайн интерьера. Две самые известные графические работы поп-арта были созданы Милтоном Глейзером (наклейка с изображением сердца и надписи «Я люблю Нью-Йорк» и плакат Боба Дилана).

Со временем популярность поп-арта несколько упала, внимание художественного мира переключилось на другие направления, такие как «оп-арт», «концептуализм» и гиперреализм», тем не менее своим возникновением каждое из них в чем-то обязано поп-арту.

изобразительный авангардистский поп арт

Критика

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ.) русск. из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту[2].

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Куниц (англ.)русск. также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма ибуржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс»

Энди Уорхол

После окончания в 1949 году художественного факультета Технологического института Карнеги переезжает в Нью-Йорк, где работает художником-иллюстратором в журналах Vogue, Harper's Bazaar и других менее популярных изданиях. Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов.

Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании.

В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».

В 1962 году Энди создаёт картины «Зелёные бутылки кока-колы» и «Банки супа „Кэмпбелл“»

Начиная с этого периода Уорхол как фотограф и художник сотрудничает со звёздами музыки и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.

Начинает снимать кинофильмы, однако как режиссёр успеха добивается только в узких кругах. Большинство его фильмов, снятых в тот период, не имели никакого сюжета. В основу сюжетных линий ложились псевдодокументальные съёмки, например: «мужчина примеряет трусы».

В 1963 году Уорхол приобретает здание в Манхэттене, здание получает название «Фабрика», тут Энди ставит на поток создание произведений современного искусства. В здании царит обстановка вседозволенности, проводятся вечеринки. Здание нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте

Димптих Мэрилимн (англ. Marilyn Diptych) -- знаменитое шелкографическое полотно американского художника Энди Уорхола, выполненное в стиле поп-арт. Работа Уорхола над картиной началась спустя неделю после смерти Мэрилин Монро, в августе 1962 года. При помощи трафаретной печати художник нанёс на холст пятьдесят одинаковых изображений актрисы, позаимствованных с известной фотографии 1953 года, сделанной на съёмках фильма «Ниагара». Картина была завершена через несколько месяцев. Двадцать пять изображений Монро в левой части диптиха ярко окрашены, в то время, как изображения на другой половине выполнены в чёрно-белых оттенках, местами размыты, нечётки, бледны. Существует мнение, что, разделяя картину на невзрачную нецветную и яркую, насыщенную, цветную части, Уорхол ассоциировал их со столь же контрастными жизнью и смертью Мэрилин Монро

Мэрилин Монро

Мэрилин Монро (Marilyn Monroe) и Энди Уорхолу стоило бы пожениться. Платиновая блондинка, еще при жизни превратившаяся в миф, и взлохмаченный отец поп-арта, создавший искусство для общества потребления. Мэрилин Монро смело называла себя «женщиной, которая на 80% состоит из рекламы». И с этим не поспоришь, ведь, снявшись всего в 30 фильмах, в которых ей далеко не всегда доставались главные роли, актриса стала символом Голливуда и имела невероятное количество поклонников по всему миру. Мэрилин была отличным ньюсмейкером, что несомненно привлекало в ее фигуре Энди Уорхола. Ее телесную раскованность он подчеркнул в ее приоткрытом рте, обнажающем белоснежные зубы, и томном взгляде. При этом художник сделал образ актрисы настолько иконографичным, что впоследствии картину «Золотая Мэрилин Монро» стали называть «Девой Марией XX века».

Однако жизненные пути двух главных икон поп-культуры XX века так и не пересеклись. Актриса покончила с собой в 1962 году. Интересно, что этот же год стал знаковым и для Энди Уорхола: в нью-йоркской галерее Ferus Gallery состоялась его первая персональная выставка.

Роя Лихтенштейна считают основоположником поп-арта. Его картины совмещают в себе элементы рекламных плакатов и комиксов. Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в еврейской семье. Его родители были среднего класса, Лихтенштейн описывал себя как тихого и спокойного ребёнка. В юные годы он был страстным поклонником джаза и часто рисовал портреты музыкантов. Для своих работ Рой выбрал технологию широко применяемую в печати рекламных листовок того времени.

Размещено на Allbest.ru