Особенности стиля поп-арт

Размещено на http://www.allbest.ru/

Введение

искусство художественный реализм

ПОП-АРТ (англ. популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop - отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) - направление в искусстве конца 1950-х - начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма.

Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф).

Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.

Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, и даже в СССР, отделенном в то время от остального мира «железным занавесом».

Зарождение поп-арта

В 1952 при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков, художников и архитекторов образовали «Независимую группу», изучавшую современные технологии и городскую народную культуру. Художники Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци начали заниматься изучением «имиджей» (обликов) массового искусства. К феномену «массовой культуры» применялись различные методы исследования - от лингвистического (семиотика) до психологического (теория игр).

Изучения проводились на основе американской культуры, к которой члены группы испытывали смешанные чувства иронии и восхищения. Ричард Гамильтон и Эдуард Паолоцци создавали композиции-коллажи из наиболее популярных тем печати и рекламы новых промышленных изделий (Ричард Гамильтон Так что же делает наши сегодняшние дома такими особенными, такими привлекательными? (1956); Эдуард Паолоцци Я была игрушкой богача (1947)).

Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй, для обозначения нового явления изобразительного творчества предложил термин «поп-арт».

В 1956 в Лондоне прошла выставка «Это - завтра», состоящая из фотографий голливудских кинозвезд и кадров из фильмов, увеличенных до размера киноэкрана.

После выставки к группе примкнули выпускники Колледжа изящных искусств: Питер Блейк, Рональд Китай, Дэвид Хокни и др. (Питер Блейк Дверь с красотками (1959)). Из интеллектуалов-исследователей художники постепенно превращались в апологетов массовой культуры, проповедников не только новой эстетики, но и нового образа жизни, основанного на анархических идеалах свободы, новых принципах морали и рок-музыке: альбом Битлз 1967 Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера оформлял П.Блейк, а обложку Белого альбома (1968) создал Р.Гамильтон.

Тиражная техника шелкографии

Соединение фрагментов различной печатной продукции в одном произведении стало одним из главных приемов поп-арта.

Первым переработал жанр коллажа Раушенберг, превратив его в композиционный прием своих шелкографий. Затем в этой технике работал Уорхол.

Шелкография давала возможность легко тиражировать одни и те же образы: «Вы берете фотографию, увеличиваете ее, переносите ее при помощи клея на шелк, а затем прогоняете через него краску так, чтобы она проходила сквозь шелк, но не сквозь клей. Таким образом, вы получаете тот же образ, но каждый раз немножко иной. Все это так просто - быстро и случайно» (POPism: The Warhol Sixties). Тираж одной шелкографии мог составлять до 300 экземпляров.

Акционизм

Особенностью английского поп-арта было то, что он никогда окончательно не порывал с традиционной живописью. Художники поп-арта других стран Европы, а также Америки, были в числе инициаторов таких форм, как хэппенинг, предметная инсталляция, энвайронмент, видео-арт.

В 1960-1970 идет процесс исследования границ и возможностей живописи. Наиболее радикальные художники стали воспринимать искусство как тотальную деятельность, как перманентный творческий процесс, не ограниченный рамками отдельного произведения.

Наиболее популярными вариантами акционизма - искусства действия, стали хэппенинг и перформанс.

Хэппенинг растворял искусство в спонтанно протекающих процессах жизни, стирал грань между искусством и действительностью, уничтожал границы между специфическими областями художественного творчества.

Действие, скорее спровоцированное, чем организованное, чаще всего разыгрывается на природе или в городской среде, в него вовлекалась публика.

Перформанс - короткое представление перед публикой художественной галереи или музея, исполненное одним иди несколькими участниками всегда заранее планировалось или протекало по задуманной программе: в 1965 американец Роберт Моррис стоя на сцене в спецовке и рабочих рукавицах «оживлял» картину Э.Мане Олимпия, в том же году состоялся знаменитый перформанс Йозефа Бойса Как объяснить картину мертвому зайцу.

В ходе перформанса могло быть создано художественное произведение.

Так, венский акционист Герман Нитч использовал в качестве краски кровь животных, которых убивали в ходе перформанса, а Ив Клейн писал картины телами натурщиц.

Новый реализм во Франции

В Европе получила развитие своя разновидность поп-арта - Новый реализм. Группа художников во Франции, организованная критиком Пьером Рестани (1960 - начало 1970-х) объявила о возвращении в изобразительное искусство предмета, вещи, употребляемой согласно случайному побуждению художника, по воле его «жеста». Отсюда - произвольное использование предмета в качестве объекта так называемых ассамблажей, аккумуляций, компрессий, динамических конструкций. Наиболее известные художники этого направления - Арман А. Фернандес, И.Клейн, Ж.Тенгли. Арман помещал скрипки, смычки в корпус из плексигласа Армандеус Кремонский сделал (1961) или выставлял мусор в стеклянном ящике

Соцарт в СССР

Официальное искусство СССР долгое время развивалось под строгим контролем государства, пресекавшего попытки художников отклониться от единственного в стране стиля - социалистического реализма. В 1960-е в СССР возникает искусство неофициальное, имеющие параллели с мировыми течениями, однако вынужденное существовать в ситуации подполья. К неофициальному искусству 60-х, за некоторым исключением, невозможно применить критерий направления или движения; это время одиночек, однако уже к началу 1970-х сложился круг художников, которых впоследствии стали называть «московскими романтическими концептуалистами», по аналогии с западными концептуалистами. Художественный андеграунд, частично преодолевший свой подпольный статус, продемонстрировал не только отклики на зарубежные течения, но, в ряде случаев, яркую самобытность. Близость поп-арту проявилась в картинах М.А.Рогинского, Е.Л.Рухина, посвященных миру обыденных, даже подчеркнуто вульгарных вещей (Михаил Рогинский Большой примус; Красная дверь, обе - 1965; Борис Турецкий Мусорная свалка (1974)).

Соц-арт, получивший развитие во 2 пол. 1970-х - нач. 1980-х, возник как пародия на соцреализм и современную массовую культуру в целом. Это направление, созданное в основном такими художниками как В.А.Комар и А.Д.Меламид, Э.В.Булатов, можно рассматривать в рамках концептуальной практики, однако здесь можно найти и прямое продолжение идей поп-арта: художники анализируют советскую картину и символику - предмет массовой культуры советского общества (Эрик Булатов Слава КПСС! (1975)).

В легальных и полулегальных, в т.ч. квартирных выставках искусство 1970-х преодолевало свой чисто станковый характер, обращаясь к методике пространственных установок - инсталляций, хэппенингов и перформансов.

Размещено на Allbest.ru