Основные художественные направления в культуре ХХ века

Размещено на http://www.allbest.ru/

Брестский государственный университет имени А.С. Пушкина

Реферат

Тема: Основные художественные направления в культуре ХХ века

По дисциплине: Теория и история мировой культуры

Выполнила

Листвинова Алина Сергеевна

Брест, 2011 год

Вначале ХХ в., традиционное реалистическое искусство уступило место модернизму и нарождавшемуся авангарду, которые всё больше выходили на передний план, пользуясь растущим вниманием со стороны средств массовой информации. Основные новации в художественной культуре, возникшие в первой половине ХХ в., формировались преимущественно в русле модернизма, ставшего специфическим путём художественного вырождения проблем этого столетия. Традиция была решительно отвергнута в пользу авангардизма - модернизм всё больше трансформируется в авангард. Авангард явился прямым продолжением модернизма, с которым у него имеется много общего, в силу чего они нередко не различаются. Однако, несмотря на имеющиеся сходства, между ними есть и существенные различия. В модернизме много двойственности, непоследовательности и противоречивости. Он не до конца порывает с прошлым, испытывает разлад с настоящим, не слишком верит в будущее. В отношениях с наукой он колеблется между тесным сотрудничеством с ней и полным её неприятием. Модернизм полон меланхолии, отмечен декадансом. Всё это ослабляло его творческий потенциал. Поэтому многие стороны модернизма нашли дальнейшее своё развитие в авангарде, который оказался более последовательным и цельным. Его основные черты - отход от культурных ценностей ХVIII - XIХ вв., прежде всего, от принципа реализма, провозглашение независимости искусства от действительности, создание новых, ни на что не похожих стилей языка, содержания в изобразительном искусстве. Можно сказать, что авангард - это модернизм, обращённый к обществу и науке и устремлённый в будущее. Модернизм - это совокупность направлений, сложившихся в искусстве ХХ в.

Модернизм - явление неоднородное, поэтому временные рамки модернизма условно определяются с 1905 г., (возникновение фовизма) до конца 1960-х гг., (переход к постмодернизму). Центрами модернизма исследователи считают Францию, Германию, Италию и Россию. Название его происходит от слова «modern», которое во многих европейских языках обозначает «современный». Модернизм как явление культуры имеет ряд особенностей. Особенно отчётливо модернизм проявился в архитектуре, где использовались новые технические средства, свободная планировка, своеобразное архитектурное оформление для создания подчёркнуто индивидуализированных зданий - собор Саграда Фамилиа (Святое семейство) и жилой комплекс Каса Мила в Барселоне испанского архитектора А. Гауди (1852-1926). Среди его инноваций использование цвета, нестандартных строительных материалов, дерзких технических решений.

Модернизм распространяется на изобразительное искусство, театр, музыку, литературу. Влияние модернизма сказывается и на философии.

Одним из самых известных течений модернизма в первом десятилетии ХХ столетия стал фовизм (от фр. fauve - дикий), представленный именами французских живописцев - А. Матисса, А. Марке, А. Дерена и др. Их объединяло стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью ярких пронзительных цветовых гамм. Природа, пейзаж использовались ими не столько в качестве объектов изображения, сколько поводом для создания напряжённых цветовых композиций. В 1905 г., на выставке в Париже художники Анри Матисс (1869-1954), Андре Дерен (1886-1954), Морис Вламинк (1876-1958) экспонировали свои произведения, которые за резкое противопоставление цветов и упрощённость форм критика назвала произведениями «диких» - les fauves, и направление получило название фовизм. Посетители увидели шутовство, клоунаду, попытку оскорбить их вкусы, дикость. Композиция у фовистов строилась на контрасте цветов, их не интересовала передача освещения, пространство лишь намечено, цвет стал основным выразительным средством. Самым талантливым среди них был Матисс. Он определял своё творчество как «выражение личного духа», как попытку создания язычески-витальной среды. В этой среде должны быть биологические и космически-витальные интуиции. Некоторые русские художники, например А.Н. Бенуа, отдельные критики (философ Н.А. Бердяев) также резко выступили против фовизма и работ Матисса в том числе.

Фовизм существовал во Франции в 1905-1907 гг.

Также его членами были художники Ж. Руо, Р. Дюфи, Ж. Брак. Фовизм - стиль живописи, характеризующийся применением смелых, ярких тонов, как в работах Ван Гога, Сезанна, Гогена. Ретроспективное обращение к Ван Гогу этих художников позволило их страстному темпераменту найти возможность осуществить их яростные требования. Фовисты превозносили динамику самого творчества, и хотели воссоздать мир средствами обострённой чувственности, благодаря магии цвета, брызжущего прямо из тюбика на холст. Но хотя фовизм представляет собой определённый темперамент, факт состояния сознания, его вклад в развитие живописи перешёл за собственные рамки, оказав влияние на несколько поколений художников. Начиная с П. Сезанна художники изображают идеи. Это важнейшая характеристика нового искусства ХХ в.

Говоря об искусстве М. Дени заметил: «Это живопись за пределами случайности, живопись в себе, чистый акт рисования. Все характеристики представления и ощущения исключены из произведения искусства. Это собственно поиски абсолюта».

Вскоре для этого абсолюта живопись пожертвует сюжетом. Это будет явление абстрактного искусства, начало которому в 1910 г., положил русский художник Василий Кандинский. Посмертная выставка произведений П. Сезанна в 1907 г., положила конец фовизму.

Начинается новая художественная революция, буквальная интерпретация знаменитой фразы Сезанна о цилиндрах, конусах и сферах как сюжетах живописи: «Смотрите на натуру как на цилиндр, шар, конус, всё в перспективе. Натура, для нас, скорее расположена в глубине, чем на поверхности». Поэтому вторым направлением модернизма принято считать кубизм - один из влиятельных художественных направлений в первой четверти ХХ в.

Кубизм (от фр. cube - куб) - авангардистское течение в изобразительном искусстве, которое выдвинуло на первый план конструирование объёмных форм на плоскости и использование неглубокой многомерной перспективы, что дало возможность представлять изображаемый предмет в виде множества пересекающихся линий и геометрических форм - куб, конус, цилиндр. По выражению автора термина «кубизм», критика Л. Вокселя, которому искусство обязано и термином «фовизм», в картинах данного направления господствует «множество кубиков». Интеллектуальный демарш кубистов был попыткой вернуться к культу рисунка и конструкции, чтобы под видимостью увидеть существенную действительность, чтобы увидеть общее в вещах. Кубисты (Пикассо, Брак, Леже, Делоне) исходили из того, что все предметы и явления, включая человека, могут быть изображены в виде суммы геометрических фигур.

Годом возникновения этого направления считается 1907 год, когда выдающийся художник П. Пикассо (1881-1973) выставил свою программную кубическую картину «Авиньонские девицы», созданную в том же году под непосредственным влиянием работы П. Сезанна «Купальщицы» и в которой варварская деформация сочетается с классической композицией - большое панно, на котором изображена сцена борделя. Женские фигуры на картине почти не объёмны, персонажи изображены в розоватом цвете, в геометризированной форме, лица написаны грубоватыми штрихами. Наиболее известные представители кубизма П. Пикассо, Ж. Брак, Х. Грис, Ф. Пикабиа, М. Дюшан, Ф. Леже и др. своим творчеством демонстрировали отказ от воссоздания пространства посредством линейной перспективы, заменив его одновременным изображением предмета с нескольких разных точек зрения. Если на первом этапе развития кубизма (1907-1913 гг.) получившем название «аналитический», все изображения дробятся на мелкие плоскости и кубики, что, по мнению авторов, позволяет глубже проникнуть в суть предметов и явлений, то на синтетической стадии всё большее внимание уделяется цвету, картины становятся всё более абстрактными, декоративными и обобщёнными, а аскетические зеленоватые, коричневатые и серые тона уступают место более ярким и контрастным. Художественная практика кубизма интересна и разнообразна. Достаточно назвать работы П. Пикассо («Портрет А. Воллара», «Три женщины», «Игрок в карты»), Р. Делоне («Башня»), кубистические коллажи Ж. Брака («Хвала И.С. Баху»), чтобы заметить, что кубизм развивался и менялся. Это направление существовало и в России (например, работы Поповой «Портрет философа и др.). Брак впервые вводит в живопись текст, напечатанный на бумаге (этикетки, вырезки из газет). В картинах появляются цифры, отдельные слова, «плавающие» в пространстве: в начале века мир стал более «разговорчив», появился телеграф, телефон, газеты, возрос поток информации, изменилась и психология человека. Живопись стала «посредником» между объектом и знаком. Ещё один новый приём - введение в живописное произведение инородных материалов. Начинают применяться песок, уголь, железо, стекло, опилки. Так картина превращалась в некий материальный объект.

Кубизм оказал большое влияние на развитие авангардистского искусства, способствовал зарождению абстракционизма, футуризма, супрематизма.

Среди авангардистских направлений ХХ в., возможно, самым сложным и противоречивым является экспрессионизм (от фр. expression - выразительность) - один из самых модных и влиятельных художественных методов на протяжении первой четверти ХХ в.

Как особое течение он сложился в Германии, а его идеолог Э.Л. Кирхнер считал экспрессионизм направлением, специфически свойственным германской нации. Само латинское слово «expression» - выражение - толковалось как внутреннее выражение торжества духа над материей. Начало экспрессионизму как художественному направлению было положено в 1905 г., организацией в Дрездене «Центра культуры свободного тела». Основными его представителями стали Э. Кирхнер, Э. Хеккель, Э. Нольде, М. Пехштейн и К. Шмидт-Роутлуф. Для их творчества характерны исступлённая мистика, почти отталкивающая деформация, угнетающий пессимизм, стремление выразить драматическую подавленность человека в мире в геометрически упрощённых формах, отказ от передачи пространства. Сложность экспрессионизма обусловлена сложностью философских систем, ставших его основой - неокантианства, философского интуитивизма А. Бергсона, феноменологии Э. Гуссерля, философии жизни Дильтея и Ницше, теории бессознательного Фрейда. Поборники данного художественного направления (немецкие художники Ф. Марк, Э. Нольде, П. Клее, русский художник В. Кандинский (1866-1944), который позже стал основоположником абстракционизма, к которому тяготели представители экспрессионизма; австрийские композиторы А. Шенберг, А. Берг и др.) провозглашали целью искусства не изображение современной действительности, а своеобразное выражение её сути в субъективном мире человека. Они стремились средствами изобразительного, музыкального, литературного искусства (Ф. Кафка) передать напряжённость человеческих эмоций, иррациональность возникающих у человека образов. Деформация нормальных фигур ради обострённой передачи человеческих страхов и страданий, нередко предстающих в виде скопища фантастических, кошмарных видений, становится стержневым направлением их творчества. Окружающий мир изображается ими в бесконечном движении, непостижимо хаотическом столкновении сил, враждебных естественному состоянию человека. Кричащие противоречия жизни Европы начала века, особенно остро проявившиеся в первой мировой войне и Октябрьской революции в России, а затем в Германии, породили в творчестве экспрессионистов яростный протест против войны и насилия, призыв к всемирному человеческому братству.

Футуризм (1909-1925) явился самым радикальным вариантом авангардизма, откровенно враждебным реализму. Футуристы отрицали искусство прошлого, призывали к разрушению музеев, библиотек, классического наследия: «Долой археологов, академии, критиков, профессоров». Наибольшее развитие футуризм получил в Италии, где его представителями были Ф. Маринетти, У. Боччони, Дж. Балла, Л. Руссоло, и в России, где его представляли В. Маяковский и В. Хлебников. Его исходной точкой стало опубликование в парижской газете «Фигаро» 20 февраля 1910 г., итальянским поэтом Ф. Маринетти «Манифеста футуризма». Основное средство очищения мира от старой рухляди итальянские футуристы видели в войнах и революциях. С восторгом встретив первую мировую войну, многие из них ушли воевать добровольцами и погибли. Их лозунг: «Война - единственная гигиена мира!». Некоторые из них после войны примкнули к фашистской партии итальянского диктатора Б. Муссолини. Поэзия футуристов заумна, направлена на разрушение живого языка, представляет собой насилие над лексикой и синтаксисом. В живописи и культуре для них характерно отрицание гармонии как основополагающего принципа искусства. Ознакомление с популярными изложениями достижений физики и психологии порождает у футуристов стремление изображать не сами предметы, а образующие их энергетические, магнитные, психологические поля, а движение изображается наложением следующих друг за другом фаз на одно изображение. Общее впечатление от картин футуристов - это ощущение хаоса. Материальность предметных форм растворена в динамике ритмов и линий. Предмет разложен на плоскости, движение расчленено на элементы. Следуя за Ф. Ницше, который утверждал, что «мир не есть нечто фактическое, он течёт, он - нечто становящееся», футуристы всеми средствами пытались передать движение, ускорение темпа жизни. Это достигается посредством ритмического повторения отдельных фигур или их частей. Например, увеличивается количество рук, ног у бегущего человека, или изображается мелькание определённых фрагментов. Де конструктивность, алогичность композиции, дисгармония цвета характерны для футуристических полотен Боччони («Состояние души»), Северини («Автобус», «Норд-Зюд»), Балла («Выстрел из ружья). Ещё одной важной особенностью футуризма было стремление внести в изобразительное искусство шумы и звуки технического мира при помощи визуальных средств. Дж. Балла.

Футуризм в России существенно отличался от своего итальянского собрата. Его поборники А. Крученых, В. Маяковский, В. Хлебников, В. Каменский, братья Бурлюки характеризовались стремлением создать новые принципы на смысловых парадоксах, новаторском «словотворчестве», что отчётливо проявлялось в зауми В. Хлебникова. Их отличало обострённое ощущение грядущего «мирового переворота», неизбежного «крушения старья» и возникновение «нового человечества». Они стремились поставить своё искусство на службу революции, но к 20 годам пришлись не по вкусу новым властям, подверглись резкой критике, а их группировки были распущены.

Широкое распространение и большое влияние в первой половине ХХ в., приобрёл абстракционизм (от лат. «отвлечение») - творческий метод абстрактного, или беспредметного, не фигурного искусства, прежде всего, живописи. Само название говорит об отчуждении этого вида искусства от жизни. Эстетическое кредо этого метода изложил выдающийся русский художник В.Кандинский в книге «О духовном искусстве»(1910 г.), где он утверждал, что художник - пророк и деятель, тянущий изо всех сил вперёд «застрявшую повозку человечества». Суть абстрактного искусства в том, считали его поборники (В. Кандинский, П. Мондриан и др.), что живопись, освободившись от изображения форм видимой действительности, может значительно глубже и полнее выразить объективно существующее.

В абстракционизме различаются два основных направления. Первое из них, обозначенное творчеством В. Кандинского, главный акцент делает на самостоятельной выразительной ценности цветового пятна, его колористическом богатстве цветовых отношений, с помощью которого художник стремится выразить глубинные «истины бытия», вечные «духовные сущности», неподвластные грубой предметности реальной действительности. Абстрактные полотна Кандинского - апогей раннего авангарда. Они представляют красочные полотна, в которых бесформенные пятна интенсивного цвета в красочных сочетаниях пересекаются кривыми или извилистыми линиями, иногда напоминающими иероглифы. «Предметность вредна моим картинам» - писал он в работе «Текст художника». Его творчество получило название абстрактного экспрессионизма.

Второе направление абстракционизма, имеющее свои истоки в творчестве великого французского живописца П. Сезанна и кубистов, характеризуется созданием новых типов художественного пространства путём сочетания всевозможных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий (К. Малевич, П. Мондриан и др.). Оно выражается в нескольких разновидностях: супрематизм (от лат. «высший, последний») К. Малевича, лучизм М. Ларионова и П. Мондриана. Выдающийся художник К. Малевич (1878-1935), реформируя язык живописи, заявлял о своём мессианстве, о намерении создать новый образ мира и более того - новый мир. Несколько лет проработав в Витебске, он снискал всемирную известность своим «чёрным квадратом» (1913 г.), который он считал не «пустым квадратом», а «восприимчивостью к абсолютной пустоте». Образ мира, сжатый до супрематичной фигуры, может легко стать планетарным знаком высшей гармонии. За чёрным последовали иные изображения квадратов - красные, даже белые на белом фоне.

В 1914 г., появилась картина «Динамический супрематизм», давшая название данному художественному направлению. На белом фоне изображён треугольник, соприкасающийся в разных местах с другими геометрическими фигурами, треугольниками, кругами разного размера. Супрематизм рассматривался К. Малевичем как абсолютное преобладание в художественной деятельности «чистого» ощущения, освобождённого от какой-либо связи с предметной реальностью.

Новаторские приёмы, разработанные приверженцами абстракционизма, оказали мощное влияние на возникновение и развитие поп-арта, оп-арта и широко используются в современном дизайне, в оформительском искусстве, в театре, кинематографе, телевидении.

Громким направлением в европейской живописи был дадаизм. В 1916 г., в Цюрихе эмигрантская богема организовала артистический «Клуб Вольтера». Его основателем был румынский поэт Тристан Тзара (1896-1963), который, найдя в словаре слово «дада» - игра в лошадки, дал новому объединению название «дадаизм» с лозунгами:

1) Новое искусство должно быть негативным;

2) Война - это очень хорошо!

3) А мир - большая дрянь!

Шедевры они презирают, а то, что делают - это артефакты. Из мусора, собираемого на помойках, комбинируют свои шедевры и выставляют. Наряду со здравым смыслом объектом разрушения становится вкус. Первыми представителями этого течения авангарда были писатель и поэт А. Бретон (1896-1966), художник М. Дюшан (1887-1968) и Т. Тзара. С перемещением дадаизма в Париж к нему примкнули поэты Л. Арагон, П. Элюар.

Сами сторонники этого движения считали его лишённым логики хаотичным направлением. Они создавали умышленно антиэстетические образы, часто прибегали к фотомонтажу и надписям, выражающим их политические взгляды. Так, чтобы попасть на одну из выставок дадаистов в Берлине, посетителям надо было пройти через общественный туалет. Они откровенно презирали традиционное искусство, что проявилось, например, в том, что в «Моне Лизе Дюшана (1919) к знаменитому портрету Леонардо были добавлены усы и борода. Дадаисты своё искусство считали средством высвобождения подсознательного в целях преобразования мира. Просуществовал дадаизм недолго, до 1922 г., а затем на его почве возник сюрреализм.

Термин «сюрреализм» (от фр. surrealism, сверхреализм) в 1917 г., ввёл французский поэт Г. Аполлинер, а принципы сформулировал поэт А. Бретон (1896-1996) в «Манифесте сюрреализма» (1924 г.). Сюрреалистическое мироощущение в искусстве родилось как философия «потерянного поколения», чья молодость совпала с Первой мировой войной. Сюрреализм представляла в основном бунтарские настроенная художественная молодёжь, действовавшая по Фрейду и маркизу де Саду. Его основные представители:

- писатели А. Бретон, Г. Аполлинер, П. Элюар, Ф. Супо;

- художники С. Дали, П. Блум, М. Эрнст, Х. Миро;

- драматурги А. Арто, Ж. Шеале;

- кинематографисты И. Бергман, А. Хичкок и др. провозгласили источником искусства сферу подсознательного - инстинкты, сновидения, галлюцинации, бред, воспоминания младенческого возраста, а основным методом - замену логических связей свободными ассоциациями. Задача художника, в их понимании, состояла в том, чтобы с помощью линий, плоскостей, формы и цвета проникнуть в глубины человеческого подсознания, которое, проявляясь в грёзах, сновидениях соединяет в единое целое реальность и ирреальность.

Самый знаменитый художник этого направления - Сальвадор Дали - называет свой подход к творчеству «критическим методом», позволяющим образы, хорошо знакомые разуму. Люди, животные, здания, пейзажи - соединять в гротескной манере так, что, например, конечности превращались в рыб, туловища женщин - в лошадей, а раскрытые женские губы - в розоватый диван. Потрясенный катастрофами ХХ в., С. Дали потрясает зрителя фантастическими, мастерски выполненными композициями, в которых причудливо переплетены страхи Эдипова комплекса.

Возникающие из подсознания чувственные сны, кошмары и фантазии, превращающиеся в скрытую реальность, образуют плывущую, колышущуюся, наполненную динамизмом картину, в центре которой часто оказывается образ плотно одетой, полураздетой и совершенно обнажённой Галы - обожаемой художником его жены, которую он описывал очень сексуальной и страстной.

Сюрреализм оказал мощное воздействие на различные сферы культуры, его влияние испытали фотоискусство (Ф. Надара, Д. Камерон и др.), «театр абсурда» (Э. Ионеско, С. Бекет), кинематограф (А. Тарковский и др.).

В 1960-е гг., сюрреализм стал уступать место искусству поп-арта. Термин «поп-арт» (англ. popular art - общедоступное искусство) принадлежит критику Лоуренсу Элоуэйю. Поп-арт возник в Америке и Англии как реакция на беспредметное искусство и представляет собой коллажи, комбинации из бытовых вещей на холсте. Изобретателями поп-арта были Роберт Раушенберг и Джэспер Джонс. Первоначально роль поп-арта ограничивалась задачей замены абстракционизма, так и не принятого широкими массами населения, на понятное широким народным массам искусство. Поп-арт провозглашает себя новым реализмом. В поп-арте широко распространено использование реальных бытовых вещей и их копий, фотографий, муляжей. Представители поп-арта считают, что в определённой организации каждая грубо материальная вещь может стать художественным шедевром. Определённое сочетание повседневных вещей в композициях и коллажах объявляется произведением искусства. В отношении к реальности поп-арт как будто противоположен абстракционизму. Если последний не приемлет предметов, то поп-арт старается их эстетизировать, вводя их сочетания в ранг художественных произведений. Особое место в поп-культуре занимает вызывающая у слушателей массовый экстаз поп-музыка, характеризующаяся подчёркнутой грубостью, примитивностью, сексуальной направленностью. Среди разновидностей поп-арта выделяют оп-арт, который к середине 1960-х гг., приходит ему на смену. Это оптическое искусство, основоположником которого считается Виктор Вазарелли. Смысл оп-арта - в эффектах цвета и света, проведённых через оптические приборы на сложные геометрические конструкции. Оп-арт имел некоторое воздействие на художественную промышленность, прикладное искусство, рекламу. Также к разновидностям поп-арта относят: эл-арт с движущимися конструкциями - кинетическое искусство с разного рода гудящими, вращающимися и прочими механизмами и окр-арт с предметами, окружающими зрителя. Разновидности поп-искусства не отличаются друг от друга по своему смыслу. Стиль поп-арта похож на стиль оформления товаров на витрине или рекламу. Рекламная эстетика поп-арта заключается в прямой фетишизации вещи или демонстрации старой вещи, которую должна сменить новая. Впрочем, цель поп-арта не само искусство, а рекламируемые предметы. Бездуховный поп-арт подменяет подлинное искусство демагогическими произведениями. Поп-арт идеально подходит для «человека толпы», ориентированного на потребление, воспитанного на рекламе и средствах массовой коммуникации.

Определяющей тенденцией развития Западной культуры во второй половине ХХ столетия становится возрастающее влияние постмодернизма. Хотя сам термин «постмодернизм» (дословный перевод - после современности) появился ещё в первой четверти века в работе Р. Панцвица «Кризис европейской культуры», лишь в середине века (1947) ему был придан культурологический смысл в работе выдающегося английского социолога и историка Арнольда Тойнби «Изучение истории». Этим термином ныне обозначается широкое культурное течение, включающее в свою орбиту философию, эстетику, гуманитарные науки и искусство. Оно характеризуется разочарованием в идеалах и ценностях Возрождения и Просвещения с их верой в торжество человеческого разума, безграничность человеческих возможностей и прогресс.

Авангардистской ориентированности модернизма на новаторство постмодернизм противопоставляет стремление включить в современную культуру весь мировой художественный и философский опыт посредством его ироничного цитирования, осмысления и интерпретации. В русле постмодернизма развиваются современные тенденции западной философии (Ж. Бодрийяр, Ж. Делез, Ф. Гваттари, Ж. Лиотар, Ж. Деррида, Ю. Кристева и др.), художественной литературы (Б. Виан, У. Эко, Н. Мейлер и др.), живописи (М. Мерц, М. Палладино, О. Фукс и др.), социологии (П. Бурдье, Н. Луман, Э. Гидденс), теологии (Г. Кокс, Дж. Миллер, Д. Ахлен, Дж. Линдбек), архитектуры (Дж. Стирлинг, Ч. Джэнкс), музыки (А. Шнитке и др.). Постмодернизм чаще всего трактуется как символ постиндустриального общества и глубинных трансформаций современного социума, как порождение «усталой», энтропийной культуры. Он утверждает своим творчеством принципы плюрализма, алогизма, адогматизма, отсутствия первого символа, безграничной иронии к предшествующим культурным ценностям. Единственной нормой, которую признают постмодернисты, является отсутствие норм и канонов торжества не нормативности, безбрежный эклектизм.

Одной из важнейших категорий постмодернизма является «де конструкция», под которой понимается принципиальная невозможность содержательного истолкования бытия, а вместо этого выдвигается возможность множественного истолкования одного текста посредством другого без соблюдения каких-либо жёстких рамок и правил (что отчётливо видно, например, в произведениях ныне модного российского писателя В. Пелевина). Тем самым признаётся исчерпанность творческих потенций западной культуры, в которой чаще всего возникают не новые идеи, а лишь тиражирование и своеобразная интерпретация уже однажды сказанного. «Всякий текст написан на тексте».

Литература

1. Никитич Л.А. Культурология. Теория, философия, история культуры: Учебник для студентов вузов/ Л.А. Никитич. - ЮНИТИ-ДАНА, 2005. - 559 с. - (Серия «Cogito ergo sum»).

2. Чернокозов А.И. История мировой культуры (Краткий курс). Ростов-на-Дону, «Феникс», 1997. - 480 с.

3. Культурология: учеб. пособие для вузов / С.В. Лапина, Е.М. Бабосов, А.А. Жарикова и др., под общ. ред. С.В. Лапиной. - 3-е изд. - Мн.: Тетра-Системс, 2006. - 496 с. искусство авангард художественный

4. Культурология: учеб. пособие / З.А. Неверова и др., под науч. ред. А.С. Неверова. - 4-е изд., испр. - Минск: Выш. шк., 2008. - 368 с.

Размещено на Allbest.ru