История искусства Древнего мира, Античности, Средневековья и Нового времени

Культура Древней Индии начала складываться уже в 3 тысячелетии до н.э., в период разложения первобытно-общинного строя и становления классового общества. Как и в других странах Древнего Востока, в Индии процесс формирования рабовладельческого строя шел медленно. Пережитки первобытно-общинных отношений в Индии сохранились вплоть до средних веков.



Музыкальное искусство второй половины ХХ в. (Элвис Пресли, «Битлз», «Пинк Флойд»)

XX века рок-музыка занимает особое место. Сформировавшаяся около 40 лет назад, она пережила период бурного расцвета и распространилась по всем регионам мира. В процессе своего развития она пережила несколько стилистических модификаций и стала каналом превращения субкультуры американских негров в один из самых влиятельных элементов современной мировой музыкальной культуры. Обладая специфической простотой музыкальных выразительных средств, рок-музыка оказала сильное эмоциональное и мировоззренческое воздействие на свою аудиторию, к которой в первую очередь принадлежала значительная часть молодежи из стран западно-европейской культурной ориентации. Нетипичные для культуры последних веков формы поведения ее любителей на концертах (превращавшихся подчас в настоящие массовые радения), а также экстатические реакции при прослушивании записей в наиболее репрезентативных для рок-музыки стилях и привлекли внимание сначала общественности, а вскоре - и специалистов из разных областей музыкальной науки.

Эмлвис Ааромн Премсли (8 января 1935- 16 августа 1977) - американский певец и актёр, один из самых коммерчески успешных исполнителей популярной музыки XX века]. Его известность настолько широка, что многие люди называют его лишь по имени -- «Элвис». С Элвисом Пресли также ассоциируется устойчивое словосочетание «Король рок-н-ролла». Находится на третьем месте среди величайших исполнителей всех времён и величайших вокалистов по версии журнала Rolling Stone является одним из самых продаваемых исполнителей, продав по всему миру 1 миллиард копий альбомов, уступив только Beatles.

The Beatles отдельно участников ансамбля называют «битлами», также их называют «великолепной четвёркой» -- британская рок-группа из Ливерпуля, основанная в 1960 году, в составе которой играли: Джон Леннон, Пол Маккартни, Джордж Харрисон, Ринго Старр. Также в разное время в составе группы выступали Пит Бест, Стюарт Сатклифф и Джимми Никол. Большинство композиций The Beatles созданы в соавторстве и подписаны именами Джона Леннона и Пола Маккартни.

Начав с подражания классикам американского рок-н-ролла 1950-х, The Beatles пришли к собственному стилю и звучанию. The Beatles оказали значительное влияние на рок-музыку и признаются специалистами, как одна из наиболее успешных групп XX века, как в творческом, так и в коммерческом смысле. Музыкантам группы и их продюсеру и звукорежиссёру Джорджу Мартину принадлежат новаторские разработки в области звукозаписи; комбинирования различных стилей, включая симфоническую и психоделическую музыку; а также съёмок видеоклипов. Группа завоевала семь наград Грэмми. Вся четвёрка, в знак признания заслуг перед страной, награждена орденами Британской империи The Beatles прекратили совместную работу в 1970

Pink Floyd -- английская рок-группа. Знаменита своими философскими текстами, акустическими экспериментами, инновациями в оформлении альбомов и грандиозными шоу. Является одной из влиятельных и наиболее успешных групп в рок-музыке -- 74,5 млн проданных альбомов в США (седьмое место), в мире же было продано около 300 млн

Группа была основана в 1965 году однокурсниками по архитектурному факультету лондонского политехнического института Последний альбом группы (The Division Bell), последний тур и негласный распад состоялись в 1994 году. Каждый из участников группы сделал в той или иной степени успешную карьеру, в основном опираясь на опыт альма-матер. Последнее выступление классического состава произошло в июле 2005 года на концерте Live 8.



Культура Древнего Китая

Китайская культура -- одна из наиболее интересных и, безусловно, уникальных восточных культур. Она принадлежит к кругу великих речных цивилизаций, возникших в древности. Начало культурной истории Китая восходит к рубежу III-II тыс. до н. э. Именно к этому времени китайская историография относит период правления пяти легендарных императоров, эра владычества которых воспринималась как золотой век мудрости, справедливости и добродетели.

Непрерывность развития китайской культуры -- одна из важнейших ее особенностей, неразрывно связанная с такими чертами этой культуры как традиционализм и замкнутость. Замкнутость китайской культуры основана на убеждении китайцев в своей исключительности, в том, что их страна является центром обитаемой земли и всего мироздания. Поэтому китайцы называли ее Срединной империей.

Становлению единой культуры способствовало то обстоятельство, что древние китайцы населяли единую равнину, целостный географический район. Это обусловливало тесное общение народов Китая между собой. У них сравнительно быстро сложился единый хозяйственный уклад, что, в свою очередь, предопределило общность самых разных сторон быта, начиная с облика жилищ и кончая годовым ритмом праздников.

Замкнутый характер развития древнекитайской культуры, обеспечивший ей стабильность, самодостаточность, консерватизм, любовь к четкой организации и порядку, предопределил исключительную роль традиций, обычаев, ритуалов и церемоний. В зависимости от социального положения каждому человеку предписывались строго определенные нормы поведения, широко известные как «китайские церемонии». Из всех известных нам стран и культур именно в Китае система обязательных и общепринятых норм поведения была особенно развитой. Существовало даже специальное учреждение -- Палата церемоний, которая строго следила за выполнением правил, обрядов и процедур, унаследованных от прошлого. Статус человека в Китае мог меняться. Простолюдин в Китае мог стать даже императором, но нормы поведения, характерные для определенного статуса, никогда не менялись.

На очень ранней стадии развития культуры в Китае вся человеческая жизнь стала соизмеряться с природой, через законы которой люди пытались осмыслить принципы своего бытия. Поэтому у китайцев было особое отношение к природе: наряду с ее обожествлением для китайской культуры, как ни для какой другой, были характерны ее эстетизация и поэтизация. По этой причине в китайской художественной культуре раньше всего возникают пейзажная живопись, лирика и архитектура. Поэтизация природы направила всю художественную деятельность человека и все виды его творчества в единое русло. В узорах прикладного искусства, в орнаментах тканей и архитектурных произведений, в оформлении погребений отразилось то благоговейное чувство красоты мира, то ощущение связи с ним человека, которое впоследствии способствовало рождению первых в мире образцов пейзажной живописи. Можно даже сказать, что «пейзажный взгляд» распространился на все явления жизни. Уже в глубокой древности китайские мастера научились выявлять и обыгрывать живописные качества самого природного материала, из которого создавали то или иное произведение искусства. Они использовали игру его цветов, пятен, различие фактур, шероховатость или гладкость поверхности. Предметы из речного камня, сосуды из глины, изделия из дерева и металла, выполненные в Древнем Китае, всегда отличались не только красотой, но и живой подвижной жизнью узора, выявленного в их структуре, грацией ритмических сочетаний, осязаемой прелестью обработанной поверхности.

В Древнем Китае накопились богатые и стойкие традиции в разных областях культурной жизни. Поэтому и достижения китайской культуры поражают наше воображение: это шелк, бумага, компас, порох и т.д. Однако Китаю принадлежат не только культурные достижения, без которых немыслим современный мир. Свойственные китайской культуре традиционализм и гилозоизм (видение природы как живого организма, оживотворение природы), соединенные с рационализмом китайского мышления, дали уникальный результат: удивительное чувство природы, способность видеть в ее отдельных проявлениях целое. Человек в этой культурной атмосфере стремится не к подчинению природы, а к жизни во всей ее природной полноте и рациональной устроенности.

Понять специфику китайской культуры можно лишь обратившись к картине мира, сложившейся в китайской культуре, ее основным категориям, нормам и ценностям.

Творчество И.С. Баха как ярчайшее явление музыки барокко (жанры, полифония, светское и церковное начало)

Иоганн Себастьян Бах - один из величайших философов в музыке, возвышенный гуманист, глубокий лирик. Бах - гениальный мастер фуги. Полифоническая форма фуги даёт возможность композитору запечатлеть внутренний мир человека в те минуты, когда его переполняют различные думы и чувства. Они наплывают друг на друга, теснятся, расслаиваются, рассеиваются, перекликаются между собой и возникают вновь в целостной форме. Фуги присутствуют в баховских ораториях, кантатах, мессах, вариациях, сюитах, инвенциях. Наряду с однотемными фугами появляются сложные двойные и тройные фуги.

Тема любой их баховских фуг подобна зерну, которое прорастает и развивается в фугу. Темы знаменитого «Хорошо темперированного клавира» ёмки, ясно очерчены, полны внутренней энергии. И ещё они отточено красивы.

Любимым инструментом Баха был орган. Бах владел им в совершенстве. Именно орган с его богатейшими возможностями раскрывал слушателям всё богатство и мощь баховского гения. Органные произведения Баха вдохновенны, виртуозны, блестящи. Для органа он написал множество прелюдий, фуг, концертов.

Светские сочинения Баха отличаются разнообразием тематики, яркостью образов и широтой интересов композитора. Среди них концерты, сонаты, сюиты и кантаты («Шутка», «Крестьянская», «Кофейная»).

Духовная культура Японии.

"КОКОРО - ДУХОВНАЯ КУЛЬТУРА ЯПОНИИ"

Но "японская душа", т.е. сущность японского национального характера и дух традиционной японской культуры, по-прежнему, остаются и, очевидно, останутся навсегда - как и "загадочная русская душа" - тайной. И предлагаемая здесь уже довольно давняя (2000 г.) моя статья - это попытка рассмотреть три понятия японской культуры (тама="душа", иноти="жизнь", кокоро="сердце"), которые всего лишь формулируют некоторые фундаментальные фольклорно-этнографические, культурно-антропологические и социально-психологические характеристики этих духа и сущности.

Творчество композиторов Могучей кучки

«Могучая кучка» (Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа) -- творческое содружествороссийских композиторов, сложившееся в Санкт-Петербурге в конце 1850-х и начале 1860-х годов. В него вошли: Милий Алексеевич Балакирев (1837--1910),Модест Петрович Мусоргский (1839--1881), Александр Порфирьевич Бородин(1833--1887), Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844--1908) и Цезарь Антонович Кюи (1835--1918). Идейным вдохновителем и основным немузыкальным консультантом кружка был художественный критик, литератор и архивист Владимир Васильевич Стасов(1824--1906).Название «Могучая кучка» впервые встречается в статье Стасова «Славянский концерт Балакирева» Группа «Могучая кучка» возникла на фоне революционного брожения, охватившего к тому времени умы русской интеллигенции. Результаты своих изысканий в том или ином виде они воплощали в сочинениях камерного и крупного жанра, особенно в операх, среди которых «Царская невеста», «Снегурочка», «Хованщина», «Борис Годунов», «Князь Игорь». В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства. Многие русские композиторы конца XIX -- первой половины XX веков рассматриваются историками музыки как непосредственные продолжатели традиций Могучей кучки

Художественные и эстетические особенности культуры Древнего Востока

Развитие древневосточного искусства было неразрывно связано со многими сторонами общекультурных процессов Востока. Художественный аспект восточной жизни вобрал в себя черты экономико-политического устройства, религиозных и философских представлений, бытовых традиций, правовых и этических норм.

Роль деятеля искусства в древнем обществе была велика и почетна. Иногда художника приравнивали к сану жрецов. Но его деятельность не рассматривалась как самодостаточная. Живописец, скульптор, литератор были призваны своим творчеством реализовывать высшие общественные установки и отказываться от любых форм художественного экспериментаторства, выходящего за пределы предписанных задач. Это связано с глубоким традиционализмом древневосточных культур. Многие представления народов Востока о важнейших сторонах бытия сложились очень рано и сохранялись на протяжении не только столетий, но тысячелетий. Потому и искусство как неотъемлемая часть культурной системы должно было неукоснительно следовать как общекультурным, так и художественным традициям.

Потребность зафиксировать устоявшиеся принципы и нормы культуры толкала народы Древнего Востока, в частности египтян, к созданию развитой системы канонов, предписывающих художнику правила пользования пропорцией и цветом, схемы изображения людей и животных. Канон становится важнейшим эстетическим принципом, определяющим творческую деятельность мастера. Древнеегипетский художник выступал в роли хранителя священных законов, наиважнейшим из которых являлось разграничение посредством искусства кратковременной жизни, земной и вечной. Произведение искусства получало в связи с этой установкой особую функцию перевода образов и сюжетов реальной действительности в предельно обобщенную идеальную форму, лишенную сиюминутности, созданную для бессмертия. Каноническая культура Древнего Востока выработала язык, отвечающий идее постоянства, -- экономный графический знак, четкий контур, строгую и ясную линию. «Даже когда изображалось самое простое, самое обыденное -- пастух доит корову, или служанка подает ожерелье своей госпоже, или идет стадо гусей, -- эти бесхитростные мотивы выглядят не столько изображением мимолетного действия, сколько чеканной формулой этого действия, установленной на века». Художественный эффект в таком искусстве достигался при незначительном варьировании форм внутри канонической схемы.

Миф -- это произведение устного народного творчества, сохранившее опыт поэтического осмысления действительности; это способ жизни, мышления, чувствования. Мифологические образы и сюжеты не трудно отыскать и в тех формах искусства, которые далеки от словесного воплощения -- в скульптуре, в живописи, в архитектуре. Скажем, в Шумере храмы украшались изображениями не конкретных человекоподобных богов, а тотемами этих богов, являя как бы свернутую формулу ранних шумерских мифов (скульптурное оформление храма Энину является иллюстрацией мифологических сюжетов о Нингирсу и богине Узуд -- священной козе).

Мифы, имеющие временную протяженность, могут быть, следовательно, свернуты до символического образа. Склонность к символизации художественных форм (не только мифологических) одна из типичнейших черт древневосточного искусства, вызванная желанием приостановить и обобщить в символической фигуре длительный человеческий опыт в постижении внутренней сути вещей. В символе идея остановлена, чтобы обнажить многомерность смыслов.

М.И. Глинка - родоначальник классической русской музыки (на примере оперы «Жизнь за царя»)

Михаил Иванович Глинка (20 мая [1 июня] 1804 --3 [15] февраля 1857) -- русский композитор, основоположник национальной композиторской школы. Сочинения Глинки оказали сильное влияние на последующие поколения композиторов, в том числе на А. С. Даргомыжского, членов «Могучей кучки», П. И. Чайковского, развивавших в своей музыке его идеи.

После долгих поисков сюжета для оперы Глинка, по совету В. Жуковского, остановился на предании об Иване Сусанине. В 1836 году опера «Жизнь за царя» была закончена, однако Михаилу Глинке с большим трудом удалось добиться принятия её к постановке на сцене Петербургского Большого театра. Этому с большим упорством препятствовал директор императорских театров А. М. Гедеонов, который отдал её на суд «директору музыки» капельмейстеру Катерино Кавосу. Кавос же дал произведению Глинки самый лестный отзыв. Опера была принята.

Премьера «Жизни за царя» состоялась 27 ноября(9 декабря) 1836 года. Успех был огромным, опера была с восторгом принята обществом.



Исламская культура

Исламская культура, это не только сам ислам, как религия, но и система культурных традиций, мощный идейный комплекс, социальные нормы, множество мифических и поэтических образов и преданий, определяющих быт и жизнь народов исламского мира. Исламская культура примечательна тем, что возникла и развивается на религиозной основе. Её представления о жизни сводятся к тому, чтобы жизнь велась в подчинении воле Аллаха, согласно его приказам и запретам, регулировании практически всех сфер жизни мусульманина строгими предписаниями Шариата.

Времена года в творчестве композиторов. (П.И. Чайковский, А. Вивальди)

Смена времен года - тема, которая испокон века притягивает внимание музыкантов. Прославленные композиторы в своих творениях воспевают истинную красоту зимы. Знаменитые мастера Антонио Вивальди, Йозеф Гайдн, Клод Дебюсси, Франц Шуберт, Петр Ильич Чайковский, Николай Андреевич Римский Корсаков, Александр Константинович Глазунов, Георгий Васильевич Свиридов обращались к теме «времена года», создавая свои шедевры.

"Времена года" Чайковского - это своеобразный музыкальный дневник композитора, запечатлевший дорогие его сердцу эпизоды жизни, встречи и картины природы. Этим лирическим чувством композитора, любовью к жизни и восхищением ею и наполнена музыка одного из музыкальных шедевров Чайковского, фортепианного цикла "Времена года". Энциклопедией русской усадебной жизни XIX века, петербургского городского пейзажа можно назвать этот цикл из 12 характеристических картин для фортепиано. В его образах запечатлены Чайковским и бескрайние русские просторы, и деревенский быт, и картины петербургских городских пейзажей, и сценки из домашнего музыкального быта русских людей того времени.

12 пьес -12 картинок из русской жизни Чайковского получили при издании эпиграфы из стихов русских поэтов

"У камелька". Январь

"Масленица". Февраль

"Песня жаворонка". Март

"Подснежник". Апрель

"Белые ночи". Май

"Баркарола". Июнь

"Песнь косаря". Июль

"Жатва". Август

"Охота". Сентябрь

"Осенняя песнь". Октябрь

"На тройке". Ноябрь

"Святки". Декабрь

Времена года венецианского композитора Антонио Вивальди -- первые четыре из двенадцати скрипичных концертов его восьмого опуса, одни из самых знаменитых его произведений и одни из известнейших музыкальных произведений в стиле барокко. Концерты написаны в 1723 году и впервые опубликованы два года спустя. Каждый концерт посвящён одному времени года и состоит из трёх частей, соответствующих каждому месяцу. Каждому из концертов композитор предпослал сонет - своего рода литературную программу. Предполагается, что автором стихов является сам Вивальди. Нужно добавить, что парадигма барочного художественного мышления не ограничивается единственным смыслом или сюжетом, и предполагает побочные смыслы, намёки, символы. Первая напрашивающаяся аллюзия -- четыре возраста человека, от рождения до смерти (финальная часть содержит недвусмысленный намёк на последний круг дантова ада). Столь же неприкрыт намёк на четыре региона Италии, согласно четырём сторонам света и пути солнца по небу. Это восход (восток, Адриатика, Венеция), полдень (сонный, жаркий юг), пышный закат (Рим, Лаций) и полуночь (холодные предгорья Альп, с их замёрзшими озёрами). Но в целом содержание цикла гораздо богаче, что было ясно любому тогдашнему просвещённому слушателю. В то же время Вивальди достигает здесь высот жанровости и прямой изобразительности, не чуждаясь юмора: в музыке присутствуют лай собак, жужжание мух, рёв раненого зверя и т. п. Всё это, вкупе с безукоризненно прекрасной формой, и обусловило признание цикла как бесспорного шедевра

Особенности русской культуры

Об особенностях российской культуры можно говорить только конкретно, сравнивая ее с культурами известных соседей ближнего и дальнего зарубежья.

К особенностям российского культуры (сравнительно с соседскими культурами) можно отнести:

Связь с православными взглядами и ценностями. Отсюда - тяга к соборности (все вместе), уважение к правде, воспитание в себе благодарности и любви к окружающим, при этом ощущение своей грешности, негативное отношение к вере в свои силы (гордыня), негативное отношение к деньгам и богатству, склонность полагаться на волю Божью.

Постоянный поиск духовности и смысла жизни, при этом черты романтизма. Возвеличивание Человека вообще и принижение конкретного человека в частности (отсутствие привычки к уважению каждого конкретного человека)



Балетное творчество П.И. Чайковского

Ни один крупный русский композитор до Чайковского не обращался к сочинению балетов. В середине 70-х годов Чайковский, автор четырех опер, трех симфоний, двух квартетов и других сочинений, обратился к созданию балета "Лебединое озеро" 1877. С появлением "Спящей красавицы" 1889 и "Щелкунчика" 1892 сформировалось новое явление - балетный театр Чайковского Балеты Чайковского составляют основу музыкальных театров мира.

Особенности современной культуры

С середины XX в. появляется новая форма культуры - массовая культура, предназначенная для большой аудитории. Она постоянно изменяется, для того чтобы удовлетворить запросы большинства людей, т. е. массовая культура напрямую зависит от рынка, моды и актуальности на данный момент.

Огромную роль в жизни современного человека занимает музыкальное искусство. Сейчас это не только классическая музыка. Появилось огромное число жанров и направлений, уследить за изменениями которых очень сложно. Новая поп-музыка появилась, отделившись от традиционной музыки, с появлением рок-н-ролла.

Современная музыка в основном построена на электронном звучании, танцевальной динамичности. Важной чертой современной музыкальной культуры является тот факт, что большое значение имеет не только сама музыка, но и образ ее исполнителя, его имидж. Как следствие - появление в 80-х г. XX в. видеоклипов как видео-интерпретации песни. Очень часто именно видеоклип определяет популярность музыкальной композиции. Вместе с тем создается новый вид танца - эстрадный танец.



Оперное творчество Н.А. Римского-Корсакова

В середине 1870-х он обратился к оперному жанру, ставшему впоследствии ведущим в его творчестве (в 1872 году окончена опера «Псковитянка», «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») -- опера Михаила Ивановича Глинки в 4 актах с эпилогом. В опере рассказывается о событиях 1612 года, связанных с походом польской шляхты на Москву Премьера состоялась 27 ноября (9 декабря) 1836 года в петербургском Большом театре.

«Руслан и Людмила» -- опера Михаила Ивановича Глинки в 5 действиях. Либретто Валериана Ширкова, Константина Бахтурина и Михаила Глинки при участии Н. А. Маркевича, Н. В. Кукольника и М. А. Гедеонова[1] поодноимённой поэме Александра Пушкина с сохранением стихов подлинника. Работа над оперой началась в 1837 году и шла в течение пяти лет с перерывами. Глинка приступил к сочинению музыки, не имея готового либретто. Из-за смерти Пушкина он был вынужден обратиться к другим поэтам, в том числе любителям из числа друзей и знакомых -- Нестору Кукольнику, Валериану Ширкову, Николаю Маркевичу и другим.

Русские народные художественные промыслы

Народные художественные промыслы, также называемые народным ремеслом - широкий спектр изделий, изготовленных при помощи простых подручных материалов, и несложных инструментов. Этот традиционный вид промысла разнообразен креативными видами деятельности, где вещи, создаются собственноручно при помощи умений и смекалки. Работа может выполняться на ткани, дереве, цветных металлах, бумаге и т.д. Обычно термин применим к вещам, которым находят не только эстетическое, но и практическое применение.

Народное ремесло берет некоторые начала от сельского ремесла, благодаря которому создавались предметы первой необходимости, включая сложные конструкции. Сельские ремесла известны ещё с древних времен, фактически, появившись в тот момент, когда человечеству потребовались новые инструменты и предметы для быта. Стоит упомянуть, что в разных регионах и областях, у разных народов искусства и культуры различались, следовательно, различались и их ремесла. Как и народное искусство, народное ремесло нередко зависело от религиозных, культурных, и иногда даже политических убеждений.

Многие рукодельные изделия создаются из природных или близких к природным материалов, но многие модернисты также используют необычные детали, например, мусор или части промышленных отходов.

Изделия считаются народным ремеслом до тех пор, пока процесс их изготовления не ставится на автоматизацию или массовое изготовления промышленного или фабричного типа.

Поскольку ручная работа и подобного рода ремесло развивает интеллект и разного рода навыки, иногда в учебные процессы школ и институтов вводят специальные задания по созданию чего-либо. Для изготовления многих изделий нужны определенные навыки, но, как правило, научиться ремеслу может каждый. Многие виды ремесла становятся популярными уже спустя некоторое время после появления, иногда - нет.

Народные художественные промыслы восходят к древности, к домашним промыслам и деревенскому ремеслу. Позже образовались работающие на рынок кустарные промыслы, а также частные мастерские, вовлечённые в систему капиталистического рынка и нередко не выдерживавшие конкуренции фабричных товаров. В конце XIX -- начале XX вв. во многих странах началось возрождение народных художественных промыслов, программно-противопоставлявшихся массовому промышленному производству бытовых изделий.

Мастерство изготовления того или иного вида художественных изделий в народных художественных промыслах передавалось из поколения в поколение[1].

В СССР отдельные мастера художественных промыслов были объединены в артели и кооперативы, что постепенно ухудшало качество изделий в угоду выполнению плана.

В России известны: Федоскинская миниатюра, жостовская роспись, абрамцево-кудринская резьба, богородская резьба, ростовская финифть, мастерские в Талашкино и др.). В ряде страннародные художественные промыслы развиваются при поддержке государства (в Российской Федерации -- палехская миниатюра, крестецкая строчка, дымковская игрушка, вятское кружево, абашевская игрушка, каргопольская игрушка, филимоновская игрушка, гжель, тульское оружейное дело и др.

Д. Шоставович. 7 симфония («Ленинградская»)

Седьмая симфония ор. 60 «Ленинградская» до мажор -- одно из важнейших произведений Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. Создана композитором в 1941 году. Первые три части написаны им в доме Бенуа в Ленинграде(закончены в августе 1941 года, а с 8 сентябряначалась блокада Ленинграда).

Финал симфонии, завершенный в декабре 1941 года, композитор создал уже в Куйбышеве, где на сцене Театра оперы и балета она и была впервые исполнена 5 марта 1942 года оркестром Большого театра Союза СССР под управлением С. А. Самосуда. 9 августа 1942 года произведение прозвучало в блокадном Ленинграде. Исполнял симфонию Большой симфонический Оркестр Ленинградского радиокомитета. В дни блокады некоторые музыканты умерли от голода. Репетиции были свёрнуты в декабре. Когда в марте они возобновились, играть могли лишь 15 ослабевших музыкантов. Несмотря на это, концерты начались уже в апреле.

В мае самолёт доставил в осажденный город партитуру симфонии. Для восполнения численности оркестра недостающие музыканты были присланы с фронта.

Зал филармонии был полон. Публика была самой разнообразной. На концерт пришли моряки, вооруженные пехотинцы, одетые в фуфайки бойцы ПВО, исхудавшие завсегдатаи филармонии. Исполнение симфонии длилось 80 минут. Всё это время орудия врага безмолвствовали: артиллеристы, защищавшие город, получили приказ командующего Ленинградским фронтом Л. А. Говорова -- во что бы то ни стало подавлять огонь немецких орудий. Операция огневого подавления вражеских батарей называлась «Шквал».

Новое произведение Шостаковича потрясло слушателей: многие из них плакали, не скрывая слёз. Великая музыка сумела выразить то, что объединяло людей в то трудное время: веру в победу, жертвенность, безграничную любовь к своему городу и стране.

Во время исполнения симфония транслировалась по радио, а также по громкоговорителям городской сети. Её слышали не только жители города, но и осаждавшие Ленинград немецкие войска. Много позже, двое туристов из ГДР, разыскавшие Элиасберга, признались ему:

Тогда, 9 августа 1942 года, мы поняли, что проиграем войну. Мы ощутили вашу силу, способную преодолеть голод, страх и даже смерть…

Декоративно - прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство является почвой и основой любой национальной культуры, от него тянутся нити ко всем видам художественной деятельности людей.

Прялки и вальки, лукошки и туеса, подпоры и кокошники, пряничные и набивные доски, дуги и квасники и другие народные промыслы - все это уже ушло из жизни и стало достоянием музеев. Но зато все чаще сегодня мы говорим о вологодском кружеве, хохломской росписи, дымковской игрушке, лаковой миниатюре Палеха - о художественных промыслах наших дней, наследниках декоративно-прикладного искусства прошлого.

Декоративно-прикладное искусство - сложное и многогранное явление культуры. Понятие это очень широкое и глубокое. Широкое потому, что охватывает многие виды народного промысла - зодчество, музыку, танцы, фольклор, бытовое искусство. Глубокое потому, что живет вместе с народом, уходя корнями в седую древность и развиваясь в наши дни.

Уже в формах каменных орудий первобытного человека, в простейших геометрических фигурах орнамента на древнейшей керамике проявляются начатки творчества, которое сопровождало жизнь народа на протяжении всей его истории. Шло время, сменялись исторические эпохи и многие поколения людей, но всегда существовала в народе потребность украшать свой быт, делать радостным труд, дополнять свою нелегкую жизнь красотой.

Наиболее искусно украшались вещи не повседневного пользования, а праздничные, предназначенные для определенных, подчас сложных ритуалов и народных обрядов.

Ф. Яруллин. Балет «Шурале». 19 декабря 1913

«Шуралем», «Алим-Батыр» -- балет в 3 актах Фарида Яруллина. Либретто Ахмета Файзи и Леонида Якобсона по мотивам одноимённой поэмы Габдуллы Тукая, основанной на татарском фольклоре. Модные в 1930-е годы Декады литературы и искусства республик СССР порождали в городах, не знавших до тех пор классического искусства, театры оперы и балета, консерватории и литературные институты. Подобное случилось и с Татарской АССР.30 августа 1940 года был издан указ о проведении в Москве декады татарской литературы и искусства в августе 1941 года. Для подобного ответственного смотра был необходим национальный балет. (Кстати, Татарский национальный оперный театр открылся лишь 17 июня 1939 года). Мировая премьера балета «Шурале» - 12 марта 1945 года. Ленинградский вариант балета, осуществлённый Леонидом Якобсоном в 1950 году получил новое название -- «Али-Батыр». Именно с этим названием спектакль получил Сталинскую премию. А в 1958 году Фариду Яруллину за балет «Шурале» была посмертно присуждена Государственная премия Татарстана имени Г. Тукая.

Творчество Н. Жиганова

Творчество -- 8 опер, 3 балета, 17 симфоний, сборники фортепианных пьес, песни, романсы. Завидной оказалась судьба крупных сочинений, созданных в консерваторские годы: в 1938 г. в первом симфоническом концерте, открывшем Татарскую государственную филармонию, была исполнена его Первая симфония, а 17 июня 1939 г. постановкой оперы «Качкын» («Беглец», либр. А. Файзи) открылся Татарский государственный театр оперы и балета. Вдохновенный певец героических свершений народа во имя Родины -- а этой теме, кроме «Качкын», посвящены оперы «Ирек» («Свобода», 1940), «Ильдар» (1942), «Тюляк» (1945), «Намус» («Честь», 1950), -- композитор наиболее полно воплощает эту центральную для него тему в своих вершинных произведениях -- в историко-легендарной опере «Алтынчач» («Золотоволосая», 1941, либр. М. Джалиля) и в опере-поэме «Джалиль» (1957, либр. А. Файзи). Оба произведения покоряют эмоционально-психологической глубиной и неподдельной искренностью музыки, с выразительной, сохраняющей национальную основу мелодикой, и искусным сочетанием развитых и целостных сцен с действенно-сквозным симфоническим развитием.

Неотделимо-родствен оперному творчеству большой вклад Жиганова в татарский симфонизм. Симфоническая поэма «Кырлай» (по сказке Г. Тукая «Шурале»), драматическая увертюра «Нафиса», сюита Симфонические новеллы и Симфонические песни, 17 симфоний, сливаясь воедино, воспринимаются как яркие главы симфонической летописи: в них то оживают образы мудрых народных сказок, то живописуются пленительные картины родной природы, то развертываются коллизии героических борений, то музыка вовлекает в мир лирических чувств, а эпизоды народно-бытового или фантастического характера сменяются экспрессией драматических кульминаций.

Творческое кредо, характерное для композиторского мышления Жиганова, было положено в основу деятельности Казанской консерватории, создание и руководство которой ему было поручено в 1945 г. Более 40 лет он возглавлял работу по воспитанию в ее питомцах высокого профессионализма.

На примере творчества Жиганова всеобъемлюще раскрываются результаты поистине революционного переворота в истории ранее отсталых пентатонических музыкальных культур национальных автономных республик Поволжья, Сибири и Урала. Лучшие страницы его творческого наследия, проникнутые жизнеутверждающим оптимизмом, по-народному яркой интонационной характерностью музыкального языка, заняли достойное место в сокровищнице татарской музыкальной классики.

Театры города Казани

Татарский Академический Театр Оперы и Балета им. М.Джалиля

ТАГТОиБ им. М.Джалиля - крупнейший театр нашей страны, на протяжении многих лет хранящий традицию проведения двух крупных Международных фестивалей - оперного им. Ф.И.Шаляпина и фестиваля классического балета им. Р.Нуриева. В основе репертуара театра - шедевры мирового музыкального театра, русская классика, а также выдающиеся произведения композиторов республики. С 2001 г. театром осуществляются международные проекты в русле новейших тенденций современного мирового музыкального театра. Собственное здание театра было возведено в 1803 г. (деревянный театр на каменном фундаменте) на месте нынешнего здания театра. В 1845 г. началась закладка каменного здания театра. Новое красное кирпичное здание стояло на месте нынешнего сквера на Площади Свободы. Первые спектакли начали давать в 1851 г. В Казани становление оперного дела имеет глубокие корни: опера всегда сосуществовала с драмой и опереттой. Всегда выступали заезжие оперные труппы, чаще итальянские. Но постоянные оперные сезоны начались в антрепризу П. М. Медведева в 1874 г.

Татарский Государственный Академический Театр им. Г.Камала

Рождение татарского театра было вызвано жгучей потребностью времени. Еще в конце прошлого - начале нынешнего веков, будто родники из-под земли, на свет общественной жизни стали пробиваться ростки театра, одновременно - в разных местах крупных поселений татар. Театры появлялись в форме театральной самодеятельности при медресе; в качестве домашних, школьных, клубных спектаклей в Казани и Уфе, Астрахани и Оренбурге, Челябинске и Троицке, во многих других городах. Мощный революционный подъём 1905-1906 годов ускорил формирование профессионального театра у татар. 22 декабря 1906 года в Казани был сыгран первый публичный спектакль на татарском языке. Эта дата и считается днем рождения театра имени Г. Камала. Хотя, пока он обретет свой хорошо знакомый поколениям зрителей современный облик и свою славу одного из самых популярных в России национальных театров, пройдет немало времени, насыщенного борьбой за выживание и становление, будет проделана огромная, трудная и кропотливая созидательная работа.

Русский Драматический Театр им. Качалова

Один из старейших театров России, Казанский академический русский драматический театр им.В.М. Качалова ведет свое начало с 1791 года, когда по инициативе казанского губернатора князя С. М. Баратаева (из знаменитой грузинской семьи Бараташвили) в Казани возник публичный театр, дававший регулярные представления для горожан в специально арендованном для этой цели помещении на центральной улице города - Воскресенской. В 1802 году помещик П. П. Есипов выстроил в городе деревянное театральное здание, где давала спектакли сформированная им из своих крепостных крестьян и нескольких вольных труппа, во главе которой в 1805 году становится знаменитый актер и драматург П.А. Плавильщиков, заложивший основы художественной культуры казанского театра. Как вспоминал С.Т. Аксаков, в то время учащийся Казанской гимназии, а затем студент Казанского университета, «...Казань обязана Есипову полной благодарностью: Казань имела замечательный театр тогда, когда губернских театров, и то весьма плохих, в целой России было очень мало». Казанский театр уже в те годы начинает сравниваться по своему уровню с Петербургским и Московским императорскими театрами.

Татарский Театр Драмы и Комедии им. Тинчурина

Биография театра ярка и своеобразна. Возникнув по призыву Первого Всесоюзного съезда колхозников-ударников в 1933 году и по личной инициативе Карима Тинчурина как филиал Татарского государственного академического театра, коллектив прошел большой и трудный путь становления от колхозно-совхозного до республиканского передвижного и, наконец, Татарского государственного театра драмы и комедии им. К.Тинчурина. Первый спектакль - это была пьеса Карима Тинчурина и Кави Наджми "Семья дедушки Булата" - был поставлен 6 ноября 1933 года в деревне Шали Пестречинского района Татарской АССР.

Театр Юного Зрителя - ТЮЗ

Первый спектакль Казанского государственного театра юного зрителя "Ровесники" состоялся 30 ноября 1932 года. Именно этот день считается днем рождения ТЮЗа. В 1946 году на первом Всесоюзном смотре детских театров театр представил спектакли: "Сказка" М. Светлова - режиссер засл.арт.ТАССР Д. Дросси, спектакль по пьесе татарского драматурга Д. Аппаковой "Находчивый юноша" и спектакль "Хрустальный башмачок" Т. Габбе -режиссер С. Силаев. В 1992 году - присуждается Государственная премия спектаклю "Погром" по роману Б. Васильева "И был вечер, и было утро" - режиссер Б. Цейтлин. В 1996 году - спектакль "Буря" В. Шекспира был удостоен высшей театральной награды - премии "Золотая Маска" в номинации "Лучший спектакль года" - режиссер Б. Цейтлин. В 2003 году спектакль "Розенкранц и Гильденстерн мертвы" Т. Стоппард - режиссер Г. Цхвирава выдвигался на национальную театральную премию России "Золотая Маска" в номинации "Лучший спектакль года".

Детский Государственный Театр Кукол

Казанский театр кукол был создан в 1934 году. Сейчас в нем работают две труппы - татарская и русская. Коллектив театра - участник международных фестивалей, член УНИМА - Международного Союза деятелей театров кукол. В репертуаре театра - около 30 спектаклей. Постановки знакомят с героями татарского и русского народного фольклоров: Шурале, Бичурой, Бабой Ягой, Лешим и т.д. В театре уютно и красиво. С 1 марта 2012 года театр кукол переехал в новое здание по адресу ул. Петербургская, д.57. На сегодняшний день Татарский Государственный Театр Кукол является одним из крупнейших в Европе и не имеет аналогов в России.

Краснознаменный ансамбль песни и пляски Советской Армии им. А.В. Александрова

В 1928 г. Ансамбль насчитывал 12 человек -- 8 певцов, 2 танцора, баянист и чтец. К 1 декабря 1935 года коллектив вырос до 135 человек.

12 октября 1928 г. состоялось первое выступление ансамбля в Центральном доме Красной Армии, которое принято считать рождением указанного военного творческого коллектива.

1 декабря 1928 г. ансамбль был зачислен в штат ЦДКА и получил название Ансамбль красноармейской песни Центрального дома Красной Армии имени М. В. Фрунзе.

С 27 ноября 1935 г. -- Краснознамённый ансамбль красноармейской песни и пляски СССР.

В 1937 г. штат Ансамбля 274 человека, а в 1948 г. -- 313 человек. В настоящее время в штате ансамбля состоит 186 человек. Организатором и первым музыкальным руководителем был профессор Московской консерватории им. П. И. Чайковского, народный артист СССР, композитор, генерал-майор Александр Александров. Он возглавлял ансамбль на протяжении 18 лет.

С 7 февраля 1949 г. -- Дважды Краснознамённый ордена Красной Звезды ансамбль песни и пляски Советской Армии имени А. В. Александрова.

С 10 июля 1949 г. Ансамблю было присвоено имя его основателя -- А. В. Александрова.

Первый состав, 1928-29 гг.

В 1978 году, в канун своего 50-летия, Ансамбль получил наивысшую профессиональную аттестацию -- почётное звание «академический» (Дважды Краснознамённый ордена Красной Звезды академический ансамбль песни и пляски Советской Армии имени А. В. Александрова).

С 1998 года -- Академический ансамбль песни и пляски Российской армии имени А. В. Александрова.

С 2006 года -- Федеральное государственное учреждение культуры и искусства «Академический ансамбль песни и пляски Российской Армии имени А. В. Александрова» Министерства обороны Российской Федерации.

С 2011 года -- Федеральное бюджетное учреждение культуры и искусства «Академический ансамбль песни и пляски Российской Армии имени А. В. Александрова» Министерства обороны Российской Федерации.

С 2012 года -- Федеральное государственное казённое учреждение культуры и искусства «Академический ансамбль песни и пляски Российской Армии имени А. В. Александрова» Министерства обороны Российской Федерации.

В репертуаре ансамбля более двух тысяч произведений. Это песни советских/российских авторов, народные песни и танцы, духовная музыка, классические произведения русских и зарубежных композиторов, шедевры мировой рок- и поп музыки.

Ансамбль и его артисты удостоены многих советских, российских и международных наград.

Творчество Э. Грига. «Пер Гюнт»

Эмдвард Хагеруп Григ (15 июня 1843 -- 4 сентября 1907) --норвежский композитор периода романтизма, музыкальный деятель, пианист, дирижёр. Творчество Грига формировалось под воздействием норвежской народной культуры.

Одним из самых знаменитых произведений Грига считается вторая сюита -- «Пер Гюнт». Эдварда Грига Григ опубликовал 637 песен и романсов. Посмертно издано ещё около двадцати пьес Грига. В своей лирике он обращался почти исключительно к поэтам Дании и Норвегии, и изредка к немецкой поэзии (Г. Гейне, А. Шамиссо, Л. Уланда). Композитор проявлял интерес к скандинавской литературе, и в особенности к литературе родного языка.

Стремление молодых композиторов к развитию национальной музыки выражалось не только в их творчестве, в связи их музыки с народной, но и в пропаганде норвежской музыки. В 1864 году в содружестве с датскими музыкантами Григ и Рикард Нурдрок организовали музыкальное общество «Эвтерпа», которое должно было знакомить публику с произведениями композиторов Скандинавии. Это было началом большой музыкально-общественной, просветительской деятельности. В годы жизни в Копенгагене (1863-1866) Григ написал множество музыкальных произведений: «Поэтические картинки» и «Юморески», сонату для фортепиано и первую скрипичную сонату. С каждым новым произведением яснее вырисовывается облик Грига как композитора-норвежца.

В лирическом произведении «Поэтические картинки» (1863) очень робко пробиваются национальные черты. Ритмическая фигура, лежащая в основе третьей пьесы, часто встречается в норвежской народной музыке; она стала характерна для многих мелодий Грига. Изящные и простые очертания мелодии в пятой «картинке» напоминают некоторые из народных песен. В сочных жанровых зарисовках «Юморесок» (1865) гораздо смелее звучат острые ритмы народных танцев, жестковатые гармонические сочетания; встречается лидийская ладовая окраска, характерная для народной музыки. Однако в «Юморесках» ещё чувствуется влияние Шопена (его мазурок) -- композитора, которого Григ, по собственному признанию, «обожал». В одно время с «Юморесками» появились фортепианная и первая скрипичная сонаты. Драматизм и порывистость, свойственные фортепианной сонате, кажутся несколько внешним отражением романтики Шумана. Зато светлый лиризм, гимничность, яркие краски скрипичной сонаты выявляют типичный для Грига образный строй.

В начале 1870-х годов Григ был занят мыслью об опере. Музыкальные драмы и театр стали для него великим вдохновением. Замыслы Грига не получили осуществления главным образом потому, что в Норвегии отсутствовали традиции оперной культуры. В течение 1874 года Григ написал музыку к драме Ибсена. Представление «Пера Гюнта» в Кристиании 24 февраля 1876 года сопровождалось большим успехом. Музыка Грига в Европе начала становиться популярной. Начинается новый творческий период в жизни композитора. Начиная с 1878 года, Григ выступает не только в Норвегии, но и в разных странах Европы как исполнитель собственных произведений. Европейская слава Грига растёт. Концертные поездки принимают систематический характер, они приносят композитору огромное удовольствие. Григ концертирует в городах Германии, Франции, Англии, Голландии, Швеции. Он выступает как дирижёр и пианист, как ансамблист, В 1890-е годы внимание Грига больше всего было занято фортепианной музыкой и песнями. С1891 по 1901 год Григ написал шесть тетрадей «Лирических пьес». К этим же годам относится несколько вокальных циклов Грига.

Пер Гюнт -- пьеса Генрика Ибсена в пяти действиях. В пьесе персонажи фольклора представлены уродливыми и злобными существами, крестьяне -- жестокими и грубыми людьми. В Норвегии и Дании пьеса была воспринята весьма негативно. Х.Х. Андерсен, к примеру, назвал произведение совершенно бессмысленным. Со временем, в основном благодаря образу Сольвейг, началось переосмысление пьесы. Этому в немалой степени способствовала музыка Эдварда Грига, написанная по просьбе Ибсена к постановке «Пера Гюнта», а позже приобретшая мировую известность как самостоятельное музыкальное произведение.

Размещено на Allbest.ru

...