Размещено на http://www.allbest.ru/

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РФ

МОСКОВСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ

ТЕХНОЛОГИЙ И УПРАВЛЕНИЯ

им. К.Г. Разумовского

РЕФЕРАТ

по дисциплине: "История искусств"

на тему: "Основные направления в искусстве 1960-1970-х годов"

Выполнила студентка: Елена Алешина

Институт дизайна и организации упаковочного производства

специальность 072500.62 курс 3

Руководитель: Востриков В.Н.

Самара, 2013

Введение

20 век - это век острых противоречий, глубоких социальных конфликтов и разочарований и вместе с тем надежд человечества, век настойчивых исканий новых, более совершенных путей развития общества. Он принес собой глубокие изменения во всех сферах деятельности человека, в том числе идеологии, культуре, искусстве. Никогда раньше живопись, скульптура и графика не были столь тесно и непосредственно связаны с реальной жизнью, никогда раньше не проявлялась в них столь ясно критическая направленность, отрицание всего и вся. Бурно развивающееся искусство утрачивало свою прежнюю стилевую цельность, его развитие становилось все более неравномерным, скачкообразным, творческое взаимодействие отдельных видов искусства нарушалось, возрастали индивидуалистические тенденции. Как и в прежние времена, в 20 веке художественные стили тесно связываются со смыслами эпохи - научно-техническим прогрессом, заставившим художников отказаться от привычного взгляда на мир.

Наука пересмотрела большую часть «непреходящих истин» Нового времени, а также изменила отношение к гуманистическим ценностям эпох Возрождения и Просвещения. Каждый стал искать свой выход: одни в продолжении культурной традиции прошлого, вторые, третьи - в обретении утраченных связей с природой, в научно-технической революции, в нигилистическом самоутверждении. Поиски новых путей, экспериментирование и революционное преобразование, многоликость, разнообразие и контрастность творческих исканий - отличительные особенности искусства 20 века.

Искусство все больше становится своеобразным знаком, оно не сводится больше к декоративности. Со второй половины 20 века, особенно в 1960-1970 годах, на художественную арену выходят абсолютно новые в содержательном плане направления: концептуальное и кинетическое искусства, оп-арт, поп-арт, абстрактно-авангардистское направление. В СССР возникает соц-арт (социалистическое искусство) - одно из направлений постмодернистского искусства.

Совершив виток в абстрактно-авангардистское направление, искусство 1960-1980 годов попыталось вернуться к классическим традициям в эстетике постмодернизма, главной особенностью которой стала эклектичность, смешение стилей разных эпох и национальных культур, свободное владение в живописном пространстве. Искусство 20 века, явив собой отсутствие большого стиля предыдущих эпох, представило совокупность авторских стилей, ярко выраженных индивидуальностей в течений.

Направления в искусстве 20 века

Социалистическое искусство

Соц-арт (социалистическое искусство) - одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960-1970-х гг., в рамках так называемой «Альтернативной культуры», противостоящей государственной идеологии того периода.

Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления. Соц-арт отвергает веру во все, чего бы это ни касалось. Он стремится разрушить все культы, которые предлагаются человеку извне - политической, экономической, духовной и прочей властью; соц-арт не терпит ничего, что навязывает человеку неравноправное общение, опускает человека на колени и принуждает к подчинению. Для борьбы с культами соц-арт использует смех, лицедейство, мистификацию. Соц-артовцы предстают в гротескных и смешных ситуациях фигуры «начальников», политических вождей, духовных лидеров, выдающихся деятелей культуры и т.п. (а среди них оказываются не только большевистские вожди, но и Пушкин, Чайковский, Репин, Христос, Солженицын).

Изобретатели соц-арта хорошо ощущали пустоту, лживость, лицемерие и цинизм официозного советского искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Свое отношение и к этому искусству, и к породившей его идеологии, они оригинально выразили, используя формы, символы, знаки, стереотипы этого искусства и политического пропагандистского инструментария.

Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид (цикл «Рождение соцреализма», «Сталин и музы», «Двойной портрет», «Крест и серп», «Демонстрация» 1972 год, «Дружба народов» 1974 год), вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников, разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Эрик Булатов («Слава КПСС» 1975 год, «Улица Краскова» 1977 год), члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеологии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать, т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.

Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев («Перестройка»), Григорий Брускин («Партнер» 1978 год).

Кинетическое искусство

Кинетическое искусство, Кинетизм -- направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Кинетизм основывается на представлении о том, что с помощью света и движения можно создать произведение искусства. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Эти тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название «мобилей». Приемы кинетического искусства нашли широкое применение в организации шоу, выставок, оформлении парков и площадей.

Творческие поиски в данной области подготовили почву для расцвета кинетизма, который стал относительно цельным течением в искусстве начиная с 50-х годов. Среди «кинетических» экспериментов этого периода можно назвать «саморазрушающиеся композиции» Жана Тэнгели ("Слава Нью-Йорку" в Нью-Йорке, 1960 г.; "Этюды конца света" в Хемблбэке, Луизиана, и Лас-Вегасе, 1961-1962 гг.). От ранних беспредметно-геометрических композиций он перешел в 1954 г. к созданию картин и скульптур, которые называл "метамеханическими"; различные их части приводились в движение специальными моторчиками и тросами. Затем, к концу 1950-х гг., начал экспонировать "машины для живописи", - они изготовляли на глазах у зрителя беглые подобия абстрактно-экспрессионистских этюдов. Позднее сочетал в своих произведениях образный катастрофизм с монументальной стабильностью. В вещах Тэнгели росла роль цвета и игрового начала, рассчитанного на вовлечение зрителей в процесс управления арт-объектом. Среди его композиций - "Похвала глупости", рельеф, созданный для балета Р. Пети, 1966 г.; фонтаны "Карнавальный" - 1977 г., в центре Базеля.

Сюда же можно отнести композиции французского художника венесуэльского происхождения Хесус Рафаэля Сото, яркого представителя кинетического искусства. Сото интересовался оптическими эффектами. В его работах такие эффекты получаются путем наложения одного слоя на другой. Например, два рисунка на органическом стекле с промежутком между ними. Кажется, что они сливаются в новом пространстве. В 1955 Сото участвовал в выставке «Движение», которая проходила в галерее Д. Рене в Париже и которая отметила собой рождение кинетического искусства. С 1957 Сото использует металлические стержни, подвешенные на нейлоновых нитках и расположенные на фоне основы, изборожденной черными и белыми линиями. Перемещение зрителя и нестабильность конструкции создают оптические вибрации, влекущие за собой дематериализацию форм. С 1967 Сото все больше увлекается проблемой пространства и переходит от картин с помещенными перед ними рельефными элементами к инсталляциям стержней, расположенных вертикально перед стеной. Известны такие произведения, как La Boite(«Коробка»), 1967; Vibrations mйtalliques («Металлические вибрации»), 1969; Petite Vibration Brique et Noire, 1966.

Продолжает эксперименты Николя Шеффер (1912-1992) - французский художник венгерского происхождения, видный представитель кинетического искусства, один из родоначальников кибернетического искусства (1954) и видеоарта (1961). Он начал с новаторской живописи и уникальных пространственно-динамических скульптур, а затем пришёл к идее создания интерактивного кибернетического города-зрелища, «кинетического города» или «кинетических башен». Шеффер предложил разделить город по оси координат: жилые зоны линейно расположить по горизонтали, а все деловые, торговые и производственные учреждения разместить в гигантских небоскрёбах высотой до 1500 м.

Гюнтер Юккер - немецкий скульптор, мастер инсталляций и художник (родился в Западной Германии в 1930) начал использовать гвозди в своем искусстве, кроме этого, Юккер занялся изучением света, оптики, колебаний, которые позволяли ему влиять на визуальный процесс.

В начале 60-х он начал забивать гвозди в предметы мебели, музыкальные инструменты, и бытовые объекты, затем начал комбинировать гвозди с темой света, создавая легкие гвозди и кинетические гвозди. Так же он использовал природные материалы, такие как песок и вода.

Ярким примером русского кинетического искусства явился всемирно известный проект Владимира Татлина (1885-1953) - «Памятник III Интернационала» (1919-1920).

Концептуальное искусство

Концептуализм - течение в авангардистском искусстве 1960--90-х гг., поставившее целью переход от создания художественных произведений к воспроизводству «художественных идей» (так называемых концептов), которые инспирируются в сознании зрителя с помощью надписей, графиков, диаграмм, схем и т. п. Творчество осмысляется здесь как близкий по духу хэппенингу и перформансу, но, в отличие от них, зафиксированный в стабильной экспозиции процесс вовлечения зрителя в игру подобных концептов. Последние могут быть представлены фрагментами текстовой и изобразительной информации, в виде графиков, диаграмм, цифр, формул и др. визуально-логических структур либо (в более индивидуализированных вариантах концептуального искусства) в виде надписей и схем, декларативно повествующих о намерениях художника.

Само название «концептуальное искусство» появилось в 1967 (первым его применил американский художник С. Левит), годом же раньше его соотечественник Дж. Косут выставил этапную серию «Искусство как идея», представляющую собой ряд кратких словарных дефиниций, показанных в виде таблиц с увеличенными текстовыми фотокопиями. В 1969 Косут опубликовал программную статью «Искусство после философии», где доказывал, что важнее всего сам процесс арт-коммуникации, а не ее результат. Вскоре движение обрело интернациональный характер, вовлекая в свой круг (чуть раньше возникший) немецкий «флюксус», английскую группу «Искусство и язык», итальянское «бедное искусство», аргентинскую «группу Розарио» и другие радикальные течения.

В концептуальном искусстве 1970-х весьма резко проступили социально-протестные тенденции, обновившие методы фотоплаката и фотомонтажа, но затем в нем, как правило, доминировала либо отрешенная философская созерцательность, либо язвительная самоирония (типичная для стилистики т.н. «нео-гео» 1980--1990-х гг.). В число видных концептуалистов вошли (помимо вышеназванных) Х. Хааке, Б. Крюгер, Дж. Хольцер в США, Д. Бюрен во Франции, М. Мерц в Италии. К концу 20 в. приемы концептуального искусства -- с его парадоксальной зрительной информатикой -- были подхвачены коммерческой рекламой и прочно вошли в масс-медиальную культуру. Хааке начинал с критики медиа, заставляя зрителя усомниться в объективности информации. В 1969 году он сделал инсталляцию «Новости»: из телекса выходят неимоверно длинные рулоны бумаги с новостями в реальном времени от немецкого агентства DPA. Хааке буквально материализовал метафору «информационный мусор» - потоки информации постепенно превращаются в груду макулатуры, из которой уже невозможно извлечь внятное сообщение. В 1971 году Хааке сделал работу на основании компромата на некоего Шапольского, владельца недвижимости на Манхэттене, бывшего деловым партнером членов попечительского совета Музея Гуггенхайма. Выставку отменили за шесть недель до открытия, а сам художник пятнадцать лет не выставлялся в США. С тех пор связь корпораций и музеев - любимая мишень Хааке. Даниель Бюрен с конца 1960-х годов рисовал полосы равной ширины, чередуя два цвета, тем самым отказываясь от традиций.

В 1970-е, в сфере «неофициального искусства», настоящим мастер-классом отечественного концептуализма пребывала мастерская И. И. Кабакова, создававшего огромные визуально-графические серии, где бытовые реалии (большой коммунальной квартиры), несмотря на все свои дотошные подробности, очерчивали отсутствие и самих героев и скрепляющего их сюжета. В русле «московского концептуализма», признанным лидером которого был Кабаков, работали также супруги Р. А. и В. М. Герловины, группа «Коллективные действия» (под руководством А. В. Монастырского), поэты Д. А. Пригов и Л. С. Рубинштейн, а чуть позднее, уже на рубеже перестройки - группы «Медицинская герменевтика» (С. А. Ануфриев, Ю. А. Лейдерман, П. В. Пепперштейн) и «ТОТарт» (Н. Б. Абалакова и А. И. Жигалов). После снятия всех запретов на арт-авангард понятие «концептуальное искусство» стало в России весьма расплывчатым, превратившись почти что в синоним постмодернизма и охватив многие художественные явления не только в изобразительном искусстве, но также в литературе и театре.

Оптическое искусство (оп-арт)

Оптическое искусство (оп-арт) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности - геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. 20 в. Всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления - Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

Оптическое искусство - искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя. Обратимся, например, к картине Бриджит Райли «Поток» (1964). Всю ее поверхность покрывают тонкие волнообразные линии. К середине изгибы становятся более крутыми, и здесь возникает видимость отделяющегося от плоскости зыбкого течения. В её работе «Катаракта-III», 1967 создаётся эффект движения волн. В другой черно-белой композиции Райли - «Прямая кривизна» (1963) - сдвинутые по центру и пересеченные ломаными линиями круги создают эффект объемной извивающейся спирали. В «Фрагменте № 6/9» (1965) той же художницы разбросанные по плоскости черные диски порождают скачку последовательных образов, мгновенно исчезающих и возникающих вновь. Так, в картине Виктора Вазарели «Тау-дзета» (1964) квадраты и ромбы непрерывно перестраиваются по схеме греческих букв, но так и не объединяются в определенную конфигурацию. В другой работе Вазарели - «Сверхновые» (1959-1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд. Непрерывно колеблющиеся поверхности «сверхсенсорных» картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительный шок.

«Группа исследований визуального искусства» (объединение художников оптического и кинетического искусства) писала в своем манифесте «Довольно мистификаций» (1961): «Больше не должно быть произведений исключительно для: культурного глаза, чувствительного глаза, интеллектуального глаза, эстетского глаза, любительского глаза. Человеческий глаз является нашей исходной точкой».

Оп-арт постепенно приобретает интернациональный характер, в разных странах образуются целые группы художников: в Италии (Альвиани Де Векки, Коломбо Мари), Испании (Дуарте Ибаррола), Германии (Хаккер Мак Гравениц), Швейцарии (Тальман Герстнер), СССР (Вячеслав Колейчук). Отметим, что в Соединенных Штатах кризис абстракции порождает хард-эдж и минимализм, которые были вызваны теми же эстетическими потребностями.

Возможности оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

Популярное искусство (поп-арт)

Поп-амрт (популярное искусство) - направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Поп-амрт основой своей эстетики взял образы заимствованные в массовой культуре и помещённые в иной контекст. Язык этого направления был парадоксален и неясен. Скрытая насмешка, лёгкая ирония над всем тем, что люди привыкли считать красотой, художественным творчеством, духовностью - это поп-амрт. Своими целями представители поп-арта провозгласили "возвращение к реальности", раскрытие эстетической ценности образцов массовой продукции. Они буквально воспроизводят типичные предметы современного урбанизированного быта (вещи домашнего обихода, упаковка товаров, детали машин и т. д.), широко пользуются привычным языком средств информации (штампованные приёмы рекламы, прессы, телевидения, кино, документальной фотографии, комиксов и т. д.). Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, в Великобритании П. Блейк, Р. Хамилтон, во Франции А. Фернандес; Н. де Сен-Фаль, в Германии П. Вундерлих.

В 1963 году в Нью-Йорке прошла выставка известного поп-арт художника Роберта Раушенберга. Первое что видели зрители при входе в зал, это совершенно белое полотно - “Белая картина”. Рядом находилась “Шарлин” - картина из помятых обрывков газет, осколков зеркал, обрывков рубашки, кусочков дерева и ткани, почтовой открытки, постоянно мигающей электролампы и расплющенного зонта. Так же здесь было выставлено известное произведение Раушенберга “Кровать”, представляющее собой одеяло, натянутое на подрамник и забрызганное краской.

В работах поп-арт художников того времени сквозит гордость за американские товары - доступные и дешевые. Он говорил о том, что поп-арт поменял местами внутреннее и внешнее. Представители это направления создавали образы узнаваемые всеми: шторы для ванной, бутылки колы, мужские штаны, столы для пикника, комиксы - всё то, что абстрактные экспрессионисты "не видели".

Клас Олденбург, тоже художник из Америки, создавал из разных материалов батоны, сосиски, помидоры, гамбургеры. Есть даже созданный им монумент в виде огромной разрезанной котлеты. Мир упаковок и муляжей, штампованных образов и манекенов. В поп-арте становится равным красивое и тривиальное, живое и синтетическое, высокое и низкое.

Минимализм

Минимализм - направление в живописи и скульптуре, распространившееся в 1960-1970-е годы преимущественно в США. Как явствует уже из названия, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто - большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов. Наиболее известны такие минималисты, как Андре, Джадд, Келли, Ле Витт, Мэнголд, Райман, Серра, Стелла, Флавин.

Дэн Флавин - американский художник-минималист, известен скульптурными объектами и инсталляциями, созданными из флуоресцентных ламп. Впервые Флавин придумал использовать электрический свет как художественную форму в 1961. Его первая персональная выставка также прошла в 1961 в Галерее Джадсон в Нью-Йорке. Первыми работами с включением электрического света была серия «иконы»: восемь цветных квадратных форм, флуоресцентные лампы с лампами накаливания, закрепленные по сторонам. Одна из этих «икон» была посвящена брату-близнецу Флавина, Давиду, умершему от полиомиелита в 1962. Большинство работ Флавина были без названия, часто при этом посвящены друзьям, художникам, критикам: наиболее известные произведения включают «Монументы В. Татлину», над которыми он работал в период между 1964 и 1990. Последней работой Флавина было site-specific произведение в церкви S. Maria Annunciata in Chiesa Rossa в Милане, Италия.

Карл Андре - американский художник, представитель минимализма. Характерные черты скульптуры Андре - использование промышленных материалов, модульных единиц, артикуляция трехмерности посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства. Андре стремился свести словарь скульптуры к базовым фонемам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал «Элементы». Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36" (30.2 x 30.2 x 90.7 см). Важность «Элементов» даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ. В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как «37 Pieces of Work», впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли получить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами её границ. В 1970-х художник готовит ряд масштабных инсталляций, таких как "Блоки и Камни" в 1973 для Портлендского центра визуального искусства, а также работы для публичных пространств, как "Поле каменных скульптур" в 1977 в Хартфорде.

Дональд Джадд - американский скульптор и искусствовед, один из выдающихся представителей минимализма. Как художник он поначалу (в конце 1940-50-х) работал как живописец. В начале 1960-х Джадд начал добавлять трехмерные элементы на поверхность своих работ, сначала создавая рельефы, а затем перейдя к полностью автономным структурам, которые он называл «конкретными объектами». В 1963 он сформулировал основной «словарь» форм - «стопки», «коробки» и «прогрессии», с которыми работал последующие тридцать лет. Первоначально Джадд работал в дереве, промышленно изготовленные металлические ящики появились в конце 1960-х. В начале 1970-х его работы приняли форму инсталляций, Джадд начал выставлять работы на открытом пространстве. Используя промышленные материалы для создания абстрактных произведений, которые подчеркивают чистоту цвета, формы, пространства и материалы, Джадд описывал собственную работу как «простое выражение сложной мысли».

Ричард Серра начинает свою творческую карьеру как скульптор-минималист. В конце 1960-х годов он начинает работать с металлом. В это время он знакомится с такими мастерами минимализма, как Роберт Смитсон, Дональд Джадд, Карл Андре. К этому творческому периоду относятся его серия работ с резиной и неоновыми лампами. В 1966 году состоялась первая персональная выставка Серры в Риме, в 1968 году - выставка в Кёльне. В 1977 году он участвует в выставке современного искусства документа 6 в Касселе.

Нонконформизм

Нонконформимзм (от лат. non - «не» и поздне лат. conformis - «подобный», «сообразный») - стремление индивида придерживаться и отстаивать установки, мнения, результаты восприятия, поведение и так далее, прямо противоречащие тем, которые господствуют в данном обществе или группе.

Нонконформизм в искусстве - особенное свойство художественного творчества, выраженное в новаторстве творческого мышления в художественных образах. Нонконформизм предполагает отвлечение от условий обыденной, материальной действительности. Напротив, социалистическому реализму, академизму, натурализму, различным формам салонного и массового искусства свойственен конформизм - приспособление под сложившиеся вкусы, общественные мнения и сложившиеся установления, выполнение "социального заказа". Нонконформисты ведут себя неадекватно общественным правилам, поскольку отвергают не только собственное благополучие, но и нарушают покой и конформизм других людей. Нонконформизм вызывают неприятие, раздражение обывателей, властителей, заказчиков. В отличие от официального, нонконформистское искусство оказывает предпочтение не содержанию, а в большей степени художественной форме, в создании которой художники были совершенно самостоятельны и свободны .

Искусство нонконформизма - экзистенциалистское по своей сути, так как утверждает абсолютную уникальность отдельного индивидуума. Идеалистическая эстетика нонконформистов основывается на представлении о внутреннем "Я" художника как источнике прекрасного. В таком представлении содержался бунтарский протест нонконформистов против объективизированного мира, преодоление пропасти между объективностью и субъективностью, что привело в творчестве к выражению проблемы бытия в тревожных и необычных формах.

Нонконформизм, как искусство экзистенциалистское, основан на разговоре художника со своей душой, и картина может возникать не только из сильных однозначных чувств, но и из совокупности впечатлений, упоминаний, внутренней необходимости увековечить бессловесную красоту.

Известные художники-нонконформисты: Дмитрий Плавинский («Ракушка», 1978), Оскар Рабин («Натюрморт с рыбой и газетой «Правда»»,1968); Лев Кропивницкий («Женщина и жуки», 1966); Дмитрий Краснопевцев («Трубы», 1963); Владимир Немухин («Незаконченный пасьянс», 1966); Анатолий Зверев( «Женский портрет», 1966); Лидия Мастеркова («Композиция», 1967); Владимир Яковлев («Кошка с птицей, 1981); Эрнст Неизвестный («Сердце Христа», 1973-1975); Эдуард Штейнберг («Композиция с рыбой», 1967); Михаил Рогинский («Красная дверь», 1965); Олег Целков («Голгофа», 1977); Юло Соостер («Красное яйцо», 1964).

Выводы

Рассмотрев искусство 1960-1970 -х годов, можно смело сказать, что в это время было многое внесено в мировую культуру. Ничего не появляется «ниоткуда», многое предшествовало появлению таких направлений, как кинетическое и концептуальное искусство, оптическое и популярное искусство. К примеру, кинетическое искусство зародилось еще в 20-30-х гг. ХХ в., его представители хотели преодолеть традиционную статичность скульптуры, вписать её в окружающую среду. Опыты создания динамической пластики встречаются в футуризме, дадаизме, Баухаузе и русском конструктивизме («Башня Татлина»), однако окончательно течение оформилось в 60-е гг. Поп-арт, явившись своеобразной реакцией на абстрактное искусство и вместе с тем обнаружив связь с дадаизмом (особенно с творчеством М. Дюшана) и сюрреализмом, получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Французский художник Марсель Дюшан подготовил «почву» и для концептуалистов своими реди-мейдами. Наиболее известным из дюшановских реди-мейдов был «Фонтан» (1917), писсуар, подписанный художником псевдонимом «R. Mutt». Оптическое искусство продолжает рационалистическую линию техницизма (разновидности модернизма). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму, представителем которого был Виктор Вазарели (с 1930 по 1997 г. работал во Франции), основоположник оп-арта. Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности - геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. 20 в.

Повлияло ли искусство 1960-1970-х годов на искусство в целом? Внесло ли что-то новое? Однозначно да! Произведения 1960-1970-х годов, которые долгое время были забыты, вновь попадают на выставки, а утраченные или испортившиеся работы воссоздаются. Франко Фанелли, художественный критик Il Giornale dell'Arte, видит две причины, приводящие к этому. Во-первых, рынок утратил доверие к молодым, непроверенным художникам. Во-вторых, коллекционеры, ищущие новизны, осознали, что могут покупать работы 1960-х и 1970-х годов, которые гораздо радикальнее, чем современные, а вдобавок еще и намного дешевле.

«Никогда прежде 1960-е годы не были так значимы: сейчас они повсюду. Со временем выяснилось, что это десятилетие было даже радикальнее и еще сильнее изменило представления об искусстве, чем казалось раньше», - говорит Майкл Гован, директор Художественного музея округа Лос-Анджелес.

Что касается направления соц-арт, на рубеже 1970-1980-х годов он пересек границы СССР. Благодаря усилиям художников-соцартистов, публикациям и выставкам, соц-арт в международном масштабе обрел статус фирменного стиля советского «нон-конформизма». В конце 1980-х годов соц-арт шагает в Европу, где в странах распадающегося «соцлагеря» обретает своих первых иностранных адептов - Е. Трушковского в Польше, Флатца - в Германии. Однако громче всего соц-арт прозвучал на Востоке, где он оказал решающий импульс в становление нового искусства Китая 1990-х годов.

художественный стиль минимализм нонконформизм

Список использованной литературы

А. Толстой Галактика поп-арта «Новая юность» 2001, №4(49);

Маковский С. «Силуэты американских художников», 1999;

Колейчук В. Ф. «Кинетизм»;

Карасёва М. «Соц-арт начинает и выигрывает. Культура», 2007;

Мировое искусство. Иллюстрированная энциклопедия;

Бобринская Е. А. « Концептуализм», 1994. - 216 с.;

Barret C. Op art. New York, 1970.

Приложение

Инсталляция «Новости» Х. Хааке, 1969

Даниэль Бюрен, 1967

Гюнтер Юккер

Жан Тэнгели фонтаны "Карнавальный" - 1977 г., в центре Базеля

Виталий Комар и Александр Меламид «Двойной портрет»

Энди Уорхол «Мерлин Монро», 1967

Клас Олденбург «Спички»

Размещено на Allbest.ru