История Самарского театра драмы им. М. Горького в судьбах людей, сыгравших важную роль в его формировании

Размещено на http://www.allbest.ru/

XIV Областные юношеские краеведческие Головкинские Чтения

Направление «Культурное наследие родного края»

Секция «Региональная культура»

История Самарского театра драмы им. М. Горького в судьбах людей, сыгравших важную роль в его формировании

Выполнила:

Клевина Мария, ученица 10 класса

Научный руководитель:

Пак Виктория Вячеславовна, учитель МХК

Самара 2014

Содержание

Введение

Глава I. История театра

Глава II. Деревянный театр. Творчество П.А. Стрепетовой

Глава III. Ленинградский десант. Творчество Н.К. Симонова

Глава IV.Театр в военные годы

Глава V. Театр драмы в период режиссёрской деятельности Пётра Монастырского

Глава VI. Театр в моей жизни

Заключение

Список использованной литературы

Приложения

Введение

«Волнуя и смеша, он заставляет снова

Обдумать прошлое и смысл пережитого…»

Габдулла Тукай «Театр»

Самарский академический театр драмы имени Горького - один из крупнейших в стране. Это определение пришло к нему издавна. Он известен талантливой актёрской труппой, своеобразной режиссурой, вниманием к драматургии ярких человеческих характеров, глубокой жизненной правдой.

Актуальность исследования. Сегодня драматический театр занимает важное место, как в жизни города, так и в жизни многих самарцев. Как и раньше, Самарский театр драмы очень популярен, его спектакли пользуются большим успехом, потому что темы, затронутые в них, многообразны и интересны для зрителя, а самое главное, актуальны в наше время.

Проблема исследования. Делая обзор материала о театре, мы выяснили, что в критической литературе достаточно мало работ, посвящённых Самарскому академическому театру драмы им. М. Горького. Еще меньше работ, посвященных творчеству людей, которые сыграли важную роль в становлении и истории театра.

Объектом исследования является Самарский академический театр драмы им. М. Горького.

Предмет исследования - творчество людей, сыгравших важную роль в формировании театра, его истории и развитии.

Цель исследования. В данной работе мы попытались обобщить и проанализировать факты, информационные источники о Самарском академическом театре драмы им. М. Горького через творчество и деятельность людей, сыгравших важную роль в его формировании.

Задачи исследования.

1. Рассмотреть историю создания Самарского театра драмы.

2. Проследить путь театра от основания до наших дней, исследовать этапы его развития.

3. Исследовать творчество наиболее выдающихся людей, сыгравших важную роль в становлении и жизни театра.

Материалом исследования послужили статьи самарских газет и журналов, видео и аудиозаписи творческих встреч актеров драматического театра со зрителями, фотографии спектаклей, фотопортреты актеров и режиссеров театра.

театр самарский стрепетова режиссерский

Глава 1. История театра

Среди свидетельств, говорящих о том, что постоянный театр в Самаре открылся 8 ноября 1851 года, есть и такое, которое появилось полвека спустя. В 51-м номере журнала «Театр и искусство» за 1901 год в разделе «Провинциальная летопись» сообщалось: «8 ноября Самарский городской театр праздновал 50-летний юбилей. Театр был убран транспарантами, флагами, материями… Г. Галицким (он же режиссёр) была прочитана историческая записка Самарского театра. Приятно было услыхать фамилии давнишних любимцев - Стрепетовой, Писарёва, Андреева-Бурлака и многих других. Поставлены были пролог из оперы «Паяцы» и по одному акту из пьес «Горе от ума», «Гроза», «Маскарад» и «Ревизор».

Юбилейные торжества проходили в том самом каменном, словно сказочный терем, театральном дворце, что и поныне украшает наш город. Но ведь это здание, как известно, было построено не в 1851 году. Театральный занавес впервые открылся здесь в октябре 1888 года. Тогда в каком же помещении, на какой сцене начинался Самарский театр, где начиналась его история? [4]

А.А. Смирнов так описывает возникновение Самарского театра: «В 1851 году Самара из уездного была преобразована в губернский город. Понаехали чиновники из столиц, дворянство оживилось, приобрело для «Собрания» дом Путилова на Дворянском… В то же время появился постоянный (т.е. на зимний сезон) профессиональный театр, открытый Е. Стрелковым на берегу Волги в так называемой «Гавани», в доме Лебедева. 8 ноября 1851 года - день открытия спектаклей в Лебединском доме - и нужно принять как дату начала Самарского театра». Известен и его репертуар: «Что имеем, не храним», «Аз и Ферт», «Русский человек добро помнит», «Арфистка или проклятие матери» и др.

В рукописи А.А. Смирнова есть этому весьма существенные дополнения. Во-первых, труппа актёров под управлением Е. Стрелкова прибыла из Казани «по частному приглашению небольшого кружка интеллигентов». Во-вторых, уточняются названия пьес, которые были показаны в день открытия театра: «Что имеем, не храним» Соловьёва и два водевиля - «Современный анекдот с жильцом и домохозяином» Григорьева и «Аз и Ферт» - перевод с французского.[3] Наконец, третье и самое главное дополнение - в том первом сезоне была показана бессмертная комедия Н.В. Гоголя «Ревизор».

12 мая 1854 года пожар, опустошивший значительную часть деревянной Самары, оставил от каменного двухэтажного дома Лебедева лишь обгорелые стены. Город остался без театра. Но ненадолго. Уже вскоре явилась мысль о

постройке специального театрального здания, для чего были собраны средства по подписке дворян. Набрав 3000 рублей, «отцы города», вдохновляемые губернатором К. Гротом, в августе 1855 года приступили к делу. А уже в середине ноября театр был открыт. [4]

Существует небольшое разночтение по поводу дня открытия этого деревянного театра - 13 или 16 ноября. Но вот относительно пьес, выбранных для столь торжественного момента, никаких неясностей нет: водевиль в 3-х действиях Куликова «Ворона в павлиньих перьях», «Что имеем, не храним» и «Дочь русского актёра». В этом же сезоне были поставлены комедии А.Н. Островского «В Чужом перу похмелье» и «Бедность не порок». [4]

По карандашному наброску А.А. Смирнова куйбышевский художник Г. Подбельский в 1939 году сделал акварельный рисунок «Самарский театр в 60-х годах прошлого столетия». В то время его «деревянная наружность» была уже значительно улучшена. В 1862 году всё здание было обложено кирпичом, появились подъезд и крытое крыльцо с «настоящими» колоннами.

В 1886 году театр-амбар пришёл в негодность. 13 апреля «Самарская газета» поместила короткую информацию о кончине почти «столичного» театра.

4 апреля 1886 года Самарская дума приступила к обстоятельственному обсуждению доклада городской управы «О сломе существующего здания зимнего театра и постройке для него нового». На такой шаг - сломать и построить - управу, прежде всего, подвинула… безвыходность положения. Именно безвыходность! Потому что «украшавший» тридцать один год Полицейскую площадь деревянный театр к тому времени пришёл в такую катастрофическую негодность, что уже никто не мог гарантировать безопасность зрителей и актёров. [1]

Ассигновав на строительство театра 85000 рублей с надеждой уложиться в «весьма выполнимую смету», дума к моменту открытия израсходовала из городского бюджета свыше 160000 рублей. Нужно сказать, что Самарская дума, многие её гласные и её председатель, городской главы П.В. Алабин, в большинстве случаев весьма успешно преодолевали всевозможные рифы и осложнения, возникавшие в период строительства. А когда наступил 1888 год и объект стал пусковым, то, судя по годовому журналу - протоколом заседаний думы, различные театральные дела и вопросы обсуждались около пятнадцати раз. [4]

Но вот уже убраны леса и очищена площадь перед театром. Увенчанный четырьмя башнями, сказочный театральный терем горделиво встал над Волгой в всей своей красе и привлекательности, восхищая толпы устремившихся к нему горожан.

В рукописи А.А. Смирнова «Старый Самарский театр и быт» мы находим непосредственное впечатление, которое он производил тогда на самарцев и, главное, каким был его первозданный облик: «… В условно-русском стиле, тёмно-красное, с небольшими, как бы мозаичными, разноцветными панно во впадинах и крышей в красно-зелёную клетку, эффектно… здание высилось над пышными купами городского сада и - за ним - над неоглядным раздольем Волги - акварельно неясной панорамой Жигулёвских ворот. [8]

Вид из окон фойе и террасы бельэтажа был и остаётся одним из самых красивых в городе».

2 октября 1888 года праздничным прологом - живой картиной - и драмой П. Невежина «Вторая молодость» открылась новая страница в истории самарской сцены.

Глава 2. Деревянный театр. Творчество П.А. Стрепетовой

«Снаружи «губернский театр» был неказист… крайне невзрачен… маленький (всего 6 рядов кресел и три невысоких яруса), деревянный, входной стороной он глядел на Волгу, а с остальных - показывал свои голые рёбра из плохих, кое-где перерубленных брёвен. Подъезда или крытого крыльца «у храма муз» не было… Здание вначале даже не имело даже уборных… Как говорят, было переделано из старого хлебного амбара. Но Самарцы гордились им… В этом-то «старом театре» и кипела на протяжении тридцати лет пёстрая сценическая жизнь…». Судьба подарила этому театру большое счастье - открыть на своей сцене удивительный русский талант. Именно Самарский театр стал местом рождения великой трагической актрисы Пелагеи Антипьевны Стрепетовой. На сцене деревянного театра в начале 1870 года девятнадцатилетняя актриса совершила свой поразительный художественный взлёт, потрясший всех, видевших её в роли Лизаветы в драме А. Писемского «Горькая судьбина». Тот самарский театральный сезон стал поворотным в жизни актрисы. [1]

В 1869 году антрепренером Самарского театра стал А.А. Рассказов - бывший актёр Малого театра. Рассказов подошёл к руководству театральным делом в Самаре серьёзно и основательно. Причём организационную и коммерческую деятельность он всячески стремился поставить на службу творческой, художественной стороне театра. Не без его участия были разработаны губернатором в августе 1869 года подробные и очень строгие «Правила службы гг. актёров и актрис, служащих при Самарском театре». Именно Рассказов пригласил П. Стрепетову играть в сезоне 1869/70 года. Скорее всего, это было вызвано тем, что молодая актриса двумя годами раньше уже играла в Самарском театре, добросовестно выполняла работу и была любима публикой. Перечень пьес, предлагаемых к постановке в новом сезоне, был достаточно разнообразен: «Горячее сердце» А.Н. Островского, «Коварство и любовь» Ф. Шиллера, «Свадьба Фигаро» П. Бомарше, «Женитьба» Н.В. Гоголя. «Горькой судьбины» в анонсном перечне нет.

Вероятно, потому, что до этого пьеса не имела успеха - ни в Москве, ни в Петербурге, ни в провинции. [7]

Так начинался сезон, который сама Стрепетова считала поворотным в своей творческой жизни. Стрепетова играет Мелентьеву в «Василисе Мелентьевой», Дуню в пьесе «Не в свои сани не садись», Марию Андреевну в «Бедной невесте» А.Н. Островского, Леди Мильфорд в «Коварство и любви» Ф. Шиллера, Офелию в «Гамлете» В. Шекспира, Агафью Тихоновну в «Женитьбе» Н.В. Гоголя и Парашу в «Горячем сердце» А.Н. Островского. Много играла Стрепетова и в современных для того времени в пьесах, в водевилях и даже опереттах.

Мы знаем условную, но всё-таки точную дату рождения великой трагической актрисы Пелагеи Стрепетовой на сцене Самарского театра - 15 января 1870 года. Именно в этот день свершилось «чудо, какого давно уже не было на русской сцене». И свершилось оно в той сфере народной драмы и трагедии, что были наиболее близки личности, духовному и психологическому состоянию актрисы, характеру её актёрского таланта. [8]

Посмотрим же, как рассказывает об этом сама Стрепетова: «Бенефисы следовали еженедельно… За Ленским шла очередь Д.А. Рассказовой, которая выбрала «Горькую судьбину» Писемского. Получивши роль, я отнеслась к ней более чем равнодушно, так мало она казалась мне интересной. Однако на репетициях, постепенно разбираясь в ней и изучая пьесу, совершенно неожиданно для себя я открыла то тут, то там одно достоинство за другим, и, в конце концов, слагаясь из отдельных частей, передо мной вдруг выросло что-то колоссальное, охватывающее собою всю сферу, весь склад русской народной жизни недавнего, ещё не совсем изжитого прошлого, получилась картина, страшная своей потрясающей правдой» [2]

Так чистая, но запретная любовь крестьянки Лизаветы и ужасная расплата за бесстрашие и нечеловеческие страдания забитой русской женщины открыли для Стрепетовой громадное социальное явление. И вот - 15 января: «В день спектакля я чувствовала настроение необыкновенной торжественности… И не одна я - точно вся труппа на этот раз приступила не к обыкновенному представлению, а к священнодействию. На всём лежала печать чего-то исключительного, праздничного, веяло общим подъёмом духа, моментами ощущение приятного страха хватало за сердце. Театр был полон. Едва открыли сцену - публика насторожилась. С каждым явлением внимание росло… Мои нервы напряжённо заговорили. Я всё глубже и глубже входила в положение Лизаветы, плотнее сливаясь с ней, переживая, её нравственную пытку… Анания играл Писарёв. Акт у нас прошёл концертно. Представление завершилось шумным триумфом. Пьеса прошла в течение сезона шесть раз при полных сборах».

…И следующий театральный сезон Стрепетовой - вновь в Самаре, в маленьком деревянном театре. Это был третий и последний сезон в счастливом для неё городе. Так Стрепетова и её замечательные партнёры - артисты Писарёв, Ленский и другие, собранные в единый художественно крепкий ансамбль антрепренером и прекрасным актёром Рассказовым, навсегда прославили Самарский деревянный театр.

В воспоминаниях Стрепетовой есть такие строки: «Труппа Рассказова была первая благоустроенная труппа, какую я наконец увидела после почти трёхлетнего своего скитания по провинции…

В описываемое время на громадном пространстве русской земли хороших провинциальных театров насчитывается всего восемь: Киевский, Харьковский, Одесский, Казанский, Тифлисский, Воронежский, Ростовский и Саратовский. Рассказов прибавил девятый - в Самаре». [8]

Глава 3. Ленинградский десант. Творчество Н. Симонова

Начало тридцатых годов. Время решительных сдвигов в истории нашей страны. Крутые повороты происходят и в жизни Самары. Небольшой губернский город превращается в центр огромного Средне-Волжского края. И Самарский театр начинают именовать высоко и ответственно: краевой.

Бурные события социальной жизни, стремительно развивающийся процесс рождения нового человека требовали от театров целенаправленной, единой художественной линии, осознанной эстетической программы. Но именно этого не было и не могло быть в театре, когда на сцене по давней провинциальной традиции ещё господствовал актёрский индивидуализм. 24 марта 1931 года в редакционном комментарии к рецензии, зафиксировавшей очередную неудачу, «Рабочая Самара» писала: «От прорыва к прорыву, без плана, без системы лихорадочно живёт крайдрамтеатр. Театр не знает, что он будет ставить завтра. Труппа три недели не репетирует. Зритель не ходит».

Но именно в это время очень далеко от Самары произошли события, надолго определившие будущий подъём Самарского театра. Весной 1931 года группа молодых актёров Ленинградского академического театра драмы - В. Киселёв, Н. Симонов, Г. Соловьёв - попросили освободить их от работы. Объясняется этот поступок тем, что зрело в отдельных актёрах тоскливое чувство необъяснимой, не укладывающейся ни в какие общепринятые формулировки неудовлетворённости. Были роли, но хотелось почему-то другого успеха.. [2]

И вот ленинградцы, после целого ряда столкновений порвав с «Александрийкой», оказались на родине Симонова - в Самаре. Сначала здесь появилось уже названное «бунтарское» трио, потом к ним присоединились Кистов, Меркурьев, Павлычева, Толубеев. В этом переезде в Самару сказался и молодёжный романтический порыв, но были и свои эстетические поиски. Актёры, променявшие крупнейшие театры Ленинграда на трудную жизнь в Самаре, надеялись, что со временем краевой театр по художественным постановкам станет одним из лучших театров страны. Они хотели создать театр, который встал бы - по уровню художественности, по актуальности репертуара, по действенности спектаклей - рядом с лучшими столичными.

Об этом более решительно писал и говорил Н. Симонов, сыгравший в становлении Самарского театра особую роль. (Рис.7) Он выступал как актёр, режиссер, художник, организатор и педагог театральной студии.

Н. Симонов смотрел в будущее и верно определял перспективы советского театра. В этом плане интересно вспомнить современную статью Симонова и главного режиссера Н. Холмогорова, опубликованную 14 мая 1932 года. Молодые руководители театра, подводя итоги первого сезона своей деятельности, писала: «Работа шла по линии решительной борьбы с актёрским ремесленничеством, трафаретом, штампом, игрой «приблизительных чувств», т.е. с такой игрой, когда образ нового человека подгоняется под старое амплуа, выявляется старыми приёмами. Театр осуществлял задачу постепенного раскрытия образа, показа образа не в статической завершённости, а в динамике, в росте, в непрерывном возникновении новых и уничтожении старых качеств и особенностей под влиянием окружающей действительности». [7]

За три года пребывания в Самаре Симонов сыграл не так уж много - всего шесть ролей. Важнейшие из них - шахтёр Гнат Орда в «Деле чести» И. Микитенко, комиссар Лосенко в «Мстиславе Удалом» И. Прута, начальник строительства Гай в «Моём друге» Н. Погодина, секретарь окружкома Михайлов в «Хлебе» В. Киршона - определяет главную линию его актёрского творчества. Как режиссёр он ставил «Смерть Пазухина» Н. Щедрина, «Суд» В. Киршова, «Приведение» Г. Ибсена, «Егора Булычёва» М. Горького. Здесь очевидно стремление к репертуарному многообразию, к освоению классического наследия. Недаром среди лучших спектаклей театра в это время оказались «Доходное место», «Свадьба Кречинского», «Правда, хорошо, а счастье лучше». И когда анализируешь жизнь театра в эти три симоновских года, то ясно видишь её направления: романтико-героическая советская пьеса, социально-психологическое исследование современной жизни.

Приходит момент, когда Симонов, Соловьёв, Меркурьев, Толубеев и Киселёв расстаются с Самарой. А театр сохранился. Ведь уже была найдена верная идейно-художественная линия, были заложены и крепкие организационно-творческие основы. [1]

Глава 4. Театр в военные годы

День Победы… Сколько сказано о нём, сколько песен спето, сложено стихов! Но каждый раз по весне щемит сердце при взгляде на пожилых людей, надевших ради великого праздника военные ордена и медали. 65 лет минуло. Трудные годы, перестройки и переоценки, инфляции и девальвации не прибавили им сил и здоровья. Но и не убавили гордости за тот светлый подвиг, который совершили они 65 лет назад вместе со всей огромной страной. Это была война народная, война отечественная, война святая. И потому старики могут гордо расправить плечи, а мы, кто родился после войны, должны поклониться и тем, кто, слава Богу, ещё жив, и тем, кого уже нет.

Музы не замолкли, когда заговорили пушки. Напротив, зазвучали ещё громче, словно пугаясь заглушить канонаду. И заглушали, и спасали, и помогали выжить, сохранить человеческое, в опалённых войною сердцах. И театральные артисты работали с огромным напряжением, чтобы отогреть тяжко работающих в тылу или раненых, чтобы поехать на фронт с концертной бригадой и порадовать солдат на передовой. Но сколько артистов, музыкантов, художников воевало на фронте!

Ради Победы люди театра работали с первого дня войны. Коллектив драматического театра сразу нашёл пьесу, которая словно просилась на сцену. В портфеле театра вот уже два года лежала патриотическая драма М. Гуса и К. Финна «Ключи от Берлина» о победоносном походе русских войск, взявших Берлин при императрице Елизавете Петровне. Г. Шебуев поставил пьесу за десять дней и при этом ещё зло и остроумно сыграл прусского короля Фридриха. А начальника передового русского отряда эффектно и волнующе представил В. Бурэ. «Ключи от Берлина» шли четыре-пять раз в неделю, и зрительный зал долгое время был полон. Когда Бурэ говорил свою ключевую фразу: «Помните, что мы до Берлина дошли, а вам до Москвы не дойти», - всегда раздавались оглушительные аплодисменты. Перестроив с первых же дней на военный лад всю свою жизнь, коллектив театра трудился с огромным энтузиазмом. [4]

Взяв в начале июля обязательство, выпустить четыре премьеры до первого августа, он выполнил его в сроки, поражающие своей сжатостью: 8 июля - «Ключи от Берлина», 12 - «Шёл солдат с фронта», 19 - «Слава», 2 августа - «Парень из нашего города», а в конце августа появляется обличительный антифашистский спектакль «Продолжение следует», поставленный П. Васильевым и Н. Рославлевым.

Естественно, что в военную пору наибольшие успехи театра были связаны с разработкой героической тематики, тем более что куйбышевский зритель уже успел узнать, оценить и полюбить такие спектакли, как «Мстислав Удалой», «Чапаев».

Событием в жизни театра стала постановка в октябре 1941 года пьесы А. Крона «Глубокая разведка». Премьера пьесы о мирном труде состоялась в самую тяжёлую пору боёв под Москвой. Можно было ожидать, что спектакль не вызовет интереса. Произошло обратное: спектакль был воспринят как настоящая глубокая разведка душевного богатства, мужества, красоты советского человека.

Успешно работал театр и над классикой, в особенности над трагедией «Ромео и Джульетта». Спектакль оказался одним из самых значительных созданий театра, он играл около пяти лет, вызвал многочисленные отклики, надолго сохранился в памяти зрителей.

За годы войны было поставлено 39 спектаклей и 24 из них - по пьесам советских драматургов. В годы войны театральный коллектив был занят не только постановкой спектаклей. Широка и значительна была его общественная деятельность. В общей сложности 1 миллион 100 тысяч рублей собрал коллектив на укрепление обороноспособности страны. [5]

Многие работники театра с первых дней войны ушли на фронт. Среди тех, кто не дожил до светлого дня победы, артисты Д. Титов, В. Яковлев, Ю. Райхман, В. Макаров и В. Чемодуров, электрик А. Гусев, художник-декоратор Г. Карнаухов, заведующий декоративным цехом С. Алферов, макетчик Н. Цецнель, бригадир поделочников В. Костерин.

Группа актёров - И. Щеглова, Л. Леонидов и другие - провела на фронте около 200 дней, дав для бойцов 485 концертов. А концерты в госпиталях, эвакопунктах и воинских частях, находившийся в тылу, продолжались изо дня в день. 89 работников театра были награждены медалями «За доблестный труд в Великой Отечественной Войне 1941-1945 г.г». В одном этом факте - красноречивая оценка напряжённой творческой жизни театра в суровые сороковые годы.

Глава 5. Театр драмы в период режиссерской деятельности Петра Монастырского

В 1955 году в Куйбышев приехал сорокалетний режиссёр П.Л. Монастырский (Рис.8). К этому времени Монастырский уже жил мечтой о своём театре, который сольёт воедино публицистическую актуальность и вахтанговское начало, станет одновременно и кафедрой праздником. П. Монастырский был убеждён, что театр должен говорить со зрителями о проблемах, которые их сегодня непосредственно волнуют, и в то же время обеспечивать свою деятельность поисками выразительной и яркой театральной формы. Уже до Куйбышева определилось, в каких формах Монастырский работает особенно охотно и увлечённо. В жанровом отношении - это комедия. В стилевом - непременное привлечение музыки, и при этом не иллюстраций к действию, а эмоциональных соответствий.

Когда Монастырский приехал в Куйбышев, местный театр возглавлял Е.П. Простов, убеждённый сторонником строгого психологизма и ярый противник экспериментов, акцентирующих театральную условность. Может быть, поэтому первый спектакль Монастырского - «Последние» - и не раскрыл нам его индивидуальности, даже не содержал указаний на его особинку. Но затем появились весёлые, жизнелюбивые спектакли «Когда цветёт акация», «Чудесный сплав», «В поисках радости». [8]

Фантазия Монастырского в созидательной деятельности, в поисках чудесного сплава мелодии, ритма, слова, движения, выразительной детали сказывалась очень заметно, и от тех давних сгустков художественной энергии, юмора, изобретательности идёт прямая тропинка к спектаклям «Цезарь и Клеопатра», «Тогда и Севилье», «Проделки Ханумы», «Левша», «Бешеные деньги», «Татуированная роза». Поиски выразительности театральной метафоры, несущей зрительному залу мысль спектакля, - самая очевидная особенность его режиссёрская работа. В своих лучших работах умел режиссёр

Монастырский передать в образе суть спектакля. Необычность формы всегда как средство, помогающее решить основную, важнейшую задачу театра - познание человека.

Поиски формы диктовались правдой характеров как конечной целью и самым ценным качеством спектаклей. Вспомним наибольшие достижения режиссёра Монастырского - «Иркутская история», «Ричард III», «Материнское поле», «Варшавскую мелодию», «Гамлет», «Золотую карету», «Дом на скале», «Гнездо глухаря», своеобразную горьковскую трилогию: «Фома Гордеев», «Мать», «Дело Артамоновых». Все эти спектакли большого звучания, в которых было достигнуто самое тесное слияние психологического анализа с выразительной формой, продуманности режиссёрского плана с точностью актёрских работ. [6]

Монастырский считал, что зрителя притягивает к театру прежде всего радостная возможность эстетического наслаждения. За всю историю Самарского театра ни один режиссёр не подарил зрителю столько весёлых, озорных, комедийных представлений. И в то же время он хорошо знал, что драматический театр большого города должен удовлетворять и воспитывать разных людей. Зрители ведь идут в театр не только развлекаться. Их ведёт и духовная жажда - услышать умное слово о том, что составляет существо их нынешних раздумий и переживаний. Театр - живое, современное искусство. Монастырский всегда помнил об этом, формируя репертуар, активно отыскивая нужную пьесу, определяя её режиссёрское прочтение. Он настойчиво искал пьесы, которые отвечали его идеалам, его гражданским интересам, и он умел слышать голос своего времени, умел держать руку на пульсе жизни, улавливая её движение, понимать духовные потребности современников и чутко, отзывчиво откликаться на них. [6]

Необходимо сказать и о том, что режиссёр Монастырский всегда помнил: как бы ни была богата фантазия режиссёра, главным на сцене всё-таки остаётся актёр. Только актёру, в конечном итоге, принадлежит честь открытия человеческих характеров, только он, в конечном счёте, призван передать зрителю весь заряд мыслей и эмоций драматурга. Поэтому Монастырский не жалел сил для работы с актёрам. Недаром, став главным режиссёром, он сразу позаботился об открытии театральной студии.

Конечно, было бы неверно, создавая портрет режиссёра, замалчивать реальную сложность творческого процесса. И в жизни нашего театра, и в работе Монастырского были досадные неудачи, бывали спектакли, вызывающие чувство неудовлетворённости. Но надо учитывать и ту особенность характера Монастырского, что при выборе пьес он предпочитал поиск абсолютно проверенным названиям. В таком поиске всегда был элемент риска, но зато тем радостнее и значительнее был успех.

Имя Монастырского теперь не отделимо от истории театра драмы им. М. Горького. Их судьбы были связаны более 40 лет. Выразительность этой цифры станет особенно очевидна, если вспомнить, что Николай Симонов взялся за организацию стабильной труппы в Самаре осенью 1931 года. Следовательно, история стационарного театра делится почти на две равные половины, причём первую характеризует, к сожалению, частая смена руководителей. [8]

Среди них было немало талантливых интересных художников - А. Волгин, И. Ростовцев, П. Васильев, В. Вильнер, В. Энтелькрон, Е. Простов, В. Галицкий, но ограниченность сроков их пребывания во главе коллектива не могла не сказаться. Создать за это время свой театр, имеющий собственное неповторимое индивидуальное лицо, попросту невозможно. П. Монастырский эту труднейшую задачу решил, ибо имел в своём распоряжении достаточный срок. Впрочем, причину и следствие здесь можно поменять местами. Видимо, Монастырский так долго работал в одном театре именно потому, что работал талантливо и плодовито, обеспечивал все возрастающую роль театра в духовной жизни города. Долголетняя работа в одном театре стала для Монастырского возможна только потому, что он добрался до самого донышка профессии главного режиссёра и убедился, что быть только художником мало. Театр - высокое, сложное синтетическое искусство, и талант художника - первое, без знаний которого создать спектакль, воплотить художественный замысел невозможно. Монастырский считал, что путь к успеху художника должен быть обеспечен отлично налаженной организацией всего театрального дела. Поэтому он настаивал на необходимости подлинного единоличия и, приняв обязанности главного режиссёра, совместив их с директорскими. Для Монастырского - руководителя театра не было мелочей. Во всех делах Монастырского, больших и малых, всегда проявлялась основная черта его характера - постоянная неуспокоенность, жажда поиска, жажда новизны.

Большую роль в формировании театра сыграли те, кто нес на себе репертуарную ношу драматического театра. На подступах к ответственным ролям оказались Засухин Н.Н. и Грязнова Л.Н., Демич Ю.А. и Радолицкая Н.В., Боголюбова С.И. и Кузнецов В.И., Лазарев М.Г. и Альбицкая Л.А., Ершова В.А. и Михеев Н.А. И этот перечень далеко не исчерпан. Каждый отдавал театру весь свой опыт и талант и частицу своего сердца.

Глава 6. Театр в моей жизни

13 октября 1995 года на должность художественного руководителя театра был назначен заслуженный деятель искусств Узбекистана Вячеслав Алексеевич Гвоздков. (Рис.9) В декабре 1995 года на пресс конференции в Доме Актёра он сказал, что собирается «изменить язык театра». За пятнадцать лет творческой деятельности в театре им было поставлено множество спектаклей, последние из которых «Амадеус», «Ребята, я к вам!», «Спокойный день в конце войны» и др.

Любовь и уважение к зрителю проявляется в театре во всём: уютные холлы, зимний сад, ночные представления. (Рис.3) Зритель же из вечера в вечер заполняет зал до отказа, демонстрируя свою любовь и преданность родному театру.

Я попала в театр, когда им руководил Вячеслав Гвоздков, и сразу прониклась уважением к этому человеку, сумевшему сохранить великолепную атмосферу в театре, и, в то же время, наметить новые тенденции развития талантливой труппы, в которой, наряду с именитыми актерами, успешно работают и совсем молодые коллеги.

С тех пор я часто бываю в театре, стараюсь не пропустить премьеры и с удовольствием хожу на уже полюбившие спектакли. Спустя три года со дня открытия для себя театра, я могу сказать, что на театр немалое влияние оказывает и зритель, который является активным участником жизни театра, формирования его репертуара, имиджа. Но и сам зритель воспитывается в духе театра, его мировоззрения и ценностей.

Заключение

В 2011 году драматическому театру имени М. Горького исполнилось 160 лет. Но он молод. Молодость театра - понятие широкое и многозначное. Молодость театра - постоянный поиск, верность главным человеческим ценностям, принципам реализма и плодотворным традициям коллектива, которые существуют в его лучших спектаклях и актёрских созданиях. Молодость - это движение. Как всё живое, искусство театра постоянно развивается, изменяется, обновляется. Все это присуще Самарскому драматическому театру.

Таким образом, мы сделали попытку рассмотреть историю создания и развития Самарского драматического театра через творчество и деятельность людей, сыгравших важную роль в его формировании. В своей исследовательской работе мы пришли к таким выводам:

Творчество П. Стрепетовой помогло нам увидеть жизни Самарского деревянного театра, а работа антрепренера А.А. Рассказова, на наш взгляд, помогла сделать Самарский театр одним из лучших.

Мы рассмотрели деятельность Н. Симонова, который смог уберечь театр от актёрского индивидуализма, нашёл верную идейно-художественную линию для театра, заложил крепкие организационно-творческие основы.

В своей работе мы осветили деятельность театра в годы Великой Отечественной войны. Благодаря бескорыстному служению и героической стойкости актёров, всего коллектива театра, военная страница история театра не только не прервалась, но стала одной из самых ярких и патриотичных.

Сорокалетнее руководство П.Л. Монастырского Самарским театром драмы позволило проследить расцвет, молодость, активную жизнь театра и нескончаемую любовь самарцев к своему «главному» театру, которая длится до сих пор.

Приход нового руководителя В.А. Гвоздкова вдохнул новую жизнь в атмосферу театра, открыл интересные перспективы. И, самое главное, не только не растерял свою публику, но своим многогранным и разноплановым репертуаром, талантливой игрой актеров разных поколений привлек немалое число молодого, неравнодушного зрителя, к коим причисляем себя и мы.

Список использованной литературы

1. Актёры. Роли. Спектакли./Под ред. В.И. Жданова. - Куйбышевское книжное издательство, 1973.

2. Альманах «Самарская сцена». - Самара, 1992.

3. Альманах «Самарская сцена». - Самара, 1995.

4. Драматический имени Горького./ Под ред. М.Г. Андреева. - Куйбышевское книжное издательство, 1976.

5. Монастырский П.Л. Аншлаг. - Куйбышев, 1993.

6. Монастырский П.Л. Главный режиссёр. - Самара, 1993.

7. Монастырский П.Л. Где вы, мастера культуры? - Самара: ООО «Офорт», 2009.

8. Финк Л. В гриме и без грима. - Куйбышевское книжное издательство, 1980.

Приложение

Рис. 1 Самарский драматический театр. 90-е годы XIX в.

Рис. 2 Самарский академический драматический театр им. М. Горького. 70-е годы XX в.

Рис. 3 Современный вид интерьера Самарского театра драмы

Рис. 4 Современный фасад Самарского театра драмы

Рис. 5 Пелагея Антипьевна Стрепетова, актриса Самарского театрадрамы. 1882 г.

Рис. 6 Актриса Стрепетова П.А. в роли Лизаветы (пьеса В. Писемского «Горькая судьбина»). 1870г

Рис. 7 Симонов Николай Константинович, художественный руководитель Самарского театра драмы в 30-г. ХХ в.

Рис. 8 Монастырский Петр Львович, художественный руководитель и главный режиссер Самарского театра драмы им. М. Горького в 50-е г. ХХ в

Рис. 9 Гвоздков Вячеслав Алексеевич, художественный руководитель и главный режиссер Самарского театра драмы им. М. Горького в 90-е г. ХХ в

Рис. 10 Сцена из спектакля. 50-е годы ХХ в

Рис. 11 Сцена из спектакля. 90-е годы ХХ в

Рис. 12 В.А. Гвоздков в зрительном зале театр

Рис. 13 Сцена из спектакля «Полковник-птица». 2010 г

Размещено на Allbest.ru