"Золотой век" испанской живописи

Размещено на http://www.allbest.ru/

КАФЕДРА КУЛЬТУРОЛОГИИ И ИСКУССТВОВЕДЕНИЯ

РЕФЕРАТ

по дисциплине: Культура и искусство стран Европы

на тему: "Золотой век" испанской живописи

Введение

До второй половины XVI в. Испания была художественной провинцией, её живопись известна в основном по работам слабых подражателей мастерам эпохи Возрождения. Большинство испанских художников настороженно (а порой и неприязненно) воспринимали античное наследие, считая его чуждой языческой культурой, которая ничему не может научить христианского мастера. Деятельность испанских живописцев жёстко контролировалась инквизицией (например, запрещалось писать обнажённое женское тело, в изображениях Богоматери и святых женщин нельзя было показывать их ноги). Тем не менее, почти все великие мастера Испании творили именно в конце XVI-XVII вв. Не случайно этот период называют золотым веком испанской живописи.

Главными заказчиками произведений искусства в Испании были королевский двор, аристократия и особенно католическая церковь, прежде всего чрезвычайно многочисленные монастыри, что во многом определило и ограничило ее тематику. Среди светских жанров особенное значение принадлежит портрету. Жанровые сюжеты (почти исключительно из народной жизни) получают меньшее распространение.

Натюрморт занимает в испанской живописи более скромное место, но отличается ярким своеобразием мотивов и их художественной интерпретации. Еще реже встречается пейзаж.

Относительно мало развита и мифологическая живопись, ибо церковь запрещала изображение обнаженного тела.

Монументально-декоративная живопись не получает в Испании значительного распространения. Испанская живопись развивается как станковая, однако характеризуется монументальностью композиций, что соответствует обычно большому размеру картин, часто составляющих обширные циклы и изображающих отдельные фигуры святых или эпизоды их жизни и: евангельских легенд.

Реализм в начале XVII века становился господствующим методом испанской живописи, свойственным не только трактовке светских, но и религиозных сюжетов. Во втором десятилетии валенсийский художник Франсиско Рибальта (1565-1628) писал уже святых так, как будто видел в них нищих испанских монахов. Подобная конкретность образов святых и трактовка их как людей из простого народа, значительных и одухотворенных, - особенность испанских религиозных картин «золотого века». Наиболее ярко она воплотилась в творчестве Хосе Риберы (1591-1652).

1. Эль Греко

Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 г. живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко, поскольку он был греческого происхождения и родился на острове Крит (1541-1614). До Испании Эль Греко учился в Италии у Тициана (именно в Венеции он впервые узнал масляную технику), изучал в Риме произведения Микеланджело.

Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты («Взятие под стражу», «Моление о чаше», «Святое семейство»), чаще всего - алтарные образа («Погребение графа Оргаса», церковь Сан Томе, Толедо). Значительно реже он обращается к античным мифам («Лаокоон»).

Герои Эль Греко «вкушают радость в страдании», находятся в состоянии крайней взволнованности, эмоционального напряжения. Это возбуждение, беспокойство, напряжение передается цветом: зеленое, желтое, синее. Лица героев Эль Греко всегда удлиненные, аскетические, глаза посажены асимметрично и широко открыты. Напряженный динамизм пронизывает все композиции мастера. Его портреты грандов, высшей кастильской знати все чем-то похожи друг на друга: этих людей снедает внутренний огонь, на их бледных лицах горят не видящие внешний мир глаза, они полны напряжения сложной духовной жизни.

В пейзажах, изображающих обычно Толедо в грозу, во вспышках молнии, Эль Греко подчеркивает ничтожность человека перед силами природы, и в этом одно из резких отличий в восприятии природы человеком барокко и человеком Ренессанса. В глубоко своеобразном и выразительном искусстве Эль Греко, рожденном в среде древнего вырождающегося кастильского дворянства и фанатичного монашества, много мистики, экзальтированности, исступления, даже ложной патетики и изломанности, что позволяло и позволяет многим исследователям относить его к художникам маньеристического направления. Лучшее, что есть в его искусстве, имело большое влияние на формирование живописи Испании в XVII в. Эль Греко не имел последователей, его искусство в течение трех столетий было предано забвению. Открытие его в начале XX в. превратилось в сенсацию. Попытки представить Эль Греко как предшественника авангардистских течений сменились в последние десятилетия более серьезным, объективно-научным подходом к его искусству, нерасторжимо связанному с породившей его художественной эпохой.

«Золотой век» испанской живописи означен именами таких художников, как Франсиско Рибальта, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран.

2. Хусепе Рибальты

Монументальные образы святых Хусепе Рибальты (1551-1628) всегда строятся на знании конкретной модели, несут определенные черты портретности. Пастозное письмо, интенсивные цвета его палитры имеют много общего с письмом Караваджо, во всяком случае, исходят из близких реалистических принципов («Апостол Петр», «Евангелист Лука»). Испанских художников первой половины XVII в. роднит с Караваджо и интерес к жанровой живописи, первыми образцами которой являются испанские «бодегонес».

На ранних этапах в творчестве Хусепе Риберы (1591-1652, с 1616 г. жил в Неаполе) отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому. В его почерке много от караваджизма: он предпочитает темный фон, насыщенные густые тона, красноватые в тенях, точную пластическую моделировку, подчеркнутую материальность формы, контрасты света и тени, сложные ракурсы фигур («Св. Себастьян»). Его библейские и евангельские персонажи - простолюдины, но всегда полные достоинства, мужественные и гордые. Как истинный сын эпохи барокко, да еще испанец, Рибера предпочитает изображать сцены мученичеств, в них ярче предстает нравственная сила героев. Драматические сюжеты толкуются Риберой без внешних эффектов, и образы обретают истинную монументальность благодаря глубокой внутренней значимости. Это характерно даже для тех персонажей, в которых мастер подчеркивает уродливые черты. Например, в известной картине «Хромоножка» жалкий маленький калека изображен художником с большой теплотой, в нем подчеркнуты его веселость, лукавство, озорство, а ракурс несколько снизу делает его изображение монументальным, придает ему величественность.

Расцвет творчества Риберы относится к 30-40-м годам. К этому времени несколько меняется его манера. Живопись становится светлее, колорит - тоньше, тени - прозрачнее, исчезают резкие светотеневые контрасты, все как бы наполняется воздухом. Образы, возможно, теряют свою конкретность, но становятся более обобщенно-глубокими, выразительными. В них появляется иногда стремление к победе идеального начала, как, например, в пленительном своей чистотой и красотой образе «Св. Инессы» - юной христианки, отданной на поругание толпе, но спасенной Богом, явившим одно из своих чудес.

«Пророки» (1638-1643), написанные Риберой для монастыря Сан Мартино близ Неаполя, становятся олицетворением физической мощи человека и его интеллектуальной силы. Их обычно сравнивают с пророками Микеланджело в Сикстинской капелле, но Микеланджело вдохновляли идеалы гуманизма, а Рибера находит своих героев в самой действительности.

Рибера был чрезвычайно популярен среди живописцев Неаполя. Он оставил после себя многочисленных последователей. Его гравюры широко распространились по всей Европе и еще при жизни художника в 1650 году были изданы в Париже. Но наибольшее признание и славу Рибера завоевал на своей родине, куда постоянно привозили его работы.

В творчестве Риберы и современных ему соотечественников было много сходного. Их роднит острое реалистическое видение, одинаковая трактовка святых как народных героев, интерес к городским низам, свежесть колористического решения картины. Поздние работы трагичны и резки. Особенно сильным влияние художника было в Севилье, наиболее передовом и просвещенном городе Испании XVII века. Его творчество повлияло на испанскую и итальянскую живопись.

3. Франсиско Сурбарана

Крупным центром художественной культуры была Севилья. Севильской школе принадлежит творчество Франсиско Сурбарана (1598-1664), уже в 1629 г. получившего звание главного живописца Севильи. Заказчиком Сурбарана была церковь, главными персонажами - монахи. Спокойные, важные, благочестивые, они представлены обычно в рост, в белых одеждах на темном фоне, в застылой, статичной позе, что сообщало им оттенок вечного, незыблемого. Это всегда национальный, полный достоинства характер (Св. Лаврентий» с символом мученичества - жаровней в руках). Приблизительно до 30-х годов в почерке Сурбарана сказывается влияние караваджизма: в плотности и темном цвете красок, в светотеневых контрастах. Живопись зрелого Сурбарана совершенно самостоятельна и свободна от каких-либо влияний. В ней нет ни внешних эффектов, ни экзальтации даже в сюжетах мистических. Образы полны одухотворенности, величия, ясности и простоты (например, «Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским»). Лаконизм и выразительность пластических средств Сурбарана особенно прослеживаются в его натюрмортах, в которых художник умеет выявить материальное совершенство, красоту формы, фактуры, цвета изображаемых им предметов. Сурбаран создает поистине монументальный образ «мертвой природы» в своих чистых по краскам и строгих по формам натюрмортах.

В конце 30 - начале 40-х годов Сурбаран создал знаменитые циклы картин в монастырях Хереса и Гуадалупы. Он писал много портретов для монастырей и по заказам севильской знати. Художник переживал высший подъем своего искусства. Но иногда в его творчество врывались образы трагические, экзальтированные («Святой Франциск», Лондон, 1639). По-видимому, они были связаны с надломом в мировоззрении художника. Героические идеалы в то время терпели уже крах в Испании, младшим современникам Сурбарана были чужды его монументальные образы. В период расцвета таланта Сурбаран оказался вдруг одиноким. В середине 40-х годов Севилья уже восхищалась картинами Мурильо. Сурбаран пытался подражать ему, создавая лирических, нежных мадонн, но безуспешно. Художник так и не обрел почвы для возрождения. В 1658 году Сурбаран покинул Севилью и уехал в Мадрид. Но и там он не создал ничего, достойного его таланта.

4. Бартоломео Эстебан Мурильо

Последнее поколение испанских живописцев «золотого века». Самым крупным художником второй половины XVII столетия был младший современник Веласкеса - Бартоломео Эстебан Мурильо (1618-1682), один из основателей, а затем президент Севильской Академии художеств. Эстебан Мурильо был необычайно популярный в ХIХ веке. Его изображения «Мадонны с младенцем», «Вознесения мадонны», «Непорочного зачатия», «Святого семейства», в которых поэтичность нередко переходит в слащавость, снискали ему европейскую славу, равно как и изображения детей улицы, мальчишек в поэтических лохмотьях («Мальчик с собакой» - находиться в Эрмитаже, стоимость - 90000 руб.).

Выводы

Три великих мастера - Рибера, Сурбаран, Веласкес - определяют значение ХVII столетия как «золотого века испанской живописи». Хусепе Рибера прочно связан с национальной традицией, но с 1616 г. до конца жизни пробыл в Италии, в Неаполе, на службе у испанского вице-короля. Не только по тематике (сцены мученичеств) и образным приемам (неидеальная натура и миф, травестия, игровое начало, перенос религиозной картины в сферу обыденной жизни), но и по духу (верность натуре, демократизм идеала, народность типов, «веризм» - ориентация на неприкрашенную правду) может считаться одним из наиболее ярких приверженцев Караваджо в «Хромоножка» Риберы - один из наиболее содержательных примеров народного жанра середины ХVII века, сохраняющего монументальность крупной караваджистской формы и утверждающего новые принципы конкретно-жизненного гуманизма на почве народной поэтики, в русле не стилевого, реалистического мышления. Франсиско Сурбаран - самый «испанский» из трех великих представителей «золотого века». Много работал для монашеских орденов - францисканцев и доминиканцев. С конца XVII в. изобразительное искусство Испании переживает упадок. В XVIII в. Испания не дает ни одного сколько-нибудь значительного художника, вплоть до конца века, когда появляется Гойя и испанское искусство с его именем вновь обретает общеевропейскую известность.

Список использованной литературы

1. Т.П. Каптерева. Искусство Испании. Очерки. М, 1989, - 212 с.

2. Т.П. Каптерева. Испания. История искусства. М., 2003, - 178 с.

3. Т.П. Каптерева. Веласкес. М., 1961, - 237 с.

4. М.К. Мартиросова История мировой живописи. Испанская живопись XV-XVIII веков. ОАО «Ярославский полиграфкомбинат», - 2008, - 128 с.

5. Жабцев В.М. Искусство Испании. «Харвест», 2008, -211 с.

6. Л.Л. Каганэ, А.Г. Костеневич. Испанская живопись XV - начала XX века. Государственный Эрмитаж. 2008, - 352 с.

7. Вагнер Г.К. Искусство мыслить в камне. Книжный дом «Либроком», -2011, - 448 с.

8. Власов В.Г. Стили в искусстве. СПб.: Т. I, 1995. - 672 с. - Т. II, 1996. - 544 с.

9. Сапронов П.А. Курс лекций по теории и истории культуры. СПб.: Изд-во Михайлова В.А., 2002, - 173 с.

10. Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч. 2. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство 17-20 веков. «АВАНТА+», 1999, - 652 с.

11. А.В. Владимирова. Веласкес. Журнал «Смена» №5, - 1995 г., стр. 150-165.

12. Э.Д. Дан. Искусство т. 2. «Аванта+», 2000, - 656 с.

13. В.Ф. Мартынов. Мировая художественная культура. М.: «ТетраСистемс», 1997, - 320 с.

14. С.В. Тураев. От просвещения к романтизму. М.: 1989, - 234 с.

15. Большая серия знаний. Изобразительное искусство. М.: ООО «Мир книги», 2003. - 128 с.

16. Трибис Е.Е. Живопись. Что о ней должен знать современный человек. М.: РИПОЛ КЛАССИК, 2003. - 384 с.

Приложение

живопись картина творчество

Размещено на Allbest.ru