Творчество М. Авилова и Ле Корбюзье

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

1. Михаил Иванович Авилов (1882-- 1954)

1.1 Биография

1.2 Творчество Авилова М.И.

1.3 Сравнительный анализ картин «Пересвет и Челубей» (М.И. Авилов) и «Утро на Куликовском поле» (А.П. Бубунов)

2. Ле Корбюзье (Жаннере, Шарль Эдуард) (Le Corbusier)

2.1 Биография

2.2 Период пуризма 1917--1930

2.3 30-е годы 20 века -- начало «интернационального» стиля

2.4 Период 1940-1947 годов

2.5 Период «нового пластицизма» -- 1950--1965

2.6 Дом-студия Озанфана (Ozenfant House and Studio) во Франции от Ле Корбюзье (Le Corbusier)

Список литературы

1. Михаил Иванович Авилов (1882-- 1954)

1.1 Биография

Авилов Михаил Иванович -- русский советский живописец, график, сценограф.

18 сентября 1882 года в Санкт-Петербурге появился на свет Михаил Иванович Авилов. С юных лет мальчик любил рисовать, и родители поощряли это занятие. Они же стали инициаторами поступления сына в Рисовальную школу «Общества поощрения художеств», случилось это, когда Михаилу не исполнилось и 11 лет. Занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств (1903), посещал школу Л. Е. Дмитриева-Кавказского в Петербурге (1903-1904). В 1904-1913 в качестве вольнослушателя продолжил учебу в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ в классе батальной живописи сначала в мастерской Ф. А. Рубо, с 1910 -- Н. С. Самокиша. В 1913 получил звание художника за картину «Молодой царевич и бояре-воспитатели».

Жил в Петербурге (Петрограде -- Ленинграде). Работал преимущественно в области батальной живописи, обращался к книжной иллюстрации, плакату. Принимал участие в академических выставках, выставках Общества художников им. А.И. Куинджи, «Общины художников», Общества русских акварелистов. В 1916 был удостоен первой премии Общества поощрения художеств за картину «Опричники». Участвовал в Первой мировой войне (1914-1917); публиковал в журналах военные зарисовки.

Начало войны Михаил Иванович встретил в столице Российской империи и вполне мог избежать мобилизации, так как уже тогда подавал большие надежды. Но он решил, что в такие трудные минуты нельзя отсиживаться за спинами других и добровольцем ушел на фронт. Почти четыре военных года провел Авилов в солдатской шинели, протопав все военные дороги рядовым бойцом. Но зато, когда он вернулся в Северную Пальмиру, это был уже не восторженный молодой человек, а тертый жизнью мужчина.

Такое изменение не могло не сказаться и на его творчестве. Теперь он смело брался за то, к чему раньше не решался подступиться. И три года, с 1918 по 1921, проведенные в Тюмени, где он фактически отвечал за оформление города во время всех празднеств, тоже оставили свой след - Михаил Иванович освоил «размах», ему уже тесно стало в рамках обычного портрета или зарисовки. После демобилизации жил в Сибири (Тюмень, Иркутск, Барнаул), где работал по заданию Отдела народного образования; преподавал в художественных школах, занимался оформлением площадей и улиц города к праздничным мероприятиям. Сотрудничал в издательствах, выполнял театральные декорации. Создал ряд произведений на темы гражданской войны («Сибирские партизаны», 1926; «Разоружение частей колчаковской армии», 1926; «Прорыв польского фронта Первой конной армией», 1928).

Когда началась Великая Отечественная война, Михаилу Ивановичу было уже почти 60. Во второй раз «фокус» с добровольным вступлением в армию не прошел, ему мягко намекнули в военкомате, что его оружие не винтовка, а кисть. «Вот если Вы напишете что-то патриотичное, значительное, способное поднимать советских людей на беспощадную борьбу с фашистами - это и будет ваш важный вклад в победу. А врага мы, дедушка, и без Вас разобьем», - без обиняков сказал ему годящийся во внуки молодой военный. Эта мысль не давала покоя и самому Авилову. Он задумал работу над полотном, которое и принесло ему наибольшую славу.

«Поединок Пересвета с Челубеем» начал создаваться в те времена, когда враг рвался к Сталинграду. Весь советский народ с замиранием следил за тем, как сражаются красноармейцы-герои, цепляясь за каждый клочок родной земли. И эта героическая оборона придавала Авилову новые силы.

Спустя год после окончания Великой Отечественной войны за картину «Поединок Пересвета с Челубеем» Михаил Иванович Авилов получил Сталинскую премию. В следующем году он становится действительным членом Академии художеств СССР, в год смерти Сталина - народным художником СССР. Преподавал в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина в Ленинграде.

Работы автора находятся в Русском музее, Третьяковской галерее, Пермской картинной галерее, в Днепропетровском художественном музее (Украина), историческом музее им. Д.И. Яворницкого (Украина), Николаевском художественном музее им В.В. Верещагина, в общественных и частных собраниях.

· «Молодой царевич и бояре-воспитатели» (1913)

· «Опричники» (1916)

· «Прорыв польского фронта Первой Конной армией в 1920 году» (1928, Центральный музей Вооружённых Сил России, Москва)

· «Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле» (1943, Русский музей)

Михаил Иванович скончался 14 апреля 1954 года на 72-м году жизни. Он похоронен в Александро-Невской лавре.

1.2 Творчество Авилова М.И.

Авилов -- один из крупнейших художников-баталистов первой половины ХХ века. В своем творчестве выступал продолжателем традиций русского реалистического искусства; большое внимание уделял точности исторических деталей -- снаряжения, мундиров, оружия, достоверной передаче динамики движения, для чего выполнял множество натурных зарисовок с предметов, моделей, лошадей. Манере Авилова присущи звучность колористического решения и ясность композиции.

Произведения художника находятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.

М.И. Авилов занимает в истории советского искусства место в ряду художников, творчество которых посвящено изображению военных событий. Большинство его картин воспроизводит эпизоды гражданской войны, жизнь Советской Армии и годы строительства социализма в нашей стране и некоторые моменты Великой Отечественной войны. Особое положение в его творчестве принадлежит немногим композициям на темы давнего прошлого -- борьбы русского народа за свободу и независимость. Искренняя любовь художника к Родине, гордость великими подвигами русских бойцов выражены в картинах Авилова ясным реалистическим образным языком.

Творчество Авилова развивало традиции русской реалистической живописи конца XIX в.ли события гражданской войны в Сибири. Личные впечатления составили основу правдивости и убедительности изображения написанных им военных сцен. В последующие годы художник постоянно наблюдал жизнь советских воинов, выезжал на маневры, а позднее на места боев на Карельском перешейке. Все это давало художнику возможность уверенно и правдиво передавать картины боевых столкновений. Постоянная работа над пейзажем укрепляла его мастерство изображения групп и отдельных фигур в реальной природной среде, развивала умение передавать пространство, свет и воздух, изменчивое состояние земли в различные времена года, словом все то, что составляло сцену действия героев его картин.

К началу Великой Отечественной войны Авилов был уже зрелым мастером, обладавшим большим творческим опытом. Нападение гитлеровской Германии на нашу родину вызвало высокую волну горячего патриотического чувства в сердцах многомиллионного советского народа, проявившего массовый героизм на фронтах войны и в напряженном труде в тылу. Советские художники всей душой откликнулись на призыв партии и поставили свое творчество на служение великому делу защиты социалистической родины. Многие из них, потрясенные драматическими переживаниями, передали свои чувства в замечательных художественных произведениях.

В период войны особое значение приобрело воспитание средствами искусства чувства советского патриотизма в широких массах советских людей. Существенную роль в этом деле играло воскрешение славных исторических традиций освободительной борьбы народов нашей страны против иноземных захватчиков. Этим определялось возникновение многих художественных произведений на темы давних событий отечественной истории.

1.3 Сравнительный анализ картин «Пересвет и Челубей» (М.И. Авилов) и «Утро на Куликовском поле» (А.П. Бубнов)

Куликовской битве посвящено множество произведений искусства. Однако такие художники как М.И. Авилов и А.П. Бубнов постарались в своих работах передать всю мощь русского народа и величие российской земли. Оба художника показали начало боя, однако, каждый из них по-разному отразил исторические факты. Бубнов показал в картине ожидание воском битвы, Авилов же представил первый бой самых мощных воинов каждой из сторон.

авилов корбюзье пуризм пластицизм

А.П. Бубнов "Утро на Куликовом поле" 1947

Картина запечатлела тот звенящий момент ожидания битвы, когда рассеялся туман и русская рать увидела перед собой татар. Художник изображает на картине всю Русь: всех возрастов люди, всех сословий пришли сюда. Войско как бы бесконечно продолжается за пределами полотна. Ряды воинов сомкнуты. Одна фигура теснит другую, дальше видны новые и новые лица, словно огромная мощная лавина надвигается из глубины... Но вот взгляд зрителей останавливается на фигуре старика, опершегося всем телом на древко копья. И создается ощущение, будто движение всего войска остановлено, сдержано им, но через несколько мгновений эта лавина двинется дальше.

Большая часть первого плана картины занята не людьми, а травами, полем. Это не только композиционный приём художника, это элемент глубоко содержательный: за Русскую землю и вышли сражаться герои картины. Без неё они ничто.

Сюжетное и образное построение картины таково, что предыстория изображенного события легко угадывается, так же как и дальнейшее развитие действия. В картине чувствуется то, что не изображено непосредственно: грядущая борьба и победа русских войск.

Композиция полотна построена с расчетом подчеркнуть сплоченность и монолитность русской рати. Фигуры воинов словно выросли из земли, покрытой густыми, нехожеными травами; этих людей не сдвинешь назад, не потеснишь. Но это не значит, что композиция статична. В вытянутом мече Дмитрия Донского, в фигуре воина, наклонившегося вперед и приподнимающего щит с земли, в копьях, взятых наперевес,- во всем этом выражено движение, которое замыкается спокойной, могучей фигурой воина с топором. Часть фигур срезана рамой картины.

Войско как бы бесконечно продолжается за пределами полотна. Ряды воинов сомкнуты. Одна фигура теснит другую, дальше видны новые и новые лица, словно огромная мощная лавина надвигается из глубины... Но вот взгляд зрителей останавливается на фигуре старика, опершегося всем телом на древко копья. И создается ощущение, будто движение всего войска остановлено, сдержано им, но через несколько мгновений эта лавина двинется дальше.

Так, используя контрасты между теми элементами картины, которые создают ощущение неотвратимого движения всей рати Дмитрия Донского, и теми, которые воспринимаются как препятствие этому трудно сдерживаемому движению, художник достигает выразительности и собранности композиции, подчеркивает ощущение силы и мужества русских воинов. Фигура Дмитрия Донского четко вырисовывается на фоне черного знамени с золотым Спасом. Художник дает почувствовать его роль - роль полководца, возглавляющего русское воинство. В то же время вся группа - Дмитрий и его приближенные, выделенная композиционно,- отодвинута на задний план. Она не господствует в картине, Дмитрий Донской не является главным действующим лицом, ее герой - все устремленное вперед, готовое к битве русское войско.

Куликовская битва раскрыта автором как народная эпопея. Русский народ - вот подлинный герой произведения.

Картине «Утро на Куликовом поле» присуще чрезвычайно существенное для произведения на историческую тему качество: люди, изображенные на полотне, не воспринимаются «сквозь мглу веков», не кажутся архаичными - наоборот, в них есть сила характеров, близких современным людям, и эти характеры обрисованы правдиво и убедительно. Бубнов сумел увидеть в воинах древней Руси живых людей и это чувство передать зрителю. Поэтому и в суровом воине, чьи огромные натруженные руки крепко сжимают копье, и в седом старике с мудрыми, много видевшими глазами, и в белокуром юноше, впервые идущем в бой, и во многих других персонажах картины есть та художественная правда, которая заставляет верить в них.

Работая над картиной, Бубнов придавал очень большое значение тому, чтобы одежда, оружие воспринимались бы зрителем как предметы, необходимые в жизни героев картины, а не как музейные экспонаты.

Художник долго и тщательно изучал по книгам и музеям одежду и оружие, распространенные в древней Руси. Но он обязательно «примерял» все это к людям, стараясь подсмотреть, например, как берут копье, щит, как носят то или другое одеяние. Изучение исторического материала он сочетал с жизненными наблюдениями. Художник остро подмечает бытовые детали в повседневной жизни и умеет их использовать в картине. Так появились рукавицы, заткнутые за пояс у копьеносца, и целый ряд характерных, подчас мелких черточек быта, которые в целом создают впечатление большой жизненности.

Работая над фигурой старика с копьем, художник задумал сначала опоясать его красивым орнаментированным кушаком, но вскоре уничтожил эту эффектную деталь, заменив кушак простой веревкой,- это было более естественно для старого воина и лишило его одежду элемента оперной нарядности.

Бубнов, стремясь сохранить жизненную правду в своей картине, не разрешал себе приукрасить воинов ополчения, одетых беднее и хуже княжеских дружинников. Он далек от ложной стилизации, в его полотне нет вещей, словно взятых напрокат из исторического музея и театрального реквизита,- во всех деталях чувствуется художественная достоверность.

Художник сумел приблизить к нам событие далекого прошлого, заставить зрителя переживать его.

При анализе картины «Утро на Куликовом поле» невольно встает вопрос об использовании Бубновым русского классического наследия. В этом произведении не следует искать влияния одного художника.

В «Утре на Куликовом поле» Бубнов, опираясь на огромный опыт русской исторической живописи и творчески претворяя его, находит свой собственный путь, вполне самостоятельный и оригинальный.

В картине «Утро на Куликовом поле» оптимистическое чувство пронизывает все произведение. Создание образа побеждающего народа, трактовка Куликовской битвы как народной победы в борьбе за национальную независимость является заслугой Бубнова - художника советской эпохи.

В ряду подобных произведений почетное место заняла картина Авилова «Поединок на Куликовом поле», или «Пересвет и Челубей», законченная художником в 1943 году.

Поединок Пересвета с Челубеем. (Поединок на Куликовом поле) 1943

Холст, масло. 327 x 557

Государственный Русский музей

Одна из наиболее знаменитых картин Михаила Ивановича Авилова. На полотне картины изображён исторический бой русского богатыря Пересвета с татарским воином Челубеем. В этом поединке оба воина погибли, однако победа осталась за Пересветом. Конь смог довезти его до русских войск, тогда как Челубей оказался выбитым из седла. На картине изображен эпизод, предшествовавший началу Куликовской битвы (8 сентября 1380), -- поединок русского витязя, монаха Троице-Сергиевой Лавры Александра Пересвета с татарином Челубеем (по одним транскрипциям Челибей, Телебей, по другим сведениям -- Темир-мурза), окончившийся одновременной гибелью обоих.

В основу картины было положено предание о поединке между русским и татарским богатырями, как о нем рассказывает «Задонщина», поэтическая повесть XIV века о Мамаевом побоище 1380 года. Примечательно, что Авилов избрал своим героем не вождя русского войска, московского князя Дмитрия Донского, а легендарного ратника, первым завязавшего битву с врагом.

Авилов написал широкую придонскую степь, поросшую травами, уходящую к низкому горизонту под светлым утренним небом. Вдалеке, разделенные обширным свободным пространством, стоят готовые к сражению русские и татарские полки. По старинному обычаю в поле выехал перед войском прославленный в боях татарский богатырь Челубей и, похваляясь силой, стал вызывать на поединок противника. Многие смутились, и никто не решался выйти в бой против могучего бойца. Тогда из русских рядов выдвинулся вперед Пересвет. Оба богатыря опустили копья и в карьер помчались навстречу друг другу. Затаив дыхание, следят воины обеих сторон за поединком. Масса русских войск представлена относительно небольшой, но плотной, устойчивой, монолитной. Масса татар крупнее, но и беспокойней, в ней мелькают, перемежаясь, темные и светлые пятна, колеблются тонкие линии копий. В этом колебании возникает ощущение неуверенности, как бы предвещающее несчастливый для татар исход битвы. Но это только предвестие, пока еще не воспринимаемое участниками начинающегося сражения. Поэтому наше знание исторического события не мешает почувствовать драматическую остроту представленной сцены.
Со страшной яростью столкнулись богатыри на середине поля. Копья ударили в щиты. Кони поднялись на дыбы, стараясь удержаться на ногах при всей силе столкновения. Взметнулись кверху боевые кони, развеваются по ветру их гривы и пышные хвосты, пена покрывает удила. Громадное напряжение чувствуется в фигурах воинов. С необычайной силой сжимает копье Пересвет. Туго уперлась его борода в широкую грудь, покрытую кольчугой, глаза мечут молнии из-под низко надвинутого шелома. Приподнявшись на стременах, он старается удержаться в седле и помочь коню устоять на ногах. Челубей не менее силен и упорен в бою. Он тоже силится наклониться к шее коня, упрямо опустив голову и напрягая могучие плечи, но перевес не на его стороне. Его нога со стременем скользнула вперед, он всей тяжестью опустился на седло и уже дрогнул и начинает клониться на сторону. Монгольская шапка, опушенная мехом, свалилась с бритой головы, раскалывается щит, пробитый копьем русского витязя, и Челубей вот-вот рухнет, гремя доспехами, на твердую землю, подминая степной ковыль.

Композиция картины довольно проста. Центральное место занимают взвившиеся на дыбы могучие кони, с сидящими на них Пересветом слева и Челубеем справа. Они изображены очень крупно и подавляют собой остальное изображённое на картине. Развевающиеся гривы, оскаленные зубы и свирепые морды делают коней страшными. Ярко выделяется развевающаяся по ветру пёстрая попона коня Челубея и расписной круглый щит, проткнутый копьём русского богатыря. У Пересвета ярко поблескивают на солнце стальной шлем и кольчуга.

Копья противников ударяют в щиты друг друга. Щиты и кольчуги не выдерживают удара и копья протыкают их, вонзаясь в тела богатырей. Челубей слетает с седла лошади от удара копья русского богатыря. С его бритой головы летит красный малахай. Подался назад и Пересвет. Его фигура крайне напряжена, глаза с ненавистью впиваются во врага.

На заднем плане по краям картины стоят уходящие вдаль войска. Игрой красок Авилов передаёт состояние войск перед боем. Скромные, строгие, сероватые тона в левой части картины характеризуют выдержку, спокойствие и уверенность в победе русского войска. Впереди строя на белом коне великий князь Дмитрий Иванович Донской. В битве он получит контузию, но останется жив. Яркие, пёстрые краски татаро-монгольского войска передают их беспокойство и неуверенность в исходе поединка

Таким образом, центральная группа картины беспокойным силуэтом вырастает над горизонтом, четко вырисовываясь на фоне неба. Ярость коней и мощь богатырских фигур, все здесь преувеличено, доведено до былинного, эпического звучания. Вздыбленные кони подымаются, как пирамида, над равниной. Им наперекрест расталкиваются в стороны фигуры воинов, заставляя еще более ощутить ожесточенную враждебность поединка. Яркость живописи достигает наибольшего напряжения в фигурах центральной группы, ясно отделяя их от более легко написанных масс противостоящих друг другу армий. В центре возникают самые сильные цветовые контрасты, усиливающие драматический характер картины. Красный щит Пересвета и развевающееся красно-золотое покрывало коня Челубея составляют резкий контраст холодной синеве доспехов, зелени травы и крупным темным массам тел вороного и гнедого коней. Поединок богатырей приобретает большое обобщающее значение, превращается в символ великого исторического конфликта, в поэтический образ подвига освобождения Руси от татарского ига.

В этом своем произведении Авилов подчеркивает народный характер борьбы за освобождение от татарского ига, в образе героя передает свое понимание ведущей, активной роли народа в великом историческом деле. Художник обращается к народному творчеству и находит решение темы, опираясь на эпические предания, созданные и в течение многих веков отшлифованные безвестными мастерами, передававшими от поколения к поколению повесть о героических подвигах предков.

2. Ле Корбюзье (Жаннере, Шарль Эдуард) (Le Corbusier)

«Быть современным -- это не мода, это состояние.

Каждый из нас должен принимать условия, в которых он живет, и приспособление к ним -- его долг, а не выбор...»

Корбюзье

2.1 Биография

Ле Корбюзье (фр. Le Corbusier; настоящее имя Шарль Эдуард Жаннере-Гри (фр. Charles Edouard Jeanneret-Gris); 1887--1965) -- французский архитектор швейцарского происхождения, художник, дизайнер, теоретик архитектуры.

Ле Корбюзье -- один из наиболее заметных зодчих двадцатого века, пионеров современной архитектуры, создатель новаторских сооружений в духе модернизма. Одним из первых использовал в своих зданиях железобетонный каркас, крыши-террасы, большие плоскости остекления на фасаде, открытые опоры в нижних этажах зданий, свободную планировку этажей. Взгляды Ле Корбюзье, изложенные им в многочисленных книгах, а также его постройки оказали исключительное влияние на всю практику архитектуры нового времени.

Шарль Эдуард Жаннере, -- родился 6 октября 1887 года в Швейцарии, в городе Ла Шо-де-Фон, франкоязычного кантона Нёвшатель. Принадлежал к семье, где традиционным было ремесло часовщика-эмальера. В 13 лет поступил в Школу искусств в Шо-де-Фон, где учился декоративно-прикладному искусству у преподавателя Шарля Леплатенье. Обучение в Школе искусств базировалось на идеях «искусств и ремесел», популярного в то время движения, основанного Дж. Рёскиным, а также находившегося в расцвете стиля ар нуво. С момента поступления в Школу искусств Эдуард Жаннере начинает самостоятельно заниматься ювелирным делом и гравировать крышки часов.

Свой первый архитектурный проект Э. Жаннере начал в неполных 18 лет, с помощью профессионального архитектора. Это был жилой дом, построенный для гравёра Луи Фалле, члена совета Художественной школы. Когда строительство было закончено, на заработанные деньги он совершил свою первую образовательную поездку -- в Италию, Австрию и Францию.

Во время этой поездки Э. Жаннере стажировался, работая чертежником у архитектора и дизайнера Йозефа Гоффмана, лидера венского сецессиона (1907). Затем - в Париже, в мастерской братьев Огюста (Auguste Perret) и Густава Перре (1908-1910), архитекторов, которые одними из первых использовали железобетон в строительстве многоэтажных жилых домов. В 1910--1911 работал в Берлине, в мастерской крупного мастера архитектуры Петера Беренса. В 1911 с целью самообразования предпринял путешествие на Восток -- по Греции, Балканам и Малой Азии, где изучал древние памятники и традиционное народное строительство. Это путешествие во многом сформировало его взгляды на искусство и архитектуру.

Возвратившись домой, Э. Жаннере в течение нескольких лет, с 1912 до конца 1916, работал преподавателем в Школе Искусств в Ла Шо-де-Фон. Здесь же в 1914 открыл свою первую архитектурную мастерскую. В Шо-де-Фон им спроектировано несколько зданий, в основном это частные жилые дома. Последние два здания -- построенная для родителей вилла Жаннере/Перре (1912), а также вилла Швоб, (Турецкая вилла, 1916-1917), заказ богатого часового магната, -- уже отличаются самостоятельностью замысла и вполне оригинальны по архитектуре.

В этот же период Жаннере создал и запатентовал весьма существенный для его творческой биографии проект Дом-Ино (1914) (совместно с инженером М. Дюбуа). В этом проекте предугаданы возможности строительства из крупноразмерных сборных элементов, что по тем временам было новаторским изобретением. Концепцию Дом-Ино Корбюзье реализовал позже во многих своих постройках. В конце 1916 Э.Жаннере навсегда оставляет Ла Шо-де-Фон и Швейцарию, чтобы обосноваться постоянно в Париже.

2.2 Период пуризма 1917--1930

По приезде в Париж Жаннере устраивается штатным архитектором в «Общество по применению армированного бетона» Макса Дюбуа. За время работы в нем, (апрель 1917 -- январь 1919), им выполнено несколько проектов, в основном технических сооружений, -- водонапорная башня в Поденсаке (Жиронда), арсенал в Тулузе, электростанция на реке Вьен и другие. По его проектам строились также рабочие поселки, с жилыми домами на одну-две семьи. Архитектура этих домов близка еще к традиционной. Работая в упомянутом «Обществе...», становится директором фабрики по производству строительных изделий в г. Альфортвиль, дочернего предприятия фирмы. Преподает также рисование в детской художественной студии.

В Париже Жаннере повстречал Амеде Озанфана (Amйdйe Ozenfant), художника, который познакомил его с современной живописью, в частности, с кубизмом. Озанфан вводит Жаннере в среду парижских художников, знакомит с Браком, Пикассо, Грисом, Липшицем, позже с Фернаном Леже. Жаннере начинает активно заниматься живописью, которая становится его второй профессией. Вместе с Озанфаном они устраивают совместные выставки своих картин, декларируя их как выставки «пуристов». В 1919 Жаннере и Озанфан, с финансовой поддержкой Ла Роша, создают философско-художественный журнал-обозрение «Эспри Нуво» («L'Esprit Nouveau»), в котором архитектурный отдел ведет Жаннере. Свои статьи он публикует под псевдонимом «Ле Корбюзье». В журнале «Эспри Нуво» впервые опубликованы «Пять отправных точек современной архитектуры» Ле Корбюзье, своеобразный свод правил новейшей архитектуры:

1. Столбы-опоры. Дом приподнят над землей на железобетонных столбах-опорах, при этом освобождается место под жилыми помещениями -- для сада или стоянки автомобиля.

2. Плоские крыши-террасы. Вместо традиционной наклонной крыши с чердаком под ней, Корбюзье предлагал устраивать плоскую крышу-террасу, на которой можно было бы развести небольшой сад или создать место для отдыха.

3. Свободная планировка. Поскольку стены больше не являются несущими (в связи с применением ж/б каркаса), внутреннее пространство полностью от них освобождается. В результате внутреннюю планировку можно организовать с гораздо большей эффективностью.

4. Ленточные окна. Благодаря каркасной конструкции окна можно сделать практически любой величины и конфигурации, в т.ч. свободно протянуть их лентой вдоль всего фасада, от угла до угла.

5. Свободный фасад. Опоры устанавливаются вне плоскости фасада, внутри дома (буквально у Корбюзье: свободно расположены внутри помещений). Наружные стены могут при этом быть из любого материала -- легкого, хрупкого или прозрачного, и принимать любые формы.

По отдельности подобные приемы использовались архитекторами и до Корбюзье, он же, произведя тщательный отбор, объединил их в систему и начал последовательно применять. В 20-х годах, когда язык новой архитектуры только еще формировался, эти «пять отправных точек архитектуры» для многих молодых архитекторов «нового движения» стали действительно «отправным пунктом» в их творчестве, а для некоторых и своеобразным профессиональным кредо. Формулировались эти правила неоднократно и различным образом. Вот перевод одного из оригинальных текстов Ле Корбюзье:

В 1922 году Корбюзье вместе со своим двоюродным братом Пьером Жаннере открывает свое архитектурное бюро в Париже. Пьер Жаннере на долгое время становится его сотрудником-компаньоном. В 1924 они арендуют под офис крыло старого парижского монастыря по адресу ул. Севр,35 (rue de Sevre, 35). В этой импровизированной мастерской постоянно работала большая группа сотрудников Корбюзье, здесь было создано большинство его проектов.

Для выставки «Осенний Салон» 1922 года братья Жаннере представили проект «Современный город на 3 млн жителей», в котором предлагалось новое видение города будущего. Впоследствии этот проект был преобразован в «План Вуазен» (1925) -- развитое предложение по радикальной реконструкции Парижа. Планом Вуазен предусматривалось строительство нового делового центра Парижа на полностью расчищенной территории. Для этого предлагалось снести 240 гектаров старой застройки. Восемнадцать одинаковых небоскребов-офисов в 50 этажей по плану располагались свободно, на достаточном расстоянии друг от друга. Застраиваемая площадь составляла при этом всего 5 %, а остальные 95 % территории отводились под магистрали, парки и пешеходные зоны. «План Вуазен» широко обсуждался во французской прессе и стал своего рода сенсацией. В этом и других своих градостроительных проектах -- план для Буэнос-Айреса (1930), Антверпена (1932), Рио-де-Жанейро (1936), «План Обюс» для Алжира (1931) -- Корбюзье развивал совершенно новые градостроительные концепции. Общая их суть в том, чтобы посредством новых планировочных методов повысить комфорт проживания в городах, создать в них современную систему автомобильных дорог - при значительном увеличении высоты зданий и плотности населения. В этих проектах Корбюзье проявил себя как последовательный урбанист.

В 20-е годы Корбюзье спроектировал и построил несколько модернистских вилл, создавших ему имя. Наиболее известные из них расположены в Париже или его окрестностях. Это вилла Ла Роша/Жаннере (1924), вилла Штейн в Гарш (теперь Вокресон, 1927), Париж, вилла Савой в Пуасси (1929). Характерные особенности этих построек -- простые геометрические формы, белые гладкие фасады, горизонтальные окна, использование внутреннего каркаса. Отличает их также новаторское использование внутреннего пространства -- т. н. «свободный план». В этих постройках Корбюзье использовал свой кодекс «Пять отправных точек современной архитектуры».

В 1924 году по заказу промышленника Анри Фрюже в поселке Пессак под Бордо был возведен по проекту Корбюзье городок «Современные дома Фрюже» (Quartiers Modernes Frugиs). Этот городок, состоящий из 50-ти двух-трехэтажных жилых домов, был одним из первых опытов строительства домов сериями (во Франции). Здесь применены четыре типа здания, различные по конфигурации и планировке - ленточные дома, блокированные и отдельно стоящие. В этом проекте Корбюзье пытался найти формулу современного дома по доступным ценам, - простых форм, несложного в строительстве и обладающего при этом современным уровнем комфорта.

На Всемирной выставке декоративного искусства 1925 года в Париже по проекту Корбюзье был построен павильон «Эспри Нуво» (L'Esprit Nouveau). Павильон включал в себя жилую ячейку многоквартирного дома в натуральную величину -- экспериментальную квартиру в двух уровнях. Похожую ячейку Корбюзье использовал позже, в конце 40-х годов, при создании своей Марсельской Жилой Единицы.

2.3 30-е годы 20 века -- начало «интернационального» стиля

К началу 30-х годов Ле Корбюзье становится широко известным, к нему начинают поступать крупные заказы. Один из первых таких заказов -- Дом Aрмии спасения в Париже (1929-31). В 1928 году Корбюзье участвует в конкурсе на здание Наркомлегпрома (Дом Центросоюза, ныне Госстатуправление) в Москве, которое затем и было построено (1928-1933). Центросоюз явился совершенно новым, по сути, беспрецедентным для Европы примером решения современного делового здания. Несколько страниц описанию интерьеров этого беспрецедентного офисного здания в своем романе «Двенадцать стульев» выделили писатели И. Ильф и Е. Петров. Строительство осуществлялось под руководством архитектора Николая Колли. В связи со строительством Центросоюза Ле Корбюзье неоднократно приезжал в Москву -- в 1928, 1929, в начале тридцатых. Встречался с Таировым, Мейерхольдом, Эйзенштейном, восхищался творческой атмосферой, царившей в стране в то время, и особенно достижениями советского архитектурного авангарда -- братьев Весниных, Моисея Гинзбурга, Константина Мельникова. Завязал дружескую переписку с А. Весниным. Участвовал в международном конкурсе на здание Дворца Советов для Москвы (1931), для которого сделал смелый, новаторский по замыслу проект.

Архитектурным открытием своего рода был построенный в 1930-1932 годах Швейцарский павильон в Париже -- общежитие швейцарских студентов на территории интернационального студенческого городка. Его оригинальность -- в новизне композиции, наиболее оригинальным моментом которой были открытые опоры-колонны первого этажа, необычные по форме, эффектно сдвинутые к продольной оси здания. Сразу после завершения строительных работ Швейцарский павильон привлек внимание критики и прессы, заставил говорить о себе. В послевоенные годы на одной из стен библиотечного холла Корбюзье создал большое настенное панно в абстрактно-символическом ключе.

В 1935 году Ле Корбюзье посещает Соединенные Штаты, с лекциями совершает турне по городам страны: Нью-Йорк, Йельский университет, Бостон, Чикаго, Мэдисон, Филадельфия, опять Нью-Йорк, Колумбийский университет. В 1936 году вновь совершает подобную поездку, теперь уже в Южную Америку. В Рио-де-Жанейро, помимо чтения лекций, Корбюзье принимает активное участие в разработке проекта комплекса Министерства просвещения и образования (с Л. Коста и О. Нимейером). По его инициативе на высотном офисном блоке Министерства было применено сплошное остекление, а также наружные солнцезащитные жалюзи, -- также один из первых опытов такого рода.

Ле Корбюзье был одним из основателей международных конгрессов СIAM -- съездов современных архитекторов разных стран, объединенных идеей обновления архитектуры. Первый конгресс CIAM состоялся в Ла Сарра, Швейцария, в 1928. Градостроительные концепции Корбюзье легли в основу «Афинской хартии», принятой на IV Международном конгрессе CIAM в Афинах, 1933. Теоретические взгляды Ле Корбюзье изложены им в книгах «К архитектуре» (1923), «Градостроительство» (1925), «Лучезарный город» (1935), и других.

Импульсом для его градостроительных идей был, по его признанию, отчет о газетном интервью его учителя Огюста Перре (отказавшегося, впрочем, позднее от своего ученика за слишком крайние его идеи).

В своем интервью Перре предложил строительство города, состоящего из одних домов-башен. Ле Корбюзье развил идею дальше. В его воображаемом городе центр образован группой башен с планом в форме равностороннего креста. В башнях размещены административные учреждения и конторы, там же -- общественные и культурные сооружения. К западу от центра -- большой парк, к востоку -- промышленный район. Жилые районы окружают центральную часть города и парк. В центре группы башен пересекаются обе главные магистрали, идущие с севера на юг и с запада на восток, на бетонных столбах высотой от 3 1/2 До 5 метров. Улицы наверху служат для пешеходов и пассажирского движения, грузовой транспорт движется внизу. Таким образом весь город разделен на два этажа, причем все коммуникации -- водопровод, канализация, газ, электричество, телефон -- расположены внизу, на первом этаже. Жилой район города отделен от промышленного района зеленой полосой. Кругом в зеленой зоне расположены города-сады.

Так, идея дезурбанизации, идущая от города-сада, была дополнена идеей гиперурбанизации городов-башен. В 1933 году Ассоциация прогрессивных архитекторов (CIAM), в которую входили и Ле Корбюзье, и Бруно Таут, и советские архитекторы, провозгласили в Афинах архитектурную хартию. В ней было дано определение города как жилого и производственного комплекса, связанного с окружающим районом и зависящего от политических, культурных, социальных, экономических и политических факторов. Были сформулированы и четыре основные функции города: жилье, производство, отдых и четвертая функция--транспорт, объединяющий первые три функции,-- фигурально это было изображено треугольником с тремя вершинами (habiter, travailler, cultiver 1'esprit et le corps), через которые проходит окружность (circuler).

Афинская хартия создала прочный фундамент подведенному уже под крышу зданию новой науки, получившей наименование градостроительства, или урбанизма.

Все эти годы (1922-1940) в мастерской Корбюзье в Париже на улице Севр, 35 работали в качестве стажеров-учеников молодые архитекторы из разных стран. Некоторые из них стали впоследствии весьма известными и даже знаменитыми, как например, Кунио Маекава (Япония), Юнзо Сакакура (Япония), Хосе Луис Серт (Испания-США), Андре Вожански (Франция), Альфред Рот (Швейцария-США), Максвелл Фрай (Англия) и другие.

Корбюзье был женат на Ивон Гали (фр. Yvonne Gallis), из Монако, с которой познакомился в Париже в 1922 году, официально брак был оформлен в 1930-м. В том же году Корбюзье принял французское гражданство.

2.4 Период 1940-1947 годов

В 1940 мастерская Корбюзье была закрыта, а сам он с женой перебирается на ферму вдали от Парижа, (Ozon, Пиренеи). В 1942 совершил официальную поездку в Алжир, в связи с градостроительным проектом города Алжир. Вернувшись в том же году в Париж, ввиду отсутствия заказов, занимался теорией, рисовал, писал книги. К этому времени относится начало систематической разработки «Модулора» -- изобретенной им системы гармонических пропорций, которую Корбюзье применил в первом же своем большом послевоенном проекте -- Марсельском Блоке. В Париже им было основано научно-исследовательское общество «Аscoral» (Ассамблея строителей ради обновления архитектуры), в котором он и председательствовал. В различных секциях общества дискутировались темы, так или иначе связанные с проблемами строительства, жилища и здорового обитания.

После освобождения во Франции начались восстановительные работы и Корбюзье был приглашен властями для участия в них, как проектировщик-градостроитель. Им были выполнены, в частности, планы реконструкции городов Сен-Дьё (Сен-Дье-де-Вож) (1945) и Ла-Рошель (1946), ставшие новым оригинальным вкладом в градостроительство. В этих проектах впервые появляется так называемая «жилая единица внушительных размеров» -- прообраз будущего Марсельского Блока. В них, как и в других градостроительных проектах, осуществляемых в это время, последовательно проводится идея «зеленого города», или, по Корбюзье -- «Лучезарного города» («La Ville radieuse»).

В Сен-Дьё по заказу промышленника Дюваля Корбюзье возводит здание мануфактуры Клод и Дюваль (1946-1951) -- четырехэтажный блок с производственными и офисными помещениями, со сплошным остеклением фасадов. В 1946 году Корбюзье вместе с другими известными архитекторами из разных стран (Нимейер, Ричардсон, Маркелиус и др.) приглашен для подготовки проекта комплекса штаб-квартиры ООН на берегу Ист-ривер в Нью Йорке. По некоторым причинам ему не пришлось участвовать в проекте до полного завершения, он работал над ним с января по июнь 1947 года. Хотя официально Корбюзье в числе авторов не фигурирует, тем не менее, общая планировка комплекса и высотное 50-этажное здание Секретариата в частности (1951) в значительной степени отражают его проектные предложения.

2.5 Период «нового пластицизма» -- 1950--1965

Начало 50-х годов -- это начало нового периода у Корбюзье, характерного радикальным обновлением стиля. Он уходит от аскетизма и пуристской сдержанности своих прежних произведений. Теперь его почерк отличается богатством пластических форм, фактурной обработкой поверхностей. Построенные в эти годы здания вновь заставляют говорить о нем. Прежде всего это Марсельский блок (1947--1952) -- многоквартирный жилой дом в Марселе, расположенный особняком на просторном озелененном участке. Корбюзье использовал в этом проекте стандартизированные квартиры «дуплекс» (в двух уровнях) с лоджиями, выходящими на обе стороны дома. Изначально Марсельский блок был задуман как экспериментальное жилище с идеей коллективного проживания (своего рода коммуна). Внутри здания -- в середине по его высоте -- расположен общественный комплекс услуг: кафетерий, библиотека, почта, продуктовые магазины и прочее. На ограждающих стенах лоджий впервые в таком масштабе применена раскраска в яркие чистые цвета -- полихромия. В этом проекте также широко применялось пропорционирование по системе «Модулор». Подобные Жилые Единицы (частично видоизмененные) были возведены позже в городах Нант-Резй (1955), Мо (1960), Брие-ан-Форе (1961), Фирмини (1968)(Франция), в Западном Берлине (1957). В этих постройках воплотилась идея «Лучезарного города» Корбюзье -- города, благоприятного для существования человека.

В 1950 году по приглашению индийских властей штата Пенджаб Корбюзье приступил к осуществлению самого масштабного проекта своей жизни -- проекта новой столицы штата, города Чандигарх. Город, включающий административный центр, жилые кварталы со всей инфраструктурой, школы, гостиницы и пр. строился в течение примерно десяти лет (1951-- 60, достраивался на протяжении 60-х гг.). Сотрудничали с Ле Корбюзье в проектировании Чандигарха архитекторы из Англии, супруги Макс Фрай и Джейн Дрю, а также Пьер Жаннере, -- три Главных архитектора, осуществлявших надзор за строительством. С ними работала также большая группа индийских архитекторов во главе с М. Н. Шарма.

Постройки, спроектированные непосредственно самим Корбюзье, относятся к Капитолию, административному центру города. Это здания Секретариата, Дворца Правосудия и Ассамблеи. Каждое из них отличается выразительной характерностью образа, мощной монументальностью и представляет собой новое слово в архитектуре того времени. Как и в Марсельском блоке, для наружной отделки в них применена особая технология обработки бетонной поверхности, называемая «bйton brut» (фр. -- необработанный бетон). Эта техника, ставшая особенностью стилистики Ле Корбюзье, была подхвачена позже многими архитекторами Европы и стран других регионов, что позволило говорить о возникновении нового течения -- «брутализм».

В целом это был совершенно новый неизученный опыт. Последующие оценки в мире этого градостроительного эксперимента весьма разноречивы. Тем не менее, в самой Индии Чандигарх считается сегодня одним из самых удобных и красивых городов. Помимо этого, в Индии по проектам Корбюзье было возведено несколько зданий в г. Ахмадабад (1951--1957), -- также весьма оригинальных и по пластике и по внутреннему решению.

Пятидесятые-шестидесятые годы -- время окончательного признания Ле Корбюзье. Он увенчан лаврами, засыпан заказами, каждый его проект реализуется. В это время построен ряд зданий, закрепивших его славу европейского архитектора-авангардиста № 1. Главные из них -- капелла Роншан (1955, Франция), Бразильский павильон в студенческом городке в Париже, комплекс монастыря Ля Туретт (1957--1960), здание Музея искусств в Токио (1959). Здания, очень разные по своему архитектурному образу, пластическому решению, объединяет одно -- это все оригинальные, новаторские для своего времени произведения архитектуры.

Одна из последних крупных работ Корбюзье -- построенный в США культурный центр Гарвардского университета, Карпентер-центр визуальных искусств (1959--1962). В этом сооружении, в его броских непривычных формах, воплотился весь многообразный опыт Корбюзье последнго периода. Это практически единственная постройка Ле Корбюзье на территории Северной Америки (с официально зафиксированным авторством).

Корбюзье скончался в возрасте в 1965 году в возрасте 78 лет, на мысе Кап-Мартин, у Средиземного моря, где он жил в своем летнем домике La Cabanon. Это крошечная резидеция, служившая ему долгое время местом отдыха и работы, представляет собой своеобразный образец минимального жилища по Корбюзье.

Помимо архитектурного наследия, Корбюзье оставил после себя множество произведений пластического искусства и дизайна -- картин, скульптур, графических работ, а также образцов мебели. Многие из них хранятся в собрании Фонда Ле Корбюзье, который находится в построенной им же вилле Ла Роша/Жаннере, в Париже. А также в павильоне Хейди Вебер в Цюрихе (Центр Ле Корбюзье), выставочном здании в стиле хай-тек, также возведенном по его проекту.

В 2002 году Фонд Ле Корбюзье в Париже и Министерство культуры Франции выступили с инициативой внести произведения Ле Корбюзье в список памятников Всемирного человеческого наследия ЮНЕСКО. Заручившись поддержкой стран, на территории которых имеются его постройки -- Франции, Аргентины, Германии, Швейцарии, Бельгии, Индии, Японии -- эти организации подготовили список произведений Ле Корбюзье для включения в «Памятники...» и внесли свое предложение в ЮНЕСКО в январе 2008 г.

Как и его современники, он беспрестанно экспериментировал, стремился в совершенстве овладеть своими материалами, найти оптимальные способы их применения, разработать наиболее экономные, поддающиеся стандартизации и индустриальному изготовлению конструкции. Ле Корбюзье был прежде всего инженером и не мыслил архитектуру вне инженерии. Для него архитектура была в первую очередь царством точных математических расчетов.

К такому пониманию архитектуры он пришел через увлечение живописью кубизма и долгое время оставался, как он сам себя называл, «поклонником прямого угла». В современной технике архитектор видел дух времени и именно в ней искал основы для обновления архитектуры. «Учитесь у машин». Жилой дом должен быть совершенной и удобной «машиной для жилья», промышленное или административное здание -- «машиной для труда и управления», а современный город должен жить и работать, как хорошо отлаженный мотор. В «машинном раю», где все слишком прямолинейно и холодно, человек почувствует себя рабом техники, рабом порядка. А нужно, чтобы дом был не только «машиной для жилья». Это «место наших дум, размышлений и, наконец, это... обиталище красоты, приносящее нашему уму столь необходимое ему успокоение».

2.6 Дом-студия Озанфана (Ozenfant House and Studio) во Франции от Ле Корбюзье (Le Corbusier).

Дом-студия Озанфана был спроектирован в 1922 году, а построен в 1923 в Париже. Для Шарля Ле Корбюзье этот проект стал первым проектом, относящимся к модернистскому периоду в его творчестве.

Хозяин дома - французский художник-модернист; ещё в 1918 году Амеде Озанфан и Шарль-Эдуар Ле Корбюзье выступили с манифестом, в котором говорилось о необходимости создания абсолютно функционального искусства, получившего название «пуризм». Сферами, в которых пуризм должен был осуществляться непосредственно, мыслились живопись и архитектура. И создавая дом-студию, Ле Корбюзье осуществлял на практике идеи новой эстетической программы.

Этот проект Ле Корбюзье весьма наглядно иллюстрирует тезис Бергсона о том, что нечто принципиально новое не возникает постепенно; новые формы реальности появляются в уже готовом, законченном виде, как результат некоего радикального Прыжка от уже существующих форм Реальности к чему-то иному, что никаких аналогов в Реальности до начала прыжка не имело. - Эволюция как чистое творчество.

Стиль дома Озанфана - это ранний модернизм, проявляющийся во вполне отчётливых формах. Можно дискутировать по поводу влияний на Ле Корбюзье со стороны других функционалистских школ, но для творчества самого Ле Корбюзье этот проект стал радикальным разрывом с прошлым. При сравнении этого дома с виллой Schwob, предшествующим творением Ле Корбюзье, создаётся впечатление, что эти два объекта созданы разными архитекторами. И сам Ле Корбюзье так же считал, что дом Озанфана открывает принципиально новый этап в его творчестве. Кстати, фамилия «Ле Корбюзье» впервые в истории архитектуры появляется в связи именно с этим проектом, что по-своему символично.

Впрочем, определённые «воспоминания о прошлом» дом Озанфана вызвать может. Речь идёт о радикальном модерне, главным образом, брюссельском. Но эти «воспоминания» провоцируют скорее на сравнения, -- радикальный модерн и ранний модернизм оказываются в диалогических отношениях друг с другом. Но о прямой зависимости дома Озанфана от эстетики радикального модерна говорить, на мой взгляд, нельзя. - Облик дома Озанфана - это не результат постепенного совершенствования отдельных элементов модерна; скорее, здесь отдельные черты модерна помещены в принципиально новую структуру, и, как следствие, роль этих элементов в процессе создания целостного образа серьёзно меняется.

При этом общая структура здания из эстетики модерна непосредственно не выводится; перед нами - именно творческий прыжок, некое локальное «творение из ничего», нежели постепенная эволюция стиля… Впрочем, как уже было отмечено выше, «степень ничто» не следует в данном случае преувеличивать: творческий прыжок нуждается в почве; необходима та опора, от которой можно оттолкнуться для того, чтобы прыгать. - Такой почвой для «прыжка в модернизм» стал именно модерн. Но, повторюсь, Ле Корбюзье использует отдельные элементы модерна (выступающие эркеры, винтовая лестница, наличие ограждения на крыше, почти полностью остеклённый второй этаж и т.д.), но все эти элементы не являются системообразующими; структура здания истоков в традиции модерна не имеет, это - продукт творческого воображения, создающего принципиально новый архитектурный стиль.

Диалогическая связь с модерном в зрелый период творчества Ле Корбюзье не будет длиться долго. Уже в следующем большом проекте архитектора Вилле Ля Роша / Женнере, работу над которым Ле Корбюзье начал сразу же после окончания строительства дома Озанфана, о модерне будет забыто, зато модернистские идеи, присутствующие в проекте 1922 года, получат новое, мощное развитие.

В связи с этим можно сказать и следующее: ранний модернизм в творчестве Ле Корбюзье впервые проявился в доме-студии Озанфана, а законченные формы он обрёл уже в проекте виллы Ля Роша. И, соответственно, стилистика проекта 1922 года может быть охарактеризована, как «ранний модернизм, ещё не обретший своих канонических форм». Вилла Ля Роша / Женнере была построена в 1925 году; соответственно, время с 1922 по 1925 годы - это тот интервал, в рамках которого французский модернизм смог родиться и обрести свои основные стилистические черты («канонические формы»).

Став сенсациями авангардной моды, “дома-манифесты” остро, подчас на грани иронии выразили динамику новых ритмов жизни, их резкий контраст с привычной традицией, заложив в то же время основы важнейших строительно-технологических новшеств (в области остекления, каркаса, облицовки, инженерных коммуникаций -- все это тщательно разрабатывалось самим Корбюзье).