Третьяковська галерея

Размещено на http://allbest.ru

КИЇВСЬКИЙ НАЦІОНАЛЬНИЙ УНІВЕРСИТЕТ КУЛЬТУРИ І МИСТЕЦТВ

Самостійна робота

з дисципліни «Музеї світу»

Третьяковська галерея

Виконала:

Халіманенко Вікторія

1 курс, група Т-43

Перевірила:

Вишневська Галина Георгіївна

Київ - 2013

Зміст

третьяковський галерея брюллов шишкін

1. Історія створення Державної Третьяковської галереї

1.1 Павло Михайлович Третьяков

1.2 Історія галереї

1.3 Екскурсія в Третьяковську галерею

2. Народна гордість Третьяковській галереї

2.1 Перші дні весни у картині «Март» І.І. Левітана

2.2 Кінний портрет «Жованін на коні» К.П. Брюллова

2.3 Образ батьківщини в картині «Жито» І.І. Шишкіна

2.4 Моральне перетворення людини в картині «Явлення Христа народу» А.А. Іванова

2.5 Образ вічної молодості в картині «Дівчинка з персиками» В.А. Сєрова

Список використаної літератури

1. Історія створення Державної Третьяковської галереї

Культурний розвиток з кожним роком має все менше значення в суспільстві. У кожен проміжок часу одні цінності втрачають свою значимість, інші навпаки стають більш значущими. Зараз як ніколи існує велика різниця між поколіннями. Деякий зв'язок між ними підтримують культурні пам'ятники. Збереження таких пам'яток допомагає не втратити історію культури при зміні життєвих цінностей. Наприклад, музей, одна з культурних організацій, яка пов'язує попередні покоління художників, скульпторів, живописців з сучасністю. Проте з часом цей зв'язок втрачається і в основному відвідувачами музеїв стають студенти та школярі на екскурсіях. Але є музеї, які є культурною класикою і не можуть втратити свою значимість з часом. Один з таких музеїв Державна Третьяковська галерея.

У сьогоднішньому цивілізованому світі люди зі своїми турботами і суєтою дуже мало витрачають часу на вивчення культурних цінностей своєї країни. Обмеженість у часі змушує людей більш раціонально розподіляти і використовувати його. Широту і різноманітність інтересів попередніх поколінь сприяє накопиченню культурного досвіду людства. Великий обсяг знань про культуру і мала кількість часу на її вивчення змушує людину систематизувати і узагальнювати інформацію в різних центрах, таких як музеї, театри, галереї, бібліотеки та інші. Такі найбільші центри служать джерелом вивчення основ культури своєї країни для сучасної людини. У цьому і полягає актуальність даної теми.

Метою роботи є розглянути Третьяковську галерею як явище культури.

Дана робота складається з двох розділів. Перша глава «Історія створення Державної Третьяковської галереї» розкриває нам історію заснування Третьяковської галереї, а також містить біографію її головного засновника Павла Михайловича Третьякова. Так як створення Третьяковської галереї тривало кілька століть, то ця колекція охоплює багато епох: Давню Русь, класицизм, реалізм. Друга глава «Народна гордість Третьяковській галереї» присвячена опису знаменитих в народі картин відомих художників, таких як «Март» І.І. Левітана, «Вершниця» К.П. Брюллова, «Жито» І.І. Шишкіна, «Явлення Христа народу» А.А. Іванова і «Дівчинка з персиками» В.О. Сєрова.

1.1 Павло Михайлович Третьяков

Павло Третьяков народився 15 (27) грудня 1832 року в Москві, в купецькій сім'ї. Отримав домашню освіту, почав кар'єру в торгівлі, працюючи з батьком. З чотирнадцяти років Павло разом з братом Сергієм прилучався до сімейної справи в крамницях Старих торгових рядів між Варварками і Ільїнкою: торгували Третяькови лляним полотном. Розвиваючи сімейну справу, Павло разом з братом Сергієм побудував бумагопрядільні фабрики, на яких було зайнято кілька тисяч людей. Надалі успішне ведення справ дозволило Третьяковим витрачати чималі кошти на благодійні цілі, а також збирання художніх колекцій.

У 1850-х рр. Павло Третьяков почав збирати колекцію російського мистецтва, яку практично з самого початку він мав намір передати місту. Відомо, що ніякої спеціальної художньої освіти Павло Михайлович не мав. Проте, раніше за інших він розпізнавав талановитих художників. Більше того, у того чи іншого майстра він, як правило, набував найбільш значні роботи. Вважається, що перші картини він придбав в 1856 році, - це були роботи «Спокуса» Н.Г. Шільдера і «Сутичка з фінляндськими контрабандистами» (1853) В.Г. Худякова. Потім колекція поповнилася картинами І.П. Трутнєва, А.К. Саврасова, К.А. Трутовського, Ф.А. Бруні, Л.Ф. Лагоріо та інших майстрів. Вже в 1860 році меценат склав заповіт, в якому говорилося: «Для мене, істинно і полум'яно люблячого живопис, не може бути кращого бажання, як започаткувати громадського, всім доступного сховища витончених мистецтв, принесущого багатьом користь, всім задоволення».

Крім заняття збиранням Третьяков брав участь і благодійний діяльності. Він складався почесним членом Товариства любителів мистецтв і Музичного товариства з дня їх заснування, вносив солідні суми, підтримуючи всі просвітницькі починання. Брав участь у всіх пожертвування на допомогу сім'ям загиблих солдатів під час Кримської та Російсько-турецької (1877-1878 рр.) Війни. Стипендії П.М. Третьякова були встановлені в комерційних училищах - Московському і Олександрівському. Він ніколи не відмовляв у грошовій допомозі художникам та іншим прохаючим, ретельно дбав про грошові справи живописців, які без страху довіряли йому свої заощадження. Павло Михайлович багато разів позичав гроші своєму доброму раднику і консультанту І.Н. Крамському, допомагав безкорисливо В.Г. Худякову, К.А. Трутовському, М.К. Клодту і багатьом іншим.

У 1874 році Третьяков побудував для зібраної колекції будівля - галерею, яка в 1881 році була відкрита для загального відвідування. У 1892 році Третьяков передав свою колекцію разом з будівлею галереї у власність Московської міської думи. Рік по тому цей заклад отримав назву «Міська художня галерея Павла і Сергія Михайловича Третьякових». Павло Третьяков був призначений довічним піклувальником галереї і отримав звання Почесного громадянина Москви.

Наприкінці листопада 1898 Павло Михайлович зліг, почалося загострення виразки шлунку. Він відмовився від консиліуму лікарів. Приховуючи свої страждання від близьких, щоранку викликав до себе службовців галереї і торговельної контори з доповіддю. Про галереї він думав і в свій останній ранок 4 грудня 1898 року. Мовчки вислухавши повідомлення, Павло Михайлович згасаючим голосом промовив: «Бережіть галерею...» і негайно помер. Ці слова були останніми. До кінця життя Третьяков носив титул комерції радника, був членом Московського відділення Ради торгівлі і мануфактури, а також дійсним членом Петербурзької Академії мистецтв.

Поховали його на Даниловському кладовищі. А в 1948 році прах був перенесений на Новодівочий цвинтар.

В.В. Стасов, в некролозі на смерть П.М. Третьякова, писав: «Третьяков помер знаменитим не тільки на всю Росію, а й на всю Європу. Чи приїде до Москви людина з Архангельська або з Астрахані, з Криму, Кавказу або з Амура - він тут же призначає собі день і годину, коли йому треба, неодмінно треба, йти на Замоскворіччя, в Лаврушинський провулок, і подивитися з захопленням, розчуленням і вдячністю весь той ряд скарбів, які були накопичені цим дивним людиною протягом усього його життя».

1.2 Історія галереї

Державна Третьяковська галерея належить до числа найбільших музеїв світу. Її популярність майже легендарна. Щоб побачити її скарби, сотні тисяч людей приїжджають щорічно в тихий Лаврушинський провулок, що розташований в одному з найдавніших районів Москви, у Замоскворіччі.

Збори Третьяковській галереї присвячене виключно національному російському мистецтву, тим художникам, які внесли свій внесок в історію російського мистецтва або які були тісно пов'язані з нею. Такою була задумана галерея її засновником, московським купцем і промисловцем Павлом Михайловичем Третьяковим, такою і збереглася вона до наших днів.

Датою заснування Третьяковської галереї прийнято вважати 1856 рік, коли молодий Третьяков придбав перші роботи сучасних йому російських художників, задавшись метою створити колекцію, яка в майбутньому могла б перерости в музей національного мистецтва. «Для мене, істинно і полум'яно люблячого живопис, не може бути кращого бажання, як започаткувати громадського, всім доступного сховища витончених мистецтв, прінесущего багатьом користь, всім задоволення», - писав збирач в 1860 році, додаючи при цьому: «...я бажав би залишити національну галерею, тобто, яка складалась з картин російських художників».

Пройдуть роки, і благі наміри молодого колекціонера виявляться блискуче виконаними. У 1892 році Москва, а з нею і вся Росія, отримали в дар від Третьякова велику (близько двох тисяч картин, малюнків і скульптур) і вже знамениту галерею справжніх шедеврів національного мистецтва. І вдячна Росія в особі її провідних художників заявить дарувальнику: «...Звістка про ваше пожертву давно облетіла Росію і у всякому, кому дорогі інтереси російської освіти, викликала жваву радість і подив до значущості принесених Вами на його користь зусиль і жертв».

Разом зі зборами Павла Михайловича в дар Москві була принесена і колекція його брата Сергія Михайловича, незадовго перед тим помер, колишнього в 1880-і роки московським міським головою, теж збирачем, але вже переважно робіт західноєвропейських художників середини і другої половини XIX століття. Нині ці твори знаходяться в зборах Державного музею образотворчих мистецтв імені А.С. Пушкіна і Державного Ермітажу.

Ким же був Павло Михайлович Третьяков і чим керувався він у своїх діях і починаннях? Все своє життя Третьяков залишався великим діловим людиною, і в славі і в безвісті він був гідним продовжувачем торгового справи свого діда - московського купця 3-ї гільдії, нижчої в купецькій «табелі про ранги». Третьяков помер іменитим, почесним громадянином міста Москви, чимало примноживши капітал своїх предків. Але «...моя ідея, - скаже він в кінці шляху, - була з самих юних років наживати для того, щоб нажите від суспільства повернулося б також суспільству (народу) в будь-яких корисних установах; думка ця не покидала мене у всьому моєму житті...». Ідея суспільного служіння, типова для його епохи, по-своєму їм зрозуміла і витлумачена, надихала його.

Третьяков - колекціонер був у відомому роді феномен. Сучасники чимало дивувалися природному розуму і бездоганному смаку цього потомственого купця. «Я повинен зізнатися, - писав в 1873 році художник І.М. Крамський, - що це людина з якимось, має бути, диявольським чуттям». Ніде спеціально не навчався (брати Третякови отримали домашнє виховання, по перевазі практичного характеру), він володів, проте, широкими знаннями, особливо в галузі літератури, живопису, театру і музики. «Третьяков по натурі і знань був учений», - скаже в 1902 році у своїй «Історії російського мистецтва» художник і критик А.Н. Бенуа.

Третьяков ніколи не працював з «суфлерами», будучи близько знайомий з величезним числом художників, письменників, музикантів і з багатьма дуже дружний, Третьяков охоче вислуховував їхні поради та зауваження, але надходив завжди по-своєму і рішення свої, як правило, не міняв. Втручання у свої справи він не терпів. Крамськой, який користувався незаперечно найбільшим розташуванням і повагою Третьякова, змушений був помітити: «Я давно його знаю і давно переконався, що на Третьякова ніхто не має впливу як у виборі картин, так і в його особистих думках. Якщо і були художники, що думали, що на нього можна було впливати, вони повинні були потім відмовитися від своєї омани». З часом високий смак, строгість відбору та, звичайно ж, благородство намірів принесли Третьякову заслужений і незаперечний авторитет і дали йому «привілеї», яких не мав жоден інший колекціонер: Третьяков отримав право першим дивитися нові роботи художників або безпосередньо в їх майстерень, або на виставках, але, як правило, до їх публічного відкриття.

Візит Павла Михайловича до художників завжди був хвилюючою подією, і не без душевного трепету всі вони, початківці, чекали від Третьякова його тихого: «Прошу Вас картину вважати за мною». Що було для всіх рівнозначно суспільного визнання. «Зізнаюся Вам відверто, - писав в 1877 році І.Є. Рєпін Третьякову, - що якщо вже його продавати (йшлося про картину Рєпіна «Протодиякон»), то тільки у Ваші руки, у Вашу галерею не шкода, бо кажу без лестощів , я вважаю за велику для себе честь бачити там свої речі». Нерідко художники йшли Третьякову на поступки, а Третьяков ніколи не купував не торгуючись, і знижували для нього свої ціни, надаючи тим самим посильну підтримку його почину. Але підтримка тут була обопільною.

Художники і історики мистецтва давно вже помітили, що, «якби не з'явився у свій час П. М. Третьяков, не віддавши він цілком великі ідеї, не почни збирати воєдино Російське Мистецтво, долі його були б інші: бути може, ми не знали б ні «Боярині Морозової», ні «Хресного ходу», ні всіх тих великих і малих картин, котрі зараз прикрашають знамениту Державну Третьяковську галерею (М. Нестеров). Або: «...Без його допомоги російський живопис ніколи не вийшла б на відкритий і вільний шлях, так як Третьяков був єдиний (або майже єдиний), хто підтримав все, що було нового, свіжого і ділового в російській мистецтві» (А. Бенуа).

Розмах збиральної діяльності і широта кругозору П.М. Третьякова були воістину дивні. Щороку, починаючи з 1856 року, в його галерею надходили десятки, а то й сотні робіт. Третьяков, незважаючи на свою розважливість, не спинявся навіть перед дуже великими тратами, якщо цього вимагали інтереси його справи.

Він купував картини, які його зцікавили незважаючи на шум критики і невдоволення цензури, як це було, наприклад, з «Сільським хресним ходом на Великодня» В.Г. Перова або з «Іваном Грозним» І.Ю. Рєпіна. Купував, якщо навіть не всі в картині відповідало його власним поглядам, але відповідало духу часу, як це було з полотном того ж Рєпіна «Хресний хід в Курській губернії», соціальна гострота якого не цілком імпонувала збирачеві. Купував, якщо проти виступали дуже сильні і шановні авторитети на кшталт Л.М. Толстого, що не визнавав релігійного живопису В.М. Васнєцова. Третьяков чітко розумів, що створюваний ним музей повинен не стільки відповідати його особистим (або будь-чиїм) смакам і уподобанням, скільки відображати об'єктивну картину розвитку вітчизняного мистецтва. Може бути, саме тому Третьяков - збирач більш інших приватних колекціонерів був позбавлений смакової вузькості і обмеженості. Кожне нове десятиліття вносило в його колекцію нові імена і нові віяння. Смаки творця музею розвивалися і еволюціонували разом із самим мистецтвом.

Віддаючи, вільно чи мимоволі, перевагу сучасному мистецтву, Третьяков з перших до останніх кроків своєї збиральної діяльності наполегливо відстежував і щедро набував все те краще, що було на тодішньому мистецькому ринку з робіт російських художників минулих епох XVIII - першої половини XIX століття і навіть давньоруського мистецтва. Адже він створював, по суті, перший у Росії музей, що відображає весь поступальний хід розвитку російського мистецтва. Що не означає, що у Третьякова зовсім не було прорахунків і помилок. Так, пов'язуючи свої надії на велике майбутнє російської школи з творчістю передвижників, Третьяков майже не набував роботи художників академічного напряму XIX століття, і їх мистецтво досі слабо представлено в музеї. Недостатньо уваги виявляв Третьяков і знаменитому Айвазовському. В кінці життя збирач явно з побоюванням придивлявся до нових художніх тенденцій російського мистецтва 1890-х років. Пристрасно люблячи живопис, Третьяков створював в першу чергу картинну галерею, рідше набуваючи скульптуру і графіку. Значне поповнення цих розділів у Третьяковській галереї відбулося вже після смерті її творця. І до цих пір майже все, що було придбано П.М. Третьяковим, становить справжній золотий фонд не тільки Третьяковській галереї, а й усього російського мистецтва.

Спочатку все, що купувалося Павлом Михайловичем Третьяковим, розміщувалося в кімнатах його житлового будинку в Лаврушинському провулку, купленого родиною Третьякових на початку 1850-х років. Але вже наприкінці 1860-х років картин стало так багато, що розмістити їх всіх в кімнатах не було ніякої можливості.

З придбанням великий Туркестанської серії картин і етюдів В.В. Верещагіна, питання про будівництво спеціальної будівлі картинної галереї було вирішене саме собою. У 1872 році почалося будівництво, а навесні 1874 року відбулося переселення картин у двоповерховий, що складається з двох великих залів (нині зали № 8, 46, 47, 48) перше приміщення Третьяковської галереї. Воно було споруджено за проектом зятя Третьякова (чоловіка сестри) архітектора А.С. Камінського в саду Замоскворецької садиби Третьякових і пов'язане з їх житловим будинком, але мало окремий вхід для відвідувачів. Однак швидке зростання зборів скоро призвело до того, що вже до кінця 1880-х років кількість залів галереї зросла до 14. Двоповерхова будівля галереї з трьох сторін оточило житловий будинок з боку саду аж до Малого Толмачевського провулка. З будівництвом спеціальної будівлі галереї зборам Третьякова було надано статус справжнього музею, приватного за належністю, громадського за характером, музею безкоштовного та відкритого протягом майже всіх днів тижня для будь-якого користувача без відмінності роду і звання. У 1892 році Третьяков подарував свій музей місту Москві.

За рішенням Московської міської думи, юридично тепер володіла галереєю, П.М. Третьяков був призначений її довічним піклувальником. Як і колись, Третьяков користувався майже одноосібним правом відбору творів, здійснюючи покупки як на капітал, що виділяється думою, так і на свої власні кошти, передаючи такі придбання вже в якості дару в «Московську міську художню галерею Павла і Сергія Михайловича Третьякових» (такою була тоді повна назва Третьяковській галереї). Продовжував Третьяков піклуватися і про розширення приміщень, добудувавши в 1890-і роки до існуючих 14 ще 8 просторих залів. Помер Павло Михайлович Третьяков 16 грудня 1898 року. Після смерті П.М. Третьякова справами галереї став відати Рада піклувальників, обирається думою.

До його складу входили в різні роки видатні московські художники і колекціонери - В.А. Сєров, І.С. Остроухов, І.Є. Цвєтков, І.Н. Грабар. Протягом майже 15 років (1899 - початок 1913 рр.) беззмінним членом Ради була дочка Павла Михайловича - Олександра Павлівна Боткіна (1867-1959).

У 1899-1900 рр. спорожнілий житловий будинок Третьякових був перебудований і пристосований для потреб галереї (нині зали № 1, 3-7 і вестибюлі 1 поверху). У 1902-1904 роках весь комплекс будівель був об'єднаний з Лаврушинським провулком загальним фасадом, побудованим за проектом В.М. Васнєцова і надає будівлі Третьяковської галереї велику архітектурну своєрідність, досі виокремлює його серед інших московських пам'яток.

На початку XX століття Третьяковська галерея стає одним з найбільших музеїв не тільки Росії, але і Європи. Вона активно поповнюється творами як нового, так і старого російського мистецтва. У 1913-1918 рр. з ініціативи художника та історика мистецтва І.Н. Грабаря, колишнього в ті роки попечителя Третьяковської галереї, реформується її експозиція. Якщо раніше нові надходження виставлялися окремо і не змішувалися з основним зборами П.М. Третьякова, то тепер развеска всіх творів підпорядковується загальному історико-хронологічним і монографічному принципам, дотримуваним і понині.

Новий період в історії Третьяковської галереї почався після націоналізації галереї в 1918 році, перетворила її з муніципальної власності в державну, закріпивши за нею її загальнонаціональну значущість.

У зв'язку з націоналізацією приватних колекцій і процесом централізації музейних зібрань кількість експонатів в Третьяковській галереї до початку 1930-х років збільшилася більш ніж у п'ять разів. До складу галереї влився ряд малих московських музеїв, таких, як: «Цвєтковський галерея», «Музей іконопису та живопису І.С. Остроухова», частково «Румянцевський музей». Одночасно з цим зі складу галереї була виведена і передана в інші музеї колекція творів західноєвропейського мистецтва, утворена із зібрань С.М. Третьякова, М.А. Морозова та інших дарувальників.

За останні півстоліття Третьяковська галерея перетворилася не тільки у величезний музей з світовою популярністю, а й на великий науковий центр, що займається зберіганням та реставрацією, вивченням та пропагандою музейних цінностей. Наукові співробітники галереї беруть активну участь у розробці питань історії та теорії російського мистецтва, влаштовують численні виставки, як у нашій країні, так і за кордоном, читають лекції, проводять екскурсії, ведуть велику реставраційну та експертну роботу, впроваджують нові форми музейної комп'ютерної інформатики. Третьяковська галерея володіє однією з найбагатших в Росії спеціалізованих бібліотек, що нараховує більше 200 тисяч томів книг з мистецтва; єдиною у своєму роді фото і слайдотекою; оснащеними сучасною технікою реставраційними майстернями.

Швидке зростання колекції Третьяковської галереї вже в 1930-ті роки гостро ставив питання про розширення її приміщень. Пристроювалися, де це було можливо, нові зали, перебудовувалися і включалися в комплекс галереї, що прилягали до її території житлові будинки та інші споруди. До кінця 1930-х років експозиційні та службові площі було збільшено майже вдвічі, але і цього було мало для того, щоб швидкого росту і розвивання музею. Почали розроблятися проекти реконструкції Третьяковській галереї, що включали в себе проект знесення всіх сусідніх з галереєю будівель та розширення її аж до набережної Обвідного каналу (проект архітекторів А.В. Щусєва та Л.В. Руднєва, 1930), то спорудження нової будівлі на новому місці і перенесення в нього всієї колекції Третьяковської галереї (будівля на Кримському валу, архітектор Н.П. Сукоян та ін, 1950-1960). У результаті багатьох дискусій було прийнято рішення про збереження за Третьяковській галереєю історичного приміщення в Лаврушинському провулку. На початку 1980-х років почалася його реконструкція і розширення за активної підтримки директора Третьяковської галереї О.К. Корольова (1929-1992). У 1985 році став до ладу перший корпус - депозитарій, де розмістилися просторі сховища для творів різних видів мистецтва та реставраційні майстерні; в 1989 році - другий, так званий Інженерний корпус, з приміщеннями для тимчасових виставок, лекційним та конференц-залами, дитячою студією, інформаційно-комп'ютерної та різного роду інженерними службами. Реконструкція основної будівлі, що почалася в 1986 році, була завершена в 1994 році і остаточно галерея відкрилася для відвідувачів 5 квітня 1995 року.

За роки реконструкції склалася нова концепція Третьяковській галереї як єдиного музею на двох територіях: в Лаврушинському провулку, де зосереджуються експозиції та сховища старого мистецтва, починаючи з найдавніших часів до початку 1910-х років, і в будівлі на Кримському валу, експозиційні площі якого віддані мистецтву XX століття. Виставки, як старого, так і нового мистецтва, влаштовуються на обох територіях. У процесі перебудови будівлі галереї в Лаврушинському провулку нове життя здобули багато що знаходяться в безпосередній близькості до галереї історико-архітектурні пам'ятники, включені тепер до її складу. Так, відновленої після розорення 1930-х років і відреставрованої церкви Святителя Миколая у Толмачах (XVI-XIX ст.) Надано статус «домашній церкві» при музеї, тобто церкви та музею одночасно. У старовинних міських будівлях XVIII і XIX століть по Лаврушинському провулку (будинки № 4 і 6) будуть розташовуватися додаткові музейні експозиції російської графіки та давньоруського мистецтва. Розробляються проекти забудови нового виставкового залу на розі Лаврушинському провулку і Кадашевскої набережної.

Нинішнє зібрання Третьяковської галереї налічує більше 100 тисяч творів і ділиться на кілька розділів:

§ давньоруське мистецтво XII-XVIII століть - ікони, скульптура, дрібна пластика;

§ прикладне мистецтво (близько 5 тисяч експонатів);

§ живопис XVIII - першої половини XIX століття, другої половини XIX століття і рубежу XIX і XX століть (близько 7 тисяч творів);

§ російська графіка XVIII - початку XX століття (понад 30 тисяч творів);

§ російська скульптура XVIII - початку XX століття (близько 1000 експонатів);

§ колекція старих антикварних рам, меблів, прикладного мистецтва і величезний розділ (більше половини всієї колекції) післяреволюційної живопису, скульптури та графіки, розміщують в приміщеннях на Кримському валу.

1.3 Екскурсія в Третьяковську галерею

Державна Третьяковська галерея - скарбниця національного образотворчого мистецтва, що зберігає, шедеври створені більш ніж за тисячу років. Указом президента Російської Федерації галерея віднесена до числа найбільш цінних об'єкті

У музеї багаті зібрання іконопису всіх основних шкіл давньоруського мистецтва, у тому числі роботи Феофана Грека, Андрія Рубльова, Діонісія, С.Ф. Ушакова. Тут зберігаються значні зразки російської живопису та скульптури XVIII - першої половини XIX ст. (Твори Д.Г. Левицького, В.Л. Боровиковського, Ф.С. Рокотова, скульптора Ф.І. Шубіна та ін, полотна К.П. Брюллова, В.А. Тропініна, П.А. Федотова, картина А.А. Іванова «Явлення Христа народу» і унікальна за повнотою добірка ескізів до неї). Найбільш повне зібрання робіт передвижників: В.Г. Перова, І.М. Крамського, В.Є. Маковського, А.М. Васнєцова і В.М. Васнєцова, А.К. Саврасова, В.Д. Полєнова, І.Є. Рєпіна (у тому числі «Хресний хід в Курській губернії», «Іван Грозний і син його Іван», «Не чекали»), В.І. Сурікова (у тому числі «Ранок стрілецької страти», «Бояриня Морозова», «Меншиков у Березові» тощо), велика колекція творів В.В. Верещагіна, скульптури М.М. Антокольського, роботи живописців і графіків кінця XIX - початку XX ст., В тому числі членів «Світу мистецтва», Союзу російських художників, «Блакитної троянди», «Бубновоговалета» та інших художніх об'єднань (І.І. Левітана, М.А Врубеля, В.А. Сєрова, В.Е. Борисова-Мусатова, К.А. Коровіна, М.К. Реріха, А.Н. Бенуа, К.А. Сомова та ін).

Кращими зразками в Третьяковській галереї представлені також всі періоди розвитку вітчизняного багатонаціонального мистецтва XX ст.: Твори майстрів авангарду (В.В. Кандинського, М.Ф. Ларіонова, К.С. Малевича, М.З. Шагала та ін), представників більш помірних течій (Н.А. Андрєєва, С.В. Герасимова, С.Т. Коненкова, П.П. Кончаловського, П.Д. Коріна, В.І. Мухіної, М.В. Нестерова, Ю.І. Піменова, М.С. Сар'яна та ін.) У створеному в 1922 відділі рукописів - понад 200 тис. документів з історії російської художньої культури XVIII-XX ст., Особисті фонди художників і мистецтвознавців.

Спочатку до складу колекції входило 1287 живописних творів, 518 малюнків і 9 скульптур. В даний час колекція нараховує понад 100 тисяч одиниць зберігання. Вони розміщуються не тільки в основній експозиції в Лаврушинському провулку, але і в приміщенні на Кримському валу, 10, другій її частині, яка є продовженням першої.

Галерея розташована на двох територіях, відокремлених один від одного кількома міськими кварталами. Це дає можливість представити в одному музеї в кращих творах всю історію російського мистецтва від найдавнішого періоду до творчості наших художників-сучасників. Крім того, Третьяковська галерея має у своїй структурі меморіально-художні музеї: музей-квартира А.М. Васнєцова, будинок-музей В.М. Васнєцова, музей-майстерню А.С. Голубкіної, музей-квартиру П.Д. Коріна, будинок-музей Н.С. Гончарової і М.Ф. Ларіонова.

Загальна площа - 79745 кв.м; експозиційна - 20500 кв.м; фондова - 4653 кв. м. Загальна кількість одиниць зберігання - 100 577.

2. Народна гордість Третьяковській галереї

2.1 Перші дні весни у картині «Март» І.І. Левітана

Ісаак Левітан увійшов в історію мистецтва як творець пейзажу настрою, пейзажу стану, автор пленерного, тонко нюансированной живопису. Його талант був визнаний сучасниками беззастережно.

І. Левітан дуже любив вірші російських поетів про природу, причому простодушно любив всякі вірші - і Ф. Тютчева, і Л. Толстого, і навіть другорядних поетів. Йому і в живописі хотілося досягти такої досконалості почуттів, щоб про нього згодом теж могли сказати: «З природою одною він життям дихав».

Сам І.І. Левітан написав одного разу: «Ось ідеал пейзажиста - витончити свою психіку до того, щоб «чути трав животіння». Яке це велике щастя! І він завжди вчився чути і «трав животіння», і «говір деревних аркушів», і «струмка лепетанье». У природі він любив все: різні її рельєфи, будь-яку погоду, будь-яку пору - ранок, день або вечір.

Пейзажі Левітана - дужі росіяни, переконливо росіяни в силу постійного відчуття в них людського початку. Не людину взагалі, а саме російської людини. Художник зображував лише обжиті пейзажі, ніколи не відчував бажання піти в які-небудь нетрі, «куди не ступала нога людини». Ось у вечірніх сутінках на березі видніються човни, серед осіннього яру- млин, крізь травневу зелень проступають дахи будинків, навіть березовий гай і та здається доглянутою людиною. Обжитість природи людиною, як би це дивно не здавалося на перший погляд, ще більше підкреслюється незмінним відсутністю його на картинах І.І. Левітана. Та людина була тут і не потрібен, бо й без того все нагадувало про нього.

І.І. Левітан - талановитий представник російської пейзажної живопису. Його багата і сприйнятлива душа допомагала йому тонко відчувати зміна станів природи, передавати у своїх картинах різні її настрої. Загальновизнаним шедевром І. Левітана є картина «Март». Він написав її в 1895 році, перебуваючи в Гірці - маєтку своїх знайомих Турчанінова. Кому тепер незнайоме тепле сонце на пухкому снігу цієї привабливої картини? Хто не пам'ятає волохатою гнідому коні, з таким дивним колірним тактом вміщеній в центр полотна? І хіба знайдеться хтось, хто не відчув березневого холоду в прозорих снігових тінях? Багато художників і до І. Левітана писали ті ж самі мотиви, а мотив «Марта» неодноразово варіювався подальшими художниками, але от як сказав про це О. Бенуа: «Картини І. Левітана - не види місцевостей, які не довідкові документи, але сама російська природа з її невимовно тонким чарівністю, - тиха, мила, скромна російська природа».

Березневі дні в Гірці принесли І.І. Левитану багато щасливих знахідок у мистецтві. Він спостерігав і писав перші дні весни, і стрімке її наближення змушувало художника поспішати. Хоча довкола було ще багато снігу, але краєвид змінювався миттєво. Де ще вчора таїлися кучугури снігу, сьогодні вже бігли дзвінкі струмки. Тільки зупинишся подивитися, а пористі пластівці снігу вже на очах тануть і зливаються з їх веселим дзюрчанням.

У картині «Март» (1895, березень) художник зображує самий початок весни. Всюди ще лежить сніг, птахи не повернулися з далеких країн, але тепле весняне сонечко вже гладить своїми променями і землю, і дерева, і сільську конячку, запряжену в сани. Повітря прозоре. Здається, що жодне подих вітерця не торкається білих берізок, простягнувши свої тонкі гілки до чистого, по-весняному високому небу. Природа завмерла, прислухаючись до весни. Конячка в очікуванні господаря стоїть, не ворухнувшись, підставляючи ласкавому сонцю боки і спину.

Золоте світло заливає стіну і ганок двоповерхового дерев'яного будинку. Двері розкриті, і весна тихо входить в будинок нечутними кроками, несучи свіжість і радість.

Дзвеняче, високе бірюзове небо відбивається на ніздрюватого снігу блакитними відблисками. Темні, виразні тіні дерев лише підкреслюють ніжність фарб весняного дня.

Високо-високо на березі - шпаківню. Хто ж зумів забратися туди, щоб повісити цей будиночок для птахів, немов спрямований угору і виглядає своїх пернатих мешканців? Напевно, берізка була ще зовсім маленькою, коли сільські дітлахи прибили до її верхівці шпаківню, а тепер вона виросла так, що гладить своїми гілочками небо.

Все навколо готове до пробудження від зимового сну. Зовсім скоро зажурчат струмки і загалдят повернуті птахи. Весна по-хазяйськи вступить у свої права. Але де ж люди? На картині ми не бачимо людину, однак постійно відчуваємо його присутність. По тому, як прочинені двері, по протоптаною дорозі до ганку, за мовчазною очікуванню коні ми відчуваємо: людина десь поруч. Він - частина природи, що прокидається, і його думки, надії теж по'язані з весною.

Уміло, занурюючись у споглядання внутрішнього життя природи, І. Левітан дозволяє і нам доторкнутися до її чарівної краси, розгледіти в безлюдному пейзажі людську присутність, почути в тиші весняного дня пісню пробудження природи.

2.2 Кінний портрет «Жованін на коні» К.П. Брюллова

Брюллов Карл Павлович (1799-1852), російський художник. Народився в зросійщеній німецькій родині в Петербурзі 12 (23) грудня 1799 року. Навчався в Академії мистецтв (1809-1821), зокрема у А.І. Іванова. У 1823-1835 рр. працював в Італії, випробувавши глибокий вплив античного, так само як і італійського ренесансно-барокового мистецтва.

Італійські картини Брюллова перейняті чуттєвої млістю («Італійський полудень», 1827, Російський музей, Петербург; «Вірсавія», 1832, Третьяковська галерея); в цей період остаточно формується і його дар рисувальника. Він виступає і як майстер світського портрета, перетворюючи свої образи в світи сяючою, «райської» краси («Вершниця» (Джованіні і Амаціліей Паччіні), 1832, Третьяковська галерея). Прагнучи до великих історичних тем, починає в 1830 роботу над «Останнім днем Помпеї» (побувавши на місці розкопок давньоримського міста, зруйнованого виверженням Везувію). Багатофігурне трагічне полотно стає в ряд характерних для романтизму «картин-катастроф». «Помпея» Брюллова (завершена в 1833 році і зберігається в Російському музеї) виробляє сенсацію як у Росії (де про неї захоплено пишуть О.С. Пушкін, М.В. Гоголь, А. Герцен і ін), так і за кордоном, де її вітають як перший великий міжнародний успіх російської живописної школи. На батьківщину в 1835 році художник повертається вже як живий класик. Відвідавши по дорозі Грецію і Туреччину, він створює цілий ряд поетичних образів Східного Середземномор'я. Звернувшись за пропозицією Миколи I до російської історії, Брюллов пише «Облогу Пскова Стефаном Баторієм» (1836-1843, Третьяковська галерея), не зумівши, проте ж, добитися (незважаючи на ряд яскравих мальовничих знахідок в ескізах) епічної цілісності свого італійського шедевра. Важливу сферу його творчості відтепер складають монументально-оформлювальні проекти, де йому вдалося органічно поєднувати таланти декоратора і драматурга (ескізи розписів Пулковської обсерваторії, 1839-1845; етюди та начерки ангелів і святих для Ісаакіївського собору).

Повним господарем своїх образів Брюллов виступає в портретах. Навіть у замовних речах (типу «Графині Ю.П. Самойлової, віддаляється з балу з прийомною дочкою А. Паччіні», близько 1842, Російський музей) феєрична пишність колориту і мізансцен виглядає в першу чергу як тріумф мистецтва. Ще більш невимушені, психологічно задушевні по фарбах і світлотіні образи людей мистецтва (поета Н.В. Кукольніка, 1836; скульптора І.П. Віталі, 1837; байкаря І.А. Крилова, 1839; письменника і критика А.Н. Струговщікова, 1840; всі роботи в Третьяковській галереї), в тому числі відомий меланхолійний автопортрет (1848, там же). Все більш слабея від хвороби, з 1849 Брюллов живе на острові Мадейра, а з 1850 - в Італії. Помер Брюллов в містечку Мандзіана (поблизу Риму) 23 червня 1852 р.

Брюллов написав багато чудових портретів; ними він виявився найближче реалістичного смаком другої половини XIX століття. Великі парадні, імпозантні, «сюжетні» портрети світських красунь - явище в своєму роді єдине і більше вже не повторювалося в російській мистецтві. Вони подобаються нам по-іншому, ніж в ті часи: ми не сприймаємо їх занадто серйозно, в їх розкішності є щось наївне, але тим-то вони й привабливі. «Вершниця», що зображає молоду даму на прекрасному коні і зустрічає її маленьку дівчинку, - одне з звабливих творів Брюллова. На прохання Юлії Павлівни Самойлової Карл Павлович Брюллов виконав портрет її вихованок: старшої - Джованіні та молодшої - Амаціліі. Щаслива дівчина, збуджена прогулянкою, скачкою, вітром в обличчя, круто обложила коня, маленька подруга захоплено вибігла назустріч - і їй тут же передалося, багаторазово посилившись в ній, збудження вершниці; вороний кінь косить оком, хропе, намагається піднятися на диби; відчуваючи настрій господарів, хвилюються собаки; вітер гне верхівки дерев; біжать по небу хмари: усі порушено, схвильоване, стривожено, але це радісне збудження, радісна схвильованість щасливих людей. (Мила і смішна подробиця: на нашийнику вибігла на ганок собачки позначена прізвище «замовниці» - «Samoylo»).

Захоплені італійці порівняли Брюллова з Рубенсом і Ван Дейком, писали, що ніколи раніше не бачили кінного портрета, задуманого і виконаного з таким мистецтвом. Це перебільшення - від незвичності брюлловского створення. Кінний портрет завжди був парадним. Він неминуче таїв у собі прихований зміст: вершник, що осідлав і підпорядкував собі гарячого скакуна, - людина пануючий. Тут не полководець, провідний армію в бій, що не завойовник, що вступає в захоплену столицю, чи не монарх, вінчаний на царство, - дівчина повернулася додому з прогулянки.

У цій роботі Брюллов остаточно з'єднує парадний портрет і побутову сцену. Він сам назвав роботу «Жованін на коні», але для всіх це «Вершниця». «Жованін на коні» трохи розповідає про саму «Жованін» - Джованіні; маленька Амаціліей - захоплення, порив, принадність дитинства.

Брюллов писав картину з почуттям повноти і радості буття, милуючись красою і мальовничістю світу, з тим почуттям, яке жило в ньому, і яке він знайшов у цих дівчатках, Джованіні і Амаціліі.

2.3 Образ батьківщини в картині «Жито» І.І. Шишкіна

Шишкін Іван Іванович (13.01.1832 - 8.03.1898), російський художник-пейзажист. Походив з Елабужского купецької сім'ї. У 1849 закінчив Казанську гімназію, в 1852-1856 навчався в Московському училищі живопису, скульптури і зодчества, в 1856-1865 - в Петербурзькій Академії мистецтв. Протягом 1862-1865 як пансіонер (стипендіат) Академії перебував у закордонному відрядженні (у Мюнхені, Празі, Дюссельдорфі); один із засновників Товариства пересувних виставок. З 1873 професор Петербурзької Академії мистецтв, у 1894-95 - керівник її пейзажної майстерні.

Перші роботи Шишкіна - «Жнива» (початок 1850-х), автопортрет (1854), «Вид на околицях Петербурга» (1856), «Дубки під Сестрорецк» (1857). У 1858-1859 було написано етюди «Сосна на Валаамі» і «Вид на острові Валаам. Місцевість Кукко», удостоєні відповідно срібною та Великої золотої медалі Академії.

Шишкін багато подорожував по Росії, вивчаючи її природу. Його «художньої стихією» був ліс, переважно північний, з його ялинами, соснами, березами і дубами. Шишкіним написані отримали широку популярність і прославили його як найбільшого пейзажиста картини: «Рубка лісу» (1867), «Жито» (1878), «Лісові далі» (1884), «Серед долини рівної...» (1883), «Сосни , освітлені сонцем»(1886), «Дубовий гай» (1887), «Ранок у сосновому лісі» (1889), «Корабельна гай» (1898), в яких створені цілісні образи російської природи, її лісів і полів.

У полотнах живописця красномовно виражені корінні якості російського пейзажу з характерним для нього поєднанням могутніх вертикалей і горизонталей, спокійною гармонією мас землі і неба. Сфера художнього втілення набуває, таким чином, враховуючи реалістично достовірну образотворчу манеру, майже символічний статус. Образ Батьківщини прочитується в картині «Жито» (1878), де, здається, світ зведений до основних «першоелементів» буття (плодоносна земля, небо, її осяжний, і людина) і разом з тим дано вичерпно повно. Картина епічна: вона немов синтезує риси національного характеру російської природи, то рідне, значне, що бачив у ній Шишкін. Широчінь безбережна. Від краю до краю золотяться хліба. Сосни - велетні як би застигли на варті, охороняючи спокій цієї доброї хлібородна землі.

Ця, з дитинства знайома картина рідної природи одне з класичних творів російської реалістичної пейзажної живопису. На ескізі картини художник зробив напис: «Роздолля, простір, угіддя, жито, Божа благодать, російське багатство». Тезово перерахував все, що хотів передати своєю картиною. І йому це відмінно вдалося. «Жито» - одна з найвдаліших речей Шишкіна взагалі», - писав І.М. Крамськой Іллі Рєпіну. Завдяки широкій лінійної перспективі і колірному узагальненню в передачі поля стиглої жита і майже неживою повітряного середовища, живописець досягає монументальності оповіді. Пейзаж навмисно статичний, немов відображений художником для вічності. Це відчуття не перебивають навіть ластівки, ковзаючі над дорогою в житі.

Шишкін захоплюється величчю і міццю російських просторів і передає свій захват нам. Вірний собі, він навіть сосни вибрав для цієї картини (як, втім, і для багатьох інших) не випадково.

Йому хотілося показати богатирів-довгожителів - вічнозелені хвойні дерева, а не тріпочуть на вітрі берези. І композиційне і чисто мальовниче рішення картини підпорядковані одному - оспівування сили і багатства рідної природи.

2.4 Моральне перетворення людини в картині «Явлення Христа народу» А.А. Іванова

Іванов Олександр Андрійович (16.07.1806-3.07.1858), живописець, син професора Академії мистецтв А.І. Іванова. Отримав гарну домашню освіту, переважно художню. У 1817 був прийнятий в Академію мистецтв, яку закінчив в 1830. Перша його картина «Пріам, що просить у Ахілла тіло Гектора» (1824). З 1831 і майже до кінця свого життя Іванов перебував в Італії.

Ранній період творчості Іванова присвячений темам історії античності і давньогрецької міфології. Картина «Аполлон, Кипарис і Гіацинт» (1830 - 1834) завершує цей цикл його творчості. З середини 1830-х Іванов звертається до євангельської тематики («Явлення Христа Марії Магдалині» тощо).

Справою усього життя Іванова стало створення величного полотна «Явлення Христа народу», якому він присвятив 20 років (1837 - 1857). Під час роботи над картиною Іванов зробив 258 ескізів. У цьому творі виражена тема морального перетворення людини. Іванов показав людей, спраглих свободи і шукають правди.

В Італії Іванов жив на мізерні кошти «пенсіонера» (стипендіата) петербурзького Товариства заохочення художників, відмовляючись від втішних пропозицій обійняти посаду професора в Академії мистецтв. У Римі неодноразово зустрічався з проживали там М.В. Гоголем. Через припинення пенсії змушений був, вже важко хворим, повернутися до Петербурга. Там він і помер від холери 3 липня 1858.

Близько 1833 Іванов починає розробляти ескізи до майбутньої великої картині «Явлення Христа народу». Сюжет узятий з першого розділу Євангелія від Івана. На першому плані під віковим деревом група апостолів, очолювана що пророкують Іоанном Хрестителем, який вказує на відвічному вдалині Христа. Цій групі протистоїть натовп низхідних з пагорба на чолі з фарисеями. Простір картини виявляється, таким чином, як би пронизаним діями сил, що тягнуть до Христа і відводять від нього. Оглядаючи перший план картини, ми зустрічаємо особи, відмічені болісною роботою свідомості. Композиційно картина побудована так, що люди на першому плані ніби дивляться в гігантське дзеркало, в якому відбилася природа з виступаючою на її тлі фігурою Христа. Він немов приносить з собою заповіт спокою і заспокійливою гармонії, які панують в природному світі. Тривала на багато років робота над картиною була пов'язана з вимогливим пошуком того, що можна було б назвати конкретним наповненням символістичного каркаса композиції. Полем експериментального пошуку стали етюди. У них багато разів варіюються образи картини - раба, котрий тремтить, котрий сумнівається і інших.

«Людство на історичному роздоріжжі» - така провідна тема картини, де люди показані на рубежі епох - язичництва і християнства, відбувається духовний переворот. Гоголь писав, що велике творіння, таке як «Явлення Христа», ростить, виховує, створює самого художника: за роки роботи його талант, натура стають глибшими, значніше - потрібно морально, ідейно підніматися до свого задуму.

Робота над цією картиною стала синонімом творчої діяльності художника. У листі батькові він ясно повідомляє свій план: «Я б хотів, щоб без розповідей були зрозумілі думки, в ньому вміщені. Іоанна я представлю з хрестом, щоб кожен раптом розумів, що Іван це... Ззаду Іоанна учні його, з яких деякі були згодом Христовими... Я представив біля Іоанна Хрестителя молодого Іоанна апостола і євангеліста, а далі Андрія, брата Петрова; я постараюся обом дати типи, винайдені Леонардо да Вінчі в «Вечері таємницею»... На цій стороні картини стоїть у воді дід зі онуками; далі молодий людина, що сходить у воду, озирнувся до гучного голосу, кричущого в пустелі...». Потім художник перераховує фігури одну за одною. У цьому перерахування ще відсутні зажирілий багач і змучений неволею раб. Композиція картини чудово продумана і виявлена. Тут Іванов слідував своїм власним прагненню. Фігуру Христа він обособил, поставив окремо від решти учасників події. Люди, які зібралися на березі Йордану, поділяються на спраглих отримати позбавлення і на тих, хто не бажає оновлення. Ми бачимо, що одні й інші змішані в натовпі. В історії мистецтва це єдиний випадок, коли автор до такої міри перейнявся однією темою. Всі сили і матеріальні і духовні зосередив він на своїй картині. З проведених в Італії двадцяти восьми років, принаймні, близько десятка років художник витратив на неї. Загальний характер окремих персонажів можна визначити як стан очікування чогось кращого, як надія на те, що це найкраще призведе до знищення зла. Звідси випливало переконання, що душевні пориви людей отримають задоволення і цим утвердиться правда на землі.

У 1858 р., коли були вичерпані остаточно всі засоби до життя, художник вирішив повернутися до Петербурга, з тим, щоб там продати картину, на виручені гроші здійснити, давно задумане, подорож на Схід і потім остаточно оселитися в Москві, яка, як думав Іванов, рано чи пізно знову повинна стати центром російського життя. Але мріям його не судилося збутися. Картина - головна справа його життя зустрінута прохолодно, що не оцінена, немає і натяку на її придбання. Всього шість тижнів прожив він у Петербурзі. Через кілька годин після його смерті лакей з придворного контори приніс пакет: цар за недорогу ціну вирішив купити «Явлення Христа народу».

2.5 Образ вічної молодості в картині «Дівчинка з персиками» В.А. Сєрова

Сєров Валентин Олександрович (1865, Петербург - 1911, Москва) - художник. Народився в сім'ї композитора і музичного критика О.М. Сєрова. Рано проявивши художні здібності, з 1871 Сєров брав уроки живопису в Мюнхені у До Кеппинга, потім І.Є. Рєпіна в Парижі і в Москві. Рєпін ввів Сєрова в Абрамцевский гурток у маєтку С.І. Мамонтова, багато в чому вплинуло на молодого художника. Заняття в різних гімназіях доповнювалися серйозної підготовкою до вступу в Академію мистецтв, студентом якої Сєров став в 1882. Навчався переважно у В.П. Чистякова, але курсу не закінчив, залишивши академію мистецтв в 1885, завершивши художню освіту в музеях Голландії й Італії, котрі на нього величезний вплив. Почавши свій творчий шлях як передвижник, Сєров йшов від натуралізму до умовності художньої мови, віддавши данину імпресіонізму, «Світу мистецтва», стилю «модерн», і багато в чому визначив художній вигляд свого часу. Сєров став широко відомий як живописець, рисувальник, ілюстратор, театральний художник. Від ранніх робіт - «Дівчинка з персиками» (1887), «Дівчина, освітлена сонцем» (1888), нібито витканих з сонця та повітря, - Сєров перейшов до психологічних, виразних портретів «К.А. Коровіна» (1894), «Миколи II» (1900), «К.П. Победоносцева» (1902), «С.Ю. Вітте» (1904), «Ф.І. Шаляпіна» (1905) та ін., історичним композиціям «Виїзд Петра II і цесарівни Єлизавети Петрівни на полювання» (1900), «Петро I» (1907) та ін, ілюстрацій до байок І.А. Крилова та ін У 1895 - 1897 викладав у Московському училищі живопису, ліплення і зодчества. У 1903 був обраний дійсним членом Академії мистецтв, яку покинув в 1905 на знак протесту проти розстрілу людей 9 січня 1905р. Брав участь у створенні сатиричного журналу «Жупел», в якому малював політичні, карикатури. В останні місяці життя Сєров прагнув реалізувати свої шукання в галузі монументально-декоративного живопису. У 1914 було організовано посмертна виставка його творів, що зробила величезний вплив на сучасників.

Полотна Сєрова, присвячені минулому нашої Вітчизни і красу рідної землі, широко відомі і донині. Не випадково історик мистецтва і художник Олександр Бенуа говорив: «Сєров відобразив у своїй творчості всю російську дійсність і її історію». Прекрасно написав про блискуче майстерності Сєрова Валерій Брюсов, один із знаменитих поетів «Срібного століття»: «...художник увійшов в область, що належить живопису, як у своє царство».

Картина «Дівчинка з персиками» - один з перших творів В.А. Сєрова написана в 1887 році.

На картині зображена дочка відомого промисловця і купця, мецената і друга багатьох російських художників Сави Мамонтова - Віра Мамонтова. Засмагла дівчина пильно дивиться на глядача з полотна. У неї великі й темні очі з таємним вогником. Можна подумати, що дівчина задумала якусь витівку, здається, що в серйозно стислих губах таїться натяк на лукавство.

Вся картина залита сонячним світлом, і створюється враження, що тільки рама заважає йому вилитися. Світло заливає всю кімнату, грає різнобарвними відблисками на стіні, на меблях, на свічнику, що видніється праворуч, на срібному ножі, лежачому на білосніжній скатертині.

Загальний фон картини холоднувато-блакитнуватий, тому дуже добре виділяється смагляве обличчя дівчини, яскраво контрастують теплі тони червоного банта на грудях, що лежать на столі свіжі персики і листя.

Вся картина насичена енергією, рухом, молодістю, все дихає свіжістю. Навіть поза дівчини виражає нетерпіння, ніби вона на кілька секунд присіла за стіл.

«Ідея портрета зародилася так: Веруша залишалася після обіду за столом, всі пішли, і співрозмовником її був лише до крайності мовчазний Сєров. Він після довгого споглядання попросив у неї дати йому 10 сеансів, але їх виявилося замало, і він пропрацював цілий місяць » (Зі спогадів М. Нестерова).

Але портрет Веруші Мамонтової не випадково був перейменований в «Дівчинку з персиками». У цьому криється особливий сенс. Сєрова настільки зачарувала натура, що він створив не просто портрет знайомої дівчинки, а образ вічної юності, ніжності, світла. Картина заражає своїм поетичним настроєм. Так, І. Грабар писав, що в російського живопису він знає тільки одну річ, яка нагадує йому пушкінську юну Тетяну, - Серовский портрет Віри Мамонтової.