Женские образы в творчестве А. Мухи

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

Введение

Глава 1. Общая характеристика стиля модерн

Глава 2. Женские образы в творчестве А. Мухи

2.1 Биография А. Мухи

2.2 Женские образы в творчестве А. Мухи

Заключение

Список литературы



Введение

Актуальность темы исследования

Мы живём в XXI веке, веке широкого распространения высоких технологий, которые с каждым днём развиваются всё быстрее и быстрее. Нас окружают бетон, железо, стекло и многочисленные гаджеты, без которых можно увидеть разве что годовалого ребёнка. У всех есть смартфоны, планшеты, скоро в массы выйдет умные часы и в каждом доме будет робот-пылесос. Однако, души в этих вещах всё меньше и меньше. Люди всё дальше и дальше друг от друга, мы перестаём видеться с друзьями, потому что проще написать им в интернете. Возможно, сейчас снова есть ощущение, что мы движемся к прорыву, который приведёт нас к высочайшему положению в мире. Как в конце XIX века. Только тогда всё становилось прекраснее и прекраснее. А наш мир становится всё бездушнее и бездушнее. Сейчас нам не хватает тех красок и блеска модерна, не достаёт растительных мотивов, природных линий, ярких цветов. Поэтому сейчас всё чаще вспоминают о благодатной поре модерна. А самой яркой звездой модерна был Альфонс Муха. Его изящные царевны и скромные девы украшают любое пространство. Глядя на них, даже если человек никогда не знал, что это было за время, он вспоминает самые прекрасные моменты в своей жизни, самые красивые закаты всплывают в его воображении. Всё потому что Альфонс Муха обладал уникальным чувством прекрасного, эстетическим вкусом и способностью выражать на бумаге нечто возвышенное, сокровенное, что называют «Мировой душой».

Изящество и красота, которых нашему миру так не хватает, пропитывают работы Альфонса Мухи и не оставляют равнодушных. Нельзя просто пройти мимо «Зодиака», или не взглянуть в глаза «Изумруду». Поэтому каждому уважающему себя художнику и дизайнеру необходимо знать работы Мухи, потому что они учат нас изображать истинную красоту по средствам изображения внешней красоты человека, раскрывать красоту внутреннего мира несколькими изящными линиями волос или орнамента.

Историография

В конце 19 века в обществе зародилась вера в то, что скоро произойдёт прорыв, который выведет на положенное для человечество высочайшее место. Эту концепцию всячески поддерживали философы и художники. Поэтому искусство реализовывало эту идеалистическую идею. Искусство стало считаться инструментом для воодушевления широких масс, а не только на потворство прихотям власть имущих и просто очень богатых людей. Искусство стало служить инструментом поднятия духа. На фоне происходящих прорывов и перемен в экономике и промышленности, нужно было поддерживать и укреплять веру людей в великое будущее. В основном, на умы масс влияли театр, реклама, декоративно-прикладное искусство. В эпоху модерна были созданы потрясающие произведения ювелирного, стеклодувного искусство, великолепная мебель, элементы декора интерьера и экстерьера. Как раз в это время зарождается такая сфера деятельности человека как дизайн. И одним из новаторов стал Альфонс Муха, не просто чудесный художник, он так же занимался созданием эскизов для театра, ювелирных изделий, мебели, посуды, скульптур, даже денежных знаков и много другого.

В статье «Целостность видения» Петра Виттиха он пишет «Чувственная женская фигура, которая в плакатах и декоративных панно Мухи часто обведена орнаментальным ободком, является символом «Мировой души», вибрирующей между миром идеальных ценностей и чувственной реальностью нашего существования». И действительно, если вспомнить, каким прекрасным был мир во времена ар-нуво. Женщины были похожи на воздушные пирожные или райских птиц, чему немало поспособствовало развитие модной индустрии. Девушки Мухи являются эталоном женской красоты того времени, они не худые, не толстые, их фигуры очерчены плавными линиями, окружены затейливыми цветочными орнаментами, которым подчёркивают их связь с природой, их природную красоту.

В своей статье «Альфонс Муха. Послание и человек» Роналд Ф. Липп много говорит о том, что после своего головокружительного подъёма Муха был надолго забыт. Он горячо любил свою родину, был настоящим патриотом своей родины, ему была очень близка славянская тема. Он готов был сделать всё для своей родины, однако, когда художник вернулся из Америки а Моравию, ему приходится бороться за право участвовать в оформлении Муниципального дома в Праге. Хотя он был всемирно известен и любим, на родине, за независимость которой он горячо выступал, его не считали «своим». Муха был патриотом не столько моравским или чешским, сколько общеславянским, за что с приходим к власти III Рейха и захватом Чехии, он был внесён в список врагов режима, несколько раз престарелого художника забирали на допросы, в результате чего он заболел пневмонией и умер 14 июля 1939 года. Однако в шестидесятых, а потом в восьмидесятых и девяностых, Альфонса Муху стали вспоминать, находить его потерянные работы, дневники. Творчеству Альфонса Мухи посвящены музей в Праге, экспозиция цикла «Славянская эпопея» в Моравском Крумлове и выставка о ранних годах его жизни в отреставрированном здании бывшего суда в Иванчице. Произведения Мухи входят в коллекции многих видных музеев и галерей мира. В настоящее время разрабатываются планы строительства в пражском парке Стромовка, недалеко от бывшего выставочного комплекса, специального здания для экспонирования «Славянской эпопеи».

Цель исследования: проанализировать женские образы в творчестве А. Мухи.

Для достижения поставленной цели необходимо решить ряд задач:

Охарактеризовать стиль модерн, познакомиться с особенностями этого стиля.

Познакомиться с биографией и творчеством А.Мухи. Проанализировать образы женщин в его работах.

Методы исследования: биографический, исторический, стилистического анализа, анализ отдельных произведений искусства.

Предмет исследования: женские образы в творчестве А. Мухи.

Объект исследования: творчество А. Мухи.

На практике полученные знания можно использовать на занятиях по истории искусств, по декоративной живописи, декоративно-прикладному искусству и дизайну.



Глава 1. Общая характеристика стиля модерн

Модемрн (от фр. moderne -- современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil -- «молодой стиль») -- художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX -- начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siиcle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» -- по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Период Модерна относительно короток, имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х и до 1914 года, начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Главным содержанием периода модерна стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, синтезу различных источников.

В 1860--1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей.

В 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приёмы. Уильям Моррис (1834--1896) создавал предметы интерьера, вдохновлённые растительными орнаментами, а Артур Макмердо (1851--1942) использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике.

Заметное влияние на стиль модерна оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение из искусства Древнего Египта и других древних цивилизаций.

В модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм. В качестве примера можно привести неорусский стиль в архитектуре России (не путать с псевдорусским стилем, который относился к периоду эклектики). При этом следует иметь в виду, что разделение искусства модерна на отдельные периоды и стили условно. Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя столько различных направлений и подвергся влиянию стольких национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается эклектика и начинается модерн и где заканчивается модерн и начинается ар-деко.

Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста (англ.)русск. «Удар бича».

Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполнены в одном ключе. Вследствие этого возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.

В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. После 1910 значение модерна стало угасать.

Предмодерн

Развитию стиля модерн в искусстве предшествовал период становления. Период раннего развития модерна принято называть модернизмом. Это течение формировалось в разные годы, в разных странах и различными художниками, как правило, не знавшими друг друга, но связанными общими идеалами и идеями. Направления модернизма не были связаны с национальными традициями стран, в которых они развивались. Кубизм во Франции не имел ничего общего с культурой Франции. Ярким примером такого несоответствия может служить Эйфелева башня, которая, по мнению интеллигенции того времени, совершенно не вписывалась в архитектуру Парижа и вызвала бурю негодований. Отрыв модернизма от национальных традиций заложил основу для «интернационального стиля», не имеющего границ. Большое влияние на модерн оказало влияние Востока, а именно Японии. Отказ от национальных традиций воспринимался как стремление к космополитизму. Первыми модернистами были художники, творившие на рубеже конца XIX века, которые считали, что духовная революция, которая, по их мнению, неизбежно рождалась из кризиса старого мира, требовала отказа от социально-политического радикализма. Новой идейной платформой стала духовная революция как качественно новое сознание, новое жизнепонимание. В её основе лежали интуитивизм А. Бергсона и Н. Лосского, феноменология Э. Гуссерля, психоанализ З. Фрейда и К. Юнга, экзистенциализм С. Кьеркегора, М. Хайдеггера, К. Ясперса, Н. Бердяева и др. Теоретическую основу будущего стиля сформулировал Уильям Моррис, однако развитием идей раннего модерна занимались многие художники эпохи предмодерна.

Стиль Модерн имел несколько основных направлений:

Неоромантизм, где используются элементы романского стиля, готики, ренессанса и других стилей.

Неоклассицизм

Рационализм, направление с преобладанием более простых форм

Иррационализм

Кирпичный стиль, когда архитекторы отказались от штукатурки, и все декоративные детали здания делались из кирпича.

Модерн венский, берлинский, парижский, в России и Восточной Европе -- московский, петербургский, рижский, провинциальный и так далее.

История возникновения стиля модерн

Предшественником стиля модерн был стиль эклектики (цитирования и смешения предыдущих стилей). В такой ситуации возникновение нового стиля было просто необходимо. Одним из толчков к возникновению нового художественного направления стало влияние искусства Японии эпохи Мэйдзи, а так же искусство Древнего Египта и других древних цивилизаций.

Большое влияние на развитие архитектурного стиля модерн имели работы знаменитых художников и скульпторов этой эпохи, таких как Густав Климт, Альфонс Муха, М. А. Врубель, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, скульпторов, таких как Огюст Роден, Камилла Клодель и другие.

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. После 1910 значение модерна стало угасать.

Основные признаки модерна

Отличительными чертами этого красивого пластичного стиля можно назвать отказ от прямых линий и углов в пользу естественных природных изогнутых плавных линий, широкое использование прикладного искусства, применение новых технологий (например, сложные железобетонные конструкции), использование металла, стекла.

Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы -- художественно обрабатывались.

Преобладающие и модные цвета	Приглушенные цвета -- цвет увядшей розы и табачные, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона
Линии стиля модерн	Отказ от прямых линий, плавность, текучесть линий, подражание природным формам растений. Часто отказ от симметрии
Формы модерна	Плавность и текучесть форм, отказ от симметрии, вертикальные, стремящиеся ввысь доминанты, перетекание форм одна в другую
Характерные элементы интерьера модерна	Сочетание плоскостей, гнутая мебель. Мозаика, эмаль, золотой фон, расчеканенная медь и латунь
Конструкции стиля модерн	Часто каркасные (несущим элементом является стальной каркас)
Окна стиля модерн	Прямоугольные, удлиненные вверх, часто с богатым растительным декором, иногда арочные, «магазинные окна» -- широкие, наподобие витрин.
Двери стиля модерн	Прямоугольные, часто арочные. Чаще всего плоской формы, с мозаичным орнаментом, декорированные

Модерн в интерьере

Что касается организации интерьерной среды стиля модерн, то для нее были характерны элегантность и стильность, а также особый разреженный ритм всех элементов. И большую роль в этом сыграло увлечение японским искусством.

Возрожденный манерами модерна (Ар-Нуво) витраж приобрел новое звучание. Флореальный или геометрический орнамент, яркие цветные стекла в металлических переплетах придавали интерьеру изысканный декоративизм. Известный американский художник Л.К.Тиффани изобрел особый ручной метод изготовления стеклянных предметов. Их образовывало, покрывая слой за слоем (до 15), жидкое разноцветное стекло с примесями металлов. Будучи учеником не менее известного мастера -- художника школы «Нанси» Э.Галле, Тиффани использовал в росписи флореальные мотивы. И сами его предметы, как у Галле, имели текучие, уподобленные природным формы.

Вообще стекло было излюбленным материалом художников стиля модерн. Впрочем, создавались также эскизы изделий из фарфора. Здесь тоже доминировали растительные мотивы, но были и исключения. Например, серовато-голубой датский фарфор славился своими строгими геометризованными формами и пользовался большим спросом.

Много работ выполнялось и в металле. Бронза и медь использовались для изготовления осветительных приборов. Мастера стиля увлеклись разработкой различных светильников, дизайном столового серебра, ювелирных изделий.

Теперь мебельным дизайном занимались такие художники как Макинтош или Годуин. Последний стал пропагандистом японской мебели. Светлые, легкие предметы Годуина изготовлялись из дерева, покрытого белой или серой краской.

В связи с интересом модерна к японскому искусству в моду вновь, как и в XVIII столетии, вошли ширмы. Поскольку художники, занимающиеся мебелью, столь же успешно работали в стекле, художественном текстиле, книжной графике, разносторонность их дарований не могла не проявиться в мебельном дизайне. Так мастера школы Нанси предпочитали черное дерево и придавали предметам флореальные очертания и орнаментику. Резные панно кресел-бержер, стульев, диванов имели формы гибких ветвей, цветков ирисов. Ножки были волнообразными. Столы в виде двух тумб, соединенных волнообразной доской, напоминали причудливые природные образования.

Мебель по эскизам Ч.Р.Макинтоша и его коллег из Глазго (Шотландия) отличается удлиненными формами. Кресла-троны этого дизайнера сочетают вытянутую спинку с короткими ножками.

Обои, выполненные в стиле модерн, вобрали в себя и элементы щпалер и росписи, носившей символический характер. Популярны растительные, нежные цветочные орнаменты, вязь. Особенно популярной в это время становится стеклянная, керамическая и из других материалов мозаика. Из мозаики выкладывались превосходные картины, служащие украшением стен и полов комнат и других помещений. Особенно ценится в модерне то, что в этом стиле отлично гармонируют между собой совершенно разные материалы, в числе которых можно назвать металл и камень, дерево и стекло, роспись и обои.

Основными цветами этого стиля являются естественные природные оттенки, придающие интерьеру легкость и романтичность.

Освещение в помещениях, выполненных в стиле модерн, стараются выполнять нежно приглушенным, которое создает атмосферу романтики и уюта.

Модерн в архитектуре

Архитектумра модемрна (архитектура ар-нуво) -- архитектурный стиль, получивший распространение в Европе в 1890-е--1910-е годы в рамках художественного направления модерн. Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы -- художественно обрабатывались.

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых материалов (металл, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно эстетичных и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы -- лестницы, двери, столбы, балконы -- художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта. В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки -- все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

Впервые появившись в Бельгии, этот стиль в Германии получил название югендстиля (правильнее югендштиль, нем. jugendstil), в Австрии он назывался сецессион, во Франции -- ар нуво и т. д. (см. Модерн). Термин «сецессион» происходит от названия объединений художников и архитекторов, появившихся в Европе в конце XIX века, сецессий. В переводе -- «раскол». Первая такая сецессия возникла в Мюнхене в 1892 г., по инициативе Франца фон Штука, Вильгельма Трюднера и Фрица фон Юде. В 1893 была создана Берлинская сецессия, и в 1894 -- Венская, самая знаменитая.

Архитектура модерна разнообразна. Стиль этот вобрал в себя элементы всех предшествующих стилей. Здания в стиле модерн могут напоминать и мавританские дворцы, и замки, и заводские корпуса. Однако, в отличие от предшествовавшего модерну эклектизма, его авторы отказались от прямого копирования форм ренессанса и барокко. В конце XIX в. Луис Салливен в Чикаго, Генрик Петрус Берлаге в Амстердаме, Анри ван де Вельде в Бельгии и Отто Вагнер в Вене одновременно выдвинули свои требования, протестуя против подражания, и их протест против историзма не остался без внимания.

Стиль развивался, и с течением времени выделилось несколько направлений:

1. Неоромантизм, где используются элементы романского стиля, готики, ренессанса и др. стилей. Пример -- Католический собор французского посольства в Санкт-Петербурге (Л. Н. Бенуа и М. М. Перетяткович), здание с элементами романского стиля. Внутри неоромантизма выделяют готизм, византизм и ещё ряд традиций.

2. Неоклассицизм, пример -- Театр Елисейских Полей в Париже (О. Перре), Отель «Пиккадили» в Лондоне (Н.Шоу), Азовско-Донской банк на Большой Морской ул. в Петербурге и др.

3. Рационализм, направление с преобладанием более простых форм. Следует заметить, что в России термин рационализм (архитектура) обычно применяют не к модерну, а к более позднему авангарду.

4. Иррационализм, пример -- магазин «Самаритен» в Париже (Ф. Журден).

5. Так называемый кирпичный стиль, когда архитекторы отказались от штукатурки, и все декоративные детали здания делались из кирпича (его основоположник в России -- В. А. Шрётер).

6. В отдельных крупных городах и регионах модерн имел свои отличительные черты. Так появились термины: модерн венский, берлинский, парижский, в России, -- московский, петербургский, рижский, провинциальный и т. д. В Скандинавии сложилось архитектурное направление, называемое там «национальным романтизмом». В России этот стиль известен под названием северный, или финский, модерн, и дома в этом стиле можно увидеть в Санкт-Петербурге, Выборге, Сортавале.

Необходимо заметить, что в то время как одни архитекторы и историки архитектуры считают перечисленные выше направления разновидностями модерна, другие полагают, что это самостоятельные стили (см. статьи Неоклассицизм, Северный модерн).

Возникновение стиля модерн соответствует эпохе империализма, когда возникла потребность строить не только замки, ратуши и церкви, но и заводы, вокзалы, аэродромы, выставочные залы, магистрали. Поэтому возникает потребность в использовании новых материалов. Такие материалы появляются: железо(сталь), бетон, стекло. Они дополняют использование камня, кирпича и дерева.

Период архитектуры конца XIX -- начала XX века оценивался по разному. Некоторые вообще вычеркивают его из истории архитектуры, другие рассматривают как период упадка, третьи видят в ней подготовительный период в развитии дальнейшей архитектуры. Однако стиль модерн свое место в мире занял.

Идея применения стального каркаса как несущей конструкции впервые появилась в Чикаго (Чикагская школа, Луис Салливен, Франк Ллойд Райт). Наиболее яркий пример -- Гаранти Траст Билдинг в Буффало. Здание как бы устремляется ввысь, подчеркнуто вертикальное членение. Проемы окон делаются более широкими для более полного освещения помещений. Кроме того, в работах Салливена уже появляется принцип «органичной архитектуры», то есть стремление привязать строение к окружающему пейзажу, вытекание внешнего облика здания из его внутреннего содержания.

В архитектуре модерна есть ряд характерных черт, например, отказ от обязательных симметричных форм. В нём появляются новые формы, как, например, «магазинские окна», то есть широкие, предназначенные играть роль витрин. В этот период окончательно складывается тип жилого доходного дома. Получает развитие многоэтажное строительство. Бывали и такие случаи, когда наряду с удачными работами, например, подлинного югендстиля (ван де Вельде), в руках подражателей в угоду моде и из коммерческих соображений работа превращалась в пустое украшательство. Другие архитекторы, напротив, мало опирались на наследие прошлого, щеголяли свободой творчества и, в поисках новых решений, часто вступали на путь изобретательства.

Модерн в России

Первым по времени произведением модерна в России считается дача великого князя Бориса Владимировича, построенная архитекторами Шернборном и Скоттом в 1897 году в Царском Селе[1]. Одним из наиболее заметных и типичных памятников модерна в Санкт-Петербурге является Дом компании «Зингер» (сейчас «Дом Книги») на Невском проспекте. С одной стороны, здание не связано с окружающим ансамблем, что считается градостроительной ошибкой, с другой стороны, это пример удачной планировки в сложных условиях затесненного участка (1902--1904, арх. П. Ю. Сюзор). Другой яркий пример -- магазин Елисеева, расположенный неподалёку (1902--1903, арх. Г. В. Барановский). К памятникам русского модерна относятся гостиница «Астория» в Петербурге (Ф. И. Лидваль 1913--1914). В Петербурге среди вокзалов в этом плане выделяется Витебский (автор -- Бржозовский С. А.).

Первым по времени зданием в стиле модерн в Москве стал построенный в 1898--1899 годах архитектором Л. Н. Кекушевым особняк О. А. Листа[2]. Яркими примерами московского модерна являются знаменитые особняки Рябушинского и Дерожинской работы Ф. О. Шехтеля, особняк Миндовского и собственный дом архитектора Л. Н. Кекушева, доходный дом М. В. Сокол архитектора И. П. Машкова. Множество так называемых «доходных домов» начало века построены в стиле модерн.

Выдающимися произведениями модерна являются Ярославский вокзал (автор -- Ф. О. Шехтель), ЦУМ (б. «Мюр и Мерилиз»), гостиница «Метрополь» в Москве, и многие другие. В Москве работал целый ряд архитекторов, Ф. О. Шехтель, Клейн Р. И., Фомин И. В., Щусев А. В., Тон К. А., которые и создали ответвление стиля, называемое московским модерном.

Современная ситуация

Несмотря на важность архитектурных памятников эпохи модерн для истории архитектуры и культуры России в целом, на данный момент не существует ни одного полноценного музея, посвященного этому стилю. Более того, нет ни одного крупного музея, посвященного самым ярким представителям московского модерна -- Ф. Шехтелю и Л. Кекушеву. Многие здания недоступны не только для гражданских лиц, но и для научных сотрудников, основная причина заключается в том, что многие здания отданы, например, посольствам. Десятки зданий находятся на грани разрушения, поскольку по каким-либо причинам не занесены в реестр охраняемых государством памятников (последний крупный скандал связан с пожаром в доходном доме работы Кекушева; здание долгое время было заброшено, по некоторым данным было незаконно заселено приезжими рабочими из ближнего зарубежья).

Модерн в изобразительном искусстве

Живопись

На живопись и скульптуру модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.

Художники модерна использовали в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусства этрусков и французского Рококо. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент. Стремление к целостности, пластичности внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции, динамика и текучесть форм и есть отличительные особенности стиля Модерна.

Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для книжной обложки или же для фасада здания.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт, Ф. Кнопф, М. А. Врубель, А. Муха), а также больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст, Э. Мунк) и тонких подчеркнутых нюансов (Врубель, Бенуа). Все это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Густава Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др.

У истоков французского модерна стояли Поль Гоген и художники его круга. Также наиболее известным мастером Ар Нуво во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Важную роль в развитии Ар Нуво во Франции сыграли архитектор Эктор Гимар, ювелир Рене и художник по стеклу и мебели Эмиль Галле. Значительное место в искусстве Ар Нуво принадлежит известным бельгийским архитекторам Анри ван де Велде и Виктору Орта. В Испании архитектор Антонио Гауди отличался наиболее индивидуальным и оригинальным вариантом Ар Нуво.

В Великобритании черты, характерные для нового стиля, появились в оформлении книг уже с начала 1880-х. Одним из наиболее известных художников-графиков Ар Нуво был Обри Бёрдсли, его эксцентричные рисунки иллюстрировали литературные произведения. Одним из ведущих представителей модерна в Великобритании был Ч.Р.Макинтош, шотландский архитектор и дизайнер, выполнявший самые разные художественные работы - от архитектурных проектов до эскизов обоев и изделий из серебра. Творчество Макинтоша оказало огромное влияние на развитие европейской архитектуры и искусства.

В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.

Стиль модерн достиг высшей точки своего развития на рубеже 19-20 веков, но вскоре был забыт - ведущие архитекторы стремились теперь к простоте и ясности форм и проявляли больше интереса к машинным технологиям, чем к ручной работе. Богатый декор 1890-х годов уступил место геометрическим, ничем не украшенным поверхностям зданий начала 20 века. Ар Нуво вышел из моды и был открыт заново только пятьдесят лет спустя.

Многие искусствоведы называют изобразительное искусство модерна последней эпохой романтизма в европейской живописи. Женственность и эстетический эротизм были главным отличительным признаком всей исторической эпохи, а не только творчества Альфонса Мухи. В контексте этого стремление Мухи к эстетике в разных областях: изобразительном искусстве, театральных афишах, мебели, промышленном дизайне и рекламе, ювелирных изделиях - полностью отражало господствующий дух времени, предшествовавшего катастрофе Первой Мировой войны, и справедливо называемого Прекрасной эпохой. Это был последний период благополучия и спокойствия Европы, насыщенной всеми достижениями культуры предшествовавших столетий. Модерн был всплеском любви к жизни и наслаждения культурой перед наступлением времён мировых войн и социальных катастроф, оборвавшими эту эпоху навсегда. В этом его неповторимость.

Скульптура

Скульптура модерна отличается рельефностью, динамикой и текучестью форм, игрой крупных или же хрупких линий и силуэтов.

модерн романтичность муха женщина



Глава 2. Женские образы в творчестве А. Мухи

2.1 Биография Альфонса Мухи

В России имя знаменитого чешского художника Альфонса Мухи мало известно. А между тем оно стало буквально символом живописи конца «золотого» - начала «серебряного» веков.

Его стиль (в живописи, архитектуре, малых декоративных формах) так и назвали (и называют поныне) - «стилем Мухи». Или - «модерн», «югендстиль», «сецесьон». Название пришло из Франции. Да и самого художника в Европе порой считают французом. Но это не так.

Альфонс Муха

Альфонс Муха - выдающийся чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Один из ярчайших представителей стиля модерн.

Родился художник 24 июля 1860 в городке Иванчице (Айбеншютц) (чеш. Ivanиice, нем. Eibenschьtz) в Южной Моравии, недалеко от Брно, в семье небогатого судебного чиновника, мораванина Ондрея Мухи, отца шестерых детей от двух браков. Матерью художника была Амалия Муха, дочь богатого мельника (мораванка по отцу и полька по матери). В детстве Альфонс увлекался пением и был принят певчим в хор мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, что позволило ему учиться в гимназии. К этому же времени относятся и его первые опыты живописи (акварель «Жанна д'Арк»). По окончании гимназии он пытался поступить в пражскую Академию художеств, но не выдержал экзамены и некоторое время по протекции отца работал писарем в суде своего родного городка. Всё своё свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре -- вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.

В 1879 году Муха был замечен и приглашён в Вену в художественные мастерские Каутский-Бриоши-Бургхардт, в качестве художника театральных декораций. Но после пожара в «Рингтеатре» в 1881 году, который привел к гибели около 500 человек и уничтожил его мастерскую, декораторская фирма потерпела крах, а сам он был настолько потрясён, что покинул Вену и переехал в небольшой моравский городок Микулов (Никольсбург), где работал над украшением родового замка графа Карла Куэна-Беласси, а затем и его парадного дворца Эммахоф (названного в честь Эммы - жены графа) в моравском городе Грушовани. Вскоре художник совершил, вместе с супругами Куэн-Беласси, путешествие в Северную Италию и в австрийский Тироль. Там Альфонс Муха некоторое время расписывал стены замка, принадлежавшего брату Куэн-Беласси. Восхищённый талантом юного мораванина, граф согласился оплатить расходы по его учёбе в Мюнхенской академии изящных искусств. Здесь Муха вскоре возглавил Ассоциацию Славянских художников.

Парижский период

После двух лет занятий в Мюнхене Муха в 1887 году переезжает в Париж и поступает в Академию Жюлиана, а затем в Академию Коларосси, наиболее известные художественные школы своего времени. Однако, в том же 1887 году граф Куэн-Беласси покончил с собой. Муха остался без средств к существованию. Ему пришлось прервать системные занятия живописью и зарабатывать на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек. Его мастерская находится над рестораном мадам Шарлотты, в течение некоторого времени он делил её с Ван Гогом. Здесь же, у Шарлотты, Муха познакомился с художниками Выспянским, Веркаде, Мехоффером, Подковиньским и Слевиньским...

Иногда случались серьёзные заказы. Так, в 1892 году Муха проиллюстрировал многотомный труд «Сцены и эпизоды из истории Германии», французского историка Шарля Сеньобоса. Обращение к великим людям и великим событиям не только германского, но и общеевропейского прошлого обогатило художника ценным опытом, который впоследствии пригодился ему при работе над своим самым знаменитым творением -- «Славянской эпопеей».

Поворот в судьбе моравского гения наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра. За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения. Некоторое время Муха был также любовником знаменитой актрисы.

В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров -- от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие -- «La Femme Muchas». Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах… Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звезды», «Искусства», «Драгоценные камни», которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров (и подвергаются беззастенчивому плагиату на всех уровнях). Одно из известнейших парижских графических издательств, «Шампенуа» (Le Champenois), заключает с ним эксклюзивный контракт на его прикладное творчество.

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов -- иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В этом же стиле были выполнены и литографии Мухи, иллюстрировавшие «Ильзу, принцессу Триполийскую» Робера де Флёра… В отличие от тревожных картин современных ему мастеров -- Климта, Врубеля, Бакста -- произведения Альфонса Мухи дышат спокойствием и негой.

Салон ста

В 1895 Муха входит в круг символистов «Салон ста» (Salon des Cent), группировавшихся вокруг небольшой одноименной художественной галереи, к которому принадлежали такие личности как художники Боннар, Тулуз-Лотрек, Грассе, поэты Верлен, Малларме и другие. В число его знакомых входят братья Люмьер, вместе с которыми он участвует в опытах по кинематографии, и Стриндберг.

Художественная галерея «Салон ста» была организована в 1893 году и находилась в помещении художественного журнала «La Plume», активно проводившего идеи стиля Ар нуво. Задачей галереи было не только декларирование нового стиля, но также «демократизация» изобразительного искусства, получившего название «искусство для дома». "Бедность тоже имеет право на красоту",- любил говорить Муха. Его внимание к "мелким" задачам, то время, которое он тратил на разработку этикеток, упаковок, рекламу было обусловлено вовсе не стремлением побольше заработать, как обычно думает неосведомлённый зритель, а желанием демократизировать изобразительное искусство. Демократизм изначально был свойственен характеру Альфонса Мухи. Он никогда не чувствовал себя человеком, которого успех навсегда переселил в другую общественную категорию. Мысли о более справедливом общественном устройстве всё время прослеживаются в его переписке с друзьями и часто упоминаются в воспоминаниях о художнике. Муха не был революционером, но он хотел бы, чтобы основные блага цивилизации были доступны всем без исключения членам общества. В современном понимании он был сторонником социального государства.

Среди ста экспонентов галереи были знаменитые художники - Боннар, Тулуз-Лотрек, Стейнлен, Энсор, Грассе, Рассенфосс. Пожелал стать членом этой группы и Альфонс Муха. По условиям договора он взялся за выполнение афиши к двадцатой экспозиции Салона. Плакат привёл в необыкновенный восторг владельца галереи, Леона Дешана, посетившего мастерскую художника во время работы над эскизом. Он уговорил Муху сделать два варианта оттисков: незавершённый, без надписи, и собственно афишу выставки.

Свой замысел -- «полуобнажённая женщина c головой в ореоле золотых волос, рассыпающихся каскадом арабесок», -- Дешан посоветовал исполнить в точности, убеждая Альфонса Муху, что так он создаст шедевр декоративного плаката. Правоту Дешана, оценившего изображение как шедевр декоративного панно, подтвердил его мгновенный успех у публики.

Начиная с 1897 года он организует персональные выставки в Париже и других городах Европы, включая Прагу, пользующиеся огромным успехом, журнал La Plume посвящает ему специальный номер. В 1900 году Муха принимает участие в отделке павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже. Это событие побудило его заинтересоваться историей славян, что в дальнейшем привело к созданию цикла «Славянская эпопея».

Семья

Немало украшений по эскизам Мухи было сделано и для невесты, а затем и супруги художника -- Марии Хитиловой, которую художник и его друзья звали Марушкой. Хитилова была соотечественницей Мухи. Поженились они в 1903 году и прожили вместе всю жизнь. Мария была младше художника на 22 года и примерно на столько же его пережила. Интересно, что в её чувствах к Мухе отсутствовал материальный расчёт: к моменту брака долги Мухи намного превышали его состояние. Мария Хитилова стала постоянной натурщицей Мухи, и на многих картинах легко угадываются её черты.

В их браке родились две дочери, которые, когда выросли, тоже стали персонажами многих картин художника. Рыжеволосые славянки-красавицы на картинах Альфонса Мухи продиктованы именно образами жены художника и его дочерей: все три обладали этим типом внешности.

Кроме дочерей, у Мухи был ещё и сын, Иржи, родившийся в 1915 году.

Американский период

В 1906 году Муха женился на своей ученице Марии Хитиловой (в семье родились дочь Ярослава и сын Иржи, позднее -- известный журналист, писатель, сценарист, умер в 1991 г.). Одновременно он принимает предложение Американского общества иллюстраторов и переезжает в США, где жил и работал до 1910 года и считался крупнейшим художником современности. Муха преподавал в Художественном институте Чикаго, а в 1908 году создал декорации для Немецкого театра в Нью-Йорке... Однако, несмотря на громкий успех (Муха снискал себе славу портретиста и автора обложек иллюстрированных журналов), тамошняя жизнь тяготила его своим коммерционализмом, и он не порывал с мечтами вернуться в Чехию. К тому времени он решил, что его прежнее творчество исчерпало себя и задумывался о создании грандиозного цикла эпических картин на тему истории славян.

Возвращение на родину

Сразу же после возвращения в Чехию в огромном Хрустальном зале замка Збирог недалеко от Праги он принялся за работу. В течение последующих восемнадцати лет из-под его кисти вышло двадцать монументальных полотен, изображающих переломные вехи в истории славянских народов, в частности, «Славяне на исторической родине» («Славяне на прародине»), «Симеон, царь Болгарии», «Проповедь магистра Яна Гуса», «После Грюнвальдского сражения», «Ян Коменский покидает родину» и «Отмена крепостного права на Руси»[1]. В эти же годы он работает над интерьерами самых известных зданий Праги в стиле модерн -- Муниципального дома, отелей «Европа» и «Империал», создает эскиз главного витража достраиваемого собора Святого Вита в Пражском Граде.

После образования в 1918 году независимой Чехословакии Муха поглощен созданием «официального» графического стиля нового государства: его таланту принадлежат образцы первых банкнот и почтовых марок страны, один из вариантов государственного герба и даже правительственные бланки и конверты.

В 1928 году Муха заканчивает свою «Славянскую эпопею» и дарит её городу Праге. Вследствие того, что в тогдашней Праге не нашлось галереи, которая могла бы разместить её всю целиком, она временно экспонировалась в Дворце ярмарок, а после войны была помещена в замке в городке Моравский Крумлов (доступна для осмотра с 1963 года).

К концу его жизни интерес к нему был потерян: в Чехословакии 1930-х годов (период расцвета функционализма), а также в социалистический период его творчество считалось устаревшим и чрезмерно националистическим.

Патриотизм художника (не столько моравский или чешский, сколько общеславянский) был настолько известным, что власти гитлеровской Германии включили его в список врагов III Рейха - несмотря даже на весьма значительный вклад Альфонса Мухи в немецкую культуру. После захвата Праги в марте 1939 года, Гестапо несколько раз арестовывало престарелого художника и подвергало допросам, в результате чего он заболел пневмонией и скончался 14 июля 1939 года. Альфонс Муха был похоронен на Вышеградском кладбище.

Добившись успеха в области коммерческой иллюстрации, Муха решил воплотить в жизнь свою давнюю мечту - прославить в своих работах славянскую культуру. Возможно, в этом решении сказались традиции классических академий живописи. Только в масштабных работах в 18 и 19 веках видели возможность оставить своё имя в истории искусства. Кроме того, масштабные работы всегда были проверкой мастерства художника на зрелость: прежде всего в умении выстроить сложную, многофигурную композицию. Муха начал работу над одним из самых больших проектов в своей жизни - национально - историческим циклом огромных картин, который Муха назвал «Славянский эпос». Проект финансировал чикагский миллионер Чарльз Крейн. Крейн сам был очень талантливым художником. Он иллюстрировал детские книги, и на их выпуске сделал себе состояние. Изначально Муха надеялся завершить работу за пять- шесть лет, однако дело затянулось почти на два десятилетия.

Создавая свои монументальные полотна, Альфонс Муха целенаправленно остерегался всего, что могло бы напоминать о раздорах и пролитой крови. «Целью моих произведений не было разрушать, а всегда только строить, возводить мосты, так как мы все должны питать надежду, что человечество сблизится. И это сближение будет происходить тем быстрее и проще, чем больше люди узнают друг о друге», - писал Альфонс Муха.

Сразу же после возвращения в Чехию в огромном Хрустальном зале замка Збирог недалеко от Праги он принялся за работу. В течение последующих восемнадцати лет из-под его кисти вышло двадцать монументальных полотен, изображающих переломные вехи в истории славянских народов, в частности, «Славяне на исторической родине», «Симеон, царь Болгарии», «Проповедь Яна Гуса», «После Грюнвальского сражения», «Ян Коменский покидает родину» и «Отмена крепостного права в России». Картины написаны маслом в сочетании с яичной темперой. Первые работы были площадью в 48 квадратных метров, но фабрика, которая делала для них холсты, пострадала в Первую мировую войну, и для следующих работ размер холста пришлось уменьшить почти вдвое.

В 1928 Муха заканчивает свою «Славянскую эпопею» и дарит городу Праге двадцать массивных полотен, посвященных знаменательным событиям в истории славянских народов. Чешские критики того времени оценили их как анахронизм, а тематику посчитали националистической, хотя в Соединенных Штатах цикл был принят с энтузиазмом. Своё мнение критики основывали на том, что эпос Мухи "опоздал" по времени на целое столетие. Масштабные академические картины на исторические темы были актуальны для европейской живописи в начале 19 века, в эпоху романтизма. В 20 веке они уже ничего не давали для развития живописи, как искусства. Эпос Мухи отличался, по мнению критиков, скованностью в употреблении художественных средств, излишним пафосом и навязчивым монументализмом. Это мнение сыграло свою роль в судьбе эпопеи Альфонса Мухи в его родной стране. Вследствие того, что в тогдашней Праге не нашлось галереи, которая могла бы разместить её всю целиком, она временно экспонировалась в Дворце ярмарок, а после войны была помещена в замке в городке Моравски-Крумлов (чеш. Moravskэ Krumlov; доступна для осмотра с 1963). Художник продолжал работать над циклом «Славянский эпос», делал эскизы новых картин.

Муха в России

Весной 1913 года Альфонс Муха отправился в Россию, чтобы собрать материалы для будущих картин цикла. Художник побывал в Санкт-Петербурге и в Москве, где посетил Третьяковскую галерею. Особенно сильное впечатление на него произвела Троице-Сергиева Лавра.

Выбор года путешествия в Россию был не случаен. В 1913 году отмечалось трёхсотлетие дома Романовых. Муха встречался в Петербурге с чиновниками, которые еще помнили отмену крепостного права в 1861 году, много рисовал и фотографировал, прежде всего на Красной площади, и поместил эту сцену, когда народ слышит указ об отмене крепостного права и удивляется, как же мы дальше жить- то будем, именно на Красную площадь. Он наверняка знал картину Сурикова «Утро стрелецкой казни», поскольку все фигуры на его картине помещены точно на том же фоне, как фигуры на картине Сурикова.

Муха посетил Третьяковскую галерею в Москве и оставил там восторженный отзыв. Он считал, что в России на переломе веков наконец-то проснулся исконный русский дух и написал, что русское искусство глубоко символично. Великая княгиня Елизавета Федоровна Романова покровительствовала развитию своеобразного стиля «русский православный модерн» и защищала этот стиль от его критиков. Ей очень нравились работы Мухи, которые она считала глубоко символичными и наполненными славянским духом. Муху же, в свою очередь, очень порадовало, что везде в Петербурге он видел вариации на тему своих афиш и плакатов. Он был очень этим горд. Впрочем, первая персональная выставка работ Мухи прошла в Петербурге ещё в 1907 году, так что в известности его работ не было уже ничего удивительного.

...