Образ Венеры в живописи

Размещено на http://www.allbest.ru/

Введение

С давних времен Венера считалась символом цветущей природы, богиней плодородия. Люди восхищались ей, возносили дары и строили храмы. Ее любовь и красота были всеобъемлющей, потому что во главу угла люди всегда ставили как созревание удачного и богатого урожая, так и рождение новой жизни в принципе. Поэтому образ богини любви можно встретить во множестве плодов человеческой культуры, начиная от каменных грубых статуэток и заканчивая художниками-символистами. Венера столетиями будоражила умы людей, побуждала их к труду, любви, творчеству. Поэтому необходимо узнать, кем же ее считали, как представляли люди разных эпох, какой ее изображали мастера мировой живописи, такие как Сандро Боттичелли, Тициан, Рубенс, Джорджоне, Адольф Вильям Бугро, Одилон Редон многие другие.

Цель исследования: анализ разных подходов к изображению Венеры в творчестве великих художников Эпохи Возрождения.

Из поставленной цели вытекают следующие задачи:

· проанализировать мифы о Венеры, вариациями ее восприятия в разных культурах;

· женские образы

· Рассмотреть и проанализировать картины Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», Диего Веласкеса «Венера перед зеркалом», Джорджоне «Спящая Венера»,Тициана «Венера Урбинская»;

Методы исследования:

· поиск литературы, интернет - ресурсов по избранной теме;

· подбор произведения искусства, соответствующего теме курсовой работы;

· анализ и интерпретация произведения искусства и его место в современной культуре.

Структура курсовой работы:

Поставленные задачи определили структуру данной курсовой работы, которая состоит из введения, 3 глав, заключения, списка использованной литературы и приложения.

В первой главе мы вспомним основные моменты и представителей Ренессанса. В второй главе углубимся в историю происхождения Венеры, узнаем мифы и сказания о ней. В третьей главе проанализируем четыре работы разных художников Ренессанса, которые изображали богиню: Сандро Боттичелли, Диего Веласкеса, Джорджоне и Тициана. А в третьей главе мы обобщим полученую информацию и оценим роль этих картин в культуре нашего времени.



Глава I. Эпоха Возрождения

венера возрождение боттичелли тициан

Эпоху Возрождения можно сравнить с пробуждением от сна или с молодостью, когда все воспринимается особенно полно, остро и радостно и мир открывается человеку во всем его ослепительном многообразии.

В XV веке многие люди путешествовали в поисках книг, учителей и образования. Путешествия эти отличались целенаправленностью поиска книг древних авторов и новых видов обучения. В школах и университетах эпохи

Ренессанса идеи гуманизма отразились на системе образования, полученной в наследство от Средних веков. Гуманисты-просветители обучали учеников не для церкви, научных изысканий или университетского преподавания, а для участия в жизни города и двора.

Великие державы того времени правили посредством магнетического великолепия; власть сосредоточивалась при дворах принцев, королей и императоров. Дворы были средоточием не только правительств и высшего руководства, но также хороших манер и этикета, новейших стилей в литературе, музыке, одежде, архитектуре и живописи

1.1. Искусство эпохи Возрождения.

Эпоха Возрождения - это время расцвета всех искусств, в том числе и театра, и литературы, и музыки, но, несомненно, главным среди них, наиболее полно выразившим дух своего времени, было изобразительное искусство.

Неслучайно существует теория, что Возрождение началось с того, что художники перестали удовлетворяться рамками господствовавшего «византийского» стиля и в поисках образцов для своего творчества первыми обратились к античности. Одним из первых отказался от «византийской манеры» и стал использовать во фресках светотеневую лепку фигур Пьетро Каваллини. Но картины вместо икон впервые стал создавать крупнейший мастер Проторенессанса Джотто.

Он первым стремился христианские этические идеи передавать через изображение реальных человеческих чувств и переживаний, заменил символику изображением реального пространства и конкретных предметов. На знаменитых фресках Джотто в капелле дель Арена в Падуе можно увидеть рядом со святыми совсем необычные персонажи: пастухов или пряху. Каждое отдельное лицо в Джотто выражает вполне определенные переживания, определенный характер.

В эпоху Дученто (XIII в.) В Италии вместо литературного языка средневековья - латинского - постепенно формируется народный язык - итальянский. Большой вклад в его создание внес величайший писатель того времени Данте Алигьери (1256-1321). В своем раннем произведении «Новая жизнь», написанном на итальянском языке, Данте рассказывает историю любви к Беатриче, начиная с их первой встречи, когда они были еще совсем детьми, и до смерти возлюбленной, когда ей исполнилось 18 лет.

Образ простой горожанки, возвеличенной любовью поэта, он проносит через всю жизнь. И совсем уж в духе эпохи Возрождения сцена из его «Божественной комедии», в которой он изображает свою Беатриче сидящей поверх повозки, символизирующей Церковь у врат Чистилища.

В эпоху раннего Возрождения в искусстве происходит освоение античного художественного наследия, формируются новые этические идеалы, художники обращаются к достижениям науки (математики, геометрии, оптики, анатомии). Ведущую роль в формировании идейных и стилевых принципов искусства раннего Возрождения играет Флоренция. В образах, созданных такими мастерами, как Донателло, Верроккьо, доминируют героические и патриотические начала («Св. Георгий» и «Давид» Донателло и «Давид» Верроккьо).

Основоположником ренессансной живописи является Мазаччо (росписи капеллы Бранкаччи, «Троица»), Мазаччо умел передавать глубину пространства, связывал фигуру и пейзаж единым композиционным замыслом, придавал отдельным лицам портретную выразительность. Но становление и эволюция живописного портрета, отражавшего интерес возрожденческой культуры к человеку, связаны с именами художников Умрбийской школы: Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо.

Особняком в эпоху раннего Возрождения стоит творчество художника Сандро Боттичелли. Созданные им образы одухотворены и поэтичны. Исследователи отмечают отвлеченность и утонченный интеллектуализм в работах художника, его стремление к созданию мифологических композиций с усложненным и зашифрованным содержанием («Весна», «Рождение Венеры»).

Один из жизнеописателей Боттичелли говорил, что его мадонны и венеры производят впечатление утраты, вызывая в нас чувство неизгладимой печали ... Одни из них утратили небо, другие - землю.

Кульминацией в развитии идейно-художественных принципов итальянского Ренессанса становится Высокое Возрождение. Основоположником искусства Высокого Возрождения считается Леонардо да Винчи - великий художник и ученый.

Он создал целый ряд шедевров: «Мона Лиза» («Джоконда»), «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Литта», «Дама с горностаем». В своем творчестве Леонардо стремился выразить дух ренессансного человека. Он искал источники совершенных форм искусства в природе, но именно его Н. Бердяев считает ответственным за грядущий процесс машинизации и механизации человеческой жизни, который оторвал человека от природы.

Классической гармонии живопись достигает в творчестве Рафаэля. Его искусство эволюционирует от ранних холодновато-отстраненных умбрийских образов мадонн («Мадонна Конестабиле») к миру «счастливого христианства» флорентийских и римских произведений. «Мадонна с щегленком» и «Мадонна в кресле» мягки, человечны и даже обыденны в своей человечности.

Но величествен образ «Сикстинской мадонны», символически соединяющий небесный и земной миры. Более всего Рафаэль известен как создатель нежных образов мадонн. Но в живописи он воплотил и идеал возрожденческого универсального человека (портрет Кастильоне), и драматизм исторических событий.

Микеланджело - мастер, который соединял в своем искусстве прекрасную телесность с глубокой одухотворенностью образов, унаследованной от средневековой христианской культуры. Уже в раннем творчестве Микеланджело проявлялись его трагическое мироощущение («Распятие»), тончайший психологизм образов и техническая виртуозность («Оплакивание Христа» из собора Св. Петра). Создает Микеланджело и свою концепцию человеческой истории (живописный плафон Сикстинской капеллы).

Особое место в эпоху Высокого Возрождения занимает венецианская школа, в которой наслаждение жизнью и любовь к природе соединились с гуманистическим идеалом (творчество Джорджоне, Тициана). Позднее Возрождение и маньеризм отражают кризис ренессансных гуманистических идеалов.

В этот период в творчестве Микеланджело отражается усугубляющийся трагизм его мировосприятия (образы капеллы Медичи, особенно «Ночь», «Страшный суд» и фрески капеллы Паолина). У художников, продолжающих традиции Высокого Возрождения, усиливается тяга к декоративности и пышности (Веронезе), нарастают субъективизм и спиритуализм.

Для маньеристов образ строится не на основе изучения натуры, как это было у художников Возрождения, а на их внутреннем чувстве. Маньеризм причудливо переплетает мистику и идеалы придворной культуры, он полон аллегорий и артистической пластики. В маньеризме происходит отрицание ренессансной традиции (Корреджо, Аманти и др.).

Одновременно с кризисом возрожденческого искусства в Италии происходит его расцвет в Нидерландах и Германии.

Ян ван Эйк - центральная фигура начальной поры Северного Возрождения. В его творчестве отразилась одна из принципиальных особенностей этого искусства: тесная связь с искусством поздней готики. Гентский алтарь, выполненный братьями ван Эйк, в своем образном строе соединяет строгое религиозное чувство с радостным и поэтическим восприятием земной красоты, идеальные образы с портретами реальных людей, сложную символику с простыми человеческими эмоциями. В портретах Яна ван Эйка акцент делается на духовной наполненности и благочестии в психологически достоверных и натуралистически точных образах.

Сложная символика, фантазия и гротеск проявляются в творчестве Хиеронимуса Босха. Его стилистика кажется настолько необычной для того времени, что многие современные искусствоведы считают Босха провозвестником сюрреализма.

Развитие искусства Северного Возрождения связано с именем Альбрехта Дюрера, который заложил в Германии основы светских жанров - портрета, пейзажа, бытовых жанров. В его творчестве проявляется еще одна яркая черта Северного Возрождения: стремление изобразить человека несовершенным и идеальным, но достоверным.

Говоря об искусстве Северного Возрождения, конечно же, следует обратить внимание на портреты Гольбейна и на творчество Брейгеля.

Подводя итоги, следует отметить, что Возрождение в Италии и Реформация в Северной Европе могут, как это и делал Н. Бердяев, рассматриваться в качестве этапов переходного периода, знаменовавшего окончание в историческом масштабе одного типа цивилизации (космогенной, традиционной) и начало новой, техногенной цивилизации.

Итальянский Ренессанс был источником для Северного Возрождения и Реформации. Реформация дополнила и своеобразно развила ренессансные идеи. Если итальянское Возрождение стало началом новой городской буржуазной культуры, то Реформация, создав протестантизм, обеспечила динамичное развитие капитализма в Европе.



Глава II. Возникновение Образа Венеры

Венера (Афродита) - первоначально была богиней неба, посылающей дождь, а также, по-видимому, и богиней моря. На мифе об Афродите и ее культе сильно сказалось восточное влияние, главным образом культа финикийской богини Астартьт. Постепенно Афродита становится богиней любви, красоты, радости, смеха и брака.

Венера считалась не только богиней любви и красоты, но также прародительницей потомков Энея и покровительницей римского народа. Символами богини были голубь и заяц (как знак плодовитости), из растений ей были посвящены мак, роза и мирт.

В древнеримской литературе имя Венеры нередко употреблялось в качестве синонима плодов. Некоторые ученые имя богини переводили как "милость богов".

На распространение культа Венеры в Риме немалое влияние оказал построенный в ее честь Сицилийский храм.

Апофеоза популярности культ Венеры достиг в I веке до н. э., когда на ее покровительство стали рассчитывать знаменитый сенатор Сулла, веривший в то, что богиня приносит ему счастье, и Гай Помпей, который построил храм и посвятил его Венере-победительнице. Гай Юлий Цезарь особо почитал эту богиню, считая ее сына, Энея, предком рода Юлиев.

Венеру награждали такими эпитетами, как милостивая, очищающая, остриженная. В память о мужественных римлянках, которые во время войны с галлами остригли волосы, чтобы сплести из них канаты.

В русской традиции принято использовать греческое имя богини любви (Афродита), пришедшее через Византию, в то время как подавляющее большинство западноевропейских художников, писателей и критиков придерживаются варианта Венера. Обобщенно два этих варианта можно рассматривать как синонимы.

В литературных произведениях Венера выступала как богиня любви и страсти. В честь Венеры была названа одна из планет Солнечной системы.

2.1 История возникновения Венеры

По мнению одних, Венера была дочерью Юпитера и Дионы, богини влаги; по мнению других - родилась из морской пены.

Первыми ее обнаружили океанические нимфы. Она лежала, как в колыбели, на большой голубой волне, и они отнесли ее в свои коралловые пещеры, где нежно ухаживали за ней и учили с большим старанием. Когда воспитание Венеры было завершено, морские нимфы решили, что пришло время представить ее богам, и подняли ее на поверхность моря, где тритоньи, океаниды и нереиды окружили богиню, громко восхищаясь ее красотой, и предлагали жемчужины и отборные кораллы, чтобы она могла себя ими украсить.

Потом они уложили ее на большую волну и вверили заботам Зефира, нежного южного ветра, который и отнес ее на остров Кипр.

Четыре прекрасные хоры (сезоны), дочери Юпитера и Фемиды, богини справедливости, стояли на берегу и приветствовали ее.

Но не одни они ждали прибытия Венеры - три хариты (грации) также приветствовали ее на берегу.

Дочери Юпитера и Эвриномы, девушки, которых звали Аглая, Ефросинья и Талия, только и ждали момента, чтобы выразить свою любовь прекрасной госпоже. Когда волна, на которой она сидела, приблизилась, появились «розовогрудые Горы, свита прекрасной Венеры». Наконец, ветер доставил богиню на берег и, как только ее нога ступила на белый песок, все склонились перед ее необыкновенной красотой и с благоговением стали смотреть, как она сушит волосы.

Немного приведя себя в порядок, Венера и ее свита отправились на Олимп, по пути к ним присоединились: Гимера, богиня желания любви, Пафос, бог согласия в любви, Суадела, богиня нежных любовных речей, и Гименей, бог брака.

Для Венеры был приготовлен трон, и, когда она уселась на него, собравшиеся олимпийцы не смогли сдержать возгласов восхищения. Ее красота поразила их, как молния, а грация очаровала, и все они тут же выразили желание взять ее в жены, но она с презрением отвергла предложения богов.

Венера отказала даже царю богов, и, чтобы наказать ее, он объявил, что выдаст ее замуж за Гефеста, бога кузнецов, самого захудалого из всех.

Этот союз с Гефестом (Вулканом), не был счастливым, ибо Венера никогда не любила своего уродливого супруга и, вместо того чтобы быть верной женой, вскоре ушла от него и заявила всем, что будет наслаждаться жизнью.

В греческой культуре богиня отличается не только именем, но и историей своего происхождения. Рождение богини Афродиты, согласно одному из древнегреческих мифов, было необычным: оно случилось, когда Гея, богиня земли, устав от своего супруга Урана, попросила младшего сына Кроноса облегчить свою судьбу. Тот оскопил отца серпом. Схватив отрезанные гениталии левой рукой (с которой с тех пор связаны плохие предзнаменования), он зашвырнул их вместе с серпом в море близ мыса Дрепан. Плодоносная сила Урана была настолько велика, что от капель крови, упавших на землю, родились эринии, гиганты и мелии (нимфы ясеня), а капель крови (вариант - крови в сочетании семенем), упавших в море - богиня Афродита.

Таким образом, произошло девственное зачатие в патриархальном варианте: кровь Урана, в тот момент ещё бывшего верховным богом, попав в море, образовала белоснежную пену, из которой появилась на свет Афродита. Отсюда её эпитет - Пенорожденная, и даже, согласно одной из версий этимологии, само имя - от от ?цсьт - «пена»).

Cлужанки Афродиты помогают ей подняться из моря. «Трон Людовизи», ок.470-460 до н. э.Богиня возникла из морской пены обнажённой и на раковине (античном символе вульвы), добралась до берега. Там, где ступала Афродита, вырастали травы и цветы: «Около острова Киферы родилась Афродита, дочь Урана, из белоснежной пены морских волн. Лёгкий, ласкающий ветерок принёс её на остров Кипр. Там окружили юные Оры вышедшую из морских волн богиню любви. Они облекли её в златотканую одежду и увенчали венком из благоухающих цветов. Где только не ступала Афродита, там пышно разрастались цветы. Весь воздух полон был благоуханием ». (Николай Кун. «Легенды и мифы Древней Греции»).

Возлюбленные Венеры:

Марс, Адонис, Анхис

Дети Венеры:

Дочь Гармония (отец Марс)

Сын Купидон (отец Марс)

Сын Эней (отец Анхис)

Венера в мифах:

· Парис (троянский принц, сын Приама), присудил Венере яблоко раздора, чем навлек на себя гнев Юноны и Минервы.

· Парис, подстрекаемый Венерой, начал ухаживать за Еленой и добился ее согласия бежать вместе с ним, что привело к Троянской войне.

· Гиппомен заручился поддержкой Венеры и получил от нее три золотых яблока, благодаря которым и выиграл у Аталанты состязания в беге.

· Благодаря Венере, ее сын Эней пережил все приключения и спас часть жителей Трои.

Венера в античной культуре:

Самыми страстными и преданными почитателями Венеры были молодые люди, поскольку она радовалась их любви и всегда помогала всем истинно любящим, если на их пути возникали непреодолимые препятствия.

Венеру, богиню красоты, представляли либо полностью обнаженной, либо в короткой одежде, называвшейся «поясом Венеры». Усевшись в колесницу в виде жемчужной раковины, которую влекли белоснежные голубки, любимые птицы богини, она разъезжала от алтаря к алтарю, самодовольно восхищаясь роскошными украшениями из драгоценных камней и цветов, которые приносили ей почитатели. Больше всего ей нравились жертвы молодых любовников.

Празднества в честь Венеры были всегда очень красочными, и ее жрецы появлялись на них в венках из живых благоухающих цветов, символа естественной красоты.

2.2 Образ Венеры

Когда мы произносим имя «Афродита-Венера», перед нами сразу же встает воспетый в древнегреческих мифах образ «прекрасновенчанной» богини, «улыбколюбивой» девы с «ресницами гнутыми» ... Вот она, рожденная из морской пены, выходит на пустынный берег Киферы , Там, где богиня ступает, поднимаются травы и распускаются розы, анемоны, фиалки, нарциссы, лилии ... Где бы Венера ни появлялась, ее красоте поклонялись все: и боги, и люди, и даже звери.

«Высокая, стройная, с нежными чертами лицами и мягкой волной золотых волос, как венец лежащих на ее прекрасной голове, Афродита - олицетворение красоты и вечной юности. Когда она идет, в блеске своей красоты, в благоухающих одеждах, тогда ярче светит солнце и пышнее цветут цветы. Дикие лесные звери бегут к ней из чащи леса; к ней стаями слетаются птицы. Львы, пантеры, барсы и медведи кротко ласкаются к ней. Спокойно идет среди диких зверей Афродита, гордая своей лучезарной красотой. Ее спутницы оры и хариты, богини красоты и грации, прислуживают ей. Они одевают богиню в роскошные одежды, причесывают ее золотые волосы, венчают ее голову сверкающей диадемой ».

Венера излучала пронизывающую весь мир любовь, и никто не мог избежать ее власти, даже сами боги.

Немецкий искусствовед Г. Мюллер писал о Венере: «Она самая красивая из всех богинь, вечно юная и пленительная. Ее прекрасные очи сулят одно блаженство, она обладает волшебным поясом, и котором заключены все чары любви. И даже гордая Юнона, желая вернуть любовь Юпитера, просит Венеру одолжить ей этот пояс. Золотые украшения богини горят ярче огня, а прекрасные, увенчанные золотым венком волосы благоухают ».

В греческом искусстве не было такого идеала Афродиты, который служил бы прототипом для последующих времен подобно тому, как созданный Фидием Зевс Олимпийский однажды и навсегда сделался типом «отца богов» и с необходимыми изменениями преобразился в типы Посейдона, Асклепия, Гадеса и Геракла. Древнегреческие писатели Плиний и Павсаний в своих трудах упоминают о многих изваяниях Афродиты-Венеры, из которых каждое воспроизводит особый тип богини. В ее мифологии (и следовательно, в образе) слились воедино греческие и восточные черты, оттого представление о Венере и сделалось столь многосторонним. Кроме того, что Венера - богиня красоты и юности, но еще и богиня супружества, плодовитости, «устроительница радостных браков» (не говоря уже о других значениях ее образа). Потому и не нашлось ни одного художника, который бы смог выразить все это разнообразие значений в одном типичном олицетворении. Всегда передавалась то одна, то другая сторона образа Венеры, да и то более всего внешними признаками - позой и жанровыми особенностями.

В древнем мире величайшей славой пользовалась Венера Книдская - работа прославленного скульптора Праксителя, которая была прототипом для некоторых других Венер. Сначала богиня никогда не изображалась обнаженной, поэтому Пракситель и возбудил своим произведением всеобщее удивление. И даже удивление самой Венеры, которая будто бы воскликнула: «Меня видели обнаженной Парис и Адонис, но где и когда меня мог видеть Пракситель?».

Древние поэты и прозаики оставили множество самых восторженных описаний этой статуи. По словам одного из них, даже гордая Юнона и мудрая Минерва, посмотрев на статую Праксителя, воскликнули: «Не будем больше винить Париса!».

Статую Афродиты заказали Праксителю жители острова Коса, и он исполнил для них две статуи богини, из которых одна представляла Венеру одетой, а другая - нагой. Заказчики выбрали для себя первую скульптуру, предпочтя ее ради ее одежды. А может быть, испугавшись того новшества, которое скульптор придал второй скульптуре?

Обнаженная Венера была продана жителям города Книд и вскоре приобрела такую небывалую славу, что многие специально приезжали сюда, чтобы только посмотреть на нее. Вифинский царь Никомед III предлагал книдянам простить им весь их долг (причем весьма значительный), лишь бы они уступили ему дивное произведение Праксителя. Однако горожане готовы были терпеть что угодно, чем расстаться с Венерой.

Пракситель представил богиню входящей в купальню: правой рукой она прикрывала себе лоно, а левой опускала снятые с себя одежды на сосуд, стоявший у ее ног. На минуту остановилась Венера Книдская, охваченная легкой дрожью. Ее поза свободна и непринужденна, ибо никто не видит ее и ничто не нарушает бессознательной естественности этой сцены. Только устремленный вдаль, как бы страстно заволакивающий взгляд показывает, что величественная богиня, прежде бесстрастно взиравшая на человеческие чувства, уступила место другой - подвластной страстям, как смертная женщина.

Жители Книда поместили прекрасную статую в небольшом храме, который был открыт со всех сторон, чтобы можно было любоваться Венерой отовсюду. К сожалению, до настоящего времени произведение Праксителя не сохранилось, но книдяне не преминули изобразить свою Венеру на монетах. Благодаря этому и удалось восстановить книдскую богиню в копиях, близких к оригиналу, которые есть во многих музеях мира.

Венеру, богиню любви и красоты, олицетворяет множество статуй но как различается воплощенный в них образ. И самым знаменитым из них является всемирно известная Венера Милосская, поставленная в Отделе античного искусства в Лувре.

Статуя была случайно обнаружена на острове Милос в 1820 году одним греческим крестьянином. С целью выгодно продать свою находку он до поры до времени спрятал античную богиню в загоне имя коз. Здесь ее и увидел молодой французский офицер Дюмон-Дюрвиль. Образованный офицер, участник экспедиции на острова Греции, он сразу же оценил хорошо сохранившийся шедевр. Бес-я порно, это была греческая богиня любви и красоты Венера. Тем Гюлее что она держала в руке яблоко, врученное ей Парисом в известном споре трех богинь.

Крестьянин запросил огромную цену за свою находку, но у Дюмон-Дюрвиля таких денег не оказалось. Однако он понимал подлинную ценность скульптуры и уговорил крестьянина не продавать Венеру, пока он не раздобудет нужную сумму. Офицеру пришлось отправиться к французскому консулу в Константинополь, чтобы купить статую для французского музея.

Но, возвратившись на Милос, Дюмон-Дюрвиль узнал, что статуя уже продана какому-то турецкому чиновнику и даже запакована в ящик. За огромную взятку Дюмон-Дюрвиль вновь перекупил Венеру. Ее срочно положили на носилки и повезли в порт, где швартовался французский корабль.

Буквально сразу же турки хватились пропажи и настигли по-я пажу с бесценной статуей. В завязавшейся потасовке Венера не только раз переходила от французов к туркам и обратно, во время пой схватки и пострадали мраморные руки богини. Корабль со статуей вынужден был срочно отплыть, а руки Венеры были оставлены в порту. Они не найдены и до сих пор.

Но даже лишенная рук и покрытая щербинками античная богиня настолько чарует всех своим совершенством, что этих изъянов и повреждений попросту не замечаешь. Слегка наклонена ее маленькая голова на стройной шее, приподнялось одно плечо и опустилось другое, гибко изогнулся стан. Мягкость и нежность кожи Венеры оттеняет соскользнувшая на бедра драпировка, и вот уже невозможно оторвать глаз от скульптуры, почти два века покоряющей мир своей чарующей красотой и женственностью.

Исследователи и историки искусства долгое время относили Венеру Милосскую к тому периоду греческого искусства, которое называется поздней классикой. Величавость осанки богини, плавность божественных контуров, спокойствие лица - все это роднит ее с произведениями IV века до нашей эры. Но некоторые приемы обработки мрамора заставили ученых отодвинуть дату исполнения этого шедевра на два столетия вперед.

Когда Венеру Милосскую впервые выставили в Лувре, знаменитый писатель Шатобриан сказал: «Греция еще не давала нам лучшего свидетельства своего величия!» И почти сразу же посыпались предположения о первоначальном положении рук античной Венеры.

В конце 1896 года во французской газете «Иллюстрация» было напечатано сообщение некоего маркиза де Трогофа о том, что его отец, служивший офицером на Средиземном море, видел статую целой и что богиня держала в руках яблоко.

Если она держала яблоко Париса, то как были расположены ее руки? Правда, впоследствии утверждения маркиза были опровергнуты французским ученым С. Рейнаком. Однако статья де Трогофа и опровержение С. Рейнака еще больше возбудили интерес к античной статуе. Немецкий профессор Хасс, например, утверждал, что древнегреческий скульптор изобразил богиню после омовения, когда она собралась умастить свое тело соком. Шведский ученый Г. Саломан высказал предположение, что Венера - это воплощение сладострастия: богиня, пустив в ход все свое очарование, сводит кого-то с пути истинного.

А может быть, это была целая скульптурная композиция, от которой до нас дошла одна только Венера? Многие исследователи поддержали версию шведского ученого, в частности, Картмер де Кинси предположил, что Венера была изображена в группе с богом войны Марсом. «Поскольку у Венеры, - писал он, - судя по положению плеча, рука была приподнята, она, вероятно, опиралась этой рукой на плечо Марса; правую же руку вложила в его левую руку ». В XIX веке пытались реконструировать и восстановить первоначальный облик прекрасной Венеры, были даже попытки приделать ей крылья.

Окруженная легендами богиня стоит в Лувре одна в маленькой круглой комнате, завершающей анфиладу залов Отдела античного искусства, и ни один экспонат ни в одном из них не выдвинут в середину. Поэтому Венера видна еще издалека - невысокая скульптура, белым призраком возникающая на туманном фоне серых стен. А вблизи чуть шероховатая поверхность тела богини кажется живой и теплой плотью.



Глава III. Венера в творчестве художников эпохи Возрождения

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»

К началу XVI века образ Венеры еще не был распространен в итальянском искусстве. Несмотря на свой светский характер, искусство этого времени еще сохранило в себе остатки наивного благочестия, и изображение обнаженного женского тела было очень редким. В конце XV века написал свое «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли, и его Венера - хрупкая, почти бесплотная, с каскадом тяжелых золотых волос - представляет собой изящное сплетение языческого мифа с последними остатками средневекового страха перед земной, чувственной любовью и красотой обнаженного женского тела.

Современник Леонардо и Микеланджело, работавший в одно время с великими мастерами эпохи Возрождения, Сандро Боттичелли все же трудно включить в их ряды. В нем так же нет жаркого любопытства и непосредственности мастеров Кватроченто, с их бурным и жизнерадостным открытием мира с помощью искусства. Его работы отчасти возврат к доренессансному искусству, неповторимая субъективность в каждой линии. Его работы полны личностными переживаниями, чего лишены прочие творения Ренессанса.

Большинство людей при попытке произвольно создать у себя в голове образ Венеры вспомнят знаменитое полотно Боттичелли. И это неудивительно- его «Рождение Венеры» сталь мировым культурным достоянием, нестареющей классикой, которая и по сей день поражает умы и взоры людей.

Шедевр эпохи Ренессанса был написан в период между 1486 и 1486 темперной краской на холсте размера 172,5Ч278,5 см. Работа была написана для знатного семейства Медичи, которое имело огромное влияние на политику и культуру того времени, курируя многих талантливых художников.

На картине изображен морской берег ранним утром, когда еще «...не властен свет», но уже «расточилась тьма»,из морской пены родилась Венера. Бушующее дыхание бога ветров Зефира гонит к берегу раковину, на которой стоит новорожденная богиня красоты. Радость триумфального появления сопровождается летящими к ногам розами. Богиня Ора спешит к берегу с плащом в руках, дабы укрыть им Венеру, безупречные черты которой ошеломляют. Ее длинные золотистые кудри спадают на плечи, а во взгляде чувствуется кроткая отрешенность.

На картине так же встречаются символы, связанные с культом Венеры. Красная накидка в руках у Грации имела ритуальное значение - такие же мантии можно увидеть на греческих урнах. Они символизировали границу между миром духов и миром материальным. В них заворачивали как новорожденных, так и умерших. Так же согласно трактату неоплатоника Порфилия «О пещере нимф» пурпурный плащ символизирует душу, которая наряжается в одежду плоти, приходя в наш мир. А розы и раковина в средних веках ассоциировались с Девой Марией. Раковина обозначала чистоту и непорочность.

«Разве не странно то, что еще 50 лет назад Боттичелли считали «темным» художником переходного времени, который пришел в мире только для того, чтобы приготовить путь Рафаэлю», -- писал в «Образах Италии» знаменитый историк искусства Павел Муратов. Его вполне можно понять- трудно себе представить, что гения живописи Сандро Боттичелли не воспринимали всерьез в течение трех веков. Сейчас же даже ребенок может узнать его знаменитую на весь мир «Венеру в раковине».

Интересно и то, что вся композиционная схема, согласно анализу Гомбриха, восходит к традиционной схеме “Крещения” к схеме «Коронование мадонны». Этот принцип композиции и образности не является смешением античности и средневековья, как думали в конце 19 века, а созданием нового символического языка, включающего в себя переосмысленную античность и средневековье, опыт создания «исторической картины», а не просто «истории», в смысле Альберти. Рождение Венеры из воды легко сопоставляется с идеей «возрождения души в водах крещения», и, согласно Пико делла Мирандола, библейское выражение «дух божий носился над водами» соотносимо с дыханием Эроса или Зефирами у Боттичелли, которые движут и вдохновляют к жизни только что рожденную Венеру.

Картину некогда обрезали, нарушив изначальную композиционную задумку, убрав полметра сверху и около четвери метра по бокам, особенно слева. Если представить работу с недостающими частями в уме, то воздушного пространства вокруг Венеры было бы значительно больше, что так же относится и к Зефиру с Флорой. Зефир со своей женой уже не прикован к краю картины, а свободно парит в воздухе, а ветки стремятся ввысь, не упираясь в края. Фигуры персонажей грациозны, как в период кватроченто, а само изображение становится плоским. Так что можно быть уверенным, что желание придать глубины и монументальности пространству было причиной для укорачивания картины, ведь не вмещающиеся в раму фигуры первого плана отталкивают фон глубже. Сандро не планировал придавать действу картины то самодовольство, с которым почти равноценные пропорциональные массы берут Венеру в кольцо, делая неизменным центром композиции. Изначально ось симметрии проходила там, где пята стоит на бугорке раковины, из-за чего вся фигура оказывалась справа от оси. Это вызывала ощущение выхода Венеры не на зрителя, а к берегу. Так вместо эффекта близкого присутствия вся история проходила отдельно от реальности, в отстраненной плоскости картины.

В изображении дующего Зефира, летящих роз, развевающихся волос и движения, как выражения жизни и энергии, Боттичелли следовал посылкам, изложенным в работах теоретика искусства эпохи Возрождения Леона Баттисты Альберти. Также Боттичелли, вероятно, опирался на «Трактат о живописи» Ченнино Ченнини, описывающий среди прочего технику дробления лазурита для получения синей краски (васильки на платье Грации) и принцип нанесения тончайшего листового золота (пурпурная накидка Венеры). Среди новшеств Боттичелли важным было использование холста, а не доски, для произведения столь крупного размера. Он добавлял минимальное количество жира к пигментам, благодаря чему холст в течение долгого времени оставался прочным и эластичным, а краска не трескалась. Было также установлено, что Боттичелли нанёс на картину защитный слой из яичного желтка, благодаря чему «Рождение Венеры» хорошо сохранилось.

Сюжет произведения явно языческий. Это удивительно, если учесть, что картина создавалась в конце XV века, во Флоренции, где в те времена подавляющее большинство картин писалось на христианские темы. Ещё больше удивляет, что это полотно избежало костров, в которых, по обычаям того времени, был уничтожен целых ряд картин Ботичелли вместе с другими языческими произведениями.

Ботичелли был другом Лоренцо Медичи. Дружба и власть Лоренцо избавили эту работу от огня, несмотря на неодобрение церкви.

Диего Веласкес «Венера перед зеркалом»

С 1478 года в Испании был учрежден судебный орган власти, который огнем и мечом косил любое инакомыслие в стране - испанская инквизиция. На протяжении трехсот пятидесяти лет мировоззрение, поступки, творчество были в стальных тисках. Цензуре поддавалось все, нарушителей могли не только лишить имущества, но и сжечь на костре. Разумеется, в культурных кругах такие строгие меры вызывали бурное негодование.

Изображения наготы считались греховными и противозаконными, за нахождение подобных картин могли потребовать ее перекрасить, конфисковать для уничтожения, а так же выгнать из страны автора и отлучить его от церкви. Поэтому при жизни Диего Веласкеса его «Венера перед зеркалом» не имела успеха, хоть и была известна в узких кругах.

Из-за строгой секретности нельзя определить точную дату написания картины. Есть гипотеза, что это произошло в период между 1640 по 1650, как раз тогда художник посещал Рим с дипломатической миссией. Король Филипп упорно пытался вернуть своего придворного художника, который не торопился покидать Италию. Как выяснилось несколько позже, в Риме у Веласкеса была женщина, родившая ему сына. Разумеется внебрачного. Филипп все же добился возвращения художника. Возможно, именно в Италии он создал свой шедевр, вдохновившись полотнами мастеров венецианского Возрождения, привезя его с собой обратно на родину.

Но что же отличает работу Веласкеса от множества прочих? Полулежащую Венеру уже изображали такие мастера, как Джорджоне, Тициан, как и сюжеты с зеркалом Рубенса и того же Тициана далеко не новы. Поначалу работа называлась просто Dona Desnuda (в переводе с исп. «нагая дама»), но позже картину переименовали в «Венеру перед зеркалом». Надо уточнить, что достаточно давно сформировалась традиция изображать обнаженных богов и богинь: художники обожали писать обнаженное тело, особенно женское. Просто нагота, не имевшая отношения к религии и мифологии, воспринималась критично во многих странах.

Но героиня кисти Диего все же вырывается из «череды итальянских Венер». Сразу бросается в глаза, что помимо привычной позы она повернута спиной к зрителю - сказывается целомудренное испанское мировоззрение. По внешности можно предположить, что она испанка, к тому же в отличие от уже сформировавшегося образа богини любви, у нее темные волосы. И ощущение божественности пропало - перед нами обычная земная женщина. Об этом говорят холодные темные тона: серая шелковая простынь, холодная бордовая драпировка, даже кожа Венеры светлая, нет привычной розовой пышности, которая так и веет здоровьем. Ее красота предостерегает, вместо сладостного чувства вызывает тревогу.

Мы вспоминаем, что это Венера по изображению Купидона, держащего зеркало, крылья которого ярко контрастируют с его телом. Он перевязан синей шелковой лентой, а розовая лента свисает с зеркала. Некоторые искусствоведы видят в этих лентах символ оков, которые падают на влюблённых. Любовь не окрыляет, а связывает.

Больше никаких традиционных символов нет, вроде лука и стрел.

Купидон держит зеркало. Зеркало обрамлено массивной, выделяющейся, чёрной рамкой. Насчёт зеркала выдвигаются разные теории. Вообще, Веласкес, нередко использует зеркала в своих картинах, чтобы добиться определённого воздействия на зрителя.

Отражение лица женщины смутное, размытое, да и лицо выглядит не так, каким мы его ожидаем увидеть. Оно кажется старее, чем дышащее юностью, грациозностью тело. Такое, вот, несоответствие.

Есть предположение, что художник намеренно скрыл лицо модели, написав впоследствии поверх настоящего лица, лицо совершенно отличающееся от оригинала. Лондонская Национальная галерея провела исследования, чтобы выяснить этот факт. Но ни рентген, ни инфракрасные лучи не подтвердили догадку. Лицо было написано сразу таким, каким мы видим его до сегодняшнего дня.

Зрелая женщина с молодым телом и маленьким сыном Купидоном. Трудно проследить ее взгляд. По одной из теорий, так Веласкес подчеркивает связь между старостью и молодостью. На что же стоит обращать внимание, как не на потомство, в котором продолжается молодость и красота, которая вовсе не вечна.

Еще одна теория предполагает, что зеркало разделяет картину на два мира - мир вымышленный, с прекрасным телом, и мир реальный, где находится лицо, так странно изображенное художником в другом положении.

Несоответствие лица в зеркале и тела, не единственное несоответствие в картине. Проведение фото-реконструкции показало, что зеркало под таким углом не может отражать лицо модели. Оно отражает нижнюю часть живота Венеры. Этот факт вызвал немало споров среди знатоков и ценителей прекрасного. Среди прочего, они обвиняли художника в грубом нарушении законов перспективы. Другие же находили в этом скрытый смысл намеренного искажения.

Композиция картины удивительно гармонична - плавные линии женского тела перекликаются со складками занавеса и покрывала. Стоит отметить цветовые контрасты: красные занавеси «утепляют» цветовую гамму, уравновешивая холодные цвета, кожа женщины выглядит намного светлее кожи Купидона, а черная рама зеркала раньше перекликалась с черной рамой, в которую была вставлена сама картина, четко выделяясь на окружающем фоне.

«Венера» Веласкеса является единственным изображением обнаженного женского тела его кисти, которое сохранилось и дошло до наших дней.

Первым владельцем картины считается маркиз Гаспар де Эличе. Затем «Венера» принадлежала герцогине Альбе. А после нее обладателем картины Веласкеса стал дон Мануэль Годой. Когда в Испанию вторгся Наполеон «Венера» отправилась в Англию. Там почти за даром ее купил шотландец Уильям Бьюкенен и переправил ее в Северную Европу. По пути, как говорится в легенде, ее похитили солдаты герцога Велингтона. Но как бы то ни было, «Венера перед зеркалом» возвращается с паспортом и оседает в Рокби в йоркширском особняке члена парламента Джона Морета. Теперь ее стали называть «Венера Рокебю» («Венера из Рокби»). Восемьдесят лет картина был представлена довольно широкому кругу зрителей, пока финансовые трудности не заставили владельцев продать картину.

«Венеру перед зеркалом» купили арт-дилеры Агнюс и выставили на продажу за космическую на то время сумму в 45 тыс. фунтов. В 1905 году картина впервые предстала перед публикой.

Национальный фонд произведений искусства начал сбор средств для покупки картины, чтобы она не ушла какому-нибудь американскому миллионеру. Собрать удалось чуть более 20 тыс. Времени оставалось мало и когда настало время отчаяния, пришло письмо с гербом букингемского дворца. Король Англии Эдуард VII внес оставшуюся сумму и «Венера Рокебю» была спасена для нации.

С1906 года «Венера перед зеркалом» стала достоянием общественности, что вскоре привело к роковым последствиям. В 1914 году бушевало женское движение суфражисток, которые по собственному мнению имели полное право портить государственное имущество в борьбе за избирательные права и свободы. В отместку за арест предводительницы движения Э. Панкхерст, одна из суфражисток по имени Мэри Ричардсон изрезала картину мясным ножом, нанеся пять ударов. Спустя сорок лет она писала об этом случае: «Власти уничтожали замечательную женщину Панкхерст, а я уничтожала замечательную женщину по мнению властей».

Тициан «Венера Урбинская»

Античная тема, нередко возникавшая в творчестве Тициана, позволяла этому жизнелюбивому венецианцу выплеснуть на полотно все свое восхищение миром и умение ценить его красоту. Мастер любил античность как нечто живое и потому смело помещал персонажей греческой или римской мифологии в современную ему обстановку.

Его «Венера» представляет молодую венецианку, красавицу с живым взглядом, нежным телом и золотыми волосами. Ее поза напоминает о классическом типе «Венера пудика», то есть «стыдливая», но эта девушка, если чуть и смущается, то вполне сознает свою красоту.

Она была написана по заказу герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Ровере, поэтому и получила нынешнее название. Возможно, прототипом Венеры Урбинской послужила юная невеста Гвидобальдо Джулия Варано. По другой версии моделью для картины послужила возлюбленная Тициана, которую он изобразил по меньшей мере на трёх полотнах. Высказывалось также предположение, что на картине могла быть изображена мать Гвидобальдо, Элеонора Гонзага, которое основывается на определённом сходстве между портретом Элеоноры работы Тициана и «обнаженной женщиной», а кроме того на обоих полотнах изображена одна и та же свернувшаяся клубочком собачка. 9 марта 1538 года Гвидобальдо отправил в Венецию к послу своего отца курьера с предписанием привезти два полотна, заказанных им у Тициана. Курьер не должен возвращаться без полотен, хотя бы ему и пришлось ждать два месяца. Речь шла о портрете самого Гвидобальдо II делла Ровере и La Donna Nuda, обнажённой женщины.

На переднем плане картины в роскошных интерьерах дворца изображена лежащая молодая нагая женщина, которую отождествляют с богиней Венерой. На ней только нескольких украшений - кольцо, браслет и серёжки. Открытый взгляд женщины направлен прямо на зрителя. В правой руке Венера держит цветы, её левая рука прикрывает лоно, образуя центр композиции картины. У ног Венеры спит маленькая собачка. На заднем плане картины справа изображены две служанки, занятые сундуком с нарядами.

Существует две противоречащие друг другу версии интерпретации тициановской нагой красавицы. Согласно одной из них картина символизирует узы брака. Сундук с нарядами на заднем плане при этом рассматривается как приданое обнажённой девушки. Другие исследователи считают, что «Венера Урбинская» - портрет куртизанки, фактически предлагающей себя зрителю. Скорее всего, Тициан хотел рассказать в своей картине о сексуальности в браке, соединив волнующую эротику с добродетелями брака и прежде всего с верностью, которую олицетворяет изображённая на картине собачка.

У Тициана женщина держит в руке розы, считавшиеся символом Венеры. Кто бы ни была женщина: Венера или Донна Nuda, её тело отражает идеал красоты и является эротическим символом эпохи высокого Возрождения. Высокий лоб, считавшийся символом красоты в средние века, ради которого женщины выщипывали волосы на лбу, перестал быть идеалом. Теперь волосы обрамляют лицо, смягчая его черты. Излюбленным цветом волос стал не тёмный, как у большинства итальянок от природы, а светлый. Почти у всех мифологических фигур, изображённых художниками итальянского Ренессанса, были светлые волосы. Грудь считалась красивой, если она была маленькая, круглая и упругая.

Живот женщины Тициан изобразил слегка округленным. На готических полотнах животы у женщин изображали как правило более выпуклыми. В эпоху Ренессанса живописцы отказались от подобной практики и искали более натуральные формы. Тем не менее живот все равно считался центром женского тела, символом плодородия и продолжения рода.

Картина перекликается со «Спящей Венерой» Джорджоне, хранящейся в Дрезденской картинной галерее, но у Тициана в облике богини больше чувственности. Однако эта чувственность обманчива. Местом действия художник выбрал комнату, где все дышит уютом крепкого дома: на заднем плане служанка ищет что-то в сундуке, а другая смотрит на нее в ожидании. На окне стоит мирт - символ брачной жизни, на кровати постланы белые простыни и брошены белые подушки, говорящие о чистоте лежащей на них женщины, у ног которой свернулась собачка, символизирующая преданность. Таким образом, скрытый смысл картины надо понимать как супружескую любовь и верность.

Тициан мастерски используют масло, создавая игру цветовых контрастов. В этом полотне Венера, символ любви, красоты и плодородия, воплощает идеал женщины эпохи Возрождения.

Тридцатью годами ранее, в 1510 году другой выдающийся венецианский живописец Джорджоне написал «Спящую Венеру». Очевидное сходство между двумя произведениями вполне объяснимо - Тициан был учеником и другом Джорджоне. Но Джорджоне не окончил картину. Он успел написать саму Венеру и, возможно, скалу за ней, прежде чем скончался от чумы в 1510 году. Картину закончил уже Тициан, который написал пейзаж, небо, одежды, на которых лежит Венера, и поместил Купидона у её ног. Также в некоторых местах полотна можно выделить кисть ещё одного неизвестного мастера.

Купидон, написанный Тицианом, не дошёл до наших дней. Его присутствие можно определить только при помощи инфракрасной съёмки. Именно это позволяет идентифицировать спящую женщину как Венеру, однако нельзя со всей точностью утверждать, что именно таким был первоначальный замысел Джорджоне. Инфракрасное исследование показало, что у Купидона в руках были стрела и птица, придававшие картине явный эротический символизм.

Джорджоне «Спящая Венера»

Вэтом произведении с большой гуманистической полнотой и почти античной ясностью раскрылся идеал единства физической и духовной красоты человека. Удивительно целомудренная, несмотря на свою наготу, «Спящая Венера» является в полном смысле аллегорией, символическим образом Природы. Сон богини полон безмятежного покоя, вечерняя тишина и согласие пронизывают всю природу, и сама она как будто порождение той самой природы, которая ее окружает. Ее прекрасное тело поражает зрителя необычной красотой плавных линий, и в то же время, Венера Джорджоне - это земная женщина, полная чувственной прелести и очарования, и эту земную красоту художник возвысил и идеализировал. Никто в итальянской живописи до Джорджоне не передавал еще с такой осязательностью жизненную теплоту обнаженного женского тела, где совершенность форм, завершенность и чистота линий словно воплощают в себе закон абсолютной гармонии.

За богиней простирается столь любимый Джорджоне пейзаж венецианской провинции: вдали на пригорке видна маленькая деревушка, за ней зеленеет равнина с одиноким стройным деревцем, а на горизонте вырисовывается далекая цепь холмов с замком'и синяя полоска озера. Плавные линии тела Венеры, безупречные по своей красоте, как бы находят отклик в окружающем ее пейзаже: уходят вдаль мягкие линии пологих холмов, лучи заходящего солнца окрашивают в золотистые тона замершее в неподвижности облако, и теплый солнечный свет как бы сгущается в золотисто-рыжих волосах Венеры. Во всех чертах ее нежного и задумчивого лица разлита тончайшая одухотворенность, а за ее опущенными ресницами как бы скрыта вся полнота чувств и переживаний человека, наделенного тонкой душой.

Облачная атмосфера смягчает все контуры и сохраняет вместе с тем пластическую выразительность форм. Как и иные творения Высокого Возрождения, Венера кисти Джорджоне замкнута в своей совершенной красоте и как бы отчуждена и от зрителя и от созвучной ее красоте музыки окружающей ее природы. Не случайно она погружена в ясные грезы тихого сна. Закинутая за голову правая рука создает единую ритмическую кривую, охватывающую тело и замыкающую все формы в единый плавный контур. Безмятежно светлый лоб, спокойно изогнутые брови, мягко опущенные вежды и прекрасный строгий рот создают образ непередаваемой словами прозрачной чистоты. Все полно той кристальной прозрачности, которая достижима только тогда, когда ясный, незамутненный дух живет в совершенном теле.

Она стала и своеобразным итогом всех размышлений Джорджоне о человеке и окружающем его мире, в ней нашла воплощение идея о свободном, ничем не омраченном существовании человека среди поэтической природы.

Картина художника Джорджоне «Спящая Венера» один из самых идеальных женских образов эпохи Возрождения. Под впечатлением этой картины свои произведения на сходные сюжеты создали Тициан и Дюрер, Пуссен и Веласкес, Рембрандт и Рубенс, Гоген и Мане.

Заключение

Созданные однажды, произведения искусства не остаются одинаковыми раз и навсегда. Творения великих художников эпохи Возрождения живут своей жизнью в смене исторических этапов, то порой отчуждаясь в своем глубоком смысле от понимания зрителя нового поколения, то, напротив, вырастая в своей содержательной сущности и в эстетической притягательности.

...