Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования и науки, молодежи и спорта Украины

Одесская Государственная Академия Строительства и Архитектуры

Архитектурно-Художественный Институт

Кафедра изобразительного искусства

Реферат

«Мультипликация как искусство. Уолт Дисней»

Выполнила студентка группы А-180

Яровенко Анастасия Александровна

Преподаватель:

К.т.н. Герасимова Д. Л.

Одесса - 2013



Город, в котором родился Уолт Дисней, был большой, шумный и совершенно не удовлетворял его родителей. Чикаго. Они решили поселить детей на ферме возле маленького городка Марселин, штат Mиссури. Уолту было тогда только 4 года. У семьи не было денег на карандаши и бумагу, а Уолт хотел рисовать. Он нашел смолу, палку и нарисовал дом ... на стене собственного дома. Это, возможно, был самый первый рисунок Уолта. Года через три он начнет продавать свои рисунки соседям. А еще через 40 лет они будут продавать эти рисунки на аукционах. Проживать на ферме было так же дорого и невыгодно, как в большом городе, и семейство снова решило попытать счастья, поменяв место жительства. На сей раз был выбран город Канзас-Сити. Там 8-летний Уолт начал зарабатывать деньги, в течение шести лет вставая в 3:30 каждое утро и разнося газеты. Уолт хотел делать рисунки подобно тем, которые видел в комиксах, но у него не было ни капли свободного времени. Его деспот-отец, думая, что все художники - бездельники, жестоко наказывал Уолта. Тем не менее Уолту удалось поступить в чикагский Институт Искусств, где он обнаружил, что его истинные таланты находятся скорее в области осмысления и координирования проектов, чем в составлении документов.

Элиос Дисней - отец Уолта, плотник, фермер и строительный подрядчик, нещадно лупил своих детей и Уолт пришел к выводу, что он не настоящий его отец. Отцу также удалось вселить в мальчике ненависть к евреям, и Уолт никогда не сдерживался в своих суждениях о них. Но это уже немного другая история.

Критики и психологи считают, что эти испытания и, особенно, беспокойство относительно его происхождения, стали своего рода шаблоном в более поздних фильмах Диснея. Кстати, замечено, что в героях Диснея ребенок узнает сам себя. По тому факту, какой диснеевский герой наиболее симпатичен ребенку, можно понять, какие у него проблемы. В 1918 году Уолт Дисней попытался поступить на военную службу, но в шестнадцать лет на службу не брали. Тогда Уолт присоединился к Красному Кресту и был послан за границу, где провел год за рулем санитарной машины.

По возвращении в Канзас-Сити в 1919 году, Уолт Дисней начал работу в качестве художественного директора коммерческой студии. Там он и встретил Уба Айверкса, молодого художника, ставшего его деловым партнером. Они открыли совместную студию и приобрели подержанную камеру, с которой и делали двухминутные рекламные фильмы. Фильмы были показаны только в местных кинотеатрах и, в конечном счете, партнеры переместили свою студию в Лос-Анджелес, чтобы быть хоть чуточку ближе к кинопромышленности Голливуда. Словно наркотиком становится для него мультипликация.

В течение столетий художники пробовали изображать движущиеся фигуры. В результате развития техники это стало возможным. Мультипликация объединила музыку, голоса и краски. Дисней как никто понимал это.

Уехав из города с 40$ в кармане, он встретил своего брата Роя, у которого и денег было немного побольше и в желании что-либо делать ему нельзя было отказать. Объединив денежные ресурсы и, заняв еще 500$, братья открыли магазин в гараже собственного дяди. А в январе 1926 года в Калифорнии открылась первая студия Диснея. Два брата - Уолт и Рой приблизились к своей мечте, начав создавать анимационные фильмы. Создание даже небольшого эпизода требовало таланта директора, актера, звукооператора, сценариста и музыкального редактора. Уолт и Рой оказались способными на все это.

Как они могли конкурировать с другими аниматорами, когда даже для большой студии двухминутный фильм требует многомесячной работы, а для полнометражного нужно несколько лет?

Сценарий мультфильма походит на огромный комикс. Указания помещены в одном ряду с пятидюймовыми карандашными эскизами, которые перемежаются диалогами, напечатанным возле каждого рисунка. Как только эти storyboards закончены, директор устраивает конференцию с аниматорами, специалистами по композиции, художниками фона и музыкантами.

Единственный человек, который может участвовать в производстве от начала и до конца - это директор. Фильм состоит из многих элементов: диалогов, цвета, звука и музыки. Самая большая работа директора состоит в выборе времени и координировании всех этих элементов, которые и составят готовый фильм. В студии Диснея было только двое рабочих - Уолт и Рой. И они справились.

В 1927 году братьев обманули, отсудив у них право на экранизацию "Освальда - удачливого кролика". Это подтолкнуло Уолта начать работу над новым персонажем - веселой, энергичной мышью по имени Мортимер. Первый фильм про Мортимера - "Стремительный самолет" был выпущен в 1928. Показ не был столь успешным, так как в это же время появились звуковые фильмы, составившие конкуренцию продукции студии.

Вскоре студия Уолта Диснея получила контракт от правительства США на производство учебных фильмы. Проекты были настолько прибыльными и интересными, что студия полностью отказалась от продолжения работы над фильмами про Мортимера.

В 1928 году братья вернулись к идее о "энергичной мыши". Напряженная работа привела к появлению короткометражного фильма "Пароход Вилли". Капитаном судна была маленькая мышь. Так родился Микки Маус, которого, по началу, озвучивал сам Дисней.

Первый большой успех пришел в 1929 году с фильмом "Глупые симфонии" и первой в мире полнометражной мультипликацией "Белоснежка и семь гномов" (1937 год). Между этими фильмами на свет появились Плуто и Гуффи - другие популярные диснеевские герои, а также первый цветной фильм с Микки Маусом - "Концерт".

Для производства цветных фильмов понадобилось осваивать новую профессию. До этого момента специалисты-композиторы, разработав общие идеи, передавали их аниматорам. Теперь же потребовались специалисты фона и консультанты в подборе цвета.

В 1940 году вышел "Пиноккио" и "Фантазия" - первая успешная попытка понять музыку через визуальные образы. В 1941 году появился "Дамбо". Во время войны студия Диснея выпускала фильмы для американских солдат. В то время это было просто необходимым для поднятия воинской доблести и морали.

Уолт Дисней становится осведомителем ФБР. Может быть ему хотелось узнать, действительно ли он был сыном своего отца, а может быть он поднимал таким образом мораль гражданскую. Сохранилось приблизительно 500 страниц из его посланий к Бюро. Впрочем, обо всем этом можно прочесть в книге: "Walt Disney: An American Original", а не в этой статье.

В 1948 году Уолт Дисней начинает свою знаменитую серию цветных видовых фильмов: "Живая пустыня", "Исчезающая прерия", "Африканский лев" и "Белая дикая местность".

Параллельно с этим он работает над детскими фильмами: "Остров Сокровищ", "Робин Гуд" и "Мэри Поппинс". Позже, в 1955 году в Калифорнии он открыл первый Диснейленд - парк аттракционов. Потом Диснейленды откроются во Флориде, Токио и Париже:

Но это было только начало. В 1965 году Уолт Дисней обратил внимание на различные проблемы, связанные с улучшением качества городской жизни в Америке. Он лично составил проект "экспериментального сообщества завтрашнего дня", спланированный как возможное развитие творческого потенциала американской промышленности.

Дисней скупил 43 квадратных мили неиспользованной земли, что вдвое превышает размер Манхэттэна. Здесь он планировал разместить новый "Мир Диснея": развлечения, курорты, гостиницы, мотели, индустриальные комплексы, аэропорт будущего и его "экспериментальное сообщество завтрашнего дня". После более семи лет планирования и подготовки, включая 52 месяца фактического строительства, "Мир Диснея" открылся, как и было намечено, 1 октября 1971 года.

Калифорнийский Институт Искусств был основан Диснеем в 1961 году.

Новый университетский городок раскинулся на площади в 60 акров в городе Валенсия, к северо-востоку от Лос-Анджелеса. Уолт Дисней задумывал новую школу как "сообщество искусств" - новый подход к профессиональному обучению. В дополнение к музыке и живописи в институте изучается кинематография, театр, скульптура и мода.

Однако Уолт Дисней прежде всего мультипликатор. Было бы нечестно в статье о нем не рассказать более подробно о некоторых его фильмах.

«Белоснежка и семь гномов»

Первый полнометражный мультипликационный фильм киностудии Уолта Диснея. Фильм является экранизацией известной народной сказки в обработке братьев Гримм. Для создания этого мультфильма потребовалось около трёх лет, больше пятисот художников, порядка миллиона рисунков и полтора миллиона долларов. Премьера фильма состоялась в Голливуде 21 декабря 1937 года и прошла с большим успехом. «Белоснежка и семь гномов» получила множество премий, в том числе Гран-При МКФ и премию «Оскар». Различные издания включали «Белоснежку» в списки лучших мультфильмов всех времён.

В этом фильме использовалась приглушенная цветовая палитра, не только потому, что так хотел сам Дисней, но и потому, что это наиболее подходило к новой технологии Technicolor, способной к абсолютной передаче пастельных тонов. Фильм стоил 2 миллиона долларов. Надо сказать, что во времена экономического упадка в Америке это выглядело как настоящий подвиг.

Именно постановку сказки 1912 года, с Маргуэт Кларк в роли Белоснежки, а точнее немой фильм, снятый по этой постановке в 1915 году, и увидел Уолт Дисней во время специального показа в городе Канзас-Сити.

"Белоснежка и семь гномов" стал первым полнометражным анимационным фильмом. Именно с этого фильма возникло понятие саундтрэк. Он стал также первым фильмом в истории, который был полностью восстановлен с помощью цифровой технологии. Для финального восстановления в 1994 году были собраны пятеро оставшихся в живых художников, которые работали над оригинальной версией: Франк Томас, Олле Джонстон, Уорд Кимпбэл, Марк Дэвис и Джо Грант. Наряду с ними был приглашен вице-президент компании "Уолт Дисней" господин Рой Дисней. Увиденное заслужило их единодушное одобрение.

Белоснежка стала первым мультипликационным героем, столь похожим на человека. Исчерпывающее изучение анатомии было обязательным для аниматоров Диснея, а модель Мэрдж Бэлтчер помогла им запечатлеть человеческие движения.



В конце производства фильма Уолт Дисней заметил недостаток в фигуре Принца в момент, когда он наклоняется к Белоснежке для поцелуя. Журнал Liberty сообщил, что Уолт тщательно проконтролировал новый вариант изображения Принца и заставил все кинотеатры, которые показывали "Белоснежку", заменить копию. Даже после премьеры он продолжал работать над фильмом и улучшать его.

Впрочем, из-за сжатых сроков были допущены некоторые недочеты. Во время финального поцелуя присутствуют все гномы, кроме "Сонного". Аниматор Фрэнк Томас рассказывает, что ошибка была замечена перед самой премьерой, однако композиция сцены не давала возможности внести быстрые изменения.

Изначальные наброски Белоснежки не соответствовали ожиданиям Уолта Диснея, посколку героиня своей внешностью напоминала Бетти Буп. Поэтому, для создания образа Белоснежки, Уолт Дисней назначил аниматора студии, Гамильтона Ласке, который изобразил Белоснежку как девушку с реалистичной, и в то же время со сказочной и достаточно убедительной внешностью, слегка похожой на Персефону из короткометражного мультфильма, «Богиня Весны» (1934). Живой моделью для Белоснежки стала танцовщица и дочь учителя в школе танцев, Эрнеста Белчера, Марджори Селеста Белчер, позднее исполнившая роль живой модели для Синей Феи в мультфильме «Пиноккио» (1940). Прототипом для Белоснежки также стала актриса Джанет Гейнор.

Злая королева Гримхильда

Изначально, королева должна была выглядеть как полненькая дама с карикатурной внешностью, но Уолту Диснею не понравился такой вариант образа королевы, и вскоре аниматор злодейки, Арт Бэббит решил изменить её внешность: он нарисовал красивую, жестокую женщину с осиной талией и придал ей смесь характера Леди Макбет и Большого Злого Волка, а также черты лица известных в то время актрис, Джоан Кроуфорд и Гейл Сондергаард. Арт Бэббит также отличился от других аниматоров тем, что при создании королевы, он не использовал в качестве опоры живую модель.

Принц Фердинанд



Изначально, у принца должна была быть более большая роль, однако из-за проблем с его анимацией (на некоторых рисунках, он получался сутулым), аниматорам и художникам студии пришлось укоротить его до второстепенной, почти незначительной роли. Прототипом для принца стал актёр Дуглас Фэрбенкс. Живой моделью для Фердинанда также стал танцор и партнёр Марджори Белчер, Льюис Хайтауэр.

В начале 1934 года, на студии Дисней стало известно о создании проекта ранее известного как «Полнометражная Симфония», основанный на расширенной концепции мультсериала «Глупых Симфоний» в котором музыка играет очень важную роль. Никто точно не знал, как идея этого проекта будет связанна с историей Белоснежки, но летом 1934 года, Уолт Дисней официально заявил об этом газете «New York Times». Уолт Дисней очень хотел придать персонажам «Белоснежки» уникальность, и так как водевиль был его рабочей средой, он приглашал множество известных актёров с особыми талантами.

«Бэмби. Маленький принц»



Классический мультфильм студии Уолта Диснея - одна из редчайших в истории кинолент, которая до сих пор не устарела и не потеряла своего обаяния. Пересматривая «Бэмби»сегодня, понимаешь, как точно художники студии смогли передать не только основной сюжет фильма, но и сложнейшие эмоции героев: радость от преодоления себя, грусть потери, боль одиночества и наивное счастье первой любви.

Не перестаешь удивляться, как семьдесят лет назад, в один из самых страшных периодов в истории ХХ века, при полном отсутствии компьютеров, мультипликаторам удалось создать не просто неустаревающую, а вечно живую красоту.

Однако подлинная история Бэмби началась гораздо раньше… Маленький олененок с большими влажными глазами впервые появился на экране в августе 1942 года, но родился он в 1923-м, носил иное имя, жил в другом месте и изначально даже принадлежал к иной породе. Роман австрийца Феликса Зальтена (настоящее имя - Зигмунд Зальцман) был впервые опубликован в Австрии и назывался «Бамби, жизнь в лесу».

Имя главного героя, маленького детеныша косули, вырастающего за время действия книги в мудрого вожака стаи и защитника леса, писатель образовал от итальянского слова bambino (малыш). Произведение было тепло принято в Европе, и в конце концов правами на его экранизацию заинтересовались американские киностудии.

В итоге Сидней Франклин, один из продюсеров студии MGM, приобрел их в 1933 году в надежде снять по мотивам книги полнометражный фильм. Но через два года, хорошенько поразмыслив, пришел к выводу, что средствами традиционного кинематографа невозможно передать эмоциональное состояние животных, столь важное для сюжета, - и предложил Уолту Диснею попробовать сделать из книги полнометражный мультфильм.

Глава студии Disney, большой поклонник дикой природы, пришел в восторг от романа и тут же взялся за работу. Прирожденный оптимист, Дисней даже не мог предположить, что«Бэмби» станет одним из самых трудоемких кинопроектов того времени, работа над которым затянется на целых шесть лет.

Первой трудностью при создании экранизации стал сюжет книги - слишком сложный для обычной диснеевской аудитории. Рассчитанная на многое повидавших на своем веку взрослых, «Бамби» Зальтена - невеселая история о жизни и борьбе, смерти и возрождении. Ее автор откровенно симпатизирует лесным зверям, наделяя их человеческими чертами, - по настроению роман куда больше похож на рассказы Сетона-Томпсона или на знаменитую повесть Троепольского «Белый Бим Черное ухо», чем на привычную для студии Диснея волшебную сказку, в которой добро обязательно побеждает зло и никто никогда не умирает.

Набросок, сделанный рукой художника Марка Дэвиса, датируется 16 марта 1939 года.

Понимая, что сюжет придется хорошенько переработать, Уолт Дисней приостановил начавшуюся работу над фильмом и занялся другими проектами - в том числе «Пиноккио» и«Фантазией». К «Бэмби» руководство студии вернулось лишь через два года - в 1937-м, когда роман Зальтена уже запретили в нацистской Германии, а его автор, еврей по происхождению, вынужден был бежать из родной Австрии в Швейцарию.

Герои мультфильмов Уолта Диснея сами по себе рождают историю (достаточно вспомнить Микки Мауса, гномов из «Белоснежки» или циркового слоненка Дамбо). Поэтому главной задачей, стоявшей перед студией, было разработать такой образ, из которого возник бы сюжет. «Без ярко выраженной индивидуальности в наших персонажей никто не поверит», - часто говорил своим сотрудникам Уолт Дисней.

С самого начала глава студии пытался найти нужный образ Юного Принца леса: с одной стороны, похожего на настоящего маленького олененка, с другой - достаточно человечного, чтобы понятные зрителям эмоции могли отражаться на его мордочке. Для создания подобного персонажа нужна была совсем другая, непривычная для мультипликаторов студии техника - и Дисней, собрав своих лучших рисовальщиков, поручил им тестовое задание - набросать одну-две сцены будущего фильма.

Перед тем как показать результат боссу, художники ужасно нервничали (еще бы, ведь в этих коротких эпизодах скрывался прообраз будущего фильма), но, когда в просмотровом зале включили свет и Дисней повернулся к своим подчиненным со слезами благодарности на глазах, мультипликаторы поняли, что тест пройден.

И все же это было только началом долгого пути. Для того чтобы добиться максимальной реалистичности, главным художникам проекта Фрэнку Томасу, Милту Калю, Эрику Ларсону и Олли Джонстону предстояло пройти длительный и сложный период обучения.

Студию заставили вольерами с животными, которые должны были появиться в мультфильме. В помещении бегали живые олени (двое из которых носили имена Бэмби и Фэлин), а в клетках резвились еноты, скунсы, кролики и утки. Подбором натуры для эскизов Дисней не ограничился: он пригласил лучших художников-анималистов Америки провести занятия. На протяжении долгих недель ведущие специалисты студии не только зарисовывали животных с натуры, но и выслушивали пространные лекции об их анатомическом строении и устройстве скелета.

Художник Фрэнк Томас делает зарисовки оленя для «Бэмби».

Любой, кто сегодня сравнит изображения оленей в «Белоснежке» и «Бэмби», может убедиться в том, что время было потрачено не зря. У зрителей не остается ни малейшего сомнения в том, что перед ними пусть и очеловеченные, но животные, - в отличие, например, от Гуффи, Дональда Дака или Микки Мауса, происхождение которых не каждому удастся определить с первого взгляда.

«Леди и Бродяга»

История "Леди и Бродяги" началась в 1937 году, когда Джо Грант (Joe Grant), ответственный за разработку историй на студии, принес на Disney свои наброски, на которых изобразил свою питомицу,спрингер-спаниеля по кличке Леди. Уолту Диснею понравились наброски, и он предложил Джо составить из них раскадровку для новой истории.



Однако, результаты работы над раскадровками не убедили Уолта продолжать проект, и работа была остановлена на целых шесть лет. Примерно через шесть лет, Уолт обнаружил в журнале "Космополитан" (в те годы "Cosmopolitan" был очень популярным литературнымжурналом) историю под названием "Happy Dan, the Cynical Dog" ("Счастливый Дэн, Циничный Пёс") написанную Уордом Грином (Ward Greene). Это подтолкнуло Уолта снова начать работу над проектом о собачке Леди, и он выкупил права на историю Уорда Грина. Немного позже писателю было заказано составить полноценную историю, которая могла бы послужить толчком к развитию мультфильма. Так появилась небольшая книга "Леди и Бродяга. История двух собак". Наброски и зарисовки Джо Гранта, который к 1949 году покинул студию Disney, использовались, чтобы развивать дизайны персонажей. Грант и его жена были оскорблены. Фактически, они считали, что у них украли историю об их любимой собачке. Но Уолт Дисней отрицал это, и все права на героев были закреплены за студией. В качестве официального объяснения того, что вдохновило студию на создание мультфильма про Леди и Бродягу, была придумана история, будто Уолт подарил своей жене щенка кокер-спаниеля в коробке из-под женской шляпки. Надо сказать, что в 1989 году Джо Грант вернулся на студию и помог в работе над такими мультфильмами, как "Красавица и Чудовище", "Король Лев", "Покахонтас" и многими другими. Он работал на Disney до самой своей смерти в 2005 году.

«101 Далматинец»



Фильм был поставлен по книге "101 Далматинец" английского автора Доди Смита. В течение трех лет 300 художников, используя 1,218,750 карандаш, работали над фильмом. Более чем 1,000 различных оттенков цвета (100 из них официально зарегистрированы как новые) были использованы для достижения тонкости и разнообразия, необходимого для реальной передачи образов собак и людей.На собаках в фильме ровно 6,469,952 пятен, на Понго 72 пятна, на Перлитте -- 68, а на каждом щенке примерно по 32 пятна. В дополнение к пятнам, другие картинки потребовали 800 галлонов краски, весящей почти пять тонн. Этой краски достаточно, чтобы раскрасить 135 домов. Голоса 25 людей использовались для озвучания. Период работы над звуковой дорожкой к фильму занял несколько лет.

Новаторство картины: метод ксерографии и особенности общих композиций

Фильм является важной вехой в истории анимации по многим причинам. Это первый анимационный фильм Диснея, где все действие разворачивается в современной обстановке. Производство фильма навсегда перевернуло традиционный графический стиль работ Диснея. В отличие от предыдущей картины студии Спящая красавица(она стала последней работой студии, где использовали рисованную мультипликацию), где только в некоторых сценах опробовали методику ксерографии, что жутко было неодобрено самим Уолтом Диснеем, то в 101 далматине вся анимация построена на таком приеме. Выигрышным было обилие черно-белой палитры -- все далматинцы практически не разукрашивались. Также эта работа принципиально отличается от других по общем стилю. Если в «сказочный период» мультипликации все преподносилось максимально ярко и графично, но без черных контуров, то здесь был особый способ -- для того, чтобы показать общие пейзажи, художник делал несколько пятен пастельных тонов и на них накладывал контуры и очертания домов и города.

«Золушка»

Золушка была вторым фильмом Диснея, сделанным на основе классической сказки. Первым был "Белоснежка и семь гномов", созданный тринадцатью годами ранее. дисней мультфильм персонаж отрисовка

Большая часть персонажей была озвучена ветераном студии Джимми Макдоналдом. Голоса ему удавались. Он экспериментировал с записью на различных скоростях и на различных устройствах. В силу своего таланта Джимми был "официальным" голосом Микки Мауса с 1947 по 1983 год.

Кстати, многие ученые полагают, что хрустальная туфелька золушки - это результат неправильного перевода. Дело в том, что vair - старинное французское слово обозначает "горностай", в то время как verre означает стекло. Произношение то же самое, однако, значения различны. Только версии "Золушки", заимствованные у Шарля Перро повествуют о стеклянной туфельке. У Диснея туфелька хрустальная.

Уолт Дисней изобрел абсолютно новый метод, позволивший сократить затраты в создании фильма. Живые актеры снимались на кинопленку, а материал изучался для последующей работы над "Золушкой".

Спящая красавица

Более чем любой другой фильм Диснея, "Спящая красавица" показала аудитории, какой реалистичной может быть анимация.

Сам Уолт высказался по этому поводу следующим образом: "У меня было только одно общее предложение для всех аниматоров: делайте героев настолько реальными, насколько это возможно. Мы работали с живыми моделями более тщательно, чем когда-либо прежде. Чтобы дать художникам вдохновение, было необходимо сформировать анатомию движения героев фильма." Дисней назвал этот усовершенствованный процесс "искусством живописи в жизнеподобном движении".



Мэри Коста (принцесса Аврора) начала свою музыкальную карьеру в возрасте девяти лет. Вскоре ее мечтой стало увидеть Уолта Диснея и поработать с ним. На следующий день после прослушивания в студии она была уведомлена, что получила работу. Но каждый раз, когда она, записываясь, спрашивала об указаниях Уолта, ей ничего не передавали. Он не встречался с ней до окончания картины, так как боялся повлиять на ее индивидуальность. Только три года спустя они впервые позавтракали вместе.

Из всех персонажей "Спящей красавицы" именно отрицательные герои оставляют самое большое впечатление. Они самые интригующие среди всех злодеев Диснея, в значительной степени из-за работы аниматора Марка Дэвиса, который вдохнул жизнь и в других известных мультипликационных злодеев. Именно Марк решил, что для злых волшебников также необходимы лирические отступления и драматические монологи.

Питер Пэн

"Питер Пэн" Диснея основан на пьесе, написанной в 1904 году сэром Джеймсом Барри, и последующих книжных версиях этой известной истории.

Дисней использовал именно первоначальный вариант и примечания к пьесе самого автора. Эти примечания были не только руководством для актеров и не только заметками с репетиций пьесы, но и собственными концепциями сэра Джеймса Барри, рассказывающими о характерах героев и их реакции на волшебные случаи, разворачивающиеся перед ними.

Когда Уолт и его брат Рой были детьми, они разбили свои копилки, чтобы собрать вместе достаточно денег и посмотреть эту пьесу в театре. Уолт настолько полюбил историю мальчика, который не захотел расти, что чуть позже играл Питера Пэна в школьной постановке.

До фильма Диснея, Питера всегда играла молодая женщина, но Дисней выбрал изображение двенадцатилетнего мальчика. Он объяснил это следующим образом: "Ему двенадцать и он не собирается вырастать просто потому, что это удобный возраст." Кроме этого доподлинно известно, что образ Тинкер Бэлл не основан на образе Мэрлин Монро. Тинкер Бэлл заимствовала свои формы у "Pin-up girls", типа Бетти Грабл и других девушек времен Второй Мировой войны. Мэрлин Монро была еще совершенно неизвестна, в то время как образ Тинкер Бэлл был уже разработан. Женщина по имени Маргарет Керри являлась прямым ее прототипом.Дисней купил права на экранизацию в 1939 году, а работа над "Питером Пэном" велась в течение долгих 14 лет. Тинкер Бэлл "продолжила" свою карьеру в заставках, предваряющих показ Диснеевских программ по телевизору, а свободное от этой "работы" время командует фейерверками в Диснейленде. В пьесе сэра Джеймса Барри " Питер Пэн, или мальчик, который никогда не вырастет", Тинкер Бэлл была только маленьким лучиком света.

Робин Гуд



В середине 1960-х годов, началось производство фильма «Коты-аристократы», и в то же время, аниматор студии Дисней, Кен Андерсон, решил создать ещё мультфильм, и взять в основу легенды о разбойнике Робине Гуде. Вскоре, осенью 1966 года, незадолго до смерти Уолта Диснея, Андерсон предложил Диснею создать мультфильм о Робине Гуде на новую манеру, и Уолт согласился.

При создании «Робина Гуда» был использовано около 350,000 рисунков, более 100,000 листов целлулоидной бумаги и 800 фонов для мультфильма.

Разрабатывать дизайн всех персонажей поручили только одному художнику, Кену Андерсону. Перед началом работы он вспомнил, как весело протекало время над фильмом "Песня Юга", в котором были задействованы анимированные антропоморфные животные (звери с признаками человека). Тогда он решил, что все персонажи в "Робине Гуде" тоже должны быть животными. Идею с восторгом поддержали остальные, и Кен принялся за работу.

Коты аристократы

"Котов-аристократов" Европа приняла восторженно, а в Японии кошечка Мари вообще стала настоящей звездой. Однако, в США к мультфильму отнеслись прохладно, и котят там и по сей день не принято считать классическими диснеевскими персонажами.

Первый концепт-арт создал художник Кен Андерсон. Рисунок внизу дает нам представление об их первоначальном облике и даже имени Тулуза (отчетливо видно, что под Тулузом написано Наполеон Бонапарт, а ниже ручкой написано и зачеркнуто имя одного из семи гномов, Dopey).

Олли Джонстон занимался анимацией ключевых сцен с котятами: где они поют и Берлиоз пишет портрет Эдгара.

Во время своей работы Олли представлял котят маленькими детьми с их ужимками, проказами и умильными выражениями лица.

Позу Мари а-ля оперная дива многие специалисты считают настоящей находкой для мультфильма



«Тарзан»

Анимационный фильм, спродюсированный Walt Disney Feature Animation и выпущенный в 1999 году компанией Walt Disney Pictures. В 2000 году он получил премию «Оскар» за лучшую песню («You'll Be In My Heart»). «Тарзан», ставший тридцать седьмым фильмом в линейке компании Уолта Диснея, основан на произведении Эдгара Райса Берроуза «Тарзан, приёмыш обезьян». На его создание была затрачена рекордная сумма в 150 млн. долларов.

Этот мультфильм поражает пластикой и проработкой движений самого Тарзана. Художник-мультипликатор Глен Кин создал великое множество различных эскизов с изображением главного героя в различных позах, прорабатывая каждую отдельную часть тела Тарзана.

«Король лев»

«Король Лев» -- первый проект студии Уолта Диснея, где в сюжете показан мир животных, связанный человеческими отношениями, но свободный от элементов человеческого быта. Также впервые за историю диснеевской анимации положительный персонаж умирает на экране.При создании фильма компьютерная мультипликация использовалась избирательно, особенно в сцене «Круга Жизни»; впервые была реализована технология чередующихся последовательностей в сцене панического бегства стада.

По ходу работы над картиной, «Король Лев» считали второстепенным проектом по отношению к «Покахонтас», над которым шла работа в то же время. Многие из сотрудников анимационного подразделения студии Диснея считали приоритетной работу над «Покахонтас», думая, что именно этот фильм будет более престижным и успешным из двух. Однако во время маркетинговых исследований фильма было отмечено, что первые пробные кадры, которые содержали начальные сцены с песней «Круг Жизни», получили восторженную реакцию от зрителей. За время ограниченного показа в двух главных кинотеатрах фильм сделал большие сборы, которые заверили, что этот «вторичный проект» обещает быть популярным. После широкого проката «Короля Льва» не осталось сомнений в том, что эта работа станет самым успешным фильмом года и самым успешным анимационным игровым фильмом за всё время (хотя, с некоторыми поправками на инфляцию, по этим показателям он находится на четвёртом месте). Фильм собрал 328 541 776 долларов в стране и 783 841 776 долларов во всем мире. С уверенностью этот фильм можно назвать знаковым, отмечающим пик популярности и успеха, своеобразным «ренессансом» мультипликации Диснея в конце 80-х начале 90-х гг.



Элтон Джон и Тим Райс написали пять оригинальных песен для этого фильма. Элтон Джон исполнил «Can You Feel the Love Tonight», которая звучит на фоне финальных титров. Ханс Циммер добавил в фильм традиционные ритмы африканской музыки и хоральные партии в аранжировке Лебо М -- всё это, по отзывам многих критиков, создаёт «неповторимую захватывающую мифологическую атмосферу величественной африканской сказки».

«Мулан»

Мулан изначально начиналась как короткометражный фильм под названием «Китайская кукла» об угнетенной и несчастной китайской девушке, увезённой британским принцем на Запад. Тогда консультант Диснея и автор детской книги Роберт Д. Сан-Суси предложил сделать фильм по китайской поэме «Песнь о Хуа Мулань» и Дисней объединил два отдельных проекта.

Создание Мулан началось в 1994 году, после того, как съемочная группа направила избранную группу художественных руководителей в Китай на три недели, чтобы сделать фотографии и зарисовки местных достопримечательностей для вдохновения, и впитать местную культуруСоздатели фильма решили изменить характер Мулан, чтобы сделать её более привлекательной и самоотверженнойи сделать художественный стиль ближе к китайской живописи, с акварелью и простым дизайном, в отличие от детальности Короля Льва и Горбуна из Нотр-Дама.

Сцена, где гунны гонятся за Мулан, была создана с помощью программного обеспечения моделирования толпы под названием Аттила. В результате каждый гунн был нарисован отличающимся от других. Тот же приём ранее применялся в «Короле Льве». Вариант программы под названием Династия был использован в сцене после последней битвы для создания толпы из 3000 человек в Запретном городе. Фотореалистичный RenderMan компании Pixar был использован, чтобы создать толпу. Другим программным обеспечением, разработанным для этого фильма, был Faux Plane, который был использован для добавления глубины к плоской двумерной живописи. Faux Plane был использован в пяти эпизодах, в том числе сценах на Великой Китайской стене и последней битвы, когда Мулан бежит в Запретный город. Во время сцены, в которой китайцы кланяются Мулан, толпа это панорамный фильм, где реальные люди кланяются. Он был отредактирован в анимированный передний план сцены.



«Красавица и чудовище»

После успеха «Белоснежки и семи гномов» в 1937 году, Уолт Дисней искал сказку, из которой было бы сделать полнометражный мультфильм. Среди них была сказка Жанны-Мари Лепренс де Бомон, «Красавица и чудовище», с экранизацией которой у диснеевской команды возникли проблемы. Попытки начать работу над фильмом предпринимались в 1930-ых годах, а после и в 1950-ых годах, но Уолт Дисней отложил сюжет «Красавицы и Чудовища» до лучших времён.

«Алладин»



В 1988 году, поэт-песенник Говард Эшман предложил студии Диснея сделать мультипликационный мюзикл по мотивам истории о Аладдине. Он отправил сценарную заявку и песни, написанные Аланом Менкеном, главе студии Джеффри Катценбергу, который счёл сценарий «не впечатляющим», и утвердил его только после того, как свои правки внесли Рон Клементс, Джон Маскер и сценаристы Тэд Эллиотт и Терри Россио. Среди прочего, из сценария исчезла мать Аладдина, Принцесса Жасмин стала более волевым персонажем, Аладдин -- «чуть грубее, как молодой Харрисон Форд», а попугай Яго, задуманный как по-британски невозмутимый серьёзный персонаж, обратился в комический образ, вдохновлённый игрой Гилберта Готтфрида в фильме «Полицейский из Беверли-Хиллз 2». Оригинальная задумка персонажа Яго воплотилась позже в характере Зазу из «Короля Льва».

Дизайн многих персонажей фильма основан на работах карикатуриста Эла Хиршфельда. Однако, Джафар не имеет с ними ничего общего, так как ведущий аниматор Джафара, Андреас Дежа, хотел чтобы этот персонаж выделялся из общего ряда. Аладдин, над которым трудилась команда под руководством ведущего аниматора Глена Кена, изначально делался похожим на актёра Майкла Джея Фокса. В ходе работы персонаж подвергся ряду изменений и обрёл черты Тома Круза, рэпера MC Hammer и моделей Кельвина Кляйна. Компьютерная анимация была применена в ряде сцен, таких как сцены с песчаной головой тигра, в пасти которого скрыт вход в Пещеру Чудес, и сцена в которой Аладдин пытается выбраться из обрушивающейся пещеры, а также при нанесении сложного орнамента на волшебный коврик.

Маскер и Клементс придумывали Джинна с оглядкой на Робина Уильямса; даже когда Катценберг предложил кандидатуры Джона Кэнди, Стива Мартина и Эдди Мерфи, у Уильямса были лучшие шансы, и в итоге утвердили именно его. Уильямс приходил на сессии звукозаписи в перерывах между съёмками в двух других фильмах. Наперекор устоявшейся практике, многие из его диалогов были чистой импровизацией: для некоторых сцен ему только задавали темы, без лишних инструкций.

«Русалочка»

Персонаж Ариэль был основан на русалочке из сказки Ганса Христана Андерсена, но со-режиссёр и сценарист, Рон Клементс посчитал, что история слишком трагична и перепеписал её.

Оригинальный дизайн Ариэль был разработан аниматором Гленом Кином, который заявил, что её внешний вид был основан на его жене. Другими прототипами внешности персонажа были актриса Алисса Милано, которой было в то время 16 и модель Шерри Стоунер, которая исполняла роль Ариэль перед аниматорами, чтобы они могли основывать эскизы на её движениях при анимации. Движения волос Ариэль под водой были основаны на кадрах с первой астронавткой Салли Райд в космосе.

Проблема в анимации Ариэль была в том, что героиню было необходимо показать в различных условиях -- в море и на суше, поэтому аниматорам пришлось создать 32 цветовые модели. Сине-зелёный цвет хвоста героини был особым оттенком, который был специально создан в лаборатории Диснея и был назван «Ariel» в честь персонажа. Выбор красного как цвета волос вызвал споры между аниматорами и руководителями студии, которые хотели чтобы у героини были светлые волосы, как у русалки Мэдисон, из фильма «Всплеск». Как отметили художники, красные волосы лучше контрастируют с цветом хвоста Ариэль и красный легче сделать темнее, чем жёлтый, так что конце концов красный цвет остался. Прототипом для Ариэль также стала Шанти из мультфильма «Книга джунглей».

«Рапунцель»

Для создания мультфильма «Рапунцель: Запутанная история» понадобилось 6 лет и бюджет в 260 млн $. В апреле 2007 года было объявлено, что Энни назначен аниматором и художник Дин Уэллинс будет содиректором фильма наряду Гленом Кином. Однако 9 октября 2008 года сообщили, что Кин и Уэллинс были заменены на Байрона Ховарда и Натана Грено, режиссёра и директора раскадровки, соответственно, мультфильма «Вольт». Кин остался в качестве исполнительного продюсера, а Уэллинс занялся другими проектами.



Вывод

Я считаю, что Уолт Дисней положил начало целой эпохе волшебного и мультипликационного мира. Залогом его жизни, его девизом был побуждающий совет: «Не бойся мечтать!». И, своим трудом, он сделал огромный прыжок навстречу самым безумным и невероятным фантазиям, куда мы можем окунутся вместе с теми героями, что были созданы им и его последователями. Стоит лишь верить и надеятся, что его кропотливый ручной труд с годами не расстворится и не исчезнет, а будет жить в гениальных идеях и талантливых работах различных мультипликаторов.

Размещено на Allbest.ru

...