Художественно-эстетические течения и направления в европейском искусстве рубежа XIX-XX вв.

Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования и науки Российской Федерации

Московский педагогический государственный университет

Реферат

по предмету Культурология

на тему

" Художественно-эстетические течения и направления в европейском искусстве рубежа XIX - XX вв. "

Москва, 2015 г.

Содержание

Введение

Модернизм

Авангардизм

Конструктивизм

Кубизм

Кубофутуризм

Импрессионизм

Постимпрессионизм

Неоимпрессионизм

Символизм

Фовизм

Абстракциониз

Баухаус

Экспрессионизм

Геметрическая абстракция

Футуризм

Дадаизм

Сюрреализм

Заключение

Список используемой литературы

Введение

Художественная культура рубежа XIX - XX века является проблемной для изучения в истории искусства, т.к. имеет сложносоставной и многоуровневый порядок. Это обусловлено социально-политическими, философскими, научно-техническими причинами, которые наложены на историческую ситуацию (войны, кризисные явления, национально-освободительные движения и др.). К тому же, многие тенденции, зародившиеся в предыдущем времени, до сих пор не завершены и не устоялись оценки, взгляды на многие процессы. Это приводило к размытости эстетических критериев, цитированию (прямому и опосредованному) произведений мирового искусства, доведению критических суждений до гротеска. Желание самоутверждения людей в творчестве осуществлялось крайне разнообразными способами, что вызывало порой чувство опустошенности, разлада и дисгармонии. Однако никогда еще история искусства не была так близка при создании образов с действительностью, объединена с мироощущением и мировоззрением различных культурных эпох, как это произошло в XX веке.

Современное бытие человека было определено пространственным размещением, в котором индивидуальные контакты сосуществовали с направлениями, течениями, стилями, которые, хоть и с трудом, но укладываются в схему. Особенность ее распределения - генетическая, а не хронологическая (как было принято в XIX веке). Полярность определяется терминами “реализм” (с доминантой изобразительности) и “беспредметничество” (с акцентом на выразительность). Между ними располагались с разной степенью сочетания изобразительности-выразительности: традиционализм, эпатизм, сюрреализм и геометрика.

Утрату ценностных ориентиров, характерную для культуры XX столетия, легче всего проследить в изобразительных искусствах. Искусство модернизма, порывающее с традицией и считающее формальный эксперимент основой своего творческого метода, каждый раз выступает с позиций открытия новых путей, и потому именуется авангардом. Все авангардистские течения имеют одно общее: они отказывают искусству в прямой изобразительности, отрицают познавательные функции искусства.

Модернизм

Модерн(«ар нуво», «югендстиль») (фр. moderne - современный) - стилевое направление в европейском и американском искусстве конца XIX - начала XX в., противопоставившее себя традиционализму как единое «искусство современности» или «искусство будущего».

Термин «модерн» был впервые использован в V в. для разделения христианства, получившего официальный статус, и римского язычества.

С этого времени «модерновость» (принадлежность к современности) всегда предусматривала необходимость осознания эпохи в её соотнесении с античностью.

В Европе новая культура всегда формировалась на базе обновлённого отношения к античности. Так, античное искусство всегда считалось нормативным образцом, с которым сверяли свои произведения художники модерна во все времена.

Культура модерна любой эпохи всегда опиралась на античность и, даже критикуя ее, никогда полностью от неё не отказывалась.

В XIX в. модерн стал приобретать стойкую тенденцию, выражавшуюся в противопоставлении себя истории и традиции вообще, полного разрыва исторических связей. Модерном начинает считаться только то, что является просто «новым».

Начинается погоня за «великой новизной» как таковой. Такая модификация модерна ярко представлена, например, в теории искусства Ш. Бодлера, ориентировавшего художников на отказ от традиционных норм и образцов. Художнику предлагалось завоевать пространство и время будущего, не признавая никаких правил в этом открытом для него будущем, достаточно просто создавать новое.

Таким образом, модернизм представляет собой совокупность целого ряда направлений, сложившихся в искусстве XX в.

Условными временными рамками существования модернизма (точные временные рамки этого явления определить тяжело именно в силу его неоднородности) можно считать период с 1907 г. (возникновение кубизма) по 60-е гг. XX в. (начало постмодернизма).

Основными центрами модернизма считаются Франция, Германия, Италия и Россия.

Модернизм как явление культуры XX в. объединил множество идейно-художественных направлений (кубизм, футуризм, экспрессионизм, конструктивизм, сюрреализм, абстракционизм), отошедших от традиций внешнего подобия и утверждавших новый подход к изображению социального бытия.

Модернизм открыл и освоил многие новые художественные средства (поток сознания, коллаж, ассоциативный монтаж и др.), оказавшие существенное влияние на последующее развитие эстетики.

Большое влияние на практику модернизма оказали идеи иррационалистического волюнтаризма А. Шопенгауэра и Ф. Ницше, учение об интуиции А. Бергсона и Н. Лосского, психоанализ 3. Фрейда и К. Юнга, экзистенциализм М. Хайдеггера, Ж.-П.Сартра и А. Камю, теории социальной философии Франкфуртской школы Т. Адорно и Г. Маркузе.

Авангардизм

Авангамрд (фр. avant-garde -- передовой отряд), авангардимзм -- обобщающее название течений в мировом, прежде всего в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков.

Слово французского происхождения авангард первоначально относилось исключительно к военной терминологии и означало отряд, выдвигающийся вперёд по движению войска; передовой отряд. В годы Французской революции это слово стало революционной метафорой и в 1794 году вошло в название якобинского журнала. С тех пор политический смысл начал вытеснять военный.

Термин в его фигуральном значении использовался в работах французских социалистических утопистов. В их же работах термин впервые получил следующий, художественный смысл -- основатель школы утопического социализма Анри Сен-Симон в статье «Художник, учёный и рабочий», вышедшей в год его смерти в 1825 году, в союзе художника, учёного и рабочего ведущую роль отвёл художнику. Художник, по Сен-Симону, наделён воображением и должен воспользоваться силой искусства для пропаганды передовых идей: «Это мы, художники, будем служить вам авангардом».

Долгое время термин сохранял своё политическое значение, а художник наделялся особой политической миссией. В этом значении термин начал усваиваться в других европейских языках. Так, в английском языке слово vangard в его фигуральном значении впервые появилось в работах британского историка Томаса Карлейля.

Последователи Сен-Симона, продолжая вслед за ним акцентировать ведущую роль художника в политических процессах, фактически оставляли в стороне социальные цели искусства, обязывающие его быть утилитарным, дидактическим, понятным широким массам, и тем самым парадоксально сближали политический авангард с «искусством для искусства» (фр. l'art pour l'art) как революционной идеей.

В последние десятилетия XIX века термин авангард в его милитаристском значении получил широкое распространение в Европе благодаря популярности анархических идей Михаила Бакунина и Петра Кропоткина. Кропоткиным восхищались хорошо его знавшие Оскар Уайльд и Уильям Батлер Йейтс; большое влияние Кропоткин оказал на Герберта Рида. Бакунин и Кропоткин не только использовали термин в своих работах, но в 1878 году дали название L'Avant-Garde своему журналу.

Последователи Бакунина начали применять название журнала к искусству, а в 1885 году Теодор Дюре перенёс термин авангард из области политики в область художественной критики. Интересно, что ещё раньше, в 1871 году, семнадцатилетний французский поэт Артюр Рембо в частной переписке, ставшей публичной значительно позже, писал, что поэзия должна создать совершенно новый язык, объединяющий задачи политического и художественного авангарда; именно это позволит ей быть впереди.

Термин авангард в его художественном значении, таким образом, полностью вышел из утопических и анархических идей и в начале XX века был тесно связан с политикой. Присущий художественному авангарду уже как историческому явлению (первая треть ХХ века) политический радикализм был ему свойствен вплоть до 1930-х годов.

Как историческое явление авангард появился только в начале XX века, но ни одно движение, группа или школа не включали термин авангард в своё название, а главное -- этим термином не оперировала критика. Термин авангард (как прежде романтизм или реализм) не был для группировок самоназванием, а начал употребляться, когда сами группировки уже распались, и то, что их связывало, завершалось или уже стало историей. Потребность в обобщённом терминологическом закреплении деятельности многочисленных групп возникла в 1920-х годах, и английский поэт Роберт Грейвз в 1927 году противопоставил модернистскую поэзию викторианской.

В 1929 году французский поэт, один из основателей сюрреализма, к этому времени ставший коммунистом, Луи Арагон, имея в виду слова саммого «авангардистского» символиста Артюра Рембо «Il faut etre absolument moderne» («Надо быть абсолютно современными»), ввёл объединяющий термин модернизм. Авангард (авангардизм) в роли аналогичного объединяющего термина появился позже. Наиболее активно авангард как литературно-художественное движение стал обсуждаться в ретроспекции после Второй мировой войны.

Спустя столетие с лишним после появления авангарда как исторического явления, теории и типологии авангарда (так же, впрочем, как и теории и типологии модернизма) не существует. Кристофер Иннес в предисловии к своей книге «Театр авангарда» (1993) предупреждает, что термин авангард «стал вездесущим ярлыком, эклектически прикрепляемым к любому виду искусства, лишь бы оно было антитрадиционным по форме. Иногда этот термин упрощённо используют для определения нового в любой данный момент, которое устаревает с каждым новым шагом вперёд».

Из-за того, что до сих пор не существует теорий и типологии модернизма и авангарда (авангардизма) как литературно-художественных явлений, разброс мнений о соотношении двух этих понятий варьируется от их полного противопоставления до полной взаимозаменяемости.

Началу эпохи авангарда, которое большинство исследователей относят к 1905--1907 годам, предшествовал период протоавангарда -- когда поэтика авангарда проявляла себя на уровне тенденции: в символизме, югендстиле, русском космизме; в манифестациях, подобных «Крику» (1893) Эдварда Мунка.

Период протоавангарда рубежа XIX--XX веков характеризуется как слом, переход от классической эстетики Аристотеля, мимесиса к неклассической, антиаристотелевской традиции.

В истории изобразительного искусства Авангард обозначен как художественное направление начала 20-го века и поэтому тесно связан с модерном и модернизмом, а также с другими течениями, такими как: абстрактный экспрессионизм, баухауз, беспредметность, всёчество, дадаизм, конструктивизм, кубизм, орфизм, примитивизм, систематизм, стохатизм, супрематизм, сюрреализм, унизм, футуризм, экспрессионизм.

К ярким представителям авангардного искусства в литературе можно отнести:

футуризм -- Алексей Крученых, Велимир Хлебников, Владимир Маяковский;

экспрессионизм -- Райнер Мария Рильке, ранний Леонид Андреев.

Первооткрывателем авангардной символистской драмы стал бельгийский франкоязычный драматург Морис Метерлинк. Вслед за ним символистская поэтика и мироощущение закрепляется в драмах Г. Гауптмана, позднего Г. Ибсена, Л. Н. Андреева, Г. фон Гофмансталя. В XX веке авангардная драма обогащается приёмами литературы абсурда. В пьесах позднего А. Стриндберга, Д. И. Хармса, В. Гомбровича, С. И. Виткевича изображается абсурдная реальность, поступки персонажей зачастую алогичны. Законченное выражение абсурдистские мотивы получили в творчестве франкоязычных авторов т. н. драмы абсурда -- Э. Ионеско, С. Беккета, Ж. Жене, А. Адамова. Вслед за ними абсурдистские мотивы развивали в своих драмах Ф. Дюрренматт, Т. Стоппард, Г. Пинтер, Э. Олби, M.Волохов, В. Гавел.

Конструктивизм

Конструктивизм (от лат. Construction - построение) - художественное направление в советском искусстве 1920-х гг., возникшее в 1917 г. В рамках поздней «конструктивной» стадии стиля модерн.

Начало массовому движению было положено в 1921 г. С созданием рабочей группы конструктивистов, развернувшей активную деятельность в различных сферах художественного творчества. В первые годы советской власти формирование конструктивизма происходило в тесном взаимодействии архитекторов и дизайнеров с авангардистскими течениями изобразительного искусства (супрематизм, футуризм), на основе которого выросли формально-эстетические поиски главных представителей течения - А.Родченко, Э.Лисицкого, В.Татлина

Приверженцы конструктивизма стремились к революционному переустройству жизни, объединению личного и общественного бытия, внедрению производственного искусства в жизнь и быт, провозгласили новые эстетические идеалы, такие как простота, демократичность, утилитаризм предметного мира. Теория производственного искусства, основанная на принципах функциональности и лаконичной выразительности объекта, удобного для массового производства, дала огромный толчок развитию всевозможных форм дизайна - художественному конструированию мебели, посуды, созданию новых тканей, рабочей одежды, плакату, книжной графики, фотоискусству, театрально- оформительскому искусству.

Грандиозные планы конструктивистов были связаны с архитектурой, где утверждались конструктивность, технологическая целесообразность архитектурной формы, на основе которой создавался функциональный метод проектирования зданий и градостроительных комплексов, принципы планировки и переустройства городов и поселков. Многие сооружения конструктивизма получили широкое мировое признание: среди них - дом К.С.Мельникова в Москве (1927-1929), драматический театр в Ростове-на-Дону (1930-1935 арх. В.Щуко, В.Гельфрейх).

В 1930-х гг. конструктивизм уходит с художественной арены, уступая место официальному стилю, жестоко критикующему его за функциональность и сугубую утилитарность.

Мастера конструктивизма: Владимир Татлин, Александр Родченко, Эль Лисицкий, Константин Медунецкий, Валентина Степанова, Владимир Стенберг, Георгий Стенберг, Любовь Попова.

Кубизм

Кубизм (фр.cubisme, от cube - куб) - художественное направление во французском искусстве начала ХХ века, основателями и крупнейшими представителями которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж.Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни.

По существу кубизм - это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма. В своем развитии кубизм пережил три периода: сезанновский, аналитический и синтетический.

Для первого периода (до 1909г.) были характерны массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий. Второй период (1909 - 1912) отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы». Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж, и портрет). Основным приемом синтетического периода (1913-1914) стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет.

Основные теоретические идеи кубизма были изложены самими участниками движения (А.Глез и Ж.Метценже «О кубизме», 1912) и симпатизировавшими движению критиками (Г. Аполлинер «Художники-кубисты», 1913). Русский философ Н.А. Бердяев назвал кубизм «самой полной и радикальной революцией со времен Ренессанса». Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Мастера кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот.

Кубофутуризм

Кубофутуризм -- (фр. Cubofuturism) - направление в русской культуре начала ХХ века, объединившее многие авангардные явления живописи и поэзии.

В изобразительном искусстве кубофутуризм возник на основе переосмысления художественных теорий сезаннизма, кубизма, футуризма и русского неопримитивизма, явив собой эклектичное явление с ярким национальным окрасом. Новая эстетика (второе название «русский кубизм»), просуществовавшая короткий временной отрезок - с 1911 по 1916 гг., послужила переходным этапом от художественных исканий начала ХХ в. К крупнейшим направлениям и подлинно оригинальным созданиям русского авангарда - супрематизму К.Малевича, конструктивизму В.Татлина и Э.Лисицкого, аналитическому искусству П.Филонова.

Первая картина в духе кубофутуризма кисти Малевича была представлена на выставке «Мишень» в 1913 году. Она и последующие работы Д.Бурлюка, И.Клюина, А.Экстер и других кубофутуристов представляли собой полуабстрактные композиции, изображающие геометрические формы, близкие к «машинной» ритмике (цилиндры, конусы, кожухи и др.)

Наиболее полно искусство кубофутуристов было представлено на двух авангардистских выставках - «Трамвай В» в феврале 1915 г., и «0,10», проходившей в декабре 1915 - январе 1916 гг., где Малевич впервые выставил картины в духе супрематизма. Активно сотрудничая с поэтами- футуристами из группы «Гилея» (А.Крученых, В.Хлебников, Е. Гуро), кубофутуристы восприняли от них многие новаторские художественно-эстетические идеи, за что заслужили прозвище «заумные реалисты».

Этим термином подчеркивались абсурдность и алогизм кубофутуристических композиций, однако апологет «зауми» Казимир Малевич считал это специфической чертой русского кубизма, утверждая, что «логика всегда ставила преграду новым подсознательным движениям и, чтобы освободиться от предрассудков, было выдвинуто течение алогизма». Фактически кубофутуризм первым начал разрабатывать эстетику абсурда, легшую впоследствии в основу дадаизма и сюрреализма.

Мастера кубофутуризма: Казимир Малевич, Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Импрессионизм

Импрессионизм (фр.impressionisme, от impression - впечатление) - художественное направление в искусстве, возникшее во Франции во второй половине XIX в.

Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления

Новое движение возникло как реакция на застой господствующего в те годы академизма, однако его появление было подготовлено несколькими факторами: изобретением 1839 г. Л. Дагером фотографии, внесшей в искусство новое видение; научными открытиями Э. Шёвреля и О.Руда в области цветоделения; появлением в 1941 г. оловянных тюбиков для скоропортящихся красок, давших возможность художникам работать на пленэре. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

Импрессионизм зародился в 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э.Мане, О.Ренуар, Э.Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. К началу 1870-х гг. импрессионистское видение сформировалось в пейзаже: К.Моне, К.Писсарро, А. Сислей впервые выработали в своих произведениях последовательную систему пленэра. Работа на открытом воздухе помогала им создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Во многом этому способствовала разработанная в тонкостях колористическая система, при которой сложные тона разлагались на чистые цвета солнечного спектра. Они накладывались на холст раздельными мазками в расчете на оптическое смешение в глазу зрителя, что создавало удивительно светлую, как бы трепещущую живопись. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. С этой целью они воспроизводили один и тот же сюжет по несколько раз, добиваясь невероятной чистоты цвета и практически очистив свою палитру от черной краски.

Свое искусство импрессионисты представляли на выставках, проводившихся с нерегулярными интервалами с 1874 по 1886 гг. С первой выставкой тогда еще анонимной группы художников связана история происхождения термина «импрессионизм». Критик Луи Леруа, иронически отзываясь о представленных работах, особо отметил картину К.Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), заметив, что «обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…». Новое название пришлось по душе сторонникам движения (правда, не всем), поскольку отвечало творческому методу, который они исповедовали: передача впечатления, фиксация ускользающих мгновений жизни.

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов. Однако, как живописный метод, импрессионизм не прекратил свое существование: аналогичные поиски велись мастерами других стран - Англии (Дж. Уинстлер), Германии (М. Либерман и Л. Коринт), России (И.Грабарь и К.Коровин).

Совершив художественную революцию в сознании современников, раскрыв им новые горизонты, импрессионизм дал толчок к развитию искусства и появлению новых концепций, течений и форм. В его недрах зародились неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, приведшие в свою очередь к возникновению новых художественных эстетик и направлений.

Мастера импрессионизма: Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис Коринт.

Постимпрессионизм

Постимпрессионизм - (фр. postimpressionisme, от лат. post - после, т.е. после импрессионизма) - собирательное наименование нескольких направлений французского искусства конца XIX в., возникших вслед за импрессионизмом. Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английских критик Роджер Фрай, выражая общее впечатление об устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.

Постимпрессионизм - явление неоднородное. К этому направлению исследователи относят творчество неоимпрессионистов (Ж.Сёра, П.Синьяк, М.Люс, А-Э.Кросс и др.), художников группы Наби (П.Боннара, Э.Вюйара, М.Дени, Ф.Валлотона и др.), художников понт-авенской школы, объединившихся вокруг П.Гогена (Э.Бернара, П.Серюзье, Я.Веркаде и др.) а также творения гениальных одиночек (В.Ван Гога, А.Тулуз-Лотрека, П.Сезанна, А.Руссо).

Единственное, что объединяет всех художников - постимпрессионистов, -- это определенное отталкивание от импрессионизма как от некоего фундамента, на основе которого начались их собственные художественно-эстетические искания, выражавшиеся в стремлении передать на полотне не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материального так и духовного происхождения. Эти поиски шли разными путями: и «синтетический» символизм Гогена и «набидов», и «декоративная стихия» модерна Тулуз-Лотрека, и конструктивистское видение мира Сезанна, и сверхчувствительная выразительность формы и цвета Ван Гога, -- и явились связующим звеном между искусством XIX и XX вв., дав развитие многим ведущим художественным тенденциям последующего времени.

Мастера постимпрессионизма: Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри Руссо, Анри де Тулуз-Лотрек, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Пьер Боннар, Эдуард Вюйар, Поль Серюзье, Морис Дени, Эмиль Бернар.

Неоимпрессионизм

Неоимпрессионизм - (фр. neoimpressionisme) - разновидность постимпрессионизма; художественное направление в живописи, возникшее во Франции около 1885 г., главным теоретиком и вдохновителем которого был Жорж Сёра.

Развивая художественно-эстетические принципы позднего импрессионизма, проявлявшего повышенный интерес к оптическим явлениям в природе, неоимпрессионисты стремились довести до логического завершения эмпирические находки предшественников на основе научных достижений, передать с помощью живописных приемов все богатство оптических эффектов.

Главным живописным методом нового течения стал дивизионизм - система, основанная на целенаправленном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые наносились на холст раздельными мазками. На основе дивизионизма Сёра и Синьяк разработали необычную технику письма - пуантилизм, которая заключалась в том, что краски наносились на полотно в виде маленьких точек и квадратов, которые при восприятии картины с определенного расстояния оптически сливались в сетчатке глаза зрителя в созданные художником формы и образы.

Впервые полотна неоимпрессионистов были показаны в 1886 г. на выставке Салона Независимых и на Восьмой выставке импрессионистов, где были осмеяны критиками и зрителями, но получили поддержку со стороны художников, особенно бельгийских («Группа двадцати»), которые не раз приглашали Сёра и его последователей участвовать в их выставках.

Пуантилистская техника письма привлекла внимание как молодых художников (Кросс, Люс, Леммен и др.), так и старейшину живописного цеха Камиля Писсарро, пришедшего в новое движение со своим сыном Люсьеном. Однако она же стала причиной того, что в 1890-х гг. многие художники (в частности Писсарро и Люс) покинули ряды неоимпрессионистов, почувствовав, что пуантилизм сковывает их индивидуальность. Предельно яркие,. Контрастные, изысканно-красивые картины неоимпрессионистов получались несколько отвлеченными, холодновато-рассудочными, лишенными непосредственной эмоциональности, игры чувств, напоминая больше декоративные панно, чем живописные полотна.

Мастера неоимпрессионизма: Жорж Сёра, Поль Синьяк, Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимильян Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини.

Символизм

Символизм (от греч. Symbolon - знак, символ) - направление в литературе и изобразительном искусстве Европы конца 19 века - начала 20 века. Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир. Все случающееся с нами и вокруг нас символисты считали порождением цепи причин, сокрытых от обыденного сознания, а единственным путем достижения истины, моментом прозрения - творческий процесс. Художник становится посредником между нашим иллюзорным миром и сверхчувственной реальностью, выражая в зрительных образах «идею в форме чувств».

Символизм в изобразительном искусстве - явление сложное и неоднородное, не сформировавшееся в единую систему и не выработавшее своего художественного языка. Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: темы смерти, любви, порока, греха, болезни и страданий, эротика привлекали их. Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам.

Черты символизма отчетливо прослеживаются в творчестве самых разных мастеров - от Пюви де Шаванна, Г.Моро, О.Редона и прерафаэлитов до постимпрессионистов (П.Гогена, Ван Гога, «набидов» и др.), работавших во Франции (родине символизма), Бельгии, Германии, Норвегии и России. Для всех представителей этого направления характерны поиски собственного изобразительного языка: одни уделяли особое внимание декоративности, экзотическим деталям, другие стремились к почти примитивной простоте изображения, четкие контуры фигур перемежались с размытыми, теряющимися в туманной дымке, очертаниями силуэтов. Такое стилевое многообразие в совокупности с освобождением живописи «от оков достоверности» создало предпосылки для формирования многих художественных тенденций 20 в.

Мастера символизма: Гюстав Моро, Пьер Пюви де Шаванн, Одилон Редон, Фелисьен Ропс, Эдвард Бёрн-Джонс, Данте Габриэль, Россетти, Джон Эверетт Миллес, Уильям Холмен Хант, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель.

Фовизм

Фовизм (от фр. fauve -- дикий) -- направление во французской живописи конца XIX -- начала XX века.

Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета.

Лидерами направления можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена.

Также к числу сторонников этого направления можно причислить таких творцов как Альбер Марке, Шарль Камуан, Луи Вальта, Анри Эвенепул, Морис Марино (англ.), Жан Пюи (англ.), Морис де Вламинк, Анри Манген (англ.), Рауль Дюфи, Отон Фриез, Жорж Руо, Кеес ван Донген, Alice Bailly (англ.), Жорж Брак и других.

К отличительным чертам фовистов принадлежит динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Дополняет образ острота ритма. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Группа заявила о себе на парижских выставках 1905--1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись.

Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго -- примерно с 1898 по 1908 год.

Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам.

Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом. На его картине женский нос вполне мог быть зеленого цвета, если это придавало ей выразительности и композиции. Матисс утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую картины».

Одним из самых ярких представителей фовизма в России стал Марк Шагал, он внёс в этот стиль особый колорит и темперамент. Даже творчество импрессионистов, вокруг которого совсем недавно было столько споров, казалось на фоне фовизма вполне реалистическим, традиционным искусством. Новаторы-фовисты воображали и изображали мир таким, каким им хотелось. А так как каждый из этих художников обладал яркой индивидуальностью, то и миры, созданные ими, были совершенно индивидуальны.

Абстракционизм

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) -- художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского,П. Мондриана и К. Малевича. В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

Баухаус

Баухаус (нем. Bauhaus - «дом строительства»), Высшая школа строительства и художественного конструирования, основанная немецким архитектором В.Гропиусом в Веймаре в 1919 г.)

По замыслу автора, Баухаус был призван объединить «разошедшиеся» искусство, ремесло и технику в «единое художественное производство», соединить их в форме средневековых строительных гильдий, но на новой научно-технической основе. Вначале все студенты проходили 6-месячный курс предварительного обучения, где изучали свойства материалов и основы ремесел, а также теорию формы и рисунка. После этого их допускали к работе в мастерских: творческой и производственной, где упор делался на практике занятия. В зависимости от склонностей учащихся из них готовили архитекторов, художников-конструкторов, фотографов, дизайнеров.

Особое внимание В.Гропиус уделял отбору преподавателей, разделявших его убеждения: в разные годы здесь работали художники В.Кандинский, П.Клее, О.Шлеммер, Л.Файнингер, дизайнеры Л.Мохоли-Надь и Й.Иттен.

Расцвет Баухауса связан с Веймарским периодом, отмеченным влиянием неоромантизма. В 1925 году Баухаус переехал в Дессау и разместился в выполненном по проекту В.Гропиуса здании, считающимся одним из шедевров архитектуры функционализма. Период в Дессау отмечен усилением техницистски-утилитарных тенденций, складыванием собственного стиля Баухаус, характеризующегося четкостью форм, минимализмом средств, типовым проектированием, совершенствованием индустриальных методов и материалов.

В 1928 году пост директора занял швейцарский архитектор Х.Майер. Однако новшества, введенные им (изучение общественных наук), вызвали недовольство со стороны преподавателей и студентов, и в 1930 году Баухаус возглавил немецкий архитектор Л.Мис Ван дер Роэ, остававшийся директором вплоть до закрытия этого учебного заведения нацистами 1933 году.

Однако, принципы и методы обучения Баухаус были подхвачены в других странах, а его идеи оказали глубокое воздействие на развитие прикладного и изобразительного искусства (от книжной графики и рекламы до мебели и предметов утвари).

Мастера Баухаус: Вальтер Гропиус, Людвиг Мисс Ван дер Роэ, Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Лионель Файнингер, Ласло Мохоли-Надь, Йозеф Альберс, Герхард Маркс, Марсель Брейер, Макс Билль, Йоханнес Иттен, Херберт Байер, Ханс Майер.

Экспрессионизм

художественный культура авангардизм модернизм

В разные времена понятие «экспрессионизм» трактовалось неодинаково. В том смысле, в каком мы понимаем этот термин сегодня, -- во всяком случае, когда говорим о «немецком экспрессионизме», -- он означает широкое культурное движение, зародившееся в Германии и Австрии в начале XX. Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливой действительности, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура.

Экспрессионистам свойственно тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм. Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций.

Корни экспрессионизма уходят в глубь истории и охватывают обширную географическую территорию. Два наиболее значимых источника этого направления нельзя отнести ни к современному искусству, ни к Европе: это искусство Средневековья и так называемых примитивных народностей.

Третий источник имеет мало общего с визуальным искусством -- это философия Фридриха Ницше. Более того, изначально термин «экспрессионизм» имел другое значение. Приблизительно до 1912 г. он использовался в Европе, в основном во Франции, применительно к прогрессивному искусству, явно не относящемуся к импрессионизму и даже «антиимпресcионистскому». По иронии судьбы этот термин сначала применялся к творчеству художников, не имеющих отношения к Германии, -- Гогена, Сезанна, Матисса, Ван Гога.

Практически до начала Первой мировой войны понятие «экспрессионизм» включало такие неоднородные течения в искусстве, как фовизм, футуризм и кубизм. Так, на знаменитой выставке Зондербунд в Кёльне в 1912г. этим термином обозначились работы художников не только из Германии, но и из других стран.

Однако уже на этой выставке в Кёльне трактовка экспрессионизма меняется. Организаторы ее и большинство критиков подчеркивали близость немецкой авангардной живописи к творчеству Ван Гога; почетный гость выставки -- норвежец Эдвард Мунк.

Так несколько «затушевывалось» былое внимание к французским художником (например, к Матиссу), подчеркивалось «северное» направление развития «экспрессионизма». Выставка ошеломила Мунка; он писал другу: «Здесь представлена фантастически причудливая коллекция живописи. Кёльнский собор потрясен до основания». Наметился не только географический сдвиг в трактовке экспрессионизма; выявилось стремление его не столько к поиску новаторских способов отражения физического мира, сколько к передаче его чувственного, даже несколько, глубинного восприятия. Так, в центре творчества Ван Гога и Мунка индивидуальный, субъективный опыт человека. По мере развития этого направления становится очевидно, что оно не является художественным «стилем». Именно поэтому музейные работники, критики, торговцы живописью да и сами художники неоднозначно трактовали этот термин.

Все же слово «экспрессионизм» широко распространилось в Германии и Австрии. Сначала использовалось применительно к живописи, скульптуре и гравюре, позднее -- к литературе, театру и танцевальному искусству. Считается, что экспрессионизм оказал большое влияние на развитие визуальных искусств, а в музыке его влияние стало революционным благодаря появлению таких элементов, как диссонанс и атональность, в произведениях композиторов (прежде всего венских) -- от Густава Малера до Альбана Берга и Арнольда Шёнберга. Затем он проник и в архитектуру и, в еще более явственной форме -- в новый, современный вид искусства -- кино.

Историки все еще спорят о сути экспрессионизма. Многие художники, которых сейчас считают олицетворением этого направления, отрицали свою принадлежность к нему. Это неудивительно: ему свойственны протест против академизма и ярый индивидуализм. Эмиль Нольде в автобиографии «Годы борьбы» писал: «Знатоки интеллектуального искусства называют меня экспрессионистом. Мне такое ограничение не нравится». Творчество наиболее ярких представителей направления разнородно. Термин «экспрессионизм» так эластичен, что позволяет объединить стать несхожих художников, как Эрнст Людвиг Кирхнер, Пауль Клее, Эгон Шиле и Василии Кандинский. Немецкие художники, прожившие долгую жизнь, -- Макс Бекман, Георг Грос, Отто Дикс, Оскар Кокошка - работали в «экспрессионистской» манере лишь малый период творчества. Жизнь некоторых художников была, к сожалению, не долгой; можно только догадываться, как сложилась бы их творческая биография. Паула Модезон-Беккер и Рихард Герстль ушли из жизни до того, как термин «экспрессионизм» стал общеупотребительным. В 1914 г. на полях сражений погибли художник Август Макке и поэты Альфред Лихтенштейн и Эрнст Штадлер.

Для другого поэта, Георга Тракля, опыт спасения раненых после одного из сражений в Польше оказался таким потрясением, что он принял смертельную дозу кокаина. Франц Марк погиб в 1916 г. Эгон Шиле стал жертвой жесточайшей эпидемии гриппа в Вене в 1918 г., Вильгельм Лембрук не вынес тягот военного времени и покончил жизнь самоубийством -- в Берлине, в 1919 г.

Экспрессионизм не был целостным, стройным течением в искусстве. В отличие от громко заявившего о себе футуризма, руководимого Маринетти в Италии, сторонников экспрессионизма трудно назвать «слаженным оркестром на марше». Но по сравнению с небольшими группами художников, таких как фовисты и кубисты во Франции, экспрессионисты различных «оттенков» так широко представлены в искусстве, что ту эпоху в истории культуры Германии часто называют «поколением экспрессионистов». Конец ей положил приход к власти нацистов в 1933 г. Но отзвуки ее наиболее яркого периода (1910-1920) слышны в искусстве и сегодня. Постепенно художники осознавали политическую опасность характерной для экспрессионизма «устремленности вглубь» и пытались исследовать возможности более активного его отклика на социально-политические проблемы.

Утопические мечты, порывы придать искусству функцию «искупления вины» означали: экспрессионизм несет и огромный потенциальный заряд отчаяния, разочарования, безразличия. Вместе с пронзительно глубокими творениями возникло множество работ, являвших экстатическое излияние псевдоэмоций, сентиментально-эгоцентрических настроений. Мы не затрагиваем здесь самые мрачные из таких работ.

Многие выдающиеся произведения экспрессионизма в Германии -- результат плодотворного творческого сотрудничества единомышленников. Это группы экспрессионистов, сформировавшиеся до Первой мировой войны. Первая из них -- «Мост» (Die Brucke), появилась в Дрездене в 1905 году. В нее вошли художники Карл Шмидт-Ротлуфф, Эрнст Людвиг Кирхнер, Макс Пехштейн, Эмиль Нольде. В само название они старались заложить особый смысл: группа должна была как бы стать «мостом», соединяющим экспрессионизм (т. е. современность) с искусством прошлого и тем ярким и выразительным, что в нем уже было. Картины этих художников отличает и необычность палитры, и вольное деформирование натуры. В произведениях графики они пытались возродить заново средневековую гравюру на дереве с ее традициями.

Другое объединение -- «Синий всадник» (Der Blaue Reiter) возникло чуть позднее, в Мюнхене в 1911 - 1914 гг. В группу входили Василий Кандинский, Лионель Файнингер, Франц Марк, Пауль Клее, и другие. Для “Синего всадника”, в противоположность объединению “Мост”, было характерно тяготение к абстрактному искусству, к отказу от передачи видимого окружающего мира. Их творчество было призвано выражать чувства, раскрывая трансцендентную сущность вещей.

В журналах Der Sturm и Die Aktion и во вре¬мя проведения многочисленных выставок шли горячие дискуссии и поиск общей платформы. Важно, что это период разрушительной войны - последствия ее для Германии тяжелейшие. Эти события и потрясения неизбежно влияли на формы, в которых проявлялся экспрессионизм, и в конечном итоге привели к его кончине.

Геометрическая абстракция

Геометрическая абстракция (другие названия - холодная абстракция, логический, интеллектуальный абстракционизм) - течение в абстрактном искусстве в основе которого лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

Геометрическая абстракция выросла из исканий поля Сезанна и кубистов, которые первыми пошли по пути деформации натуры в поисках «новой реальности». Она имела целый ряд разветвлений. В России это был лучизм М.Ларионова, возникший как своеобразная реакция на новейшие открытия в физике; «беспредметничество» О.Розановой, Л.Поповой и В.Татлина, переросшее позднее в конструктивизм; суперматизм К.Малевича, в котором беспредметность рассматривалась как «новый живописный реализм»; во Франции - отчасти орфизм Роббера Делоне; но главным его представителем была голландская группа «Стиль» («Де Стейл») во главе с П.Мондрианом и Т.Ван Дусбургом, выдвинувшая концепцию неопластицизма - искусства чистой пластики, задача которого заключалась в очищении природы от иллюзорного многообразия и обнажения таящейся в ней первичной схемы.

Геометрическая абстракция, оказав значительное влияние на становление современной архитектуры, развитие дизайна, промышленного, декоративно-прикладного искусства, оставалась доминирующим направлением в искусстве вплоть до окончания Второй Мировой войны. В 1950-е гг. На первый план выходят «лирические течения абстракционизма» (ташизм, абстрактный экспрессионизм).

Мастера геометрической абстракции: Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Ольга Розанова, Любовь Попова, Роббер Делоне, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Йозеф Альберс, Фрэнк Стела, Жюль Олицки, Виктор Вазарели, Бриджит Райли.

Футуримзм

Футуримзм (лат. futurum -- будущее) -- общее название художественных авангардистских движений 1910-х -- начало 1920-х годов, прежде всего в Италии и России. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма стихосложения. Они придумывали новые слова, использовали вульгарную лексику, профессиональный жаргон, язык документа, плаката и афиш.

Автор слова и основоположник направления -- итальянский поэт Филиппо Маринетти (поэма «Красный сахар»). Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. 20 февраля 1909 г. в газете «Фигаро» Маринетти опубликовал «Манифест футуризма». Он был написан для молодых итальянских художников. Маринетти писал: «Самые старые среди нас -- тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придёт новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора…»). В манифесте Маринетти провозглашается «телеграфный стиль», что, в частности положило начало ещё и минимализму.

Помимо Маринетти, основоположниками футуризма были Балла, Боччони, Руссоло, Карло Карра, Джино Северини, Франческо Балилла Прателла. В 1912 г. в Париже состоялась первая выставка художников-футуристов.

Для футуризма характерны отказ от традиционной грамматики, право поэта на свою орфографию, словотворчество, скорость, ритм. Свои картины они посвящали поезду, автомобилю, самолётам (см. аэроживопись). Словом, все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Мотоцикл был объявлен более совершенным творением, нежели скульптуры Микеланджело. Маринетти говорил: «Жар, исходящий от куска дерева или железа, нас волнует больше, чем улыбка и слёзы женщины», «Новое искусство может быть только насилием, жестокостью».

Провозглашается пафос разрушения и взрыва. Воспеваются войны и революции, как омолаживающая сила одряхлевшего мира. Можно рассматривать футуризм как своеобразный сплав ницшеанства и манифеста коммунистической партии. Динамика движения должна прийти на смену статике позирующих скульптур, картин и портретов. Фотоаппарат и кинокамера заменят несовершенство живописи и глаза.

В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.

Главные художественные принципы -- скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение -- так называемый принцип симультанности.

Дадаизм

Дадаизм (от франц.dada - конек, детская деревянная лошадка) - литературно-художественное движение, получившее развитие во многих странах Европы, а также в США. Дадаизм возник как протест творческой молодежи против мировой войны и культуры, приведшей к ней. Его концепция не содержала позитивных идеалов и была пронизана пессимизмом. Принципами дадаизма стали разрыв с традициями мировой культуры и отрицание всяческих ценностей; представление о мире как о хаосе безумия, которому противопоставляется безумие творческое; алогичность мышления, выведение искусства за грань серьезного, придание ему оттенков веселья и смеха.

ДАДА в Цюрихе (1916-1919)

Датой рождения этого движения считается 1916 год, года в цюрихском «Кабаре Вольтер» собрались вместе Гуго Балль, Рихард Гюльзенбек, Марсель Янко, Жан Арт и Тристан Тцара, придумавший название новому объединению и написавший «Манифест Дада». Главной формой самовыражения дадаистов стали различные акции - шумные вечерние представления, спланированные «события», мистифицирующие публику и провоцирующую ее на ответную реакцию. Помимо этого они использовали и традиционные методы пропаганды: издавали журнал «Дада», редактором которого был Балль, читали лекции, публиковали свои поэтические сочинения, многочисленные брошюры, написанные в форме речёвок и заклинаний. В 1917 г. Балль и Гюльзенбек, а годом позже и Тцара покинули группу. Она перестала существовать, уступив место берлинскому объединению.

ДАДА в Берлине (1981-1920)

В 1917 году в Берлине организовалась группа дадаистов, которую возглавил Гюльзенбек. Деятельность этой группы имела ярко выраженную социально-критическую и антимилитаристскую направленность, поскольку в нее входили в основном художники, занимавшие по отношению к власти позицию открытой конфронтации - Георг Гросс, Джон Хартфильд, Хана Хёх, Иоганнес Баадер. Главными средствами художественного выражения стали памфлет, политический плакат, карикатура, фотомонтаж, листовка, в которых коммунистические и анархические идеи вытеснили спонтанный дух отрицания цюрихской группировки.

...