Особенности выполнения натюрморта в акварельной живописи

Размещено на http://www.allbest.ru//

Размещено на http://www.allbest.ru//

Министерство образования Республики Мордовия

Государственное бюджетное учреждение

Республики Мордовия среднего профессионального образования (среднее специальное учебное заведение) «Ковылкинский аграрно - строительный колледж»

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине: «Живопись с основами цветоведения»

на тему: «Особенности выполнения натюрморта в акварельной живописи »

Выполнила

студент (ка) гр.ДН-21 Авила-Пантелеева И.

Принял

преподаватель Н.Г.Власкина

г.Ковылкино 2016

Реферат

Курсовая Работа содержит ___, страницу, __ источников,2 приложения.

Художественная ценность созданных творческих работ и максимальный эффект воздействия их на - включение в содержание творческих работ объектов и их соответствующего колористического и образного решения.

Актуальность состоит в том, что натюрморт является лучшим средством изучения законов живописи в технике акварели. В современном мире, он стал одним из востребованных жанров, имеет тесную связь с историей мировой художественной культуры, что позволяет отобразить мир человека через несложные предметы.

Тема: «Техника выполнения натюрморта в акварельной живописи»

Объект: натюрморт в акварельной живописи

Предмет: использование живописных приемов и техник в создании натюрморта в акварели.

Цели работы: создание натюрморта, используя технику в акварельной живописи.

Проблема: применение основы теории на практике в выполнении натюрморта в акварельной технике.

Область применения показать красоту окружающего мира, рассмотреть натюрморт как жанр и разобраться в тонкостях и основных закономерностях искусства изображения.

Задачи:

- ознакомиться с новыми приемами и возможностями акварельной живописи;

- рассмотреть историю развития натюрморта как жанра изобразительного искусства;

- изучить технологии и материалы для работы в акварельной живописи.

-создание натюрморта, используя технику в акварельной живописи;

Гипотеза исследования состоит в сочетание традиций и новаторства, стилевых особенностей и творческой импровизации в создании натюрморта.

В представленной мной курсовой работе мы будем работать над темой: «Техника выполнение натюрморта в акварельной живописи»

Натюрморт обычно представляет собой художественную композицию, составленную из разнообразных предметов - посуды, фруктов, цветов, пищевых продуктов - размещённых в продуманном порядке. Он также может выступать объединяющим мотивом в религиозных, исторических или бытовых сценах. На всём протяжении истории натюрморты создавались не только с мыслью об их декоративных достоинствах: художники выделяли определённые предметы и придавали им символический смысл, таким образом, передавая зрителю определённые мысли и эмоции. Множество примеров натюрморта можно найти на римских фресках в Помпеях. Они в значительной мере подражают более ранним греческим изображениям.

Теоретики искусства до второй половины XIX века относились к натюрморту несколько пренебрежительно, как ко второму сорту живописи. Первые натюрморты известны ещё с античного периода. В качестве отдельной разновидности живописи натюрморты появились около 400 года до нашей эры в Греции, где были весьма популярны. Они присутствовали в настенной живописи, напольных мозаиках, а также на маленьких картинках, которые вешались на стену.

В живописи того периода можно выделить два типа сцен. Первая разновидность - дары гостеприимства. Они представляли собой продукты питания, а также чаши с водой и вином, то есть всё то, чем щедрый хозяин дома одаривал своих гостей. Вторую разновидность составляли композиции, выполненные на напольных мозаиках. Они изображали остатки пищи, разбросанные по полу, словно их забыли убрать после пира. Множество натюрмортов сохранились на римских картинах и мозаиках, в частности в Помпеях, Геркулануме и Риме. На них изображена посуда, фрукты, готовые блюда, дичь и дары моря. Всё это символизировало достаток и изобилие дома. Древние натюрморты служили для отделки внутренних помещений. Важной их чертой был иллюзионизм, то есть стремление достичь иллюзии реальности. Традиции натюрмортов исчезли вместе с упадком Римской империи. Термин «натюрморт» происходит из французского языка и появился во второй половине XVIII века.

Введение

В представленной мной курсовой работе мы будем работать над темой: «Техника выполнения натюрморта в акварельной живописи»

Живопись - это вид изобразительного искусства, в котором образы передаются с помощью нанесения красок на какую-либо поверхность (холст, бумага, стекло и др.). Живопись - важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей. Существует два основных направления живописи - станковая и монументальная. К станковой относятся работы, созданные на мольберте художника. А к монументальной, относится живопись, которая воспроизводится в основном на каких-либо архитектурных сооружениях (роспись церквей, храмов, исполнение фресок и др.)

Натюрморт - жанр, который основывается на изображении неодушевленных предметов. Если переводить это слово с разных языков, оно будет означать - Мёртвая природа или Неподвижная жизнь. Этот жанр посвящен изображению предметов, объединенных в группу, сюжет. В натюрморте, кроме неодушевленных вещей (кувшинов, столовых приборов, статуэток и др.) так же могут использоваться одушевленные, но они уже оторваны от своей естественной среды и не считаются таковыми, например рыба на столе постановки или цветы, добавленные в букет. Изображение движущихся живых существ - птиц, зверей, используется в редких случаях и лишь как дополнение. Очень большое внимание уделяется проработке деталей, фактур.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV--XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию -- либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо -- в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов -- в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

1. История возникновения акварельной живописи

1.1Натюрморт как вид изобразительного искусства

НАТЮРМОРТ - один из жанров изобразительного искусства, главным образом - живописи. В натюрморте изображаются только обиходные, т.е. повседневные, обыденные вещи, неодушевленные предметы. Это может быть различная снедь, т.е. пища, посуда, книги, статуэтки и т.п.

Все живое, естественное, природное становится в натюрморте неодушевленным, мертвым (франц. «натуре морте» - буквально « мертвая натура») и приравнивается к вещам. Так, чтобы стать предметом натюрморта плоды и фрукты должны быть сорваны, звери и птицы - убиты, рыбы, морские животные - выловлены, цветы - срезаны. Вещи в натюрморте целенаправленно сгруппированы в единой среде, образуя мир искусственной реальности, в той или иной степени преображенной человеком. Художник не изображает вещи «с натуры», как они расположены в интерьере, а предварительно компанует их в соответствии со смысловой и художественной задачей.

В натюрморте вещи показаны в неподвижном состоянии, они пребывают в условном вневременном пространстве. Вещи даны как бы крупным планом, они увидены вблизи и рассмотрены в деталях. Композиция укрупняет малую «величину» вещей в натюрморте, вырывает их из обычного функционального контекста. Будучи произвольно, сознательно скомпонованный, натюрморт всегда содержит в себе некое сообщение, тайное письмо (криптограмму). Вещи превращаются в символы. Значения этих символов, содержание сообщений отличается большим разнообразием, но чаще всего носит мировоззренческий и даже философский характер. Например, некоторые «сюжеты» голландских натюрмортов 17 в. когда этот жанр достиг своей жанровой определенности и апогея. Один из сюжетов, получивший широкое распространение, - «ванитаз» (с латинского - «тщетность»).

В натюрмортах этого вида часто присутствуют часы как символы быстротекущего, неумолимого земного времени, как эмблема преходящего земного существования. Типичным предметом часто выступает изображение черепа. Череп бывает окружен другими знаками бренности, например, колосьями (де Хем), светильниками с горящей или догоревшей свечой (Доу). На тщету земных наслаждений указывают игральные карты, курительные трубки (Класс). Часто встречаются клочки бумаги, рукописи, печатные издания с надписями типа «моменто мори» («помни о смерти»). Имеется много других примеров олицетворения раздумий над смыслом человеческого существования.

Историческое разнообразие натюрмортов определяется тем, что они фигурируют как специфическое проявление художественных стилей и национальных школ в их исторической эволюции.

Это можно проиллюстрировать на примере русского натюрморта 18 - начала 20 вв. 18 в. характерен различными вариантами «обманок» с натуралистическим эффектом иллюзорности, например, имитацией книг для «ложных шкафов». С 1830 - отход от классицизма, поэтическое восприятие повседневного частного быта (Венецианов). Другая линия - академический декоративный натюрморт (Хруцкий). Пытаясь обновиться, академизм монументализирует натюрморт (Сверчков), а салонное искусство мещанского толка идет по пути безвкусного сочетания декоративности «красивых вещей» и пестрых букетов с натурализмом в трактовке деталей (К.Маковский). Реализм 19 в. отличает внимание к естественности композиций (Репин), эмоциональной трактовке вещей (Поленов), национальной характерности (Суриков), к лиризму настроения (Левитан). Натюрмортам русских импрессионистов Коровина и Грабаря присуща «пейзажная» трактовка предметов. Художникам «Голубой розы» и «Золотого руна» (Кузнецов, Сарьян, Сапунов) свойственна тяга к общим символам идеального мира и покоя. Представители «Бубнового валета» (Кончаловский, Машков, Лентулов и др.) под влиянием сезаннизма, кубизма и лубка стремились создавать монументальные образы вещей.

В искусстве русского авангарда натюрморт становится удобным полем для экспериментирования. Оставаясь в рамках «архетипа» жанра, художники смело нарушают его основные каноны. Вещи выходят за свои границы и перестают быть равными себе. Они растворяются в свете и цвете, в излучении энергии, уплотняются в сгустки материи и объемов, рассыпаются на множество осколков плоскостей и граней. За этими экспериментами стоит стремление авторов выразить в своих «предметных» композициях представление об окружающем мире и собственной личности.

Характеризуя натюрморт в целом с эстетической точки зрения можно утверждать, что такие его черты, как значительность, повышение в смысловом ранге, вневременность, праздничность, героизация, экзотичность, монументальность, торжественность, пышность, динамизм и др. свидетельствуют о том, что ведущей эстетической категорией здесь выступает возвышенное, нередко сочетаемое с прекрасным и драматичным. 1.2 Основные особенности в выполнении натюрморта акварелью

Акварель - очень древняя техника. Первая акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII--XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей и акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты. В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи.

Замечательные акварели создавал крупнейший художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер. Это были главным образом пейзажи, в которых они поражают свежестью, чистотой, ясностью красок. Они удивительно современны. В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций.

Для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски.

Самым знаменитым мастером акварели в Англии был У. Тернер, открывший огромные возможности этой техники в создании романтических образов природы. Художник обычно работал на влажном листе бумаги, что позволяло одним мазкам переходить в другие тонкими переливами.

Цветной туман, облака, морская пена в акварелях Тернера живут, дышат, полны движения и красоты. Он благоговел перед солнечным светом - недаром в его палитре преобладают желтые цвета.

Понятен интерес французских мастеров конца XIX века к творчеству этого художника: ведь он предвосхитил их достижения в передаче движения, вибрации воздуха, игры красок под от­крытым небом. Они были поражены тем, как Тернеру удавалось передать белизну снега - не одними белилами, а бесконечными оттенками легких и чистых цветов.

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, -- жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Форстер, Фридерик Уокер и другие мастера.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс , Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее, на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи -- Санкт-Петербурге.

В России в первой половине XIX века подлинный взлет акварельной живописи связан с именем К. Брюллова. Художник применял разнообразную технику: писал сразу в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бумаги, тонкой кистью многократно прописывал детали.

Выдающимся акварелистом был Александр Иванов. В его работах исключительно точный и уверенный рисунок гармонично сочетается с ясными, насыщенными красками.

В середине XIX века многие русские художники обращаются к бытовому жанру, используя для этого и акварельную технику.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать -- Петр Фёдорович Соколов (1791--1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников. Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799--1852) и его брат -- архитектор Александр Брюллов (1798--1877). Акварелисты Василий Садовников (1800--1879) и Людвиг Премацци (1818--1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций. Великолепно владел акварелью И. Репин. Он писал сочно, смело, красочно. Очень характерны акварели М. Врубеля. Они восхищают филигранной техникой, обилием тончайших цветовых и тоновых переходов, россыпями бликов, движением. Даже самые незначительные предметы, изображенные художником, наполняются смыслом и очарованием - цветы, раковины, камни, волны...

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей.

Основная особенность акварели (от латинского acua -- вода) --прозрачность ее красок. Это единственная живописная техника, которая полностью обходится без белил. Вместо них здесь работает белизна бумаги, которая просвечивает сквозь наложенные на нее краски, а нужный цвет может быть получен как смешением красок на палитре, так и наложением их друг на друга непосредственно на бумаге. Для достижения наивысшей яркости (в бликах, например) просто оставляются небольшие участки почти или даже совсем не закрашенной бумаги.

Отсюда ясно, что акварель, в отличие от масла или темперы, практически почти не допускает переделок -- новым перекрытием красками можно только утемнить, но сделать темное светлым уже нельзя. Серьезный промах здесь полностью не исправишь. Поэтому прежде чем художник положит первый мазок кистью, он должен мысленно представить весь последующий ход своей работы. Конечно, можно испорченное место исправить с помощью белил, но это мало поможет делу вследствие иного характера белильной техники, совсем другой фактуры -- исправленное место будет вырываться из общего строя живописи, впечатление свежести и цельности работы исчезнет. Поэтому в акварели, если грубый промах замечен на сравнительно ранней стадии, то губкой или большой кистью смывают всю работу или какую-то ее часть. Остается лишь бледный, едва заметный красочный след. Дав ему подсохнуть, начинают писать почти заново.

Красота акварельной техники в ее влажности. Кисть должна быть набухшей от краски, краска как бы сама должна течь по бумаге, а кисть только помогать ей правильно распределяться. При работе акварелью, чтобы жидкая краска свободно двигалась по бумаге, последняя должна иметь наклон в пределах 30 - 45° к горизонтальной плоскости.

Рисунок под акварель должен быть очень легким, контурным. Если рисунок требует проработки, то его полностью делают на другом листе, а на будущую акварель переносят с него только самые необходимые контуры.

Различают три способа работы акварелью. Во-первых, можно работать многослойно, делая первую общую прокладку красками очень легко, гораздо слабее и прозрачнее, чем в натуре, а затем постепенно усиливая звучание цвета последовательным тонким лессировочным наслоением цвета на подсохшие предыдущие слои. Во-вторых, работают по сухой же бумаге, но в один слой, кладя сразу на белую бумагу нужный цвет в полную силу. В-третьих, в один слой работают и по влажной бумаге, когда мазки слегка расплываются и, сливаясь, лишаются четких границ. Однако такая техника непроста- верно чувствовать и определять нужную степень влажности поможет только большой личный опыт. Нанесение мазков на слишком мокрую бумагу может сильно ослабить, разбелить, смыть цвет.

Практически чаще всего все три метода могут иметь место в одной работе, в зависимости от характера изображаемых деталей. Например, дымка, туман, дождливая даль могут быть изображены по мокрому. Наоборот, детали первого плана -- камни, деревья и прочее могут быть даны отчетливыми, резкими мазками по сухому. Для достижения мягкости

мазков акварелисты иногда поддерживают бумагу в постоянно волглом состоянии, для чего под нее помещают влажную шерстяную ткань (желательно белую).

Несмотря на доступность и распространенность, техника акварели остается загадочной и непостижимой для многих, как любителей, так и профессиональных художников. При кажущейся легкости этот материал, по рождению связанный с водой, своей непокорностью и стихийностью создает немало проблем для тех, кто пренебрегает необходимостью его терпеливого изучения.

2.Материалы, принадлежности и технические приемы в выполнении натюрморта акварельными красками.

2.1 Техника акварельной живописи

Изобразительная работа начинается с подбора инструментов. От того, как оборудовано рабочее место, во многом зависит не только технический, но и творческий успех.

Характерные особенности акварельных красок

В наше время изготовляется несколько видов акварельных красок:

1) твердые краски, имеющие вид плиток различной формы,

2) мягкие краски, заключаемые в фаянсовые чашечки,

3) медовые краски, продающиеся, подобно темпере и масляным краскам, в оловянных тюбиках.

Акварельные краски относятся к группе клеевых красок. Название «акварель» происходит от латинского слова «аква» - вода, так как рода является растворителем для этого вида красок.

Акварель - единственный вид красок, отличающийся особой прозрачностью, чистотой и яркостью цвета. Это достигается не только чистотой применяемых материалов, но и высокой дисперсностью пигментов, получаемой специальным перетиранием порошков.

Основой для акварели является, как правило, бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Бумага, вырабатывавшаяся в старину, имела хорошие качества, так как для выделки ее уже с XIV века шло исключительно льняное волокно, являющееся наилучшим материалом в бумажном деле. В XVII веке для производства бумаги впервые был применен хлопок, волокно которого в значительной мере уступает волокну льна, и потому качество производимой с этого времени бумаги значительно понижается. Наше время отличается обилием бумаги и богатством ее сортов. Техника ее производства сильно продвинулась вперед. Для производства бумаги служат и материалы, применение которых было совершенно неизвестно в старину. Так, огромное количество бумаги выделывается в настоящее время из древесины, т. е. древесной клетчатки, которую доставляют хвойные породы дерева; идет в дело и солома, но более ценным материалом все же остаются хлопок и лен.

Во многие сорта бумаги, кроме растительной клетчатки, входят: шпат, гипс, каолин, мел, свинцовые белила, водный глинозем, а также для маскировки желтого тона ее синие краски: ультрамарин и берлинская лазурь.

Бумага, предназначаемая для акварели, должна:

обладать безукоризненной белизной

при смачивании водою не должна быстро всасывать ее

не должна содержать в себе следов химических веществ, имевших применение при фабрикации ее.

Кисти изготовляют из обработанного волоса (набирают волосяной пучок -- остроконечный или тупоконечный, закрепляют специальным лаком его нерабочую часть, вставляют в металлический капсюль, который соединяют с деревянной ручкой, покрытой бесцветным лаком) хвостов колонка, белки, песчаника, барсука, куницы. Лучшими кистями для акварели считаются колонковые, наиболее упругие и прочные среди других. Определить качество кисти весьма просто: если встряхнуть ее после опускания в воду и образуется острый конец, то инструмент готов к работе. Так должны выглядеть и кисти из волоса других животных, и чтобы они в дальнейшей работе сохраняли это качество, нужно уметь их хранить: не оставлять в краске по окончании работы, а хорошо промыть и встряхнуть или отжать воду промокательной бумагой, после чего завернуть в тонкую бумагу.

Палитра служит важным инструментом художника. На ней подбираются краски, смешиваются и подбираются искомые тона, на ней в продолжение всей работы хранятся заготовленные краски.

Чтобы отвечать своему назначению, палитра для акварели, во-первых, должна быть белой и непрозрачной. Белизна палитры, как и белизна бумаги, нужна для того, чтобы видеть краску на просвет, видеть ее такой, какой она будет выглядеть на бумаге. Во-вторых, палитра должна иметь разнообразные углубления для хранения разведенных красок в больших и малых количествах, места для смешения красок, места для приклеивания красок в плитках или выдавливания красок из тюбиков, место для влажной губки, тряпки или пропускной бумаги. Если палитра предназначена для мастерской, то хорошо, если она будет белой фарфоровой или светлой фаянсовой, достаточно большого размера. Палитру для работы на натуре целесообразно делать металлической, эмалированной, складной, белой внутри и черной снаружи.

Акварельный бачок с двумя отделениями предназначен для мытья кистей и хранения чистой воды для разведения красок. Для мастерской удобен бачок прозрачный, стеклянный; такой бачок позволяет видеть степень загрязнения воды. В походной обстановке нужен бачок металлический эмалированный либо сделанный из светлой резины, складной. Такой же удобный и небьющийся бачок можно сделать из пластмассы.

Мольберт для акварельной живописи делается особой конструкции. Кроме всех остальных требований, которые предъявляются ко всем мольбертам, он должен давать возм1ожность ставить подрамник под разными наклонами, начиная от горизонтального и кончая почти вертикальным положением. Главное для работы с акварелью - мобильность рабочей плоскости, потому что в процессе работы внезапно может понадобиться различный наклон планшета с живописью.

Мольберт для натурных зарисовок должен быть легким, портативным и вместе с тем достаточно устойчивым при ветреной погоде. Если нет на складном стульчике, планшет удобного мольберта или этюдника для работы стоя, то можно работать сидя для этюда держать на коленях, материалы расположить прямо на земле, постелив вниз клеенку, чтобы ничего не растерять и не испачкать.

Дополнительные принадлежности

Что вам еще может понадобиться:

карандаш, ластик, несколько салфеток, старое полотенце или парочка бумажных и несколько больших металлических заклепок для крепления бумаги к доске.

В мастерской необходимо оборудовать специальный стол для палитры, кистей, воды, бумаги, красок и других инструментов. Хорошо оборудованный стол освобождает от нервной суматохи, от поисков нужных инструментов и материалов, способствует спокойной и сосредоточенной работе.

Подбор инструментов и оборудования мастерской оказывают значительное влияние на ход работы как в техническом, так и в творческом отношении. Однако нельзя сваливать неудачи в работе целиком на неудовлетворительную обстановку, материалы, инструменты. Решает успех целеустремленный, творческий труд художника. Но нужно всячески стремиться приспособить существующую обстановку для улучшения работы; сколько позволяют условия, оборудовать рабочее место лучшими материалами и инструментами.

Начиная рассказ о технике акварели, нужно напомнить, что, собственно, значит в словарном смысле "акварель", так как ключ к пониманию кроется в самом слове. В статье О. В. Мамонтовой в Большой Советской Энциклопедии мы читаем: "Акварель (французское aquarelle, от итальянского acquerello, от латинского aqua - вода), краски (обычно на растительном клее), разводимые водой, а также живопись этими красками."

"Вода" - первое ключевое слово, на которое необходимо обратить внимание. В более широком смысле слово "вода" означает одну из четырех стихий, существующих в природе. От стихийности и непредсказуемости воды, соединенной с красками, и от умения мастера управлять влажностью живописного пространства и происходят все возможные варианты понимания акварели и способы владения ею. Это обстоятельство и выявляет настроение, темперамент и характер мастера в его произведении.

Приёмы в акварельной живописи. Чаще всего многослойная акварельная живопись - это живопись с предварительным общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы. В такой традиционной для русского искусства ХVIII-XIX веков манере работали и мастера Италии, Франции, Германии, Испании и, конечно, Англии, а в последствии и советские художники.

Классический способ, который в некоторых искусствоведческих работах называют "нарочитым", не свойственным акварельной живописи, активно применялся акварелистами ХIХ века в портретной живописи при моделировке лица, при изображении тканей, интерьеров, на отдельных участках фона и иногда в пейзаже. В настоящее время этот способ никто практически не применяет, очевидно из-за его трудоемкости. В начале ХIХ века способ широко применяли такие мастера, как П. Ф. Соколов, К. П. Брюллов, В. И. Гау, и многие известные и неизвестные художники. Данным способом в основном выполнялись миниатюрные акварельные портреты, но есть также и сюжетные сцены, и интерьеры.

Иллюстративно-декоративный способ

Этот способ, часто применяемый в современной иллюстративной графике, а также при выполнении декоративных работ, основан на одноразовом нанесении акварельного красочного слоя на определенный участок изображения со строго обозначенными границами. Все цветовые оттенки на данном участке должны плавно перетекать один в другой. Такие работы выполняются в условиях мастерской на основе собранного этюдного материала с натуры с предварительным карандашным эскизом в натуральную величину. Прекрасной темой для данного способа кроме иллюстрации являются композиции из цветов, всевозможных овощей и фруктов, словом, все то, что принято называть дарами природы, в сочетании с предметами быта. Гораздо реже это способ используется в пейзаже и практически не применим в портрете из-за своеобразных, порой неожиданных, цветовых заливок

Работа по сухой поверхности бумаги.

При этом способе поверхность бумаги не смачивается перед началом работы цветом, как при первом способе. Живопись ведется отдельными участками или, как говорят художники, "от куска". Участки приписываются друг к другу. Бумага для работы может иметь как ярко выраженную зернистую структуру, так и не очень заметную. Хорошо подходят листы не сильно проклеенные. Художники-акварелисты называют эту бумагу "мягкой". Такой способ акварельной живописи очень хорошо подходит для учебных краткосрочных заданий. Он используется также многими профессиональными художниками для решения творческих задач. Прекрасным примером применения этого способа живописи являются работы замечательного мастера акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой, которые можно видеть в собрании Государственной Третьяковской галереи и в различных учебниках по акварельной живописи. Последовательность работы по сухой поверхности бумаги такова: На лист бумаги нанести более подробный рисунок, чем при первом способе. Если работа не с натуры на природе, желательно сделать рисунок с предварительно выполненного эскиза, чтобы не испортить ластиком поверхность бумаги, исправляя ошибки. Затем лист прикрепить к планшету. Акварельную краску взять кистью большого размера в полную цветовую силу с некоторым запасом на пожухание, с активным набором воды и нанести на поверхность бумаги, заполняя цветом определенный "кусок" и добавляя, где это необходимо, дополнительные цветовые оттенки. К законченному "куску" приписать следующий и так далее до полного заполнения листа. Размеры "кусков" могут быть различными, они определяются характером изображаемого. Не совсем просохшие края отдельных соседних "кусков" в некоторых местах могут слегка перетекать друг в друга, образуя цветовые переливы, не требующие исправления и придающие работе своеобразную цветовую выразительность. После того как прописана практически вся поверхность листа, нанести дополнительные цветовые акценты, а также незначительные смягчающие размывки, которые не должны испортить свежесть работы. Кроме того, нужно заполнить цветом мелкие участки бумаги, остающиеся, как правило, между отдельными "кусками" в процессе работы. Впрочем некоторые художники сознательно оставляют участки чистой бумаги, используя это как своеобразный живописный прием. Планшет с листом бумаги в процессе работы можно наклонять под разными углами в разные стороны, направляя в нужном направлении текущий красочный слой.

Акварельно - графический способ.

Этот способ сочетает в себе графические и акварельные приемы. Он берет начало от подкрашенных гравюр и рисунка ХVIII - ХIХ века. Но если в них преобладающим было графическое начало, то в рассматриваемом способе рисунок и акварель выступают как бы равных, дополняя друг друга, когда штрих карандаша играет столь же важную роль, что и цвет, когда графическое и живописное начала оказываются слиты. Это очень хорошо просматриваются в акварелях П. Синьяка начала 30-х годов ХХ века, в которых он, активно используя основные цвета - желтый, красный, синий и зеленый, добавляя немного черный, следует одному из трех своих принципов: "…первоначальный карандашный набросок не должен исчезнуть под пятнами акварели, напротив, он должен быть отчетливо виден, чтобы "создать игру линий в пустотах, разграничивающих те пространства, которые надлежит расцветить". В начале ХХ века, сочетая акварель с графическими приемами, работали А. П. Остроумова - Лебедева, акварели которой носили более строгий цветовой характер, и позднее Д. И. Митрохин. Его работы отличаются выразительным линейным рисунком, поддержанным штриховкой в тенях и по форме предметов, и энергичным использованием акварели и даже в ряде случаев цветного карандаша. Акварельно- графический способ может быть успешно применен как в иллюстративных, так и в станковых работах, пейзаже, натюрморте и даже портрете. Мне приходилось пользоваться им в тех случаях, когда за сравнительно небольшое время нужно было сделать максимально выразительный этюд, чтобы зафиксировать увиденное, который затем использовался в последующей работе.

2.2 Этапы построения натюрморта

При рисовании натюрморта придерживаются общих правил последовательного изображения рисунка - «от общего к частному» и «от частного к общему». натюрморт акварельный живопись

Рисование натюрморта можно условно разделить на четыре этапа: схематизацию, типизацию, индивидуализацию и обобщение.

На этапе схематизации предметы размещают на листе бумаги, рисуя их упрощенную схематическую форму.

На этапе типизации выявляют форму предметов. На этапе индивидуализации стирают все вспомогательные линии и штрихи и переходят к индивидуальной проработке формы предметов, их светлоты, фактуры, освещенности.

На этапе обобщения приводят весь рисунок к единому целому, работая

«от частного к общему».

I этап.

Предполагает композиционное размещение изображения в листе бумаги.

Вопросы композиции уже решались в процессе выполнения эскизов-вариантов. Найденную композицию необходимо сохранить и перенести ее в формат листа. Для этого определяется наибольшая ширина и наибольшая высота всей постановки. Ограничив, таким образом, поле, в котором будет находиться изображение основных частей натюрморта, можно несколькими легкими линиями наметить место каждого из предметов и плоскость, на которой они установлены. Когда определена точка зрения, границы натюрморта и форма листа (вертикаль или горизонталь), можно приступать к рисованию.

Задача состоит в том, чтобы в процессе рисования не нарушать замысла, который у вас сложился. Поэтому нельзя рисовать, начиная с отдельного предмета, постепенно пририсовывая к нему остальную часть изображения. В этом случае неизбежно будут нарушены сравнительные размеры предметов, рисунок может не уложиться в лист или оказаться значительно меньше, чем нужно.

Начинают с наброска всей группы - ее нужно закомпоновать в листе легкими беглыми линиями, очертить весь натюрморт, устанавливая на листе места, где располагаются предметы. В этой работе вы встретитесь с задачей установить правильные соотношения размеров предметов. Рассмотрим все по порядку. Чтобы нарисовать что-либо на листе бумаги вначале надо построить изображение. Этим закладывается своеобразный фундамент для всего рисунка. Когда натюрморт построен в основном, необходимо уточнить пропорции предметов, их расположение и связи в группе.

II этап.

Уточняется место каждого из предметов относительно друг друга, определяются их пропорциональные отношения, выявляется конструктивная основа формы. Решение этих вопросов требует серьезного, внимательного анализа натуры. Нужно учитывать в каком месте находится кувшин по отношению к бокалу и чайничку; на сколько ширина кувшина меньше его высоты; на каком расстоянии от переднего края драпировки стоит кувшин; на сколько кувшин больше, чем бокал; это позволит более внимательно анализировать натуру, а, следовательно, быстрее понять закономерности ее строения. Для облегчения процесса построения формы предметов рисовать их лучше как бы прозрачными. Это, во-первых, даст возможность почувствовать пространственность формы, во-вторых, правильно изобразить ее на листе бумаги.

Все построение нужно выполнять легкими, без нажима линиями, тогда на последующих этапах их не потребуется стирать, они органично войдут в само изображение.

Объемность, рельефность формы мы воспринимаем только при наличии светотени. Поэтому, работая над рисунком, уже на втором этапе нужно определять большой свет и большую тень, в тенях сделать легкую прокладку тоном.

III этап.

Идет дальнейшее уточнение формы предметов, продолжается работа тоном. Изучив закономерности распределения светотени на геометрических телах различной формы, легко можно разобраться в светотональных градациях и на бытовых предметах. Сложность здесь только в том, что бытовые предметы в сравнении с гипсовыми геометрическими телами имеют еще и свой индивидуальный цвет и тон. Все предметы, так или иначе, различны по материалу, из которого они сделаны. Передний план желательно прорисовывать более подробно, чем второй и третий, намечать конкретные складки, очень внимательно и детально лепить форму. Дальний план более мягок, обобщен, нет конкретных четких переходов. Этот прием создает ощущение глубины в рисунке.

IV этап. Заключительный. Он предполагает процесс завершение рисунка.

Заключение

Каждый живописец видит в натюрморте средства для выражения собственного поэтического мира, что и отразилось в моей работе.

Своеобразие жанра натюрморт заключается в его больших изобразительных возможностях. Через материальную сущность конкретных предметов художник может в образной форме отразить собственные стороны жизни, вкусы и нравы, социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху.

Через целенаправленный отбор объектов изображения и их трактовку, он выражает свое отношение к действительности, раскрывает свои мысли и чувства.

В натюрморте художник обращается к миру неодушевленных вещей, выделяя их из всего большинства окружающего его мира.

В натюрморте нет предмета как такового, но героями стали сами предметы натюрмортной группы.

Можно оценить их материальные качества - их тяжесть, пластику форм, рельеф и фактуру поверхности, детали, а также их взаимодействие со средой - их жизнь в среде.

Совершая воображаемое путешествие в картину - натюрморт, человек различает планы в картине, понимает и принимает некоторые условности, диктуемые плоскостью холста.

Главной целью художественного развития ответственного отношения ко всему, что окружает нас в жизни.

Такое отношение лежит в основе искусства художественного освоения мира человеком.

У авторов художественных произведений в процессе решения творческих задач, связанных с созданием и восприятием художественных образов, и приобщение людей через переживание и сопереживание к полноценному художественному творчеству восприятию искусства.

В результате работы над заданием поставленные цели и задачи были достигнуты. История и особенности натюрморта, изучение и описание технологии акварельной живописи.

Эта курсовая работа помогла мне научиться самостоятельности, подобный труд обогащает знания, позволяет сделать множество творческих открытий, что немаловажно и в будущем мне обязательно поможет

Я более осознанно и целенаправленно стала использовать законы акварели. А также научилась эффективнее анализировать свою работу, критически к ней подходить, а значит видеть и исправлять ошибки.

Я думаю, что мне не стоит останавливаться на этом этапе своего творческого пути, необходимо расти и совершенствоваться.

Литература

1.Булгаков, Ф. Большая художественная энциклопедия / Ф.Булгаков - С.-П.: А.С. Суворина, 2007г.

2. Виппер, Б. Проблема и развитие натюрморта / Б. Виппер - К.: Азбука-классика,2005г.

3. Филатов, Ю., Данилова, И. Натюрморт в европейской живописи. / Ю.Филатов, И.Данилова - С.- П.: Аврора, 2001г.

4.Назаров, А.К. Основные способы акварельной живописи / А.К. Назаров- М.: Орбита, 2002г.

5. Сокольникова, Н. М. Основы композиции. / Н.М. Сокольникова - О.: Титул, 2000г.

7. Яшухин, А.П. Живопись / А.П. Яшухин - М.: Агар, 2006г.

8. Синюков, В. Натюрморт / В. Синюков - М.: Юный художник, 2011.

9.Пучков, А.С., Триселев, А.В. Методика работы над натюрмортом / А.С. Пучков, А.В. Триселев - М: Просвещение, 2011.

10. Могильцев, В., Основы живописи / В. Могильцев - Издательство: 4art., 2012г.

11. Авсиян, О., Композиция в работе с натуры / О. Авсиян - М.: Юный художник, 2003г.

12.Хосе М. Паррамон, Как писать натюрморт / Хосе М. Паррамон - М.: Арт. - Родник, 2000г.

13.Сарьян, М., Живопись, акварели, рисунки, иллюстрации, театрально - декорационное искусство / М. Сарьян - С.-П.: Аврора, 1987г.

14. Карцер, Ю.М., Рисунок и живопись: учебное пособие, 4-е издание, стереотип / Ю.М. Карцер - М.: Академия, 2001г.

15.Волков, Н.Н., Цвет в живописи / Волков Н.Н. - М.: Искусство, 1984г.

ПРИЛОЖЕНИЕ

Рис.1.

Рис.2.



Рис.3.

Рис.4.

Рис.5.Размещено на Allbest.ru

...