Художественно-стилистическое решение объектов эпохи Модерн

Размещено на http://www.allbest.ru/

КУРСОВАЯ РАБОТА

по курсу "История искусств композиция"

на тему "Художественно-стилистическое решение объектов эпохи Модерн"

Москва 2016



Введение

Модемрн (от фр. moderne -- современный) -- художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX -- начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. Несмотря на общие черты, стиль «модерн» в разных странах назывался и развивался по-разному: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siиcle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» в Германии, «стиль Сецессион» в Австрии, «модерн стайл» в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco -- украшаю) -- широкий раздел изобразительного искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким характеристикам: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия.



Зарождение модерна

Модерн сложился в условиях бурно развивающегося индустриального общества, обострения противоречий капитализма. В 1860--1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в простом воспроизводстве предыдущих художественных стилей. Однако в 1880-е годы после массового экспорта в Европу японских произведений искусства, отличавшихся своей лаконичностью и полностью противопоставлявших себя главенствующей европейской моде, в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приёмы. Новое поколение художников смогло создать современный художественный стиль как ответ на промышленное развитие и технический процесс, который отвергал показную роскошь капитализма.

Рисунок - Японская мебель 1880-1890 гг.

Принцип «великое - в малом» нашел свое воплощение в лаконизме выразительных средств. Влияние Японии выразилось и в пристрастии к асимметричным композициям, и в цветовом решении, и в доминанте декоративного начала.

Кроме заметного влияния искусства Востока, также прослеживается связь стиля модерн с искусством Древнего Египта и других древних цивилизаций, из которых первые модернисты черпали своё вдохновение.

Особенно широкое распространение получил модерн в декоративно-прикладном искусстве, которому присуще уподобление предметов и их отдельных деталей органическим формам.

В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле. Одной из отправных точек для формирования стиля послужило английское Движение искусств и ремёсел, во главе которого стоял поэт, художник и мыслитель Уильям Моррис (1834 - 1896). Также широкую известность получили «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. После 1910 значение модерна стало угасать. Завершилась эпоха модерна, как принято считать, с началом Первой мировой войны. Впрочем, этот рубеж условен, потому что стиль жив, пока художник творит в этом направлении. Стоит упомянуть, что до сих пор произведения этого стиля являются одними из самых востребованных в мире. После нескольких десятилетий забвения его достижения и язык снова интересны и актуальны.

Философия

Первыми модернистами были художники, считавшие, что духовная революция, которая неизбежно рождалась из кризиса старого мира, требовала отказа от социально-политического радикализма. Новой идейной платформой стала духовная революция как качественно новое сознание, новое жизнепонимание. Выступления художников-модернистов принимали форму анархического бунта против установившихся традиций и канонов искусства, а также против ограниченности мещанских вкусов и салонного искусства.

Теоретическую основу будущего стиля сформулировал Уильям Моррис. Он разделял мнение о превосходстве товаров ручного изготовления перед изделиями фабричного производства. По его убеждению, массовое производство приводит к деградации как создателя, так и потребителя товаров, в то время как индивидуальное искусство и дизайн могут изменить общественный уклад и улучшить качество жизни их создателей и потребителей. «Любое украшение лишено пользы, если оно не напоминает о чём-либо за пределами самого себя», -- это высказывание Морриса отражает его особое отношение к декоративно-прикладному искусству, как к инструменту возвышения образа мыслей. И центром всего творчества был человек -- прекрасный и совершенный, "мера всех вещей". Такова была концепция Морриса.

Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполнены в одном ключе. Вследствие этого возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.

Главным пунктом, выдвинутым мастерами модерна, было сближение понятий искусства и ремесла, а основными целями -- развитие и координация взаимодействия между художниками, промышленниками и торговцами.

Черты стиля

Модерн формировался в разные годы, в разных странах и различными художниками, как правило, не знавшими друг друга, но связанными общими идеалами и идеями. Поэтому данный стиль не был связан с национальными традициями стран, в которых он развивался. Отрыв модернизма от национальных традиций заложил основу для «интернационального стиля», не имеющего границ и воспринимался современниками как стремление к космополитизму.

В стремлении преодолеть эклектизм художественной культуры XIX века, мастера модерна использовали новые технические и конструктивные средства для создания необычных, подчёркнуто индивидуализированных по облику художественных изделий.

Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. Все изделия в стиле модерн отличается рельефностью, динамикой и текучестью форм, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов. Одним из основных выразительных средств в искусстве "модерна" был орнамент характерных криволинейных очертаний, часто пронизанный экспрессивным ритмом и подчинявший себе композиционную структуру произведения.

Как и ряд других стилей, модерн отличает также стремление к созданию одновременно эстетичных и функциональных изделий.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна. Орнаментальное начало объединяет все виды искусства "модерна".

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и написанных со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана, а также больших цветовых плоскостей. Всё это придавало картинам большую выразительность.

В живописи модерна присутствует символика линии и цвета, широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики. Распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др.

Основные черты стиля: предельная выверенность, филигранная точность выразительных средств, изысканность прихотливых змеящихся линий, цветущее изобилие и буйство, берущее начало в растительных и зооморфных формах или, напротив, минимализм и упорядоченная геометричность композиции. Рельеф, орнаментальный и сквозной, напоминающий по своей сложности кельтский - является органической частью конструкции, растет из самого существа «костяка», обыгрывая его особенности.

Объединения. Движение искусств и ремёсел

Участники этого английского художественного движения занимались ручной выработкой предметов декоративно-прикладного искусства, стремясь к сближению искусства и ремесла. Ядро движения составляли художники, архитекторы, писатели, дизайнеры, ремесленники, объединенные верой в превосходство предметов ручного изготовления перед изделиями фабричного производства. Утончённые эстеты видели, что массовое производство приводит к ухудшению внешнего вида и качества товаров. Целью движения, зародившегося в Великобритании, была популяризация традиционного ремесленного производства. Движение идеализировало самобытное творчество ремесленников средневековья, которое противопоставлялось бездушному, обезличенному машинному производству времён капитализма. Движение искусств и ремёсел стало реакцией на промышленную революцию, когда обиходную жизнь европейцев наводнили сработанные по одному трафарету, обезличенные предметы -- «ширпотреб». Сторонники движения «Искусств и ремесел» в продолжение средневековых ремесленных традиций образовывали гильдии и общества, каждое с собственным стилем, специализацией и лидерами. Там они обсуждали свои идеи и делились опытом.

Развитие движения «Искусств и ремесел» в Великобритании прошло две стадии. На первой стадии, когда движение возглавлял Моррис, его последователи черпали вдохновение в растительных и анималистических мотивах -- это особенно заметно на обоях по эскизам Морриса

Рисунок - обои по эскизам Морриса.

На второй стадии художники, в том числе Артур "Макмердо из Гильдии века, использовали абстрактный подход. Некоторые включали в дизайн элементы движения, другие -- экзотические мифологические мотивы. Керамика Уильяма, Моргана, фарфор Уолтера Крейна, металлические изделия с разноцветной эмалью архитектора и дизайнера Чарльза Эшби были выполнены в традициях второй стадии.



Рисунок - Керамика Уильяма де Моргана.

Рисунок - фарфор Уолтора Крейна.



Рисунок - графин (стекло, серебро) и пряжка для пояса (серебро, бирюса) Чарльза Эшби.

Страстные социалисты, участники движения были убеждены в том, что возврат к традициям ремесленничества повысит уровень жизни бедных слоев населения и, таким образом, сделает мир лучше. Иронией выглядит тот факт, что большая часть продукции ручного изготовления была так дорога, что покупать её могли лишь богатые промышленники, столь презираемые членами движения «Искусств и ремесел».

модерн стиль художественный искусство

Нансийская школа

Широкое распространение во Франции стиля модерн началось в 1895 году с открытия в Париже магазина "La Maison de l'Art Nouveau" Зигфидом Бингом. От названия этого магазина весь стиль Модерн во Франции получил название Art Nouveau.

Промышленным центром стиля Арт Нуво во Франции становится город Нанси. Здесь создается объединение "Alliance Provinciale des Industries d'Art", переименованное в 1901 году в "L'Йcole de Nancy" (Нансийская школа). В Нансийскую школу объединились несколько мебельных и интерьерных мастерских, возглавили школу два выдающихся дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель.

Для работ этих дизайнеров характерны такие приемы декорирования мебели, как применение облицовочной фанеры, техника маркетри, украшение бронзовыми позолоченными накладками. Эмиль Галле также применял резную рельефную инкрустацию, подбирая разные по структуре породы дерева. В темах для декорирования используются природные мотивы, цветы и насекомые (чаще всего мотыльки и стрекозы).

Рисунок - лампы, дизайнер Эмиль Галле.



Рисунок - мебель работы Эмиля Галле.

Для создания деталей мебели в мастерских Галле используются промышленные инструменты, но отделка и финишная обработка деталей производиться только вручную. В мастерских Мажореля ручной труд был максимально механизирован, основной упор делался на форму изделия, украшение чаще всего сводилось к бронзовым позолоченным накладкам и мебель его производства не так сильно декорирована как мебель мастерских Галле.

Рисунок - мебель, дизайнер Луи Мажорель.



Рисуник - Лампы и ваза, дизайнер Луи Мажорель.

В Нансийскую школу также входили такие видные мебельные дизайнеры как Эмиль Андре, Эжен Валлен, Камил Готье, Жак Грубер и многие другие французские мастера.

Рисунок - письменный стол с креслом, дизайнер Камил Готье.



Рисунок - Часы с парой подсвечников, Марсель Дюфран.

Рисунок - Экран для камина и двухстворчатая дверь, Эжен Валлен, Жак Грюбе.

Венские мастерские

Венские мастерские - объединение архитекторов, художников, ремесленников и коммерсантов, основанное в 1903 году в Вене дизайнерами Йозефом Хофманом и Коломаном Мозером.

Создатели Венских мастерских объявили себя реаниматорами эстетической составляющей в дизайне. Первоначально объединение уделяло особое внимание объединению утилитарности создаваемых изделий с их художественной выразительностью и высочайшим качеством. Все работы были авторскими и изготавливались в одном экземпляре.

Венские мастерские отличались своей безупречной чистотой, хорошим освещением и прекрасным отношением к рабочим. На образцах изделий Венских мастерских ставились не только монограммы дизайнеров, но и надписи сделавших их ремесленников, что отражало стремление кооператива к достижению равенства между художником и ремесленником. Его члены, особенно Хофман, отказывались делать товары более доступными по цене в ущерб их качеству и настаивали на использовании самых лучших материалов. Однако такой подход создавал известные трудности и препятствовал финансовому успеху.

Для привлечения интереса общественности художественные руководители Венских мастерских выбрали очень такую область графического дизайна, как открытки с картинками, которые ввиду их уникальности можно оставить себе на память в качестве небольшого произведения искусства.

В 1905--1910 гг. Венские мастерские достигли своего наивысшего расцвета в области декоративно-прикладного искусства. Произведения, созданные в эти годы, стали самыми красивыми памятниками тех времен. Гениальный конструктивизм архитектуры Хоффмана и уникальное декоративное искусство Климта стало фирменным знаком дизайна всей продукции Венских мастерских.



Рисунок - Открытки Венских мастерских.

Рисунок - Бокал из стекла и дерева, дизайнер Йозеф Хоффман.



Рисунок - Ваза из прозрачного и цветного стекла, дизайнер Коломан Мозер.

Рисунок - Кресло на каркасе из древесины бука, дизайнер Йозеф Хоффман.



Мир искусства

Мир искусства (1898--1924) -- художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 года членами группы. Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Дягилев. Объединение громко о себе заявило, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году.

Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника. С. Дягилев в одном из номеров журнала писал: «Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца». Признавая за художественным творчеством миссию духовного преобразования общества, члены «Мира искусства» утверждали принципы творческого индивидуализма, «свободного», «чистого» искусства. Общими для произведений членов «Мира искусства» были утончённая декоративность, изящная линеарность, иногда переходящая в орнаментику с использованием мотивов рококо и ампира, изысканное сочетание матовых, как бы искусственных тонов.

Рисунок - Декоративный мотив, журнал «Мир Искусств», Сомов К.А.



Рисунок - Обложка журнала «Мир искусств»

Рисунок - Цветной эстамп Остроумовой-Лебедевой.

Представители. Артур Макмердо

Невозможно не упомянуть и о других выдающихся художников, творивших в стиле модерн, которые, однако же, не состояли ни в каких объединениях или обществах. Одним из таких талантливых людей был Артур Макмердо (1851--1942). Он использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике. Лучшая и самая полная коллекция произведений Макмердо находится в Галерее Уильяма Морриса в Уолтемстоу, которой художник завещал большую часть своего наследия: графические работы, мебель, эскизы обоев и тканей.

Рисунок - Титульная страница книги «Церкви Рена в Сити»

Он также разрабатывал образцы тка ней, гобеленов, обоев, изделий из металла, для которых в начале 1880 годов были характерны извилистые растительные формы. Это предвосхитило формы сложившегося позднее стиля “модерн”.



Рисунок - Образцы тканей, дизайнер Артур Макмердо.

Рене Лалик

Рене Лалик - французский ювелир и стеклянных дел мастер, один из выдающихся представителей стиля модерн. Создавал динамичные, необычных форм произведения. Занимался производством разнообразных стеклянных изделий, в том числе ваз, осветительных приборов, ювелирных украшений с использованием цветного стекла, и фигур-символов для автомобильных радиаторных решёток.



Рисунок - Брошь и гребень, дизайнер Рене Лалик.

Рисунок - Автомобильные маскоты, дизайнер Рене Лалик.

Необычное цветное стекло и стекло с нанесённой на него цветной эмалью -- характерная особенность произведений Лалика. Рецепт знаменитого опалесцентного стекла до сих пор является «секретом фирмы».

Свой талант Лалик приложил и к созданию хрустальных флаконов для парфюмерной компании Коти и других.



Рисунок - Стеклянные флаконы для духов, дизайнер Рене Лалик.

В последние годы жизни Рене Лалик много занимался «крупными формами» -- оформлением гостиниц, церквей, ресторанов. Пароход Нормандия оформлен фирмой Лалик. Световые панели, люстры, бра, панели дверей, колонны, предметы сервировки, посуда, интерьерные украшения, фонтаны и многое другое выпущено фирмой в 1930-40 годы.

Рисунок - Стеклянные бра, дизайнер Рене Лалик.



Рисунок - Вазы, дизейнер Рене Лалик.

Рисунок - Торшеры, дизайнер Рене Лалик.

Альфонс Муха

Альфонс Мариа Муха чешско-моравский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «ар нуво». Этот поистине гениальный художник создавал великолепные картины, потрясающие своей особой атмосферой, шармом и бесконечным очарованием. Главный мотив его творчества - женская красота, природа которой виртуозно раскрывается в каждом произведении мастера. Для Мухи характерно создание серий картин, объединённых общим названием. Самыми известными среди них являются Времена года, Искусства, Цветы, Луна и звёзды, а так же серия картин Драгоценные камни.

Рисунок - серия картин «Искусства» Альфонса Мухи.

Альфонс Муха стал и одним из ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах и в виде плакатов - с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги.



Рисунок - Рекламные плакаты, автор Альфонс Муха.

Муха стал широко известен и как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.).

Рисунок - Эскизы мебели и столовых приборов Альфонса Мухи.



Луис Тиффани

Луис Комфорт Тиффани -- американский художник и дизайнер, стал наиболее ярким представителем витражного дела стиля модерн. Международное признание Тиффани принесли его изысканные изделия из стекла: витражи, абажуры, бижутерия. Произведения Луиса Комфорта Тиффани украшают храмы и частные дома. Крупнейшая в мире коллекция его ювелирных и стекольных изделий находится в музее «Метрополитен» в Нью-Йорке. Изобретённый им способ соединения небольших кусочков стекла с помощью медной фольги, а также новые виды созданных им стекол, произвели революцию в художественном стеклоделии. А техника Тиффани стала самой распространённой во всем мире для создания витражей, ламповых абажуров и других произведений декоративно-прикладного искусства из цветного стекла.

Рисунок - Витражные лампы Тиффани.



Рисунок - Витражи «Магнолии и ирисы» и «Павлин», 1908 и 1910 гг.

Рисунок - гребень, дизайнер Тиффани.



Список литературы

Сюзи Ходж. «Искусство: 50 идей, о которых нужно знать»

Владимир Шевельков, Владимир Корнеев. «Модерн». Издательство: Симпозиум, 1998.

Уильям Харди. «Путеводитель по стилю АР НУВО». Издательство: Радуга, 2015.

Елена Борисова, Георгий Хардин. «Русский модерн». Издательство: Советский художник, 1990.

Камилла де ла Бедуайер. «Луис Комфорт Тиффани. Лучшие произведения». Издательство: Арт-Родник, 2010.

Размещено на Allbest.ru

...