Виды и особенности техники работы разными графическими материалами

Размещено на http://www.allbest.ru/

ВВЕДЕНИЕ

Альбрехт Дюрер "Поистине, искусство заключено в природе; кто умеет обнаружить его, тот владеет им."

Рисунок - это одно из древнейших искусств, возникших в процессе развития человечества. Рассматривая наскальные рисунки первобытных людей, фрески и рельефы древнеегипетских храмов, древнегреческую вазопись, портреты древних римлян, средневековые витражи и книжные миниатюры, живописные полотна эпохи Возрождения, изделия прикладного искусства различных эпох, авангардную графику XX столетия, можно говорить о рисунке как о основе всех этих изображений.

Рисунок графическими материалами востребован в нашей жизни, которая требует, учитывать современный ритм. Рисунок мягкими материалами прост в техническом исполнении, и востребован в эстетическом. Рисунок мягкими материалами, так как это - самая удобная и гибкая техника для проявления творческой фантазии, в основном в этой технике используются приближенные по цвету и тону материалы. Особенно графические материалы используются в создании набросков и беглых очерков, но также их можно использовать для долгосрочных рисунков, которые получаются необычными и очень интересными.

Самые разные по своему характеру и назначению изображения, выполненные различными художественными материалами, называют рисунками. Окружающий нас мир и есть предмет изображения художника, фиксируемый в разных образах. Область предназначения рисунка просто невозможно представить. Он используется как в дизайнерских задумках, так и в педагогической деятельности. Рисунок является основой каждой из идей, зарождаемых в мыслях человека. Нельзя забывать его значимость и пренебрегать его законами и правилами, лишь потому, что без них мы не сможем создать целостную, уравновешенную и гармоничную работу. Нужно помнить о перспективе, необходимо уделять большое внимание построению. Важно учитывать правильно расположенное направление штриха, которое поможет подчеркнуть объем на свету и в тени. Но самое важное в рисунке целостность восприятия композиции, которую постоянно нужно контролировать, возвращаясь к этому этапу снова и снова.

Самое основное в практике художника - это, конечно, стремление показать в работе все возможное разнообразие линий, штрихов, тональных пятен, из сочетания которых складывается индивидуальная манера исполнения, смело и неповторимо выраженная в законченном рисунке. Путь к такой манере, естественно, длинный и трудный, связан с волей, многократными усилиями, где не должно быть места разочарованию при первых неудачах. Исходя из вышесказанного, можно выяснить, что в нашей жизни важно значение применения в рисунке графических материалов, так как это прекраснейшая игра форм и линий, создающих неповторимость каждого рисунка, обладающего прекрасными сочетаниями.

Объектом курсовой работы являются мягкие материалы.

Предмет исследования: Выразительность работы графическими материалами

Цель исследования: изучить виды и особенности техники работы разными графическими материалами.

Задачи курсовой работы:

- освоить техники мягких материалов для целостного рисунка;

-изучить виды мягких материалов;

-изучить техники работы мягкими материалами.

Методы работы

Теоретические методы: анализ искусствоведческой и методической литературы, обобщение, систематизация, синтез, сравнение.

Практические методы: сбор теоретического и практического материала по технологии рисунка.



ГЛАВА 1. ТЕХНИКА ГРАФИЧЕСКИХ МАТЕРИАЛОВ

1.1 История графических материалов

От искусства древневосточной цивилизации, искусства Древнего Египта и Древней Греции, эпохи средневековья и всех более поздних периодов истории обучение изобразительному искусству начиналось с изучения рисунка.

Рисунок -- древнейший вид изобразительного искусства. Первобытный человек острым предметом процарапывал изображения на кости и камне, рисовал минеральными красками на стенах пещер. Ведь первобытный художник эпохи палеолита высекал контур бизона и закрашивал его натуральными красками, имевшимися в его распоряжении, для того, чтобы получить магическую власть над зверем и подготовиться к успешной охоте. От чего во многом зависела его жизнь и жизнь всего племени. Но дикарь - живописец раскрывал свое знание формы и характера, которое он получил в результате наблюдения за поведением животного. То есть, познание действительности шли рука об руку с ее непосредственным изображением, и чем ближе первобытный художник подходил к реальности, тем больше ему нравился результат его труда.[6]

В искусстве древнего мира господствовал контурный линейный рисунок, в котором отсутствовали штриховые моделировки и светотень. Его великолепные образцы дошли до нас в древнеегипетских росписях или на греческих вазах. В средние века принципиального различия между рисунком и живописью не было. Средневековые миниатюры или витражи обычно представляют собой расцвеченный рисунок. Лишь в позднее средневековье живопись и рисунок отделяются друг от друга. Было установлено, что наскальная живопись появилась за 10 тысяч лет до нашей эры; вероятно, мы всегда были увлечены созданием изобразительных образов. [7]

Вплоть до XV--XVI вв. рисовали на деревянных дощечках, пергаменте. Только в эпоху итальянского Возрождения художники смогли выработать изысканную технику изображения на бумаге. Рисунок эволюционирует от линий выдавленных или процарапанных к линиям нарисованным, силуэту, штриховке, к цветовому пятну. В эпоху Возрождения большинство итальянских рисовальщиков, принадлежащих к флорентийской и римской школам, вырабатывают строгую, линейную манеру рисунка. Они тщательно прорабатывают штриховкой пластические формы, придавая изображению особую насыщенность и живую выразительность. Таковы рисунки А. Мантеньи, Леонардо да Винчи, Микеланджело. (Пр.А №1) противоположность им венецианские художники рисуют в свободном, энергичном, несколько эскизном стиле. В рисунках Тициана,(Пр.А №2) П. Веронезе, Я. Тинторетто главную роль играют легкий живописный штрих, пятно. Эти приемы близки эмоциональной живописи венецианских мастеров. И скульптор, и живописец занимали тогда заметное место в обществе, и у хороших мастеров постоянно была работа.[10] Художники Возрождения, такие как Микеланджело, чтобы справиться со всеми заказами, нанимали многочисленных помощников и возглавляли больше мастерские. В течении XV в. происходит борьба между двумя системами рисования: готической, линейной, орнаментально плоскостной и ренессансной с ее органическим восприятием природы и пластической моделировкой форм. На рубеже XV и XVI в. в. происходит усовершенствование итальянских рисунков. Причем это происходит в двух направлениях.[6]

Появляется новый вид рисунка - набросок пером движения, позы, даже поворота головы или очень беглого эскиза композиции. Иногда это - набросок будущей фрески или алтарной картины, иногда - совершенно самостоятельный замысел, который нельзя рисовать в другой технике. Так рисунок становится самостоятельным, автономным искусством. Хотя в 18 веке и не появилось большого числа крупных мастеров, интерес к заказанным портретам сохранялся. Французский живописец Ватто оставил великолепные зарисовки фигур, голов и драпировок в своей в любимой манере: красным, черным и белым мелом. (Пр.А №3)

Джованни Батиста Тьеполо, возможно, величайший художник 18 века, для своих рисунков, которые и сегодня считаются непревзойденными шедеврами, использовал технику карандаша и поверх него прозрачного мазка кистью.[11]

И в то же самое время входит в употребление перекрестная штриховка, придающая пластическую выпуклость формам и создающая иллюзию пространственной глубины. Уже тогда применялись в рисунке бистр, тушь, разноцветные чернила, акварель, белила. Из сухих материалов применялись графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель. Из инструментов - кисть, перо гусиное и тростниковое и, наконец, бумаги самых разнообразных цветов, белые, тонированные и грунтованные. К тому времени графитный карандаш уже получил широкое распространение, и именно им Констебл с особой утонченностью и выразительностью рисовал в своих альбомах множество маленьких деревенских видов Суффолка

Портреты все еще были в моде, и зарисовки, сделанные французским неоклассицистом Энгром, были столь реалистичными и живыми, что ни у кого не вызывало сомнений их сходство с моделью. Соотечественником и великим соперником Энгра был Делакруа, чье искусство - по сравнению с работами Энгра - было более свободным и романтичным. Он не только делал эскизы для масштабных исторических полотен, но и зарисовывал все, что привлекло его внимание. В эпоху, предшествующую появлению фотографии, рисунок для Делакруа был единственным способом запечатлеть этапы своего путешествия в Марокко, предпринятого им в 1832 году.(Пр.А №4)Современники художника утверждают, что он рисовал день и ночь, боясь пропустить что-нибудь из своих арабских впечатлений.[12]

Все это привело к исключительному богатству технических и художественных приемов рисунка. Русская школа ХVIII и XIX вв. также внесла много нового в технику рисунка. Кроме старых, уже известных материалов, применялись отечественные - обожженный графит, графит олонецкий без глянца. Применяли цветную и белую бумагу. Рисовали на тонированной бумаге с использованием ее тона, что избавляло рисунок от излишней перегруженности листа. Кипренский, Брюллов и ряд других учеников Академии виртуозно владели техникой рисунка.[3]

Среди великих мастеров 19 века был художник - приверженец новых форм, чье искусство объединило в себе все предшествующие традиции. Это был Эдгар Дега, искусство которого на протяжении всей жизни опиралось на рисунок.(Пр.А №5) Даже будучи уже немолодым и зрелым мастером, он копировал работы других художников, чтобы углубить понимание живописи и усовершенствовать свою технику. Дега оставил огромное наследие в виде рисунков, пастелей и гравюр, но ко времени его смерти в 1917 году в живописи стали прослеживаться модернистские тенденции, стремительно развивающие изобразительный язык, который он вряд ли бы принял.[9]

С этого времени рисунок приобрел не только многогранность выражения, но и стал отличаться по разные стороны Ла-Манша. В то время как во Франции, вдохновленной успехами таких художников, как Анри Матисс, развился модернизм, Англия сохраняла верность традиции.[5]

Во всех течениях, существовавших в искусстве Англии на рубеже 19-20 веков, неизменно подчеркивалась важная роль рисунка, который продолжал быть основой обучения живописи.

Мастером, считающим рисунок основой современной живописи, является Дэвид Хокни. Вдохновленный работами Пабло Пикассо, обладавшего экстраординарным диапазоном творческих манер и «не ограничивающего себя “формализмом”, Хокни наслаждается лиризмом и силой простых линий. Предпочитая выразительную красоту рисунка «современным» подходам.

За столетия, прошедшие с того времени, когда рисунок стал особым художественным явлением и в силу этого обрел равноправное положение среди живописи и графики, оставаясь тем не менее и их основой, он претерпевал изменения вместе с художественными задачами. На определенных этапах изобразительное искусство имело огромное социальное значение. В такие периоды рисунок не мог не привлекать пристального внимания, как художника, так и своего зрителя.[11]

Художник ищет разнообразия в технике рисования, обогащая изображение смешением разных материалов (карандаш с углем, уголь с сангиной и т.п.). Зритель видит в рисунке объективность, критическое отношение художника к формам жизни. Натура художника должна вмещать в себя глубокую и острую впечатлительность, отзывчивость ко всему прекрасному, гармоничному в окружающей среде и искусстве, устойчивость к влияниям художественной среды, многостороннему и мощному воздействию бытующих в ней вкусов. Только подобное условие оградит художника от уступок всем внешним воздействиям в ущерб своему таланту.[3]

Подводя итоги, можно сказать, что рисунок как самостоятельная разновидность графики был и будет одной из важнейших частей мировой художественной культуры.

1.2 Виды графических материалов

Тот, кто хочет научиться рисовать, должен хорошо знать материалы рисунка, их особенности и свойства. Правильно выбранный материал и свободное владение им помогают художнику успешно решать поставленную задачу.

Со времени появления бумаги основными материалами рисунка остаются: карандаш, сангина, соус, уголь, перо, пастель. Познакомимся ближе с каждым из них.

Наиболее распространен графитный карандаш.(Пр.А №6) Карандаши выпускаются различной твердости и обозначаются буквами: В (мягкий), Н (твердый), F(средний) и соответствующие цифры. Кроме графитного художники и дизайнеры применяют различные цветные карандаши и карандаш «Ретушь», напоминающий своими свойствами прессованный уголь. Графитный карандаш - могучее средство в руках художника, он одинаково удобен как в учебных, так и творческих работах. Из всех сухих материалов рисунка графитный карандаш самый простой и доступный. Его серый тон по-своему приятен, а некоторый блеск не мешает в работе. Разнообразие графитных карандашей - дополнительная их ценность: можно создавать и графические рисунки и тонально-живописные. Издавна человек использовал природные пигменты как подручный материал для изображения. Качество графита зависит от степени однородности его массы, плохой графит царапает по бумаге. Характерный тон графитного карандаша - серый или серо-черный, если его сравнить с угольным тоном. Графитным карандашом можно писать, рисовать, чертить. В этом отношении он универсален. Техника применения графитного карандаша в сравнении с другими сухими материалами рисунка не представляет особой сложности. Графит хорошо ложится на любую бумагу и не осыпается. Рисунок графитным карандашом может быть линейным, линейно-штриховым и тонально-живописным. Студенты могут использовать остро заточенный карандаш, чтобы проследить все мелкие подробности натуры, а также его боковую сторону, чтобы моделировать объем пятном. Для усиления тона в рисунке обычно подключают более мягкий карандаш. Для длительных линейно-штриховых рисунков используется плотная бумага - ватман, желательно фирмы «Госзнак», для тонально-живописных зернистая. Стирают неудавшиеся места в рисунке обычными резинками, как мягкими, так и жесткими, а также так называемой клячкой. При очень сильных перегрузках рисунка его можно облегчить при по- мощи мелко раскрошенного, не очень свежего хлеба. Положив в горизонтальном положении рисунок, следует насыпать на него хлебную крошку, и затем протереть - таким образом, не нарушая очертания рисунка, можно высветлить его целиком или отдельные места рисунка до любого тона.

Не менее популярна и сангина.(Пр.А №7) Натуральная сангина - продукт минерального происхождения, состоит из глинистого вещества, окрашенного безводной окисью железа, залегает в вулканических породах, имеет природный обжиг. Сангина имеет интенсивный, красно-коричневый светоустойчивый цвет. Впервые сангина была найдена в Италии, затем во Франции, есть она и в России. Но сангина вырабатывается и искусственным способом по различным рецептам в виде круглых и квадратных палочек. Выпускается сангина и в деревянной оправе в виде карандаша. Сангина, которая при растушевывании меняет цвет, царапает бумагу и осыпается с нее, считается плохой. Ценность ее определяется мягкостью, ровной растяжкой тона, насыщенным светоустойчивым цветом, относительно прочным сцеплением с поверхностью бумаги [5] Рисовать сангиной можно на различных бумагах. Для длительных рисунков лучше употреблять ватман и все плотные бумаги с шероховатой поверхностью. Для набросков можно использовать бумагу низших сортов, по возможности зернистую, годится и оберточная бумага. Сангину можно сочетать с другими материалами, например с углем, карандашом, мелом, используя при этом тонированную бумагу или картон, лучше серых, голубоватых, зеленоватых и других холодных оттенков. Следует помнить, что от излишнего трения бумага становится ворсистой, и на ней работать дальше становится все трудней. Фиксировать работы, выполненные сангиной, нужно только по необходимости, лучше всего медленно высыхающими фиксативами: снятым молоком или желатином, разбавленными водой. Рисунки темнеют от всех фиксативов, особенно от быстросохнущих, т. е. спиртовых. Лучше всего оформить работу в паспарту и в раму со стеклом[4]

Так же не менее известен соус.(Пр.А № 8) Как материал появился в конце XVIII - начале XIX в. Особенно широкое распространение получил в России, где большим мастером рисунка в этой технике проявил себя И. Н. Крамской. Необычайно глубокий по тону, с приятной бархатистой поверхностью соус отличается от многих других материалов, применяемых в рисунке, широким тональным диапазоном. Соус приготовляется из порошка тонкого помола, в который добавляется слабый раствор растительного клея. Затем соус прессуется и продается в виде цилиндрических палочек. Соусом можно работать двумя способами: сухим и мокрым. Соус великолепный материал для рисунка и богатство его технических приемов и возможностей далеко не исчерпаны.[5] Для сухого способа палочку растирают о кусочек шероховатой бумаги или лезвием наскабливают в порошок. Затем, взяв эту образовавшуюся на бумаге пыльцу на растушку, наносят ее на рисунок, предварительно подготовленный карандашом. Растушку можно сделать из мягкой бумаги, из замшевой тряпочки или тампона из ваты. Моделируют в начале основные формы и по мере необходимости пользуются то одним, то другим инструментом. При желании усилить тона в теневых местах добавляют порошок соуса и тотчас же растирают эти пятна тампоном ваты. Детали моделируют и завершают чаше всего угольным карандашом, дающим однородную с соусом матовую поверхность. Можно также использовать и саму палочку сухого соуса, предварительно ее заточив. Если необходимо снять соус с бумаги, пользуются резинкой, клячкой, тряпочкой или ватой. Надо отметить, что сухой соус имеет плохое сцепление с поверхностью бумаги, легко стирается и осыпается, поэтому не позволяет прибегать к штриховой технике исполнения рисунка. Рисунки, выполненные сухим соусом, рекомендуется хранить под стеклом.[3]

Уголь несомненно, это одна из древнейших техник рисунка. До XV в. рисунок рассматривался лишь как подготовительный этап создания произведения. (Пр.А №9) Уголь (ивы или липы)легко стирался и позволял вносить изменения и поправки. Им пользовались еще в античности для исполнения эскизов настенных темперных или фресковых композиций. Это был способ работы с этюдом на деревянной основе из самшита или смоковницы, покрытой подмалевком (мел или костяная мука, смешанная с клеем). Лишь в середине XVI в. были предприняты первые попытки зафиксировать уголь на основе (чаще всего на бумаге), смачивая его маслом. Затем стали погружать сам рисунок в водную баню с добавлением гуммиарабика; такие рисунки болонской школы XVII в. хорошо сохранились. Но только в XIX в. Уголь окончательно стал самостоятельной техникой рисунка. [3]

Перо.( Пр.А №10) Как правило, для рисунков пером (обычное школьное или чертежное перо) используется черная тушь или черные чернила. Перо является отличной школой воспитания руки и глаза при работе пером ошибки почти не исправимы. Это заставляет студентов быть особенно внимательными и осторожными при работе над рисунком. Поэтому техника рисунка пером рекомендуется как отличная школа тренировки верности руки, точности глаза. Четкость линии в перовом рисунке удобна для графического искусства, и, в частности, для книжной графики. Раньше для перового рисунка применял различные виды перьев - гусиные, тростниковые. Сейчас применяют стальные перья разных размеров, а также гелевые ручки. Линия, проведенная пером, предельно ясна, категорична. Разнообразие тонов, получаемое в других материалах нажимом различной силы, высветлением резинкой, размыванием водой, здесь достигается только сочетанием штрихов, их толщиной и частотой.

Пастель. (Пр.А №11) [-тэ-] (от лат. pasta - тесто) -- группа художественных материалов, применяемых в графике и живописи (согласно современной музейной классификации, работа пастелью на бумаге относится к графике). Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением. Пастель бывает трёх типов -- «сухая», масляная и восковая. Масляная пастель производится из пигмента с льняным маслом путём прессовки. Аналогично производится «сухая» пастель, за тем исключением, что не используется масло. Основу замеса восковой пастели составляют воск высшего качества и пигменты. Масляная пастель считается материалом учебным, в то время как её сухой аналог используется как в учебных целях, так и в чисто художественных. В технике «сухой» пастели широко используется приём «растушёвки», что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета. Существует два основных вида сухой пастели: твёрдая и мягкая. Мягкие пастели состоят в основном из чистого пигмента, с небольшим количеством связующего вещества. Подходят для широких насыщенных штрихов. Твердые пастели реже ломаются, так как содержат большее количество связующего вещества. И прекрасно подходят для рисунка, ведь сторону палочки можно использовать для тона, а кончик для тонких линий и проработки деталей

Для рисования пастелью нужна фактурная поверхность, которая будет удерживать пигмент. Рисунки пастелью обычно выполняются на цветной бумаге. Тон бумаги подбирается индивидуально, учитывая задачи рисунка. Белая бумага мешает оценить насыщенность главных цветов.

Есть три типа бумаги для пастели: наждачная бумага -- предназначена для художественных работ, продаётся в листах большого формата; пастельная доска -- выполняется из крошечных частиц пробки; бархатная бумага -- имеет бархатистую поверхность. Бархатная бумага позволяет использовать в работе минимальное количество фиксажа. Также можно использовать бумагу для акварели, при необходимости тонируя её с помощью чая или кофе.[6]

Исправления обычно вносят на ранних стадиях рисунка. Для удаления большого количества цвета используют широкие кисти из щетины. При этом планшет с рисунком надо держать вертикально, это позволит лишним частичкам падать вниз и не втираться в бумагу. Также используется ластик или кусочек хлеба (белый -- без сдобы). Но этот метод неприменим при работе на наждачной и бархатной бумаге. Лезвием бритвы можно соскоблить тонкие штрихи.

Для защиты пастельного рисунка от смазывания и осыпания его надо зафиксировать. Для этого подойдет обычный лак для волос или специальный фиксатор. Будет достаточно пары легких распылений. Зафиксированный рисунок слегка теряет свою пастельность, цвета становятся более глубокими.

Фломастеры -- появившиеся недавно специальные цветные карандаши. (Пр.А №12)Начинающему художнику не стоит увлекаться ими, так как при внешней эффектности линии их грубы и однообразны. Неопытного художника злоупотребление фломастером может привести к заученности приемов и поверхностной манере рисования.

В книгах о рисунках старых мастеров часто стоят обозначения материала, которым выполнен рисунок. Это сепия, бистр, итальянский карандаш, серебряный карандаш, свинцовый карандаш. Они в наши дни употребляются очень редко. Коротко познакомимся с ними.[7]

Бистр -- прозрачная коричневая краска, изготовляемая из древесной сажи. Им рисовали кистью, как акварелью, и пером, как тушью, а также сочетая эти способы[7].(Пр.А №13)

Сепия -- коричневая краска, приготовлявшаяся из внутренностей моллюска. Рисовали кистью. Сейчас в акварели есть краска сепия, ее изготовляют искусственным путем.(Пр.А №14)

Свинцовый карандаш, серебряный карандаш, иногда называемые штифтами,-- это стержни из серебра или свинца, металлов, оставляющих на бумаге тёмный след. Они могли быть в оправе, как карандаш, и без нее.[6](Пр.А №15)

Итальянский карандаш, иногда называвшийся французским, выглядел как обычный карандаш, с более черным и мягким стержнем.[4](Пр.А №16)

Все перечисленные материалы можно сочетать друг с другом, это расширяет изобразительные средства рисунка. Сочетания встречаются самые разнообразные и зависят от цели и склонностей художника, но есть классические, испытанные, давшие много выдающихся образцов. Это рисунки карандашом на тонированной бумаге с использованием сангины, а также мела или белил в самых освещенных местах изображения; сочетание угля, сангины и мела (или белил); пера и акварели.

ГЛАВА 2. МЕТОДИЧЕСКИЕ ПРИЕМЫ РИСУНКА МЯГКИМИ МАТЕРИАЛАМИ

2.1 Рисунок мягкими материалами животных

Рисунком животных человек увлекался еще с первобытных времен, эти рисунки до сих пор уникальны, практичны и выразительны. Для того чтобы рисовать животных обязательно нужно изучить особенности строения, важно передать его характерные черты, чтобы большинство рисунков животных не были однообразны. Чтобы понять и усвоить общий тип строения и принцип движения различных зверей, достаточно изучить основы пластической анатомии одного или двух животных, например кошки или лошади. Существуют определенные правила и принципы, позволяющие выделить нечто общее, характерно для всех видов. В рисунке животных все усилия должны быть направлены на то чтобы изобразить животное в естественном виде. Рисунок животных мягкими материалами должен быть точным и лаконичным. рисунок изобразительный графический живопись

Конструктивной основой строения животных служит скелет.

Скелет является несущей конструкцией тела, защищает важные органы, служит местом прикрепления мышц, обеспечивая тем самым условия для их деятельности. Структура его у всех животных одинакова, видоизменяются лишь пропорции и характер формы.(Пр.Б №1)

Если внимательно проанализировать разнообразные внешние формы позвоночных - млекопитающих, птиц, ящериц и даже рыб, можно обнаружить, что у всех есть голова (череп), позвоночник с грудной клеткой, передний и задний пояса конечностей. Ни у одного животного нет прямого позвоночника. Когда голова находится в естественном положении, позвоночник от головы до хвоста прогибается.

У всех животных структура конечностей единая, изменяется лишь форма костей, пропорции и местоположение. У человека пяточная кость низкая и опирается в основном на пятку. Все звери и птицы опираются либо на кости пясти и плюсны, либо на конечности пальцев. Так, например, лошадь и корова опираются на кончики пальцев (их копыта соответствуют ногтю человека).[14]

Конструкция тела всех позвоночных основывается на одинаковых принципах независимо от того, являются ли животные быстрыми или медлительными, крупными или мелкими.

Несущая конструкция тела млекопитающих обычно сравнивается с балкой, лежащей на четырех опорах. При этом роль балки играет осевой скелет - позвоночник и грудная клетка, а опорами служат передние и задние конечности.

Конструкции передних и задних конечностей не бывают совершенно одинаковыми, что связано с их расположением по отношению к центру тяжести тела.[13]

Плечо направлено назад от места прикрепления, бедро - вперед. Под углом к проксимальному отделу через локтевой и коленный суставы прикрепляются предплечье и голень.

Мускулатура, безусловно, влияет на форму тела животного, но косвенно. Роль мускулатуры ясно видна при сравнении истощенных и упитанных животных.[6]

Мышцы, прежде всего своей массой определяют объемные пропорции разных частей тела. Определенные мышцы или их группы играют незначительную роль в облике животного, и то разве что при его движении.

Так, мышцы конечностей, главным образом таза и бедра, а также мышцы предплечья ясно видны под кожей лошади, тянущую тяжелую поклажу. Сухожилия пальцев ясно обозначаются у крупных кошачьих при прыжке. На висках верблюдов видны двигающие жевательные мышцы во время пережевывания жвачки. У животных, находящихся в состояние покоя видны отдельные мышцы или сухожилия, например у собак, крупных кошек, антилоп всегда заметно ахиллесово сухожилие над пяткой.

В общих чертах мы рассмотрели пластическую анатомию животных, которую необходимо нам при выполнении зарисовок и набросков. Так с чего начать рисунок?

Проще всего начать с внешних контуров, - так обычно и поступают начинающие рисовальщики. Вначале совсем неплохо попрактиковаться в таком контурном рисовании или, точнее, срисовывании, хотя такой подход нередко осуждается профессионалами. Нельзя, очевидно, полностью исключить этот момент пассивного изучения, но нельзя и слишком задерживаться на нем. Обязательно нужно вникнуть в те внутренние структуры, которые определяют характер внешних форм. И здесь недостаточно одного или двух даже самых тщательных анатомических рисунков. Чтобы понять структуру, необходимо выполнить множество рисунков животных в разных движениях. Прорисовывать в каждой из позиций скелетную и мышечную основу с той же тщательностью, что и в анатомическом атласе - занятие малопродуктивное. Очевидно, для учебных упражнений требуются более простые, сокращенные схемы, с одной стороны, верно передающие общую анатомическую конструкцию, с другой, такие, которые легко воспроизвести за несколько секунд. На рис вы видите сокращенную графическую схему построения фигуры животного: каркасы, изображающие основные элементы и суставы скелета, формы, условно (овалами), передающие мышечные массы, очертания, как бы обтекающие вокруг намеченных форм. В готовом рисунке все вспомогательные построения убираются; остается только внешний контур (его лучше обвести пером или гелиевой ручкой). Остается добавить некоторые характерные детали: нарисовать глаза, нос, рот, уточнить форму ушей, лап, хвоста. Построение каркаса и форм значительно облегчается, если рисующий знает и помнит наизусть названия всех элементов конструкции конечностей животного.

Значит ли это, что нужно начинать с каркаса, затем рисовать формы, и завершать рисунок прорисовкой очертаний? По-видимому, наилучшее начало - общий приблизительный контур. Пусть он будет неясным, но все, же образом, а не схемой. Что за животное вы хотите изобразить, должно быть понятно уже на этом этапе. А сходство зависит от характерных деталей, особенных пропорций. Все это можно найти, делая зарисовки с натуры, копируя работы мастеров, рассматривая фотографии или даже рисуя по памяти после внимательных наблюдений. Анатомические схемы нужны для проверки, корректировки первоначальных набросков.

И только тогда, когда вы убедились в том, что все элементы анатомической структуры на месте и правильно взаимосвязаны, можно приступать к детальной моделировке, изобразить текстуру, окраску, передать освещение.

Рассмотрим на примере рисунка лошади

Научиться рисовать лошадь достаточно сложная задача, поскольку требуется точное отображение в рисунке пропорций этого самого красивого и грациозного животного. Но, если рисовать лошадь поэтапно, то вполне можно ее правильно нарисовать даже детям. На этом уроке, мы научимся рисовать стоящую лошадь, шаг за шагом, вырисовывая ее очертания. Картинку бегущей лошади рисовать сложно даже художнику, поэтому сделайте, вначале рисунок лошади стоящей неподвижно, а после этого урока можете попробовать нарисовать другие рисунки лошадей, в том числе и бегущую лошадь. Самые сложные элементы рисунка лошади - это задние ноги и голова лошади, обратите на эти детали особое внимание. На сайте есть урок о том, как нарисовать голову лошади поэтапно простым карандашом. Посмотрите его тоже, он поможет вам правильно рисовать лошадь.[13]

1. Как нарисовать лошадь, первый шаг рисунка

Все уроки рисования построены на использовании геометрических фигур, в качестве первоначальных контуров рисунка любого животного. Рисунок лошади выполнен таким же способом. С помощью трех окружностей нарисуйте основные части туловища и соедините их линиями, как на моем рисунке. Рисовать эти контуры несложно, но важно точно расположить их на листе бумаги по отношению друг к другу. Постарайтесь этот шаг рисования лошади сделать как можно точнее.[13](Пр. Б №2)

2. Добавьте на рисунке контуры ног

На этом шаге нужно нарисовать контуры ног, шеи и головы. Начните с линии шеи лошади. Для этого нужно лишь добавить к уже нарисованной еще одну верхнюю линию шеи. Небольшим кружочком пометьте на рисунке, где будет заканчиваться голова лошади. После этого можно приступить рисовать контуры ног. Начните вначале рисовать передние ноги. Для этого нарисуйте две пары небольших кружочков и соедините их прямыми линиями. Вместо копыт нарисуйте треугольники. Задние ноги сложнее получаются, может быть, потому что они сгибаются не вперед, а назад. И обратите внимание, линии ног начинаются не из центра окружности, а немного смещены влево.[13](Пр. Б №3)

3. Общий контур лошади

Проверьте внимательно, все ли пропорции лошади соблюдаются. Не слишком ли большая голова и короткие ноги? Задние ноги согнуты назад? Проверьте расстояние между копытами, передние ноги почти сомкнуты, а задние стоят так, словно лошадь готовится бежать. Если вы уверены, что все нарисовали точно, тогда перейдем к следующему шагу.[13](Пр. Б №4)

4. Рисунок лошади почти закончен

На этом шаге рисовать ничего не будем, просто удалите с рисунка теперь уже лишние контуры. Подправьте линии, которые вы нечаянно удалили, и посмотрите, как просто оказывается нарисовать лошадь. Уже на третьем шаге рисования у вас получилась настоящая красивая лошадь, остается лишь нарисовать хвост и в деталях нарисовать голову.[13](Пр.Б №5)

5. Осталось нарисовать еще несколько деталей

Первые шаги рисунка очень простые, но требуют внимания, чтобы первоначальные контуры были точно расположены по отношению друг к другу. От их расположения зависят пропорции лошади. Последующие шаги требуют внимания к мелким деталям. Нужно тщательно нарисовать глаза, ноздри, уши лошади. Для рисования мелких деталей карандаш должен быть острым. Не забудьте нарисовать хвост.[13](Пр. Б №6)

6. Последние штрихи рисунка

Вы теперь умеете рисовать лошадь, но нужно еще научиться наносить тени. Это сложная техника, но используйте простое правило освещения объекта. Свет падает справа, значит, участки слева будут темнее. Попробуйте создать тени на лошади, копируя их с моего рисунка. Можно попробовать рисовать лошадь цветными карандашами и даже красками.
В этом уроке мы использовали приемы рисования лошади, которая стоит неподвижно. Если вы хотите нарисовать бегущую лошадь или даже несколько бегущих лошадей, можно использовать для этого фотографии лошадей, используя этот урок как базовый материал для выполнения других рисунков лошадей.[13](Пр. Б №7)

2.2 Рисунок мягкими материалами человека (портрет, фигура)

Портрет

Портрет - один из древнейших жанров изобразительного искусства. Портретный образ есть результат взаимодействия портретиста и модели.

Нередко качество портрета зритель определяет только по наличию сходства изображения с оригиналом. Но портрет - не механический слепок с лица: портрет есть художественный образ. В образе портретист выражает свое понимание модели, отношение к ней. Точность изображения должна совпасть с верной и глубокой оценкой характера, структурой личности.[6]

С чего начать. Пропорции лица. (Пр. Б №8)

Прежде чем начать рисовать портрет, внимательно осмотрите лицо вашей модели (портретируемого) и выделите его индивидуальные особенности. Это может быть родинка, мимические морщины, особая форма носа или глаз. Сопоставьте форму лица Модели с классической схемой пропорций лица человека, знание которой позволяет художнику-портретисту рисовать красивые и профессиональные портреты. Начинающий художник должен обязательно изучить человека. [8]

Как передать сходство.

Разделите лицо модели на три равные части и отметьте, как распределяются черты лица относительно друг друга. Затем внимательно рассмотрите Модель, чтобы понять, в чем именно его или её черты лица отличаются от схемы. Они обязательно отличаются, ведь каждый человека уникален. Среди этих отличий может быть лоб более высокий или низкий, глаза ближе или дальше друг к другу и т. д. Важно порисовать лицо с разных точек зрения - в анфас или профиль, чтобы понять индивидуальные особенности лица портретируемого. Тогда сам процесс написания портрета пройдёт быстрее и уверенней. [15]

Глаза находятся примерно на середине лица. Расстояние от линии роста волос до линии бровей, как правило, равно расстоянию от линии бровей до основания носа и от основания носа до подбородка. Нижняя губа расположена на линии, делящей пополам расстояние от носа до подбородка. Расстояние между глазами равно длине одного глаза, которая в свою очередь, равна ширине носа. Ширина рта равна расстоянию от одного зрачка до другого. Верхняя часть уха лежит на одной линии с бровями; нижняя часть уха - на одном уровне с основанием носа.[15]

Если в общем посмотреть на распределение светотени, то прочитывается конструкция кубика: лицевая часть - одна плоскость кубика - в тени, черепная коробка- как светлая плоскость кубика- на свету, боковая часть- ее грань можно заметить по линии трехчетвертного поворота- еще одна плоскость, которая находится в полутени.

Посмотрите на нос - такой же принцип используется и для прорабатывания светотенью его формы, шея- цилиндр, светотень распределяется на его основе, подбородок - не вырезан, видно нижнюю его плоскость, которая дает понять, что подбородок - объемен и эта нижняя плоскость его "поворачивает" к цилиндру шеи.

Очень часто трудно "посадить" глаза в глазничные впадины, чтобы они не получались как "жабьи", выпячены. Или не получались плоскими. Нужно постараться прочувствовать глубину залегания глазного яблока, не забывать о том, что глазное яблоко покрыто нижним и верхним веком. А над глазами нависают надбровные дуги, от которых тень падает на глаза.

Заметьте, как светотень распределяется по волосам: они не везде одинаковы по тону - верхняя часть на свету, а височная - в полутени, четче прорабатываются волосы по височной линии, так как там голова "заворачивается" в затылочную часть - тем самым показывается, что волосы находятся на объеме головы.

Конечно, если поменять расположение источника света, то все светотеневые отношения будут строиться по новой. Но принцип поиска их один и тот же.

Ну и удачный поиск пропорций тоже помогает, конечно,- как общего объема, так и отдельных деталей и пропорциональных соотношений между ними. Если портрет не будет похож на самого позирующего вам человека, то это однозначно означает, про пропорциональные отношения в рисунке головы человека правильно не найдены.

В любом случае, как бы вам не хотелось, но по - началу ошибки и трудности будут, от них никто никуда не денется. Не нужно этого бояться или стесняться. Это учебный процесс, который в зависимости от того, сколько вы тратите рабочих практических часов, постепенно превращается в нормальный, профессиональный рисунок. И чем больше будете рисовать, тем меньше будете использовать линий построения, которые будут помогать в рисунке на подсознательном уровне. Но это не сейчас. Если, рисуя портрет человека у вас получится нормальный результат, то при рисовании гипса вы просто будете щелкать орешки (это написано тем людям, которые начали учиться рисовать портрет человека без дополнительного разбора рисунка гипсовой головы).

Выбор изобразительных средств никогда не должен быть случайным. Если у студента имеется опыт работы различными материалами (кисть, перо, мягкий карандаш и т.д.) то дело за малым - нужно правильно выбрать подходящий материал для выполнения поставленных задач. [22] Изучение графических материалов при выполнении зарисовок не самоцельно стоит внимательно отнестись к правильному выбору графического материала в соответствии с размером предполагаемого изображения (не следует применять такие материалы, как уголь, сангина при выполнении рисунков малого размера (30х40), лучше всего воспользоваться набором мягких карандашей, степень мягкости от ТМ до 3М. или шариковой (гелиевой) ручкой). Чтобы правильно определиться с выбором графических материалов, посмотрите рисунки старых мастеров. Следует отметить, что обобщить опыт предыдущей работы в использовании различных методов и средств можно только самостоятельно. Зарисовки выполняются на листах 20х30.

Таким образом, рисование портрета не ограничивается знаниями анатомии . Для того что бы научится рисовать человека ужо иметь большую практику рисования. Нужно научиться правильно, рисовать голову, части лица. Это ключ к правильному построению портрета, а так же развитию способностей мастера

Фигура

Изображение человека - это одна из глобальных задач художника. Для овладения принципами реалистического рисунка необходимо изучить основы пластической анатомии человека, то есть от чисто внешнего поверхностного восприятия и слепого копирования его форм нужно перейти к глубокому изображению, опирающемуся на знания закономерностей внутренней структуры.

Пластическая анатомия изучает органы, образующие внешние формы тела: скелет, суставы, мышцы, детали лица, основные движения и пропорции, равновесие и центр тяжести, а также методику изображения фигуры на анатомических основах, то есть построение фигуры на основе скелета и обобщенных мышечных массивов и проработку деталей, основанную на разборе и использовании анатомических подробностей.[15]

Для каждого художника необходимо знать особенности рисунка фигуры, существует четыре основных этапа:

1. Создание композиции на листе;

2. Построение пропорций и движение от крупной формы до проработки всех деталей фигуры;

3. Тональное и графическое решение;

4. Окончательное уточнение всех деталей и приведение рисунка к целостному решению

Расположение фигуры на листе:

От верхнего края листа до головы должно быть 1-1,5 см а от нижнего края до ног - 2-2,5 см.

Для обучающегося самыми общими рекомендациями могут быть:

1. определить композиционное расположение габаритных размеров изображения в формате листа;

2. схематично (линиями) нанести оси частей тела в движении с отметками пропорциональных отношений;

3. Возможно, схематично зарисовать анатомические реалии тела (костного скелета, групп мышц);

4. Прорисовать очертания фигуры и одежды.

5. Исходя из задач, выявить объем светотеневой моделировкой формы.

При рисовании обычно стараются соблюдать законы воздушной и линейной перспективы, но не обязательно. Однако даже в линейном рисунке можно выявлять объем и пространство нажимом на карандаш при рисовании разных планов: контрастно на переднем и нюансно на дальнем плане. В изображении фигуры важно под одеждой и под кожей убедительно проявлять анатомию человека. В условиях быстрой работы для убедительного рисунка важно особо обратить внимание на три основных составляющих изображения человека: анатомичность, характерные особенности фигуры, движение.

Анатомичность.

Под анатомической составляющей подразумеваются закономерности связанные с пропорциями и костно-мышечным строением.

А) Такие факты как раса, пол, возраст, наследственность, среда обитания, физиологические особенности и индивидуальные различия позволяют при изучении пропорций учитывать лишь средние размеры людей, наиболее часто встречающиеся в жизни. Особенно в этой связи принято в каждом конкретном случае измерять пропорции и переносить углы с натуры. За единицу измерения или модуль при анализе фигуры общепринято принимать голову человека. В историческом развитии изобразительного искусства утвердились два общепринятых канона: восьмикратное деление и 7,5 голов в фигуре. Современный канон в изображении взрослого человека выше 180 см., роста составляет около 8 голов, для среднего роста от 165 до 180 см - 7,5 голов, для роста ниже 165 см - от 6 голов в фигуре человека.

Разработкой канона занимались: Л. да Винчи, который за модуль брал длину лицевой части головы человека, а так же А. Дюрер, который вывел канон восьмикратного деления фигуры, т.е. равного восьми длинам головы, при котором сверху от макушки вниз на оси откладываются:

1 отметка - подбородок;

2 отметка - линия сосков на груди;

3 отметка - приблизительно область пупа, локтевого сустава, нижние углы грудной клетки;

4 отметка - лобковый симфиз (лонное сращение);

5 отметка - середина бедра, окончание верхних конечностей при выпрямленном теле;

6 отметка - нижняя граница колена;

7 отметка - середина голени;

8 отметка - стопа (уровень земли).

Для 7,5-кратного канона сверху вниз следует отметить 4 раза длину головы. Измерение пятой отметки следует начать выше на половину длины головы. Смещение происходит в области симфиза на половину головы. Этот канон вывел П. Рише.

5 отметка - от углов подвздошных костей (на 0,5 головы выше симфиза) до верхнего края колен;

6 отметка - широкая часть икроножных мышц;

7 отметка - голеностопный сустав;

7,5 отметка - стопа (уровень земли).

Для обеих ситуаций область симфиза делит фигуру человека пополам. Ширина плеч достигает 2-х высот головы; рука в горизонтальном положении от грудной кости соответствует 4-м высотам головы, при опущенном положении - 3,5 голов; нога - 4 головы. Кисть равна лицевой части головы.[20]

Рассмотрим пропорции мужской и женской фигур, модулем служит голова, укладывающаяся 8 раз.(Пр.Б №9,№10) Внимательно сравнивая средние данные для развитой фигуры видим: ширина плеч женской фигуры на голову меньше мужской; ширина таза женской фигуры больше мужского. Расположение пупка у женской и мужской фигур находится на линии, разделяющей фигуры на две равные части (район большого вертела), различны. Изучая рисунки, выясняется: рука, согнутая в локте у женской фигуры, лежит выше уровня пупка; у мужской - на уровне пупка, и почти на уровне подвздошных костей. Заметна разница в длине рук от макушки головы до среднего пальца вытянутой вдоль тела руки. На рисунках хорошо прослеживается разница в длине бедренных и берцовых костей мужской и женской фигур. [15]

В действительности редко случается у людей такие пропорции, но знать их необходимо, чтобы видеть отклонения от них и лучше понимать индивидуальные пропорции живой натуры. Курс академического рисования ставит задачу перед обучающимися - знание объективных законов рисования фигуры человека, знание основных правил изобразительного искусства. Хорошее знание пластической анатомии фигуры человека исключает многие нелепости подстерегающие студентов в работе. Например, если при рисовании человека в одежде у рисующего нет достаточного знания формы обнаженного тела, то на рисунке получается изображение не одетого человека, а всего-навсего пустой одежды, подобно тому, как незнание элементарной анатомии (скелета), при рисовании животного приводит к созданию рисунка кожи животного, а не его самого в целом.[19]

После выделения особенностей строения тела, необходимо заняться тоном, для фигуры подойдет такой материал как сангина, имеющая теплый приятный оттенок, который прекрасно подходит для тона тела.

Преобразовывая светотеневые градации важно помнить, что все сложные формы состоят из простых. Важно к концу работы сохранить целостность рисунка и не потерять рисунок в листе, соблюдая пропорции и не терять рисунок, а основываться, а нем.



ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Подводя итоги можно сказать, что графические материалы неотъемная часть рисунка, с помощью которой создается рисунок. На примере рисунков великих художников можно представить, а сколько рисунок прекрасен и разнообразен, своими тоновыми и цветовыми градациями. Изучение рисунка увлекает художников и помогает внести что-то новое в искусство. Несмотря на то что рисунок уже довольно древнее искусство, он остается до конца неизведанным, позволяя экспериментировать, совершенствоваться и развиваться вместе с рисунком

Будущему дизайнеру необходимо формировать способность творить, создавать нечто новое. Его мышление должно быть не только логически стройным и системно целостным, но и гибким, пластичным, динамичным, образно ярким, живо реагирующим на малейшие изменения в проблемно-содержательном поле его профессиональных интересов. При этом он должен уметь сознательно и целенаправленно трансформировать, обогащать и перестраивать весь арсенал своих разносторонних знаний, методов и средств в новую системную целостность в соответствии со спецификой каждой новой творческой задачи.

Я думаю, что добилась поставленной цели. Рассмотрев большое количество разных графических материалов, познакомилась с их особенностями.

Изучив их на практике, и увидев, что работать разными материалами и разными техниками очень интересно и удобно, так же использовав мягкие материалы, увидела, что за короткий промежуток времени можно создать прекрасные портрет или рисунок фигуры, животных, наброски. Техника работы графическими материалами, сложна, но она быстро осваивается и становится незаменимой для художника.

Рисунок очень важен для художников и дизайнеров, особенно с таким ярким разнообразием графических материалов, так как такой рисунок тренирует, профессиональные навыки, разрабатывая фантазию и опыт.

В заключение можно привести слова замечательного русского художника К.П. Брюллова: ЎмРисовать надобно уметь прежде, нежели быть художником, потому, что рисунок составляет основу искусства; механизм следует развивать от ранних лет, чтобы художник, начав размышлять и чувствовать, передавал свои мысли верно, и без всякого затруднения; чтобы карандаш бегал по воле мысли: мысль повернется, и карандаш должен повернутьсяЎн.



ГЛОССАРИЙ

Растушевка- это,размазывание штриха по листу пальцем или каким-нибудь инструментом вроде кусочка ваты, ватной палочки или ластика-«клячки».[16]

Штрих- (от лат. strictus -- узкий, сжатый) -- изобразительное средство графического искусства, один из основных элементов рисунка. [17]

Графика-(др.-греч. гс?цйкьт -- письменный, от др. греч. гсЬцщ -- записывать, писать) -- вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. (Цвет также может применяться, но, в отличие от живописи, здесь он традиционно играет вспомогательную роль.[18]

Рисунок -- изображение на плоскости, созданное средствами графики. [18]

Тон- светосила, которая зависит от освещения, собственной окраски предметов, степени их удаленности от наблюдателя.[19]

Пропорции-(лат. proportio -- соразмерность) -- соразмерность всех частей художественного произведения или архитектурного сооружения, их соответствие друг другу и определенное соотношение с целым.[20]

Преспектива - это рисунок, имеющий одну исчезающую точку, куда тянутся в “бесконечность” параллельные друг другу в реальности линии.[21]

Размещено на Allbest.ru

...