Типология искусств в концепции культуры П. Сорокина

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования Российской Федерации

Магнитогорский фИЛИАЛ

мОСКОВСКОГО ПСИХОЛОГО-СОЦИАЛЬНОГО ИНСТИТУТА

реферат по культурологии

Магнитогорск 2002

План

1. Идеациональное искусство

2. Идеалистическое искусство

3. Чувственное искусство

4. Эклектичное искусство

Список литературы

религиозный литература живопись эклектичный

1. Идеациональное искусство

К этому типу принадлежит религиозное искусство. Типичными памятниками религиозного искусства являются мавзолеи-гробницы исламского периода в Индии. Они помещались в прямоугольный парк с четырьмя входами, ориентированными по сторонам света. Гробницу окружали водоемы, прогулочные дорожки, места для созерцания усыпальницы. Среди них, бесспорно, ведущее место занимает Тадж-Махал -- мавзолей императора Шах Джахана и его любимой жены Мумтаз Махал. Построенный в 1640 году из белого мрамора на берегу реки Джамны, мавзолей поражает своими пропорциями, архитектурным решением и пышностью декора, его стены и перегородки из белого мрамора обильно инкрустированы драгоценными и полудрагоценными камнями (драгоценные камни были похищены англичанами во время штурма Агры в ходе подавления восстания 1857 года).

Среди других гробниц можно выделить мавзолеи императоров Хумаюна в Дели и Акбара - в Сикандре. До сих пор величественно возвышаются построенные из красного песчаника крепости-дворцы в Дели, Агре, Голконде, а также Мертвый город -- Фатехпур-Сикри, бывший когда-то кратковременной столицей императора Акбара.

Эти архитектурные памятники наряду с древними буддистскими и индуистскими храмами являются гордостью индийского народа, создавшего великое самобытное поэтическое искусство.

Одной из самых блистательных страниц в истории развития индийской культуры является живопись. Традиции мусульманской и древнеиндийской книжной иллюстрации тесно переплетаются. Вглядываясь в миниатюру, видишь красивые женские фигуры в движении.

Есть одна часто повторяющаяся странная деталь - глаза изображаемых персонажей выступают за контуры лица, что создает необычный колорит. На миниатюрах хорошо подобраны элементы ландшафта и архитектуры. Живопись пришла на службу иллюстрирования бхакт-причтей, излагающих индуистское учение. Это в первую очередь иллюстрации к легендам. Особенно много иллюстраций посвящено народному божеству -- Кришне, одному из воплощений бога Вишну. Многочисленные эпизоды его жизни, главным образом его юности, были множество раз воспеты и изображены в живописи. Бог пастухов Кришна вырастает среди простого народа, ворует масло, играет, забавляется вместе с детьми пастухов, гоняется за прелестными пастушками. Его любовь к прекрасной Радхе стоит в центре перипетии его жизни. В индийских миниатюрах почти всегда просматривается контраст между многокрасочным передним планом и простым одноцветным (красным или голубым) фоном.

Еще один памятник религиозного искусства - ведическая литература. Веды относят к концу II тысячелетия до н. э. В течение многих веков Веды передавались из уст в уста. Ведическая литература состоит из произведений четырех категорий:

1. «Самхиты», или сборники гимнов, молитв, заклинаний, магических формул. Существуют четыре Самхиты, из которых «Ригведа» является наиболее древней и важной. Гимны «Ригведы» представляют собой молитвы, обращенные к богам, среди которых основное место занимает бог Индра, помогающий ариям в их войнах с аборигенами. Религиозная индийская мысль считает Веды откровением бога Брахмы, каждый из четырех ликов которого создал по одной Веде.

2. «Брахманы» представляют собой прозаический комментарий к Ведам. Они были созданы в VIII - VI вв. до н. э. и отражают господство касты жрецов в жизни общества, в котором была широко развита система жертвоприношений. «Брахманы» подробно разрабатывают сложный ритуал принесения в жертву, определяют жертвенное животное, соответствующее социальному статусу жертвователя.

3. «Араньяки», или «Лесные книги», являются как бы продолжением «Брахман». Однако в них больше внимания уделяется созерцанию природы как высшей духовной деятельности, что с течением времени привело к формированию философских школ. Вероятно, «Араньяки» были созданы для аскетов, живших в лесу вдали от людей и не имевших возможности совершать сложные ритуалы жертвоприношений.

4. «Упанишады» - это религиозно-философские трактаты, включающие тайные поучения, которые наставники дают во время беседы своим ученикам. Таким образом, «Упанишады» - сокровенные знания, доступные только посвященным. Основа «Упанишад» - учение о всеобщем единстве, единстве абсолютного объективного начала (брахмана) и субъективного начала (атмана). Здесь же развиваются теории кругооборота рождений (сансара), воздаяния за совершенные дела и поступки (карма), избавления от цепи перерождений (мокша), нравственного закона (дхарма) и др.

2. Идеалистическое искусство

Примером идеалистического типа искусства, на мой взгляд, служит скульптура классической Греции: Фидий, Мирон, Поликлет. Так, величайший скульптор V в. до н. э. Фидий, главный помощник Перикла при реконструкции Акрополя в Афинах, создает грандиозные скульптуры Афины Промахос, Зевса Олимпийского и Афины Парфенос. Под его же руководством увидело свет скульптурное убранство Парфенона. Его образы наделены одухотворенной красотой и жизненностью. Фидию удалось органично включить скульптуру в архитектурные сооружения.

В своих творениях «Дискобол», «Афина и Марсий» и других утверждает силу и красоту человека Мирон. В теоретическом трактате «Канон» Поликлет выводит цифровой закон идеальных пропорций человеческого тела, а потом воплощает свои расчеты в знаменитой статуе «Дорифор», изображающей юношу сильного, красивого, спокойного. Этот образ стал нормой представлений греков о совершенстве человека.

Дальнейшее развитие скульптуры связано с возрастанием интереса к внутреннему миру человека. На смену мужественности и суровости образов классики приходит скульптура, где авторам удается пластическими средствами передать тонкий и богатый душевный мир. В работах «Афродита Книдская», «Отдыхающий сатир» знаменитый античный мастер Пракситель (390 - 330 до н. э.) воссоздает изящную и одухотворенную красоту. Его героям свойственны душевная взволнованность, грусть, задумчивость. Уроженца острова Парос Скопаса (IV в. до н. э.) в скульптурных образах проявляется драматическое напряжение духовных сил. Мастеру удается передать накал эмоций, порой трагический надлом, который нарушает гармоническую ясность, столь свойственную высокой классике. Его «Менада» - спутница Диониса - изображена в стремительном танце: так с помощью движения художник передает бурный порыв страсти. Скульптура Скопаса рассчитана на круговой обзор. Игра светотени усиливает впечатление динамики образа. Третий скульптор IV в. до н. э. Лисипп, работая в бронзе, ставил перед собой иные задачи. Его интересует человек в момент душевного спада, когда он далек от состояния идеального совершенства. Лисиппа интересуют модели, которые позволяют ему передать сложный, а порой и противоречивый внутренний мир. Его «Апок-симен» - спортсмен после состязаний, усталый, отдавший выступлению все силы.

Еще один пример идеалистического искусства - творчество Джотто ди Бондоне - основоположника европейской живописи. Основные работы Джотто - фрески. Объясняется это тем, что в Тоскане в это время шло большое строительство дворцов и церквей. Художники делали в них росписи, поэтому фреска и стала главным видом их творчества. Самые знаменитые фрески Джотто находятся в Капелле дель Арена в Падуе. Они написаны такими сияющими красками, что и сейчас, 700 лет спустя, капелла похожа на ларец, усыпанный драгоценными камнями. В капелле размещено 37 картин на библейские темы: «Поклонение волхвов», «Поцелуй Иуды», «Иоаким у пастухов» и другие. Следует особенно отметить изображение художником жизни и страданий Христа.

Джотто отвергает средневековый канон, требовавший выражения примата духа над телом, проявлением чего были бестелесные удлиненные фигуры, строгие большие глаза, ноги, лишь слегка касающиеся земли. У Джотто образы материальные: массивные приземистые фигуры, крупная голова, узкий разрез глаз. Переживания героев естественны: отсутствует театрализация. Отказавшись от плоского золотого фона, принятого в средневековой живописи, художник помещает фигуры в интерьер или в пейзаж, часто вводя в него элементы архитектуры.

Не владея законами перспективы и допуская неточности в анатомии, Джотто умел передать ощущение пространства, придать фигурам объемность. Он был не только живописцем, но и выдающимся архитектором.

«Джотто был гением такой необычайной силы, что во всем мироздании не нашлось бы такого, чего он не мог бы изобразить» -- так высоко оценил творчество Джотто его современник Джованни Боккаччо. А другой его современник -- крупнейший поэт эпохи проторенессанса, ставший классиком мировой литературы, Данте Алигьери прославил Джотто в своей «Божественной комедии» во второй ее части -- «Чистилище».

3. Чувственное искусство

Яркий пример чувственного типа искусства - «Апассионата» Бетховена. Двадцать третья соната («Апассионата») была закончена в 1805 г., в то время, когда композитор находился в расцвете творческих сил, но глухота уже неотвратимо преследовала его. Он избегал любого общества, кроме близких друзей, и посвятил сочинение одному из них - Франку фон Брунсвику.

По масштабам соната приближается к симфонии. В ней три части: первая - драматическое сонатное аллегро, вторая - медленная, сосредоточенная, третья - бурный финал, написанный в сонатной форме. Первая и последняя части показывают противостояние человеческой воли и стихийной, роковой силы. Название как нельзя лучше отвечает духу произведения: авторская пометка «apassionata» означает по-итальянски «страсть».

«Апассионата» внутренне связана с Пятой симфонией, в которой ярче всего выразилась главная тема творчества Бетховена -- борьба человека с судьбой. У этих произведений общий круг образов; короткая ритмическая структура в первой части «Апассионаты» перекликается с темой судьбы из Пятой симфонии. Этой теме дано название самим композитором. «Так судьба стучится в дверь», -- писал Бетховен. Есть сходство и в драматургии цикла: заключительные части и сонаты, и симфонии идут без перерыва; тем самым подчёркивается стремительность и необратимость событий. Но если «Апассионата» завершается самой драматической частью (здесь борьба только начинается), то в Пятой симфонии противостояние и напряжение разрешаются триумфальным радостным финалом.

Другой пример - Песни Шумана. Центральное место в вокальном наследии Роберта Шумана занимают два цикла 1840 г. -- «Любовь и жизнь женщины» и «Любовь поэта». Первый цикл написан на стихи немецкого писателя Адельберта фон Шамиссо. Содержание его предельно просто: встреча девушки с возлюбленным, счастливое замужество, рождение ребёнка и... внезапная смерть супруга. Обычная житейская история. Однако героиня Шумана -- личность неординарная, женщина сильная и глубоко чувствующая. Её вокальная партия насыщена сложными мелодическими оборотами, которые передают все оттенки переживаний. Немалая роль в создании музыкального портрета принадлежит партии фортепиано. Это уже не изысканный фон (как у Шуберта), а полноправный участник действия, нередко выходящий на первый план. Именно фортепиано вносит надежду в трагический финал цикла -- после скорбного монолога героини, оплакивающей смерть мужа, звучит развёрнутое фортепианное заключение. Эта музыка -- аккомпанемент первой песни, рассказывающей о встрече влюблённых, и её строгая, светлая простота придаёт всему произведению внутреннюю умиротворённость.

Для «Любви поэта» композитор взял стихи из цикла Генриха Гейне «Лирическое интермеццо». Сочинение Гейне - повествование о юношеской любви, на которую автор в пору зрелости смотрит со снисходительной усмешкой. В трактовке Шумана это рассказ о сильном и зрелом чувстве, которое то окрыляет героя, то заставляет страдать (так как любимая женщина отвергает его). Песни цикла поражают разнообразием форм и вокальных приёмов, сложностью фортепианной партии. Короткие зарисовки сменяются длинными монологами, и в них нередко используется речитатив. Финал цикла «Любовь поэта» -- развёрнутый фортепианный «монолог». Одни исследователи считают, что здесь дан образ возлюбленной, забыть которую герой не в силах. Другие полагают, что это более глубокий образ -- романтическая мечта о красоте, без которой творчество немыслимо.

Ну и последний пример - «Фантастическая симфония» Берлиоза. Произведение состоит из пяти частей, что для музыки того времени являлось новшеством. Берлиоз руководствовался не традициями жанра, а конкретным сюжетом собственного произведения. К каждой части композитор написал специальное пояснение-программу.

Музыкальный стержень симфонии - тема возлюбленной, которая становится лейтмотивом. Лейтмотив (нем. Leitmotiv - «ведущий мотив») - это музыкальная фраза или тема, появляющаяся в нескольких (иногда во всех) частях произведения как характеристика какого-либо персонажа, предмета, чувства или идеи. Тема возлюбленной звучит в каждой части симфонии, но в зависимости от отношения героя к любимой изменяется.

В первой части - «Мечтания. Страсти» - тема возлюбленной становится главной. Музыка рисует светлый и нежный образ. Вторая часть -- «Бал». Картину бала создаёт тема вальса, которую исполняют струнные инструменты. Особое изящество звучания достигается благодаря аккомпанементу двух арф (впервые введены в состав оркестра именно Берлиозом) и отсутствию фаготов и труб. Когда на балу появляется возлюбленная, вступают деревянные духовые - возникает тема возлюбленной (написана в ритме вальса). На короткое время она приковывает к себе внимание слушателя, но вскоре вновь возвращается мелодия вальса.

Третью часть - «Сиена в полях» - можно назвать музыкальным пейзажем. Переклички пастушеских рожков (в оркестре их изображают гобой и английский рожок), пение птиц, картина умиротворённой природы - всё это противопоставлено подавленному состоянию героя, предчувствующего измену возлюбленной. Её тема звучит уже иначе, словно подчёркивается независимость от первоначальной мелодии. Напряжение нагнетает и мрачный аккомпанемент струнных и духовых в низком регистре (виолончели, контрабасы, фаготы).

Четвёртая часть - «Шествие на казнь». Герою снится, что он убил возлюбленную, осуждён на смерть и его ведут на казнь. Медные духовые (тромбоны, трубы) и зловеший грохот ударных (литавры, большой барабан, тарелки) подготавливают появление темы траурного марша. Вслед за ней возникает вторая тема. Она звучит торжественно, и эта торжественность подчёркивает неотвратимость событий. Момент казни композитор изображает одновременным мощным «ударом» всего оркестра.

Пятая часть - «Сон в ночь шабаша». В воображении героя его похороны превращаются в шабаш нечистой силы. Таинственность, разгул потусторонних сил Берлиоз выражает то тяжёлым гулом контрабасов, то причудливыми гармониями, то свистящими и пишашими зовами деревянных духовых, то неожиданными сочетаниями тембров. В музыкальном вихре буквально проносится мотив возлюбленной (кларнет и флейта-пикколо). Но это уже не светлый и чистый образ из первой части. Музыка звучит теперь почти непристойно, вульгарно. Раздаются двенадцать ударов колокола, и вступает тема «День гнева» (лат. Dies irae) из заупокойной мессы. Вначале она звучит традиционно, но затем меняется -- автор словно пародирует церковный жанр.

«Фантастическая симфония» Берлиоза стала первой романтической программной симфонией. Она отразила настроения новой эпохи. Автор показал одиночество художника, его внутренний мир, жизнь, в которой переплетены счастье и страдание.

4. Эклектичное искусство

Эклектизм, отсутствие логики, которое в литературе и театре составил весьма значительное направление, именуемое «театром абсурда» в лице ирландского писателя, драматурга Сэмюэля Беккета (его самая известная «драма абсурда» «В ожидании Годо», 1952 г. идет теперь и на нашей сцене), лауреата Нобелевской премии 1969 года и французского писателя румынского происхождения Эжена Ионеско (наиболее известен его «Носорог», 1959 г.). В своих произведениях они раскрывали абсурдные, алогичные стороны бытия, а отсутствие фабулы сближало их с литературой «потока сознания».

Еще один пример - творчество Сезара (псевдоним французского художника Сезара Бальдаччини). Сезар работал, как и Тэнгли, с инженерией, с прессом. Его известные произведения - грандиозные сооружения из кузовов и частей брошенных автомобилей, сплющенных и соединенных посредством мощного пресса.

Эклектичен и оп-арт. Его основатель - В. Вазарели, французский художник, строит свои произведения на основе не только научных открытий и законов оптики, но и экспериментов по психологии восприятия. Он создает искусство оптических эффектов. С одной стороны, получается некая разновидность абстрактного искусства, с другой - выдвигаются новые замечательные предложения в области декоративной, оформительской, применимые в архитектуре и прикладном искусстве (тканях, моделях одежды и т. п.). Такая эклектичность характерна фактически для всего нового искусства, его различных направлений и группировок.

Список литературы

1. Введение в культурологию. Курс лекций. - М.: Прогресс, 1993.

2. Винничук Л. Люди, нравы, обычаи Древней Греции и Рима/ Пер. с польск. В.К. Ронина. - М.: Высшая школа, 1998.

3. Гиро П. Частная и общественная жизнь греков. - СПб.: Алетейя, 1995.

4. Культурология. Учебное пособие для вузов. / Под ред. А.А. Власова. - М.: Проспект, 1998.

5. Мировая художественная культура: учеб. пособие / Колл авт.: Б.А. Эренгросс, В.Р. Арсеньев, Н.Н. Воробьев и др. / Под ред. Б.А. Эренгросс. - М.: Высш. шк.,2001.

6. Поликарпов В.М. Культурология. - М.: Гардарика, 1997.

Размещено на Allbest.ru