Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования Российской Федерации

Магнитогорский фИЛИАЛ

мОСКОВСКОГО ПСИХОЛОГО-СОЦИАЛЬНОГО ИНСТИТУТА

реферат

по культурологии

Магнитогорск

2002

ПЛАН

1. Идеациональное искусство

2. Идеалистическое искусство

3. Чувственное искусство

4. Эклектичное искусство

Список литературы

1. Идеациональное искусство

На мой взгляд к такому типу искусства боле всего подходят произведения средневековой религиозной культуры (как европейской, так и русской). Рассмотрим отдельные образцы подобного типа искусства.

Яркий пример подобного искусства - русская иконопись. Так, например, икона "Илья Пророк в двадцати шести клеймах жития" Семёна Спиридонова (Холмогорца) (1678 г.). Эта икона по праву должна быть названа не только шедевром мастера, но и всей русской иконописи второй половины 17 века. По-видимому, подобное значение произведению придавал и сам художник, замысливший его образцом "свободы иконного воображения", как свидетельство, подтверждающее справедливость высокой оценки, данной его творчеству лучшими изографами царской Оружейной палаты. искусство донателло эклектичный идеалистический

Впервые на этой иконе Семён Спиридонов вводит в композицию центральной части житийной иконы золотую узорчатую арку на тонких фигурных колонках. Такие арки стали в дальнейшем характерным элементом декорировки средников и на других произведениях мастера.

Композиционное решение иконы "Илья Пророк" отличается чёткостью. Строго разграничивается средник, рамка с текстом, ряды клейм. Клейма не сливаются друг с другом, а отделены одно от другого довольно широкими полосками золотых фонов. Но, не смотря на обособленность каждой из перечисленных деталей, при рассмотрении иконы издали всё кажется объединённым в одно целое и служит роскошным обрамлением центрального изображения в среднике. Живописное решение икон Спиридонова столь великолепно, что их никогда не декорировали металлическими окладами, венцами и цитатами, даже когда спустя столетия живопись потемнела, когда краски образов под олифой стали не такими яркими.

Присматриваясь к лучшим творения мастера - датированным житийным иконам, можно заметить, что Холмогорец всегда с большим мастерством писал не крупные фигуры в средниках, а мелкие в клеймах. Его истинным призванием была миниатюра. В этом виде живописи он был признанным авторитетом, и мало кто из современных художнику мастеров даже среди ярославских иконописцев второй половины 17 века мог соперничать с ним в умении рисовать крохотные фигурки людей, строить замысловатые архитектурные композиции, сочинять на тексты житий святых разнообразные сцены в клеймах икон.

Семён Спиридонов писал житийные иконы, состав клейм которых не изменялся столетиями, и образа, житийные циклы которых приходилось разрабатывать почти впервые. К числу последних его работ принадлежат иконы Василия Великого и Иоанна златоуста. Василий и Иоанн - отцы церкви, составители литургии были высочайшими авторитетами в вопросах веры.

Люди в клеймах спиридоновских икон стройны и изящны. Все они облачены в нарядные красочные одежды: в традиционные иконописные хитоны и гиматии, в русские костюмы 16-17 веков, в воинские доспехи в стиле барокко. Маленькие человечки не ступают по земле, а как бы парят над нею, касаясь её ноками ног. Позы и жесты людей изыскано благородны, лишены суетности, пронизаны ощущением божества.

Известна икона «Рождества Богородицы». Иконописное искусство всегда глубоко символично, когда приходится изображать потустороннее и проникается реализмом в изображении реального мира. В старинных иконах “Рождества Пресвятой Богородицы” можно видеть, как Иоаким и Анна ласкают новорожденного младенца, и белые голуби слетаются смотреть на семейную радость. В некоторых иконах за ними изображается двуспальное ложе, а возвышающийся над ложем храм освящает супружескую радость своим благословением.

Как бы ни было прекрасно и светло это явление земной любви, все-таки оно не доводит до предельной высоты солнечного откровения. За подъемом неизбежно следует спуск. Чтобы освободить земной мир от плена и поднять его до неба приходится порвать эту цепь подъемов и спусков. От земной любви требуется величайшая из жертв: она должна сама принести себя в жертву. Подъем земной любви навстречу запредельному откровению здесь неизбежно готовит трагическое столкновение ее с иной, высшей любовью: ибо эта высшая любовь так же исключительна, как и земная любовь: она тоже хочет владеть человеком всецело без остатка.

Иконописец усматривает зарождение этой драмы в самом начале Евангельского благовествования, тотчас вслед за появлением первого весеннего луча Благовещения. Драма происходит в душе Иосифа - мужа Марии.

Эта иконопись, воcпевшая счастье Иоакима и Анны, тонко воспроизвела, что в душе праведного Иосифа живет все то же человеческое понимание любви и счастья, усугубленное ветхозаветным миропониманием, считавшим бесплодие за бесчестие. Тайна зарождения “от Духа Свята и Марии Девы” в рамки этого понимания не умещается, а для ветхозаветного миропонимания - это катастрофа, невообразимый переворот, космический и нравственный в одно и то же время. Как же вынести простой, бесхитростной человеческой душе Иосифа тяжесть столь безмерного испытания? В стране, где за бесплодие выгоняют из храма, голос с неба призывает его быть блюстителем девства, обрученной ему Марии. Русский иконописец, у которого оба эти мотива присутствуют на одной и той же иконе прекрасно передает какая буря чувств человеческих рождается в этом столкновении Нового Завета с Ветхим.

И может быть, самая трогательная, самая привлекательная черта тех иконописных изображений, где выразилось это понимание мира, заключается в любовном, глубоко христианском отношении к тому несчастному, который бессилен подняться духом над плоскостью здешнего.

2. Идеалистическое искусство

К такому типу искусства П.Сорокин относит искусство Возрождения и греческое классическое искусство. Рассмотрим наиболее известные образцы. К идеалистическому искусству можно отнести творчество Мазаччо. Мазаччо расписал во Флоренции небольшую капеллу Бранкаччи (названную по имени заказчика), ставшую образцом и школой для нескольких поколений итальянских мастеров. Тема фресок взята из легенды о жизни апостола Петра. Но на торцовой стене входной арки художник поместил фреску «Изгнание из Рая». Здесь впервые после эпохи античности было показано обнаженное человеческое тело, впервые в живописи была передана объемность, весомость фигур. Мазаччо первый стал передавать пространство на плоскости при помощи линейной перспективы (в этом сказалось влияние Брунеллески). Он не нагромождает фигуры рядами, как это делалось раньше, а располагает их на разном расстоянии в зависимости от удаленности от зрителя. Вместе с тем Мазаччо сумел выразить драматизм ситуации, найдя точные характеристики персонажей. Художник прожил короткую жизнь - 27 лет (он был отравлен из зависти), но его искусство остается школой высокого мастерства.

Скульптор Донателло создал станковую и монументальную круглую скульптуру и рельеф. Известно много его работ: образы святого Георгия и пророков, герб Флоренции, рельеф «Пир Ирода» и др. Но самой знаменитой его работой стала статуя Давида (1430). Это было первое для своего времени изображение обнаженной фигуры в монументальной скульптуре. Широко распространенное в античности изображение обнаженной натуры в Средние века было предано забвению.

Согласно преданию юноша - пастух Давид - спас свой народ, победив в единоборстве воина вражеского племени Голиафа. За этот подвиг народ избрал его своим царем. Образ Давида - простого человека, выдвинувшегося благодаря смелости и любви к своему народу - был одним из любимых в эпоху Возрождения. Донателло изобразил его в пастушеской шляпе, увитой плющем, в обрамлении длинных волос, лицо почти прикрыто шляпой. В одной руке у него камень, в другой - меч. Тело Давида прекрасно моделировано. Скульптура рассчитана на круговой обзор и это тоже было новшеством, потому что средневековые статуи были тесно связаны со стеной и подчинены архитектуре. Здесь же скульптура выступает как самостоятельное художественное произведение.

Нельзя не назвать еще одного прекрасного художника той поры, человека яркого, самобытного дарования и трагической судьбы - Сандро Боттичелли. «Редко какой художник так переживал, так выражал содержание своей эпохи», - так определил творчество Боттичелли исследователь этого периода.

Боттичелли написал большое количество живописных полотен, сделал иллюстрации к «Божественной комедии» Данте, но самые знаменитые его картины - «Весна» и «Рождение Венеры». Согласно мифу, богиня любви, радости, брака была рождена из морской пены. Это первая большая (172х278) картина эпохи на античную тему. Появление живописи нецерковного содержания было приметой времени.

Цветовой строй картины сдержан, рисунок изыскан и точен. Поза богини, плывущей на раковине, - целомудрена: руками она прикрывает свою наготу. Вся она - воплощение женственности, грации, красоты.

Впоследствии увлеченный идеями проповедника Савонаролы Боттичелли отрекся от своего творчества, сжег оставшиеся у него картины, порвал с античными сюжетами и стал писать картины на религиозные темы. Умер он в изгнании, всеми забытый, переживший свою славу. Его открыли вновь в конце XIX - начале XX вв., и искусство его оказалось созвучным французским импрессионистам - Эдуарду Манэ и даже Модильяни.

3. Чувственное искусство

К чувственному искусству относится современное искусство. На мой взгляд особенно сюда подходит искусство отечественных художников ХХ века. Например, Ильи Кабакова. Эффект воздействия работ Кабакова достигается в первую очередь благодаря оригинальному синтезу разных по языку "воззваний" к зрителю - интеллектуальных, словесных, цвето-пластических и звуковых. Мечта художественного авангарда всего столетия осуществлялась по-новому: произведение выглядело как тождество жизни и искусства, было демонстрацией их взаиморастворения, причем в форме подчеркнуто-сниженной. Так выглядит, в частности, специально построенная в 1992-1995 годах "Коммунальная кухня" Ильи Кабакова: художник получил возможность развернуть в парижском Музее Майоля (Fondation Dina Vierny) найденный ранее прием. (Отметим, что первая персональная выставка Кабакова в Европе была организована в 1983 году Галереей Дины Верни, а в 1991 году на ежегодно проводимой в Париже Международной ярмарке современного искусства (FIAC) Дина Верни показала с шумным успехом первый вариант "Кухни".)

Сочетание грязно-вишневой и темно-зеленой краски использовано Кабаковым для гладкого покрытия лестницы, ведущей вниз, в глубокое помещение "кухни", для ее пола, потолка и стен; по периметру расположены выкрашенные в цвет стен дряхлые типовые шкафчики ("шкапики"); алюминиевые кастрюли, дуршлаги и сковороды развешаны по стенам, "ползут" к высокому потолку. Такова декорация. Зритель стоит в центре мрачной площадки, он на кухне, здесь варят и жарят. Что, кто, кого?.... Вокруг нас нет людей, но сцена "озвучена" голосами хозяев-жильцов, причем двумя способами. С высокого черного потолка свешиваются на нитках свернутые бумажки-записочки, их целый лес и нам нетрудно понять, что это немые вопли "из прошлого". Художник обыгрывает действо, привычное в среде паломников: так обвешиваются просьбами кусты по дороге к святым местам, так подают вопросы оракулу, оставляют свои проблемы на могилах чудотворцев. В записках кабаковской "коммунальной кухни" сохранились голоса когда-то проведших на этой кухне полжизни и давно умерших людей. Но зритель слышит и реальные звуки их речи: включена постоянная запись-фонограмма разговора между жильцами, текст звучит то безразлично, то злобным шепотом, это бесконечное монотонное бормотание, в котором невозможно различить отдельные слова, они не могут пробиться к нам сквозь "вату времени". Диалог фантомов, стоящих у шкафчиков, неожиданно взрывается внятными угрозами зарезать и грязной руганью. Взрыв затухает и снова - унылое бормотание, "бытовуха". Через минуты - новый взрыв зависти и злобы.... Ад. Для парижского зрителя это была и иллюстрация известного всем афоризма Жана-Поля Сартра, заключительной фразы пьесы-притчи "Huit clos" ("За закрытыми дверьми", 1944): "Ад - это Другие".

Оценка советского строя тут дана безжалостная, наглядная, для надежд не остается места. Речь идет о повседневной жизни, организованной по законам "зоны", по правилам принятого после революции 1917 года "уплотнения" городских квартир и сведению "жилплощади" семьи до комнаты или угла. Предметы и умопостигаемые звуки складываются в приговор режиму, ведущему от иллюзий равенства к деградации личности.

Одним из наиболее значительных представителей «чувственной» живописи, на мой взгляд, является художник Борис Владимирович Иогансон (1893 - 1973), обратившийся в своем творчестве к наиболее высоким традициям русской живописи XIX в. Он интерпретирует наследие Сурикова и Репина, внося в свои произведения новое революционное содержание, созвучное эпохе. С этой точки зрения особенно важны картины Иогансона «Допрос коммунистов» (1933) и «На старом уральском заводе» (1937).

Картина «Допрос коммунистов» впервые экспонировалась на выставке «15 лет РККА». В ней художник показал коммунистов, вставших на защиту революционного отечества, и их противников - белогвардейцев, пытавшихся задушить Советское государство в годы гражданской войны. Художник проводит свое историческое обобщение в традициях Репина, через показ конкретного действия в конкретной обстановке. Мы не знаем имен изображенных здесь людей, тем более исторически всеобщим воспринимается нами изображение в целом. Коммунисты в картине Иогансона обречены на смерть. Но художник показывает их спокойствие, мужество, силу и стойкость, которые контрастируют с беспокойством, нервозностью, психологической разобщенностью, царящими в группе белогвардейцев, бессильных не только в данной ситуации, но как бы и перед лицом истории.

В картине «На старом уральском заводе», написанной для выставки «Индустрия социализма», Иогансон противопоставляет образы заводчика и рабочего, в котором он выявляет чувство зарождающегося классового самосознания и внутреннее превосходство над эксплуататором. Этой картиной художник показал исторический конфликт между старым и новым, реакционным и прогрессивным, и утвердил победоносную силу революционного и прогрессивного. Таковы новые характерные черты советского историко-революционного жанра на примере живописи Иогансона.

4. Эклектичное искусство

Яркий пример подобного искусства - атональная музыка. Это музыка, в которой чёткая система тональностей на слух не определяется, а аккордовые созвучия (гармонии) связываются друг с другом свободно, без соблюдения строгих правил. Одновременно в XX столетии были изобретены новые способы организации звуков в произведении; использовались и европейские традиции, и традиции иных культур - китайской, индийской, африканской и др.

Композиторы экспериментировали с традиционными инструментами: смешивали тембры, играли в непривычных регистрах, изменяли технические приёмы. И оказалось, что классический симфонический оркестр или оперные формы могут прекрасно показать жизнь города с его сложной системой звуков и шумов, а главное - непредсказуемые повороты мысли и «изломы» психики человека конца II тысячелетия.

Важный элемент подобной техники - использование приёмов полифонии. Сочинив серию, композитор должен представить в произведении два её варианта: инверсию («зеркальный» вариант, в котором восходящие движения мелодии заменены на нисходящие и наоборот) иракоход (движение звуков в обратном порядке), Эти варианты могут звучать как порознь, так и одновременно, соединённые в многоголосной музыкальной ткани. В свою очередь основной вариант серии может дробиться на более мелкие мотивы и фразы, порождающие собственные инверсии и ракоходы.

Такая система превращает сочинение музыки в сложный процесс, в котором композитор работает не столько с темами и мелодиями, сколько со своеобразными звуковыми формулами. Столь рациональный способ творчества не мешает, однако, додекафонным произведениям нести в себе страстную эмоциональность и пронзительную яркость звуковых красок, свойственные экспрессионизму. Более того, додекафония позволила найти новые мелодические и гармонические нюансы, способные передавать сложнейшие состояния психики человека, неосознанные предчувствия и неясные ощущения.

Додекафонная система обрела теоретическую базу благодаря Антону Веберну (1883 - 1945). Основное внимание Веберн уделял инструментальной, камерно-вокальной и хоровой музыке. Лучшие его произведения, как правило, представляют собой цикл миниатюр, в которых сменяют друг друга тончайшие эмоциональные нюансы и ощущения. Среди них - пять пьес для оркестра (1913 г.). Оркестр для Веберна не был единым целым - это скорее ансамбль солистов, сменяющих друг друга в каждой пьесе. И главное в звучании такого ансамбля - оригинальные сочетания тембров, стремление к объёмности, «стереофоничности» звука. Особенно сильное впечатление в цикле производит третья пьеса, которую исследователи сравнивают с пасторальным пейзажем. Хрустальную прозрачность придаёт ей сочетание звучания арфы, челесты, мандолины и пастушеских колокольчиков, аккомпанирующих духовым инструментам.

Работа над музыкой для хора была особенно близка Веберну, изучавшему традиции хоровой полифонии. Многие произведения появились в период, когда он руководил хором Венского рабочего певческого общества (1923 - 1934 гг.). Композитор отдавал этой работе очень много сил. Благодаря Веберну уровень любительского музицирования в Вене приблизился к профессиональному. Разгон хоровых клубов немецкими оккупационными властями стал для композитора настоящей трагедией. Для хоровой музыки Веберна характерно парадоксальное сочетание сложных тем, насыщенных скачками звуков, и мягкого, напевного звучания.

Список литературы

1. Зезина М. Р., Кошман Л. В., Шульгин В. С. История русской культуры. - М.: Высш. школа, 1990.

2. Лихачев Д. С. Русское искусство от древности до авангарда. - М.: Искусство, 1992.

3. Ильина Т. В. История искусств. - М.: Высш. школа, 1994.

4. История русского и советского искусства / Под ред. М.М.Алленова. - М.: Высшая школа, 1987.

5. Поликарпов В.М. Культурология. - М.: Гардарика, 1997.

Размещено на Allbest.ru