Кубизм и его влияние на живопись ХХ века

Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования Российской Федерации

Казанский государственный архитектурно-строительный университет

Реферат

по истории искусств

на тему: «Кубизм и его влияние на живопись ХХ века»

Выполнил:

Студент группы 6ДП-01

Адиатуллина Д.М.

Проверила:

доцент

каф. градостроительства

Файзрахманова Г.Р.

Казань 2017



Содержание

Введение

Глава 1. Представители кубизма

1.1 Творчество Жоржа Брака

1.2 Пабло Пикассо

1.2.1 «Голубой» и «розовый» периоды

1.3 Казимир Малевич

Глава 2. Живопись ХХ века

2.1 Основные направления в живописи ХХ века

2.2 Влияние кубизма на искусство

Глава 3. Кубизм в России

Заключение

Список литературы

Приложение



Введение

Кубизм авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, характеризующееся использованием условно геометрических форм, стремлением "раздробить" реальные объекты на примитивы. кубизм живопись пикассо малевич

Кубизм отрицает изображение предметов в том виде, как мы их представляем. Он стремится найти способ выражения их сути. Кубизм приводит формы до основных геометрических схем, раскладывает предметы на составные части и объединяет их в абстрактное целое плоское, декоративное изображение.

С середины XIX века отход от господствующей в это время в изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется. Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно буквальному воспроизведению. Отработка новых изобразительных средств, стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных символов, сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического, эмоционального), с другой - на усиление выразительности, информативности “телесной” структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до задачи создания “самостоятельного живописного (изобразительного) факта”, конструирования “новой реальности”.

Возникновение кубизма традиционно датируют 1906-1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин "кубизм" появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака "кубическими причудами".

Начиная с 1912 г. в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали "синтетическим кубизмом". Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции: сезанновский (1907-1909), аналитический (1909-1912) и синтетический (1913-1914) кубизм.



1. Представители кубизма

1.1 Творчество Жоржа Брака

Жорж Брак (13 мая 1882, Аржантей-сюр-Сен -- 31 августа 1963, Париж) -- французский художник, живописец; один из основателей кубизма («Женщина с гитарой», 1913), автор декоративно-изящных композиций.

Жорж Брак учился в гаврской школе изящных искусств (1897-1899), затем в Париже в академии Эмбера (1902-190З). В 1900 году, испытав влияние живописи Матисса, он примкнул к объединению фовистов. Пейзажи этого времени (виды гаваней Антверпена и Гавра, ландшафты Эстака) отличаются плотной компоновкой живописных масс, напряженностью хроматических гармоний, передающих витальные силы природы («Гавань в Антверпене. Мачта», 1906, Базель, Галерея Бейелер; «Пейзаж в Эстаке», 1906, Париж, Национальный музей современного искусства).

В нашей стране понятие «кубизм» ассоциируется с Пикассо. Между тем, сам термин «кубизм» связан не просто с Браком, но с вполне конкретной его работой «Натюрморт» (1908). Существует несколько легенд относительно этого авторства (Матисс, Модильяни, Г. Аполлинер). Но для критики кубизм сразу стал словом ругательным.

В творчестве Брака, который уже в ранней молодости смотрел, по словам критиков, «скорее на Сезанна, чем на Ван Гога», наиболее полно проявился конструктивизм. Он сумел не только показать отдельные предметы с разных точек зрения, нарушив незыблемую прежде центральную перспективу, что делали уже многие. Он показал один и тот же предмет одновременно в нескольких ракурсах. Но анализом форм далеко не исчерпывается его открытия. Один из немногих мастеров своего поколения, он сумел сохранить артистизм в цвете, соединив «алгебру и гармонию».

Артистизм для него не менее важен, чем мысль. В его поздних работах меньше «загадочности». Зритель сразу узнает мир обычных предметов (чем проще, тем лучше). И тут же отдается ничем не нарушаемому созерцанию скупо выразительных линейных и цветовых отношений. Объемы в отличие от раннего кубизма не выпирают из плоскости, не лезут в глаза, но трактованы весьма убедительно и декоративно («Натюрморт с чайником»).

На протяжении многих лет Брак постоянно обращается к мотиву летящей птицы, в которой часто видит что-то мистическое. Летящая птица -- олицетворение свободы, духовного полета, самого искусства. Но это и совершенство живой формы, красота ее движения. Здесь художник достигает вершин, когда мы просто забываем о технике, хотя она здесь изыскана и наиболее однообразна по сравнению с другими циклами. Мы просто отдаемся непосредственному общению с каждой вещью.

Вечность движения искусства в образе летящих птиц блестяще воплотил он и в лучшей своей монументальной работе --росписи зала этрусков в Лувре. Творчество Брака не ограничивается живописью и графикой. Он создал утонченную и экспрессивную скульптуру, перекликающуюся с греческой архаикой. К высшим достижениям французского прикладного искусства принадлежат его витражи, ювелирные украшения.

Работы Жоржа Брака - это неповторимость его видения мира и искусства, сам процесс стремительного, поистине революционного развития искусства ХХ века.

1.2 Пабло Пикассо

Пикассо Пабло (полн. Пабло Руис-и-Пикассо; Ruiz-y-Picasso) (25 октября 1881, Малага -- 8 апреля 1973, Мужен, Приморские Альпы) -- французский живописец, по происхождению испанец. В 1900-х годах создал обостренно-выразительные произведения, посвященные обездоленным людям («Девочка на шаре», 1905). С 1907 года является основоположником кубизма. Лауреат Международной Ленинской премии (1962). Лауреат Международной премии Мира (1950).

С середины 1910-х годов создавал произведения в духе неоклассицизма, в ряде работ близок сюрреализму. Произведения Пикассо иногда полны боли и протеста, имеют большое общественное значение («Герника», 1937), глубокое гуманистическое содержание (рисунок «Голубь мира», 1947). Много работал как график, скульптор, керамист.

Пикассо учился у своего отца -- Х. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье, Барселоне и в Мадридской академии «Сан Фернандо», увлекаясь французским искусством, знакомым по репродукциям.

Выставлялся с 1901 года у «тетушки Вейль» и у А. Воллара. В это время он уходит от влияния стиля модерн, которое еще долго сохраняется в манере подчеркивать силуэты фигур, а также в колористической монохромии. Своими «учителями» Пикассо избирает Ван Гога, Гогена, Сезанна, Тулуз-Лотрека. Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям. Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе «Четыре кота», заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением.

Эта провинциальная и романтическая интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, сильно переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты своих персонажей и темы будущего «голубого» периода (1901-1905).



1.2.1 «Голубой» и «розовый» периоды

В1900 Пикассо впервые побывал в Париже, где он сдружился с Исидро Ноньелем, наиболее близким ему каталонским художником, но оказавшим на него гораздо меньшее влияние, чем этого хотят некоторые испанские исследователи. Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902, и окончательно в 1904. Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени («Любительница абсента», 1901, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Талантливый молодой живописец в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена(«Жизнь», 1903, Кливленд, музей), Каррьера («Мать и дитя»,1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов («Облокотившийся Арлекин», 1901, частное собрание), а также греческого искусства(«Водопой», сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций(«Старый гитарист», 1903, Чикаго, Художественный институт; «Портреты госпожи Каналье», 1905, Барселона, музей Пикассо). После произведений «голубого» периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди («Гладильщица», 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхайма; «Скудная трапеза», офорт, 1904).

Картины «розового» периода представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной»,1905, Гетеборг, музей; «Девочка на шаре», Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; «Семейство комедиантов», Вашингтон).

Кубизм.

В1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы («Портрет П. Пикассо. Голова женщины. 1908 год. Акварель.

Фернанда Оливье», 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли СеверныйРейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910, Художественный институт). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности и, хотя первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы -- обои, куски газет, спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти произвольно («Гитара и скрипка», 1913, Филадельфия, Музей искусства, собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 («Портрет девушки», 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Собственно, кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921(«Три музыканта», 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Авиньонские девушки. П. Пикассо. 1907 год.

Картина Авиньонские девицы (Нью-Йорк, Музей современного искусства), которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания, является одним из самых революционных произведений начала ХХ в. Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще, чему быто ни было; отныне она самоценный, независимый объект.

Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике кубизма. Картина “Авиньонские девицы” не является в собственном смысле кубистской картиной, - пишет крупнейший английский исследователь Джон Голдинг. - Кубизм реалистичен… в некотором смысле это - искусство классическое. “Девицы” же производят впечатление крайней напряженности… Вместе с тем этот холст, бесспорно, отмечает перелом в творчестве Пикассо и, более того, начало новой эры в истории искусства. Он является логической отправной точкой в истории кубизма. Анализ картины отчетливо показывает, что большинство проблем, над которыми позднее будут совместно работать в процессе создания стиля Брак и Пикассо, здесь уже поставлены, может быть, еще неумело, но впервые достаточно ясно

Картина произвела глубоко удручающее впечатление на друзей художника. Одни сочли ее мистификацией, другие заговорили о душевной болезни автора. Ж. Брак, увидевший “Авиньонских девиц” одним из первых, возмущенно заявил, что Пикассо хочет заставить его “есть паклю и пить керосин”. По свидетельству Гертруды Стайн, известный русский коллекционер С. И. Щукин, большой поклонник живописи Пикассо, будучи у нее после посещения мастерской художника, чуть ли не со слезами на глазах воскликнул: “Какая потеря для французской живописи!” Маршаны, до того скупавшие все работы Пикассо, отказались приобрести эту картину, значение которой в 1907 г. поняли, кажется, только два человека - Гийом Аполлинер и Даниель Анри Канвейлер.

1.3 Казимир Малевич

Творческая жизнь художника складывалась нелегко. Он вырос в провинции и до 12-13 лет не знал, что существуют профессиональные художники. Его отец был инженером, работавшим на сахарном заводе. Семья Малевича жила вдали от культурных центров, рядом со свекловичными плантациями на Украине. В детстве будущего художника окружало в основном крестьянское искусство. Ему нравились вышивки, расписные стены и печки. Он сам умел делать росписи в крестьянском стиле. Подростком Малевич стал мечтать о том, чтобы учиться живописи. Но мечта осуществилась, когда ему было уже больше 20 лет. После смерти отца, в 1904 году Малевич приехал в Москву, поступил в студию Рерберга и стал брать профессиональные уроки живописи. Уже в начале 1912 года он приступил к освоению кубизма. Именно это последнее открытие французского искусства оказалось решающим в его дальнейшем движении «от кубизма к супрематизму». «Станция без остановки» и «Туалетная шкатулка» показывает каждому зрителю этот новый этап в творчестве знаменитого художника Малевича.

Первое, что бросается в глаза каждому, кто хоть раз взглянул на картину, -- иллюзия реальности исчезла, целостный предметный мир вовсе разрушен. Композиция была создана из обломков и не значащих деталей -- прямоугольников, цилиндров, полукружий, фигур разной формы и цвета. Намек на сюжет, конечно, есть, именно поэтому помогают названия картин. В «Туалетной шкатулке» видны деревянные детали, в «Станции без остановки» (Кунцево, где Малевич проводил каждое лето) -- клубы дыма, подобие железных ступеней и большой знак вопроса. Но кубистическая «постройка» только поначалу кажется хаотичной и бессмысленной.

Главным ее принципом был контраст элементов. Контрастировать должны были все детали и формы: прямоугольные и круглящиеся, выпуклые и плоские, гладкие и шероховатые, теплые и холодные, светлые и темные, узнаваемые и беспредметные. Такой контраст сумел вывести сам Малевич благодаря работам Пикассо и Брака.

Критики упрекали Малевича в том, что он пришел к искусству, отрицающему все доброе, светлое: любовь к жизни, любовь к природе. Так, например, считал художник Александр Бенуа. А Малевич на это отвечал, что искусство движется и развивается само по себе, нравится нам это или не нравится. Искусство нас не спрашивает, как не спросило, когда создавало звезды на небе. У Малевича был культ искусства, он считал его божеством и ему представлялось, что и звезды на небе тоже созданы художником.

Малевич был разносторонним живописцем. В 20-30-е годы он написал крестьянский цикл, незадолго до смерти стал писать портреты в духе старых мастеров, пейзажи в духе импрессионизма.



2. Живопись ХХ века

2.1 Основные направления в живописи ХХ века

Модернизм в живописи начинают рассматривать с творчества Гюстава Курбе и Эдуарда Мане. Характерными чертами модернистских направлений являются:

Отказ от устаревших образцов с точки зрения сюжета и стиля;

Стремление ликвидировать разрыв между архитектурой, живописью, скульптурой и их функционированием, и применением в различных областях жизни;

Поиск декоративной функциональности;

Тенденция к созданию международного стиля;

Попытка выявить духовное в промышленной эпохе.

Для модернистских течений характерно смешение материалистических и духовных устремлений, научно-технических терминов, достижений и аллерго-поэтических мотивов.

Фовизм (от франц. fauve -- дикий), течение во французской живописи, существовавшее в 1905-07. Фовистов (А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, А. Дерен, Р. Дюфи, М. Вламинк) на время объединило общее стремление к эмоциональной силе художественного выражения, к стихийной динамике письма, интенсивности открытого цвета и остроте ритма. В пейзажах, интерьерных сценах, натюрмортах фовизм выразил себя в резком обобщении объемов, пространства, рисунка.

Главное для фовистов - подчеркнуть самостоятельность, самодостаточность произведения искусства. Они переосмыслили сам подход художника к творчеству. Огромное значения имели открытия в области цвета. Характерные особенности - обнаженность приемов письма, нарочитая грубость техники и материала; использование ярких, глубоких цветов; упрощение линий, подчеркивание свежести и спонтанности исполнения.

Орфизм (франц. orphisme, от Orphee -- Орфей), течение в западноевропейской живописи 1910-х годов, близкое к кубизму и футуризму. Создателем и теоретиком направления был французский художник

Р. Делоне. Название дал в 1912 Аполлинер. Орфисты (Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан) стремились выразить динамику и музыкальность ритма пересечением плоскостей, окрашенных в чистые, яркие тона.

Футуризм (от лат. futurum -- будущее), авангардистское направление в европейском искусстве 1910 -- 20-х гг., преимущественно в Италии и России. Стремясь создать «искусство будущего», отрицание традиционной культуры, культивировал эстетику урбанизма и машинной индустрии. Для живописи (в Италии -- У. Боччони, Дж. Северини) характерны сдвиги, наплывы форм, многократные повторения мотивов, как бы суммирующих впечатления, полученные в процессе стремительного движения. Для литературы -- переплетение документального материала и фантастики, в поэзии. Главными представителями футуризма являются Балла, Боччони, Кара. Балла от поисков в области вибрации светы приходит к синтетическому изображению движения, космических динамических ритмов. Футуризм прекратил существование в 20-е годы, но его идеалы остаются значительными компонентами современной западной культуры: акцент на молодость, скорость, власть и технологию.

Минимализм (минимальное искусство), направление, сложившееся в западном изобразительном искусстве 1960-х гг.; поставило своей целью создание лишь «простейших структур», являющихся первоосновой творчества. Мастера минимализма (например, американские художники К. Андре, Д. Джадд, С. Льюит, Р. Моррис, Д. Флейвин), сближаясь с методами геометрической абстракции, выставляли «голые» и аскетичные, художественно не обработанные рамы, трубки, плитки, кубы и т. д., предлагая зрителю «начать сначала», с всеобщих законов формы и композиции.

Это абсолютно абстрактное движение, представители которого стремились выявить в живописи и скульптуре сущностные элементы, используя геометрические формы в разных сочетаниях. Происхождение минимального искусства рассматривается пересмотра законов психологии восприятия, когда произведение искусства рассматривается как сфера, в которой действуют определенные научные законы: сочетание светлых и темных цветовых зон, взаимосвязь вертикалей, горизонталей, диагоналей. В работе минималистов художественный продукт идентифицируется со структурой, а сам принцип воспроизведения уходит на второй план. То есть сама становится активной.

2.2 Влияние кубизма на искусство

Это авангардистское движение произвело революционный переворот в европейской живописи и скульптуре в начале 20 столетия.

Вопреки не прекращавшемуся сопротивлению широкой публики новое течение к 1912-1914 гг. распространяется на все области художественного творчества. Вначале Пикассо, затем А. Лоренс и Ж. Липшиц создают первые кубистские скульптуры; живописцы-кубисты пишут театральные декорации, иллюстрируют книги и журналы. Великим предшественником кубизма был П. Сезанн, в своем зрелом творчестве он упрощал формы таким образом, что их грани намечали совершенно новую пространственную систему, в пределах которой изображение уже не пассивно предстояло зрителю, а как бы «выдвигалось» ему навстречу. Начинания Сезанна продолжили П. Пикассо и Ж. Брак, с творчества которых кубизм берет свое прямое начало. Этапную роль сыграли картины «Авиньонские девицы» Пикассо (1907) и «Дома в Эстаке» Брака (1908). Соня Делоне (художница, жена известного живописца и теоретика кубизма Р. Делоне) создает рисунки для тканей и модели одежды; в музыке, начиная с Бартока, Равеля, Дебюсси, Прокофьева до Пуленка и Стравинского, также намечается тенденция к обновлению на основе фольклора. “Парад” Жана Кокто (1917) в исполнении дягилевского балета с музыкой Эрика Сати и декорациями Пикассо вошел в историю как триумф нового искусства.

Первоначально сосредоточение этого течения во Франции, развитие кубизма в 1910-е гг. охватило многие страны Европы. Новые методы, разработанные французскими кубистами, привлекают внимание ведущих художников во всех странах. В 1900-х годах в русской периодической печати господствовало глубоко пессимистическое настроение, ощущение надвигающегося кризиса в искусстве. Выполненные по всем правилам, громоздкие академические композиции на библейские и исторические сюжеты отвергались критикой и публикой так же единодушно, как и сверх новаторские, еще незрелые опыты молодежи. Для кубизма характерен сдержанный, даже суровый колорит, основанный на коричневато-охристых, зеленых и синих тонах. Человек и природа здесь действительно геометризуются с подчеркиванием массивной весомости их «выпирающих» на зрителя форм. Значение традиционного сюжета сводится к минимуму, и ведущим жанром становится натюрморт.



3. Кубизм в России

В России кубизм соединился с элементами итальянского футуризма (кубофутуризм).

В «кристаллической» манере письма М. А. Врубеля часто находят предчувствия кубизма.

Подлинным первооткрывателем кубизма является предприниматель и коллекционер С. И. Щукин, привёзший в Москву ранние кубистские опыты Пикассо.

В целом же русский кубизм был сугубо переходным явлением, своего рода «школой авангарда». Большинство мастеров, составивших ядро «Бубнового валета» (в том числе П. П. Кончаловский, А. В. Куприн, И. И. Машков, Р. Р. Фальк), не пошло дальше раннего, «сезаннистского» этапа, самобытно и красочно его обогатив. Художники же, настроенные более радикально (К. С. Малевич, В. Е. Татлин и др.) быстро перешли к кубофутуризму, честолюбиво выдвигая его в противовес кубизму в качестве более передового и уже свободного от французских влияний метода.

Однако и позднее, в свой витебский период (1919--1922) Малевич утверждал: «Если ты стремишься изучать искусство, то изучай кубизм».

Художница Наталья?Гончарова в 1912 году отмечала, что «кубизм -- вещь хорошая, но не совсем новая». По её словам, в этом же стиле выполнены и скифские?каменные?бабы, и крашеные деревянные куклы, продаваемые на ярмарках.

К кубистам позднего периода примыкал некоторое время и скульптор А. Архипенко. Он пытался, и иногда достаточно успешно, решать в пластике задачи, поставленные кубистами живописцами. При этом объёмность и иная материальная фактура, использование реального света и тени на скульптурных объёмах, пространств, сдвиги плоскостей, форм, объёмов, варьирование пустотами и наполненностями открыли перед ним и новые, чисто пластические перспективы, в результате чего он достаточно скоро отошёл от кубизма и двинулся своим путём в искусстве.

Кубистский период занимает определенное место в творчестве большинства русских художников того времени (среди них Шагал, Архипенко, Лентулов, Альтман и др.). Однако центральной фигурой собственно русского кубизма является, безусловно, Казимир Малевич. Его творчество, его педагогическая деятельность и теоретические работы оказали значительное влияние на формирование отдельных художников и целого направления, к которому примыкали такие талантливые живописцы, как Н. Удальцова, О. Розанова, Л. Попова и др.

Кубизм дал о себя знать и в искусстве первых лет революции, и в монументальном и прикладном искусстве более позднего времени.



Заключение

Кубизм был попыткой углубить живопись, открыть ее глубинное содержание, а таковым, по мнению художников, были идеи. Кубисты понимали идеи как реальность, существующую в сознании художника. В отличие от ощущений, на которые ориентировались импрессионисты, идеи, их содержание ирреальны, а иногда и невероятны.

Кубизм освободил содержание произведения от предметных образов и заменил их геометрическими абстракциями. Для кубиста реальным событием является мышление, происходящее в творце или зрителе, сам же изображаемый цилиндр предмет ирреальный. Идеи для кубистов, отмечал Гассет, это «субъективные реальности, содержащие виртуальные объекты, целый мир, таинственно выплывающий из недр психики и отличный от зримого». Телесные формы в работах кубистов заменяются геометрическими, вымышленными образами, связанными с действительность только метафорически.

Другой отличительной чертой кубизма стало создание нового понятия красоты. «Нет ничего безнадежнее, чем бежать с красотой вровень или отставать от нее. Надо вырваться вперед и измотать ее, заставить подурнеть. Эта усталость и придает новой красоте прекрасное безумие головы Медузы-горгоны», напишет в своих воспоминаниях о Пикассо Ж. Кокто.

Целью художественного творчества для кубистов, так же как и для первобытных и традиционных художников, является не отражение или отображение, а создание новой, иной реальности - явлений, стоящих в одном ряду с явлениями действительности, а не производных от них. “Цель, - говорит Брак, - не в воспроизведении повествовательного факта, а в произведении акта живописного. Сюжет не является объектом, это - новое единство”.

В центре внимания художника-кубиста не приметы внешности, а конструкция, архитектоника предмета, не фактура, а структура. Работая над образом, он стремится максимально освободить его от всего преходящего, изменчивого, непостоянного, выявить его подлинную сущность.

Ныне любой непредубежденный человек, смотря на работы импрессионистов, наглядно видит условность привычного для нас цвета. А когда-то это стало революцией в искусстве. Именно кубизм, опираясь на обретенную постимпрессионистами свободу изображать не только виденное, но и мыслимое, подвергает анализу все компоненты живописи, утверждает условность формы, цветовой и линейной перспективы, объемов. Новая красота, провозглашенная ими, лишена гармонии и ясности. Она является результатом связи несоединимого: высокого и низкого.



Список литературы

1. В. Крючкова. Кубизм, орфизм, пуризм. 1906-1920. История искусства ХХ века. М.: «Галарт», 2000 г.

2. Михаил Лифшиц, Эд Рейнгардт "От кубизма к абстракции"

3. В. Мириманов. У истоков кубизма. М., 1980 г.

4. . С. Левин. Феномен «Черного квадрата». М., 1990 г.4. Н. Дмитриева. Пикассо. М., 1971 г.

5. Рыков?А.?В. Пикассо и политика. Проблемы философской интерпретации кубизма // Studia Culturae.

6. Гомбрих Эрнст. История искусства. -- М., 1995.

7. www.20century-art.ru/modernizm/



Приложение



Размещено на Allbest.ru

...