Эпоха Возрождения в итальянском искусстве на примере творчества Леонардо до Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Реферат

Эпоха Возрождения в итальянском искусстве на примере творчества Леонардо до Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти

Выполнила: Кольвашенко В.Д.

Проверил: Артеменко Е.М.

Содержание

• Введение
• I. Эпоха Возрождения
• II. Рафаэль Санти
• III. Леонардо да Винчи
• IV. Микеланджело Буонарроти
• Заключение
• Список литературы
• Приложение
• Введение
• Возрождение (Ренессанс) - это период в культурном развитии в европейских странах, пришедший на смену Средним векам. Это небывалый расцвет изобразительного искусства, время географических и научных открытий, развития банковского дела, торговли и ремесел.
• Объект исследования: искусство эпохи Возрождения на примерах творчества Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэля Санти.
• Цель: изучить эпоху Возрождения, рассматривая творчество Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэля Санти.
• Задачи:

· Рассмотреть этапы, на которые делится Возрождение

· Изучить биографию и творчество Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэля Санти

Метод: изучение литературы, статей, картин художников. Сравнение творчества Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэля Санти.

I. Эпоха Возрождения

возрождение искусство художник леонардо да винчи рафаэль санти

Возрождение, или Ренессанс -- одна из величайших культурно-исторических эпох, переломный для истории Европы этап между Средними веками и Новым временем, заложивший основы новой европейской культуры.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках. Этот период был назван Проторенессансом и не предшествовал Возрождению напрямую, но без него невозможно представить появление новой культуры.

Отличительная черта эпохи Возрождения -- светский характер культуры и ее интерес, в первую очередь, к человеку и деятельности. Тезису о решающем значении экономических факторов: расширения торговли и товарно-денежных отношений, развития мануфактурного производства, в настоящее время придаётся всё меньшее значение. Перелом в духовной культуре возник в результате естественной эволюции религиозного мировоззрения и расширения представлений об окружающем мире.

Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства, и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры. Главной целью самых выдающихся и передовых умов стало изучение античной культуры, в особенности литературы. В начале XV века древние книги и списки из древних рукописей ценились на вес золота. Их искали по всей Европе: в старых библиотеках и монастырских кельях, их переводили, переписывали, изучали и хранили почти как церковные реликвии.

Этапы итальянского Возрождения

По хронологии итальянское Возрождение можно разделить на 4 этапа:

1. Проторенессанс

2. Раннее Возрождение

3. Высокое Возрождение

4. Позднее Возрождение

Проторенессанс

Для искусства Проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения). В расширительном истолковании термина «Проторенессанс» его временные рамки принято ограничивать 1260-1410-ми гг. в скульптуре и 1280-1425 гг. в живописи. В современном зарубежном искусствознании термин «Проторенессанс» употребляется сравнительно редко. В некоторых научных школах (в частности, итальянской) Проторенессанс не выделяется в качестве самостоятельного периода, а все художественные явления этого времени рассматриваются как феномены итальянской готики.

Расширялись как пластические (под влиянием скульптуры и раннехристианских мозаик) возможности живописи, позволившие разрабатывать объём и пространство, так и колористические; складывался новый тип организации архитектурного пространства живописью, новые приёмы повествовательности. Живопись треченто (П. Лоренцетти и А. Лоренцетти, С. Мартини, джоттески) развивалась на базе достижений мастеров рубежа 13-14 вв.

В Тоскане получила распространение живопись на досках, которая, отталкиваясь от византийской традиции, создала собственный индивидуальный язык. Стремительно эволюционировал алтарный образ (Дуччо ди Буонинсенья, Чимабуэ, Джотто, братья Лоренцетти, Мартини и др.), преобладающей формой которого к 14 в. стал полиптих.

Раннее Возрождение

В XV в. итальянское Возрождение вступает в период кватроченто, когда основные принципы «нового стиля» становятся господствующими. Раннее Возрождение характеризуется возникновением и подъемом различных территориальных художественных школ, их активным взаимодействием и борьбой. В культуре того периода формируется культ красоты, прежде всего красоты человека. Живопись становится ведущим видом искусства, и художники стремятся изобразить прекрасных, совершенных людей. Поражают общий высокий уровень художественных произведений, обилие талантов, разнообразие творческих индивидуальностей.

Новое мировоззрение основывалось на гуманистических отношениях античности. А изобретение книгопечатанья в середине XV века и большое количество античных памятников на итальянской земле способствовали распространению античного наследия.

Первым шагом в этом познании было ясное, трезвое видение мира, постигающее природу вещей. Изображение мира таким, каким его видел человек, было исходным принципом ренессансных художников -- принципом, ставшим настоящим переворотом в культуре, выразившимся в полном отказе от прежних принципов. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и механизма его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души -- все это становится и необходимым условием творчества, и истинной потребностью самих художников.

Крупнейшими мастерами культуры раннего Возрождения являются архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донатоде Николо ди Бетти Барди, прозванный Донателло, художники Томазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо, и Алессандро Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли.

Мазаччо стал родоначальником нового направления в итальянской живописи XV в.; он возродил традиции Джотто, отказавшись от многословности, характерной для живописи конца XIV -- начала XV в. Индивидуальный художественный стиль Мазаччо наиболее ярко выражен в его фреске «Троица». Композиция фрески включает триумфальную арку с уходящим в глубину сводом. На ней изображены Бог-отец, Святой дух в виде голубя и распятый Христос. Возле распятия стоят Мария и Иоанн, а перед аркой по обеим сторонам помешены коленопреклоненные заказчики.

Сандро Боттичелли воплотил в своем творчестве языческие образы. Обычно этого любимца правителя Флоренции Лоренцо Медичи называют последним художником флорентийской культуры XV в. Отличительной чертой его является обращение к внутреннему миру персонажей, их настроениям и переживаниям. Наиболее известны его картины «Весна» и «Рождение Венеры».

Высокое Возрождение

Высокое Возрождение -- период в истории итальянского Возрождения, отличающийся обобщённым, синтетическим характером художественных образов, выражающих идеи ренессансного гуманизма, возвышенным идеальным строем, монументальным величием и гармонией.

В самой Италии одним из центров Ренессанса стала Флоренция. Правившая там династия Медичи покровительствовала искусству и приглашала в город лучших мастеров своей эпохи. Одним из них был Микеланджело Буонарроти. Ему принадлежат скульптуры «Давид» и «Пьета», которые считались идеалами изображения человеческого тела. Самой известной работой Микеланджело является роспись Сикстинской капеллы в Риме.

Некоторое время жил во Флоренции и живописец Рафаэль Санти. Ему принадлежат знаменитые картины «Сикстинская Мадонна» и «Афинская школа». Слава о Рафаэле была такова, что его пригласили в Ватикан, где он стал официальным художником при дворе папы римского.

Особое место даже среди гениев Ренессанса занимал Леонардо да Винчи. Он был художником, поэтом, физиком, математиком, изобретателем летательных и подводных аппаратов. Его самые известные полотна -- «Мона Лиза», загадочная улыбка которой до сих пор пленяет ценителей живописи, и «Тайная вечеря».

Между Леонардо и Рафаэлем были отношения ровные, на уровне «учитель-ученик», ни скандалов, ни интриг. Рафаэль восхищался Леонардо, учился и подражал его стилю. Молодой художник посетил мастерскую Леонардо да Винчи во Флоренции и увидел его «Джоконду». В соответствии с воспоминаниями современников он был под огромным впечатление от данной работы. Перерабатывая данную тему, а именно разворот тела и позу модели, положение рук, был исполнен портрет Маддалены Строцци (в замужестве Дони), который экспонируется на выставке в ГМИИ.

Рафаэль и Микеланджело. Они были противоположностями друг другу. Рафаэль был красивым, элегантно одетым, окруженным друзьями и поклонниками. Микеланджело напротив -- вечно один, язвительный в высказываниях. У него был тяжелый характер. К своему внешнему виду Микеланджело относился подчеркнуто пренебрежительно.

Микеланджело однажды заявил - «Все, что умеет Рафаэль, он научился у меня». Отчасти это правда, Рафаэль как губка впитывал и творчески осваивал высшие достижения живописи своего времени.

Художники соперничали между собой в заказах, в росписи Сикстинской капеллы Ватикана, в архитектуре при строительства собора Святого Петра. Только внезапная смерть Рафаэля позволила Микеланджело перехватить данный архитектурный заказ и завершить его.

Два величайших гения эпохи Возрождения - Микеланджело Буонаротти и Леонардо да Винчи - не просто не находили общего языка, они испытывали друг к другу откровенную антипатию и презрение. Несмотря на то, что жили они в одну эпоху, художники принадлежали разным поколениям. Соответственно, их взгляды на искусство были кардинально противоположными.

Главной причиной был тот факт, что Леонардо да Винчи предпочитал рассматривать Микеланджело как скульптора, но не как художника. Да Винчи полагал, что скульптор априори не может быть художником, как и художник скульптором. Нельзя совмещать в себе две ипостаси, как это делал Микеланджело.

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590--1620-е годы. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия утверждает, что «Возрождение, как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий -- маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х годов там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы этого периода отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру и технику великих мастеров Возрождения. Творчество художников, которых стали называть маньеристами (от итал. маньяризмо - вычурность), приобрело изощренный, формально изысканный, вычурный характер. Маньеристы строили образ не на основе изучения натуры, а исходя из внутреннего чувства. Отсюда проистекают поиск необычной, усложненной композиции, спиралеобразные позы, необычные фантастические тона. Традиции Возрождения уходили в прошлое.

Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных идей и практики флорентийского Возрождения. Основные характерные черты творчества живописцев, скульпторов, архитекторов Флоренции и Рима не отвечали вкусам, сложившимся в Венеции. Здесь ренессансное искусство питалось любовью не к античности, а к своему городу, определялось его особенностями. Венецианские художники, которые были только живописцами, видели в красочности и цвете основу живописи. Пристрастие к цвету объясняется и укоренившейся в них любовью к богатым украшениям, ярким краскам и обильной позолоте в произведениях искусства Востока. В эту эпоху творили Тициан, Веронезе, Тинторетто, Джорджоне, Корреджо, Бенвенуто Челлини.

II. Рафаэль Санти

Творчество Рафаэля Санти принадлежит к числу тех явлений европейской культуры, которые не только овеяны мировой славой, но и обрели особое значение - высших ориентиров в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков его искусство воспринимается как один из образцов эстетического совершенства. Гений Рафаэля раскрылся в живописи, графике, архитектуре. Произведения Рафаэля являют собой самое полное, яркое выражение классической линии, классического начала в искусстве Высокого Возрождения. Рафаэлем был создан "универсальный образ" прекрасного человека, совершенного физически и духовно, воплощено представление о гармонической красоте бытия. Рафаэль (точнее, Рафаэлло Санти) родился 6 апреля 1483 года в городе Урбино. Первые уроки живописи он получил у отца, Джованни Санти. Когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни Санти умер и мальчик остался сиротой (маль он потерял за 3 года до кончины отца). По-видимому, в течение последующих 5-6 лет он обучался живописи у Эванджелиста ди Пьяндимелето и Тимотео Вити, второстепенных провинциальных мастеров. Духовная среда, с детства окружавшая Рафаэля, была чрезвычайно благотворной. Отец Рафаэля был придворным художником и поэтом герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро. Мастер скромного дарования, но человек образованный, он привил сыну любовь к искусству.

Первые известные нам произведения Рафаэля исполнены около 1500 - 1502 годов, когда ему было 17-19 лет. Это миниатюрные по размерам композиции "Три грации", "Сон рыцаря". Эти простодушные, еще ученически робкие вещи отмечены тонкой поэтичностью и искренностью чувства. С первых же шагов творчества дарования Рафаэля раскрывается во всем своеобразии, намечается его собственная художественная тема. К лучшим работам раннего периода принадлежит "Мадонна Конестабиле". Лирическому таланту Рафаэля тема мадонны особенно близка, и не случайно она станет одной из главных в его искусстве. Композиции, изображающие мадонну с младенцем, принесли Рафаэлю широкую известность и популярность. На смену хрупким, кротким, мечтательным мадоннам умбрийского периода пришли образы более земные, полнокровные, их внутренний мир стал более сложным, богатым по эмоциональным оттенкам. Рафаэль создал новый тип изображения мадонны с младенцем - монументальный, строгий и лиричный одновременно, придал этой теме невиданную значительность. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509-1517), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величества архитектурных фонов.

В 1508--1517 годах Рафаэль вместе с учениками по поручению папы Римского расписывал четыре станцы (комнаты) Ватиканского дворца в Риме. Наиболее известен комплекс фресок в папском рабочем кабинете: Станца делла Сеньятура. Этому помещению придавалось особое значение, именно его папа пожелал видеть готовым в первую очередь.

Комната расписана Рафаэлем в 1509--1511 годах, о чём свидетельствуют надписи на северной и южной стенах. Декоративную разбивку свода делал живописец Содома в конце 1508 года. Композиции росписей отражают четыре области духовной деятельности человека: «Афинская школа» -- Философию, «Диспута» -- Теологию, «Парнас» -- Поэзию, «Мудрость, умеренность и сила» -- Правосудие. Первой, вероятно, была написана «Диспута», второй -- «Парнас», а третьей -- «Афинская школа».

Много изображения богоматери ("Сикстинская мадонна", 1515-19), художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514-18) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками). В портретах создает идеальный образ человека Возрождения ("Бальдассаре Кастильоне",1515). Проектировал собор св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-20) в Риме. Живопись Возрождения обращена к зрителю. Как чудесные видения проходят перед его взором картины, в которых изображен мир, где царит гармония. Люди, пейзажи и предметы на них такие же, какие он видит вокруг себя, но они ярче, выразительнее. Иллюзия реальности полная, однако реальность, преображенная вдохновением художника. И зритель любуется ею, одинаково восхищаясь прелестной детской головкой и суровой старческой головой, вовсе, быть может, не привлекательной в жизни. На стенах дворцов и соборов фрески часто пишутся на высоте человеческого глаза, а в композиции какая-нибудь фигура прямо "глядит" на зрителя, чтобы через нее он мог "общаться" со всеми другими. Рафаэль - это завершение. Все его искусство предельно гармонично, и разум, самый высокий, соединяется в нем с человеколюбием и душевной чистотой. Его искусство, радостное и счастливое, выражает некую нравственную удовлетворенность, приятие жизни во всей ее полноте и даже обреченности.

В отличие от Леонардо Рафаэль не томит нас своими тайнами, не сокрушает своим всевидением, а ласково приглашает насладится земной красотой вместе с ним. За свою недолгую жизнь он успел выразить в живописи, вероятно, все, что мог, т.е. полное царство гармонии, красоты и добра. В Риме расцвел полностью гений Рафаэля, в Риме, где в это время возникла мечта о создании могущественного государства и где развалины Колизея, триумфальные арки и статуи цезарей напоминали о величии древней империи. Исчезли юношеская робость и женственность, эпичность восторжествовала над лирикой, и родилось мужественное, беспримерное по своему совершенству искусство Рафаэля. Рафаэль в отличие от Леонардо и Микеланджело не смущал современников дерзновенностью своих исканий: он стремился к высшему синтезу, к лучезарному завершению всего, что было достигнуто до него, и этот синтез был им найден и воплощен.

Флорентийские мадонны Рафаэля - это прекрасные, миловидные, трогательные и чарующие юные матери. Мадонны, созданные им в Риме, т.е. в период полной художественной зрелости, приобретают иные черты. Это уже владычицы, богини добра и красоты, властные в своей женственности, облагораживающие мир, смягчающие человеческие сердца. "Мадонна в кресле", "Мадонна с рыбой", "Мадонна дель Фолиньо" и другие всемирно известные мадонны знаменуют новые искания Рафаэля, его путь к совершенству в воплощении идеального образа богоматери. Шедевром Рафаэля признан алтарный образ Богоматери "Сикстинская Мадонна», которая была написана для алтаря святого Сикста в церкви бенедектинцев города Пьяченца лет за пять-шесть до кончины художника. Ныне "Сикстинская Мадонна" хранится в Дрезденской галерее.

«Сикстинская Мадонна» -- одно из самых совершенных творений мастера. Фигура Марии с младенцем, вырисовывающаяся на фоне неба, объединена общим ритмом движения с фигурами св. Варвары и папы Сикста IV, жесты которых обращены к Мадонне, как и взгляды двух ангелов в нижней части композиции. Фигуры объединены и общим колоритом -- золотом, олицетворяющим божественное сияние. Но главное -- это тип лица Мадонны, в котором воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала, что так характерно для мировоззрения Высокого Возрождения. Изобразительное мастерство художника обманывает зрителя. Задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов.

Достоевский видел в "Сикстинской мадонне" высшую меру человеческого благородства, высочайшее проявление материнского гения. Большая поясная ее репродукция висела в его комнате, в которой он и скончался. Так немеркнущая красота подлинно великих произведений искусства воодушевляет и в последующие века лучшие таланты и умы... Сикстинская мадонна - воплощение того идеала красоты и добра, который смутно воодушевлял народное сознание в век Рафаэля и который Рафаэль высказал до конца, раздвинув занавес, тот самый, что отделяет будничную жизнь от вдохновенной мечты, и показал этот идеал миру, всем нам и тем, кто придет после нас.

Рафаэль был не только непревзойденным мастером идеально построенной композиции: колорит его картин, яркий и одновременно прозрачный и легкий, чудесно сочетается с четким рисунком. Этот великий живописец оставил след и в скульптуре. Среди его учеников - ваятель Лоренцо Лоренцетти. По эскизам и под руководством своего великого учителя он выполнил несколько скульптур, из которых до нас дошла только одна - "Мертвый мальчик на дельфине". В ней воплощены в мраморе рафаэлевский идеал красоты, его ритм и гармония: нет ужаса смерти, кажется, будто ребенок мирно заснул. Живопись Рафаэля, ее стиль, ее эстетические принципы отрадажали мировозрение эпохи. К третьему десятелетию 16 века культурная и духовная ситуация в Италии изменилась. Историческая действительность разрушала иллюзии ранессансного гуманизма. Возрождение подходило к концу.

Жизнь Рафаэля оборвалась неожиданно в возрасте 37 лет 6 апреля 1520 года. Великому художнику были оказаны высшие почести: прах его был погребен в Пантеоне.

III. Леонардо да Винчи

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи -- итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека».

Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в местечке Анкиано близ города Винчи, расположенном недалеко от Флоренции.

Леонардо да Винчи был незаконнорожденным сыном нотариуса Пьеро да Винчи и крестьянки Катарины. Его отец, пользовавшийся высокой репутацией во флорентийском обществе, отдал его в 15-летнем возрасте в ученики к художнику Андреа дель Верроккьо. В мастерской Верроккьо Леонардо да Винчи получил многогранное образование, которое включало живопись и скульптуру, а также технические и механические искусства.

В 1472 году Леонардо да Винчи был принят в гильдию живописцев Флоренции, но оставался в мастерской своего учителя еще пять лет, после чего работал во Флоренции самостоятельно до 1481 года.

В ранних произведениях ("Благовещение", "Мадонна Бенуа"), Леонардо да Винчи развивал традиции кватроченто, подчеркивая плавную объемность форм мягкой светотенью, иногда оживляя лица едва уловимой улыбкой с целью передачи тонких душевных состояний. В "Поклонении волхвов" (1481-1482, не закончена) художник превратил религиозный сюжет в средство раскрытия разнообразных человеческих эмоций. Фиксируя результаты многочисленных наблюдений в набросках, эскизах и натурных штудиях (итальянский карандаш, сангина, перо и др.), Леонардо да Винчи добивался остроты в передаче мимики лица, а физические особенности движения человеческого тела приводил в соответствие с духовной атмосферой композиции.

В период пребывания в мастерской Верроккьо Леонардо да Винчи также занимался скульптурой и, подобно другим ученикам мастера, создавал терракотовые рельефы и бюсты, однако безусловно принадлежащих ему скульптурных работ не сохранилось.

В 1482 году Леонардо да Винчи переехал в Милан, где поступил на службу к герцогу Лодовико Сфорца. При дворе он выступал устроителем и оформителем празднеств, создавал эскизы костюмов для турниров. По описаниям современников и рисункам Леонардо да Винчи известны механизмы и декорации для представлений "Рай" (1490) и "Даная" (1496). Архитектурные и инженерные идеи Леонардо да Винчи нашли отражение в его рисунках: проекты фонаря над средокрестием миланского собора, проект идеального устройства города Виджевано с подземной канализацией и др.

На это время приходится творческий расцвет Леонардо-живописца, в произведениях этого периода были заложены основы стиля Высокого Возрождения.

В 1499 году Леонардо да Винчи покинул Милан и, после краткого пребывания в Мантуе и Венеции, в апреле 1500 года вернулся во Флоренцию.

Ключевым для этого периода жизни Леонардо да Винчи стал заказ на сцену "Битва при Ангиари" (1504-1505) для Зала Большого совета в Палаццо делла-Синьория (Палаццо Веккьо); на противоположной стене должна была размещаться "Битва при Кашине" Микеланджело. Оба мастера исполнили картоны (крупноформатный рисунок, выполняемый в размере будущего произведения), ныне утраченные.

Между 1503 и 1506 годами Леонардо да Винчи создал самую знаменитую свою работу - "Портрет Лизы Герардини, жены Франческо дель Джокондо" ("Мона Лиза" или "Джоконда", ныне хранится в Лувре). Небольшая по размерам картина производит монументальное впечатление: Мона Лиза показана на фоне пейзажа, где глубина пространства, воздушная дымка переданы с величайшим совершенством. Знаменитая техника сфумато Леонардо здесь доведена до небывалых вершин: тончайшая, точно тающая, дымка светотени, окутывая фигуру, смягчает контуры и тени.

В 1513 году Леонардо да Винчи переехал в Рим, в Ватикан, ко двору папы Льва X, но вскоре потерял благосклонность папы. Он изучал растения в ботаническом саду, писал заметки к трактату об устройстве человеческого голоса. В это время им был создан единственный "Автопортрет" (1514), исполненный сангиной. Последняя картина да Винчи также была написана в Риме - "Святой Иоанн Креститель" (1515).

После двухлетнего пребывания в Риме Леонардо да Винчи по приглашению французского короля Франциска I в 1516 году отбыл во Францию.

Вокруг Леонардо да Винчи сложился широкий круг последователей и подражателей: Андреа Соларио, Джованни Больтраффио, Амброджо де Предис, Марко д'Оджионо, Чезаре да Сесто, Франческо Мельци, Салаи и др., впоследствии получившие название "леонардесков". В разное время и по-разному сотрудничавшие с мастером, они распространяли его живописные и графические идеи.

Как ученый и изобретатель Леонардо да Винчи признавал единственным критерием истины опыт; он противопоставлял "книжной учености" основанное на эксперименте естествознание.

Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи являются его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов), отрывки из которых вошли в “Трактат о живописи”, составленный после смерти мастера его учеником Ф. Мельци и оказавший огромное влияние на европейскую теоретическую мысль и художественную практику. В споре искусств Леонардо да Винчи первое место отводил живописи, понимая ее как универсальный язык, способный воплотить все многообразные проявления разумного начала в природе. Как ученый и инженер он обогатил почти все области науки того времени.

Яркий представитель нового, основанного на эксперименте естествознания Леонардо да Винчи особое внимание уделял механике, видя в ней главный ключ к тайнам мироздания; его гениальные конструктивные догадки намного опередили современную ему эпоху (проекты прокатных станов, машин, подводной лодки, летательных аппаратов). Собранные им наблюдения над влиянием прозрачных н полупрозрачных сред на окраску предметов привели к утверждению в искусстве Высокого Возрождения научно обоснованных принципов воздушной перспективы.

Изучая устройство глаза, Леонардо да Винчи высказал правильные догадки о природе бинокулярного зрения. В анатомических рисунках он заложил основы современной научной иллюстрации, занимался также ботаникой и биологией. Неутомимый ученый-экспериментатор и гениальный художник, Леонардо да Винчи стал общепризнанным символом эпохи Возрождения.

IV. Микеланджело Буонарроти

Высший расцвет Флорентийской республики во второй половине XVI в. связан с правлением Лоренцо Медичи, прозванным Великолепным. Он сам обладал ораторским и поэтическим даром, до умел ценить талант окружающих его поэтов и художников. Лоренцо Великолепный приблизил к себе поэта и драматурга Анджело Полициано, философа-гуманиста Пико делла Мирандолу, живописца, скульптора архитектора и поэта Микеланджело Буонарроти (1475-1564), который начинал как ваятель. В кружке Лоренцо Великолепного оценили его рельеф, изображающий борьбу Геракла с кентаврами, а изваяние спящего амура скульптор выдал за античный подлинник, и ему поверили, настолько совершенным было его творение. Место первого итальянского скульптора он завоевал своим изваянием Pieta, - изображающим Богоматерь с мертвым Христом на коленях.

Начальное формирование Микеланджело как художника протекало в условиях, роднящих его с Леонардо да Винчи. Как и Леонардо, он был учеником известного флорентийского мастера кватроченто. Есть сведения, что мастер этот, Доменико Гирландайо, как и учитель Леонардо Верроккьо, завидовал своему ученику. Подобно Леонардо, утонченно-изысканное искусство, процветавшее при дворе Лоренцо Великолепного, не могло удовлетворить Микеланджело. И одна из первых его работ - "Мадонна у лестницы", высеченная им в мраморе, когда ему было едва шестнадцать лет, не изнеженная патрицианка и даже не трогательная в своей любви к младенцу юная мать, а суровая и величавая дева, которая осознает свою славу и знает об уготованном ей трагическом испытании.

Отпрыск старинного, но обедневшего дворянского рода, Микеланджело Буонарроти был патриотом и демократом. В отличие от Леонардо, гражданственность пронизывала его мироощущение. Он принимал участие в битвах против тирании, заведовал всеми укреплениями своей родной Флоренции, осажденной войсками германского императора и папы, и только слава, завоеванная им в искусстве, спасла его затем от расправы победителей.

Микеланджело глубоко чувствовал свою связь с родным народом, с родной землей.

Основа веры и идеал Микеланджело в том, что из всех крупнейших представителей Возрождения, он наиболее последовательно и безоговорочно верил в великие возможности, заложенные в человеке, в то, что человек, постоянно напрягая свою волю, может выковать свой собственный образ, более цельный и яркий, чем сотворенный природой. И этот образ Микеланджело выковал в искусстве, чтобы превзойти природу. Нужно не просто подражать природе, а постигать ее "намерения", чтобы выразить до конца, завершить в искусстве дело природы и тем самым возвыситься над ней.

Возле галереи Уфиции, где собраны шедевры Ренессанса, была установлена мраморная скульптура Давида, победившего Голиафа. Поразительное мастерство Микеланджело проявилось в том, что гигантская фигура была высечена из цельной глыбы мрамора. Отсюда и пошло знаменитое определение искусства ваяния: скульптор из материала устраняет все лишнее, оставляя только образ.

В начале XVI в. Микеланджело был вызван папой Юлием II в Рим, где им было создано по его заказу, множество скульптур и рельефов, в том числе и его гробница, украшенная статуями библейских пророков. Вскоре папа охладел к сооружаемой ему усыпальнице, посчитав это дурной приметой. Взамен он повелевает Микеланджело украсить потолок Сикстинской капеллы. Не занимавшийся прежде живописью мастер расписывает шестьсот метров поверхности грандиозным циклом фресок "Страшный суд", представляющим собой грандиозную мистерию сотворения мира и человека.

Микеланджело считал себя в первую очередь скульптором, и даже только скульптором.

О живописи Микеланджело говорил подчас с высокомерием, даже раздражением, как не о своем ремесле.

Как и скульптуры Микеланджело, грандиозные образы, созданные его кистью, поражают своей беспримерной пластической выразительностью. В его творчестве, и быть может, только в нем, скульптура является действительно "светочем живописи". Ибо скульптура помогала Микеланджело гармонично объединять и сосредоточивать в одном определенном живописном образе всю таящуюся в человеческой фигуре пластическую красоту.

В отличие от художников предыдущего века, работавших в гуще народа, художники чинквеченто приобщаются к высшему, патрицианскому кругу. Идеалы народной свободы попраны абсолютизмом. Светские и духовные властители нуждаются в искусстве, которое прославляло бы их деяния: они привлекают к себе на службу знаменитейших живописцев, скульпторов и архитекторов.

Папа Юлий II вызвал Микеланджело в Рим, чтобы дать ему грандиозное задание: этот суровый и упрямый честолюбец, мечтавший порой о создании церковной империи, более могущественной, чем империя цезарей, пожелал, чтобы уже при жизни ему была воздвигнута гробница, которая своими размерами и великолепием превосходила бы все созданное до того в мире, и решил, что с такой задачей может справиться только Микеланджело.

Грандиозное папское надгробие, каким задумал его Микеланджело, - мавзолей, украшенный сорока статуями, - не было выполнено. Микеланджело добыл мрамор, количество которого изумило весь Рим, и уже собирался приступить к работе, как вдруг услышал, что папа не хочет оплатить стоимость мрамора. Когда он явился к Юлию II, его не впустили, объявил, что таков приказ самого папы.

Оскорбленный Микеланджело тотчас покинул Рим. Папа послал за ним погоню, требуя его возвращения, но художник ослушался, что было признано неслыханной дерзостью. Дело в том, что Юлий II по совету Браманте, соперника Микеланджело, решил заново построить собор св.Петра, так, чтобы этот храм стал самым грандиозным и великолепным во всем христианском мире. Сооружение гробницы отходило вследствие этого на второй план. Микеланджело приписывал такое решение "завистливым козням" Браманте и свои отношения с папой считал расторгнутыми навсегда. Этого, однако, не случилось. Примирение состоялось, и Микеланджело получил от папы новый заказ, по своим масштабам не уступавший задуманному надгробию.

Юлий II поручил Микеланджело роспись потолка Сикстинской капеллы, домовой церкви римских пап в Ватикане.

Ни одному итальянскому живописцу не приходилось до этого браться за такую гигантскую роспись: около шестисот квадратных метров! Да еще не на стене, а на потолке.

Микеланджело начал эту работу 10 мая 1508 г. и закончил 5 сентября 1512 г. Более четырех лет труда, требовавшего почти сверхчеловеческого духовного и физического напряжения. Расписывая Сикстинскую капеллу, Микеланджело так приучил свои глаза смотреть кверху на свод, что потом, когда работа была закончена и он снова стал держать голову прямо, уже почти ничего не видел; когда ему приходилось читать письма и бумаги, он должен был держать их высоко над головой. И лишь понемногу он опять привык читать, глядя перед собой вниз. На потолке Сикстинской капеллы Микеланджело создавал образы, в которых и по сей день мы видим высочайшее проявление человеческого гения и человеческого дерзания.

Хотя Микеланджело поздно обратился к архитектуре, он и в этом искусстве прославил свое имя. Ему мы обязаны усыпальницей Медичи; интерьером библиотеки Лауренцианы со знаменитой лестницей. Он занимался грандиозной реконструкцией древнеримской площади Капитолия с установлением посредине античной конной статуи императора Марка Аврелия, увенчал огромным карнизом, шедевром ренессансного зодчества, палаццо Фарнезе в Риме. Над сооружением нового грандиозного собора св.Петра, которым папское государство желало прославить свое могущество, работали поочередно знаменитейшие архитекторы того времени: Браманте, Рафаэль, Бальдассаре Перуцци, Антонио да Сангалло Младший. В 1546 г. руководство работами перешло к Микеланджело.

Купол собора св.Петра - венец архитектурного творчества Микеланджело. Как и в совершеннейших созданиях его кисти и резца, бурный динамизм, внутренняя борьба контрастов, все заполняющее движение властно и органически включены в замкнутое целое идеальных пропорций.

Красоту, к которой не примешаны страдания и несчастья, Микеланджело нашел в архитектуре. Строительство собора святого Петра после смерти Браманте взял на себя Микеланджело.

Микеланджело скончался 18 февраля 1564 г. восьмидесяти девяти лет после непродолжительной болезни, свалившей его в разгаре работы. Он достиг при жизни великой славы, и авторитет его был непререкаем. В произведениях Микеланджело выражена боль, вызванная трагедией Италии, слившаяся с болью по поводу собственной горестной судьбы.

Заключение

Начиная с четырнадцатого столетия итальянские художники и поэты обратили свой взор к античному наследию и попытались возродить в своем искусстве облик прекрасного гармонически развитого человека. Понятие "эпоха Возрождения" было введен в научный оборот выдающимся историком искусства Джорджо Вазари в "Жизнеописании великих живописцев, ваятелей и зодчих" (1550).

Эволюция итальянского Возрождение была тесно связана с развитием философии, политической идеологии, науки, других форм общественного сознания и, в свою очередь, оказало мощное воздействие на художественную культуру Ренессанса. Гуманистическое мировоззрение стало одним из крупнейших прогрессивных завоеваний эпохи Возрождения, оказавшим сильное влияние на все последующее развитие европейской культуры.

Какого "аполлонического" совершенства, какого сердечного богатства и героической возвышенности духа может достичь и должен достичь человек, в полную силу показало только искусство Высокого Возрождения - и в "Давиде" Микеланджело, и в "Сикстинской мадонне" Рафаэля. То, что в искусстве кватроченто содержалось только в потенции, в намеке, здесь развертывается в могучем цветении. Однако было бы заблуждением думать, что искусство Высокого Возрождения - что то же искусство Раннего Ренессанса, только "в полном блеске проявлений". Пусть стремление к раскрытию внутреннего мира человека прорывалось в некоторых лучших творениях кватроченто, - для того, чтобы эта тенденция действительно реализовалась, самое понимание человека, его внутреннего мира должно было очень существенно измениться.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль… Каждый из них - гений, творческое наследие их велико и значимо для человечества.

Простосердечный человек, в конце концов, устанет от бесконечной, изнурительной борьбы героев Микеланджело, и его потянет к ясной простоте персонажей Рафаэля. Человека с прометеевским началом повлечет из соразмерного бытия Рафаэля к страстным порывам Микеланджело или к загадочным безднам Леонардо. Но вчетвером они создали гармонию - мир человека Высокого Возрождения: это мир без подлости и фальши, мир титанов и ученых, мир лучезарной простоты, мир, двери которого всегда открыты для нас.

Список иллюстраций

1. «Сикстинская мадонна» Рафаэль Санти. 1512 г. Холст, масло. 265 Ч 196 см. Галерея старых мастеров, Дрезден

2. «Мадонна Конестабиле» Рафаэль Санти. 1502--1504. Холст (переведена с дерева), темпера. 17,5 Ч 18 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

3. «Афинская школа» Рафаэль Санти. 1510--1511. Фреска. 500 Ч 770 см. Апостольский дворец, Ватикан

4. «Мадонна Бенуа» Леонардо да Винчи. 1478--1480. Холст (переведена с дерева), Масло. 48 Ч 31,5 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

5. «Благовещение» Леонардо да Винчи. 1472--1475. Доска, масло. 98 Ч 217 см. Уффици, Флоренция

6. «Автопортрет» Леонардо да Винчи. После 1512. Бумага, сангина. 33,3 Ч 21,6 см. Королевская библиотека, Турин

7. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи. 1503--1519. Доска (тополь), масло. 76,8 Ч 53 см. Лувр, Париж

8. «Страшный суд» Микеланджело Буонарроти. Фреска. Сикстинская капелла. 1537-1541.

9. «Купол собора св.Петра» Микеланджело Буонарроти. 1506-1626. Площадь св.Петра, Ватикан. Цемент и мрамор. 136,6 м.

Источники

1. Аксёнова М. и др. Энциклопедия для детей. Том 7: Искусство. Часть 1. - М.: Аванта+, 2001.

2. Аксёнова М. и др. Энциклопедия для детей. Том 36: История Нового времени. XV - начало XIX века. - М.: Аванта+, 2010.

3. Арган Дж. К. История итальянского искусства: Античность. Средние века. Раннее Возрождение. Т.1. - М: Радуга, 1990

4. Веймарн Б.В. Всеобщая история искусств: В 6 т. Том 3: Искусство эпохи Возрождения. - М., 1962.

5. Вийранд Т. Молодежи об искусстве. - Таллинн: Кунст, 1990.

6. Виппер Б.Р. Итальянский Ренессанс XIII - XVI века. В 2 т. - М.: Искусство, 1977.

7. Всеобщая история архитектуры: В 12 т. Том 5: Архитектура Западной Европы XV-XVI веков. Эпоха Возрождения. - Л., М.: Издательство литературы по строительству, 1967.

8. Данилова И.Е. Брунеллески и Флоренция. Творческая личность в контексте ренессансной культуры. - М.: Искусство, 1991.

9. Дворжак М. История итальянского искусства в эпоху Возрождения. Том 1: XIV и XV столетия. - М.: искусство, 1978.

10. Дмитриева Н.А. Краткая история искусства. - М., 2008.

11. Багдасарьян Н.Г. Культурология. М.: Высшая школа, 2008. - 258 с.
12. Культурология. История мировой культуры / Под ред. профессора А.Н.Марковой. М.: ЮНИТИ, 2008. - 213 с.

Приложение

1. «Сикстинская мадонна» Рафаэль Санти

2. «Мадонна Конестабиле» Рафаэль Санти

3. «Афинская школа» Рафаэль Санти



4. «Мадонна Бенуа» Леонардо да Винчи

5. «Благовещение» Леонардо да Винчи

6. «Автопортрет» Леонардо да Винчи



7. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи

8. «Страшный суд» Микеланджело Буонарроти

9. «Купол собора св.Петра» Микеланджело Буонарроти



10. «Пьета» Микеланджело Буонарроти

Размещено на Allbest.ru

...