Эстетика как предмет

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

Введение

1. Эстетика как предмет

2. Методы эстетики

3. Отношение эстетики к художественному творчеству

4. Виды изобразительного искусства

Заключение

Введение

У эстетики, которую чаще всего называют наукой о прекрасном, у нее солидное прошлое, великое будущее, и по своей природе она неотделима от настоящего.

Степень зрелости эстетики как науки измеряется прочностью ее связей с народом, мерой ее действенного участия в борьбе за осуществление высоких и прекрасных идеалов.

Однако эстетика не может успешно развиваться в отрыве от истории, с которой связана жизнь и борьба минувших поколений, их опыт, их высокое достижение. Прошлое - колыбель будущего. Без прошлого нет настоящего. Основывая богатство эстетической мысли разных стран и народов, критически перерабатывая минувший опыт минувшего.

История эстетики насчитывает много веков. В ходе развития этой науки менялись не только эстетические взгляды, но и круг изучаемых ею вопросов. Эстетика была частью философии и служила созданию картины мира в целом, то затрагивала проблемы поэтики, общефилософские вопросы природы красоты и искусства и ставила задачи обобщения его опыта (Аристотель), то близко соприкасалась с эстетикой (Сократ), стремилась формировать нормы искусства (Бауло); то занималась изучением особенностей чувственного познания мира в искусстве (Баумгартен).

Философия Вольфа распространявшаяся в Германии вплоть до Канта, разграничивала всю область познания на 2-е части: чувственное и интеллектуальное.

Однако эстетика Баумгартена лишь дополнение к логике, часть теории познания, а не самостоятельная наука. Эстетическое чувство в теории Баумгартена выступает как способность наслаждения красотой. Он называет прекрасным то, что доставляет наслаждение созерцающему.

Истинное искусство и прекрасное неотделимы друг от друга. Искусство - область прекрасного. Это неоспоримо. Искусство отражает так же прекрасное и непрекрасное.

Прежде всего следует заметить, что термин “искусство” имеет несколько значений. Принято называть искусством всякое мастерство, совершенное выполнение работы. “Искусник так называют в народе мастера”. Искусным или мастерским называют также исполнение, которое наилучшим образом соответствует определенной цели, не нуждается в дополнениях, улучшениях, исправлениях. Иначе говоря, искусство - это умение достигать высокого качества, в то или иной области трудовой деятельности.

Человеку свойственно вносить эстетическое начало, красоту в самые разнообразные роды деятельности, ибо по своей натуре человек художник.

Эстетика нужна художнику. Он может интуитивно применять ее законы, не постигнув их теоретической формы. Когда художник встречается со сложной творческой задачей он должен опираться на глубокие знания эстетики.

Нет истинного творчества без мастерства, без высокой требовательности, без труда. Мировоззрение художника не есть сумма вычитанных им философских истин. Оно развивается в самой жизни.

Выучить основные положения эстетики - еще не значит научиться художественному творчеству.

Не менее, чем художнику, эстетика нужна и воспринимающей искусство публике - читателям, зрителям, слушателям. Теоретически развитое сознание глубже воспринимает произведение.

Искусство доставляет одно из высших духовных переживаний - эстетическое наслаждение.

Эстетика нужна не только художнику, пишущему картину, но и портному, шьющему костюм, и столяру, делающему шкаф, так как освоение и преобразование осуществляется ими по законам красоты. Все стороны деятельности подчиняются законам эстетики. Эстетика входит во все сферы деятельности. Она формирует в человеке творческое, созидающее начало воспринимать красоту и наслаждаться ею, уметь и понимать искусство.

Поскольку искусство и эстетика сосредоточили свое внимание на общечеловеческом, эти сферы культуры особенно актуальны сегодня, что способствует сближению народов, их взаимопониманию.

1. Эстетка как предмет

Эстетика составляет особую роль философии, занимающуюся красотой и искусством. Философская дисциплина, изучающая природу всего многообразия выразительных форм окружающего мира, их строение и модификацию.

Термин «эстетика» происходит от греческого б?уизуйт, что означает чувственный, и в таком смысле встречается у самого основателя науки о прекрасном, Канта, в «Критике чистого разума». Современное специальное значение он впервые получил в книге Баумгартена «Aesthetica» (1750). В логике Вольфа, кроме познания разумом, стремящимся к истине, предполагалось еще одно смутное чувственное познание, под названием (verworrene Vorstellung). Это особое познание, под названием cognitio sensitiva, и исследовал в своей книге Баумгартен, находя, что совершенство, достигаемое этим познанием, есть красота (Perfectio cognitionis sensitivae… est pulchritudo). Эстетика, наука о чувственном познании, превратилась, таким образом, в науку о красоте. Став наукой о красивом, Эстетика сама собой оказалась одновременно и наукой об искусстве.

Искусство и прекрасное издавна были предметом изучения. На протяжении более двух тысячелетий эстетика развивалась в рамках философии, теологии, художественной практики и художественной критики.

В процессе развития усложнялся и обогащался предмет эстетики. В период античности эстетика затрагивала общефилософские вопросы природы красоты и искусства; теология оказывала существенное влияние на средневековую эстетику, служившую одним из инструментов познания Бога; в эпоху Возрождения эстетическая мысль развивалась в основном в сфере художественной практики, и ее предметом становится художественное творчество и его связь с природой. В начале Нового времени эстетика стремилась формировать нормы искусства. Политика оказала огромное влияние на эстетику Просвещения, акцентировав внимание на общественном назначении художественного творчества, его нравственной и познавательной значимости.

Классик немецкой философии Иммануил Кант традиционно рассматривал предмет эстетики как прекрасное в искусстве. Но эстетика, по Канту, изучает не предметы прекрасного, а только суждения о прекрасном, т.е. является критикой эстетической способности суждения. Георг Гегель определял предмет эстетики как философию искусства или философию художественной деятельности и считал, что эстетика занимается определением места искусства в системе мирового духа.

В дальнейшем предмет эстетики сужался до теоретического обоснования определенного направления в искусстве, анализа художественного стиля, например, романтизма (Новалис), реализма (В.Белинский, Н.Добролюбов), экзистенциализма (А.Камю, Ж.-П. Сартр). Марксисты определяли эстетику как науку о природе и закономерностях эстетического освоения действительности и художественной культуры общества. Согласно А. Ф. Лосеву, в его крочевском понимании предмета эстетики, этим предметом является выразительная форма, к какой бы области действительности она ни относилась Дзикевич С. А. Эстетика: Начала классической теории: Учебное пособие для вузов. -- М.: Академический проект; Фонд «Мир», 2011. -- С. 40.. Лосев отмечал, что практически каждая область общественной жизни может стать источником эстетики, которая впитывает и концентрирует специфику любой социально-исторической конкретики Ю. В. Мельникова история и миф в творческом наследии А. Ф. Лосева - страница 10..

Предметом эстетики является человеческая чувственность, ответственная за целостное, образное постижение мира. Такое определение вбирает в себя и сферу прекрасного, и возвышенного, и комического, и трагического, и др. эстетических категорий, характеризующих чувственное постижение человеком мира. Оно также охватывает и сферу искусства, которое развивает и воспитывает эту особую форму человеческого духа - чувственность. Целостное восприятие мира, сила воображения - универсальная способность, отличающая человека от животного. Она присуща человеку так же, как и другая универсальная способность - мышление в понятиях. Эти две универсальные способности человека тесно связаны и одна без другой не существуют . Мышление в образах, творческое воображение может быть присуще человеку изначально или воспитано. Простые формы этой способности формируются в индивиде вполне стихийно, естественно. Высшие формы этой способности (воспринимать мир в формах развитой человеческой чувственности) представлены в искусстве. Для развития человеческой чувственности нет иного пути кроме воспитания вкуса на сокровищах мирового искусства.

А.Ф.Лосев рассматривал предмет эстетики как мир выразительных форм, созданных человеком и природой. Он считал, что эстетика изучает не только прекрасное, но и безобразное, и трагическое, и комическое и т.д., поэтому она является наукой о выражении вообще. Исходя из этого, эстетику можно определить как науку о чувственном восприятии выразительных форм окружающего мира. В этом смысле понятие художественной формы является синонимом произведения искусства. Из всего сказанного можно сделать вывод, что предмет эстетики подвижен и изменчив, и в исторической перспективе эта проблема остается открытой.

Эстетические ценности - это ценности образного постижения мира в процессе любой деятельности человека (прежде всего в искусстве) на основе законов красоты и совершенства. Термин «эстетика» появился в научном обиходе в середине XVIII в., хотя учение о прекрасном, о законах красоты и совершенства уходит корнями в глубокую древность. Под эстетическим отношением понимается особый вид связи между субъектом и объектом, когда независимо от внешнего практического интереса человек переживает глубокое духовное наслаждение от созерцания гармонии и совершенства. Выделяют объективное содержание эстетической ценности и ее субъективную сторону, зависящую от сложившихся идеалов красоты, вкусов, художественных стилей.

Эстетические ценности (как и любые другие) представляют собой синтез трех основных значений: вещественно-предметного, психологического, социального. Вещественно-предметное значение включает в себя характеристику внешних свойств вещей и предметов, выступающих как объект ценностного отношения. Второе значение характеризует психологические качества человека как субъекта ценностных отношений. Социальное значение указывает на отношение между людьми, благодаря которым ценности обретают общезначимый характер. Своеобразие эстетических ценностей заключается в характерном для эстетики отношении человека к действительности. Оно подразумевает чувственно-духовное, бескорыстное восприятие реальности, которое направлено на постижение и оценку внутренней сущности реальных объектов.

Было бы неверным полагать, что возникновение понятия «эстетическая ценность» привело к возникновению «пропасти» между эстетическим и этическим. Возводя понятия ценности в ранг философской категории, Герман Лотце показал, что высшая степень эстетической ценности неразрывна с нравственно-этической. Эстетическая ценность единства и многообразия, последовательности и контраста, напряжения и расслабления, ожидания и неожиданности, тождества и противоположности не заключается сама в себе. И если сложность, напряженность и расслабление, если неожиданность и контраст обладают эстетической ценностью, то эта ценность основывается на том, что все эти формы отношений и явлений являются необходимыми элементами в порядке мира, которые в своей взаимосвязи должны создавать неизбежные формальные условия для всестороннего осуществления добра.

Эстетическими ценностями могут обладать все предметы и явления реальной и мыслимой действительности, хотя сами ценности не обладают ни физической, ни психической природой. Сущность их заключается в значимости, а не в фактичности. Поскольку эстетические ценности носят субъективно-объективный характер, т. е. указывают на соотнесенность их с человеком, наличие эстетической ценности у этих объектов зависит от того, в какую конкретную систему социально-исторических отношений они включены. Поэтому эстетические ценности имеют зыбкие границы и их содержание всегда является социально-историческим. Исходя из разработанной эстетической наукой классификации эстетических ценностей, основным ее видом является прекрасное, которое в свою очередь выступает во множестве конкретных вариаций (как изящное, грация, миловидность, великолепие и т. д.); другой вид эстетической ценности -- возвышенное -- также имеет ряд вариаций (величественное, величавое, грандиозное и т. п.). Как и все другие положительные ценности, прекрасное и возвышенное диалектически соотносятся с соответствующими отрицательными ценностями, «антиценностями», -- с безобразным и низменным.

Особую группу эстетических ценностей составляют трагическое и комическое, характеризующие ценностные свойства различных драматических ситуаций в жизни человека и общества и образно моделируемых в искусстве.

Между категориями существует определенная субординация. Так, например, прекрасное и возвышенное -- категории, отражающие эстетические свойства природы и человека, в то время как трагическое и комическое -- категории, отражающие объективные процессы только социальной жизни.

Прекрасное -- наиболее существенная и широкая по объему эстетическая категория. Термин прекрасное порой выступает как синоним эстетического. Не случайно эстетику часто определяют, как науку о прекрасном. В русском языке близко к термину прекрасное стоит красота. В отличие от прекрасного, красота характеризует предметы и явления преимущественно с их внешней и не всегда существенной стороны. Прекрасное же относится к понятиям, в которых предмет и явления раскрываются с точки зрения их сущности, закономерных связей их внутренней структуры и свойств. В категории прекрасного, однако, отражаются не только его объективные основы, но и субъективная сторона, выражающаяся в характере восприятия этих объективных основ, в отношении к ним, в их оценке, в этом смысле говорят о прекрасном как о ценности, ибо оно воспринимается как положительный феномен, вызывающий целую гамму чувств, начиная от спокойного любования и кончая бурным восторгом.

Возвышенное -- одна из основных категорий эстетики, отображающая совокупность природных, социальных и художественных явлений, исключительных по своим количественно-качественным характеристикам и выступающих благодаря этому источником глубокого эстетического переживания -- чувства возвышенного. Категорией, полярно противоположной возвышенному, является категория низменного.

В природе возвышенны, например, безбрежные просторы неба и моря, громады гор, величественные реки и водопады, грандиозные явления природы -- буря, гроза, полярное сияние и т. д. Еще больше ярких проявлений В. мы находим в общественной жизни. Они содержатся в выдающихся деяниях, служащих делу прогресса, как отдельных личностей (великих людей, героев), так и целых классов, масс, народов. Возвышают и воспевают эти свершения и подвиги произведения искусства. В процессе художественного освоения возвышенного. сформировался целый ряд специфических жанров искусства: эпопея, героическая поэма, героическая трагедия, ода, гимн, оратория, монументальные жанры живописи, графики, скульптуры, архитектуры и др.

Исключительность возвышенных явлений бывает двоякого рода. Это может быть исключительность внешнего масштаба, превосходящего привычную норму чувственного восприятия, и исключительность внутренняя, смысловая, постигаемая интеллектуально, духовно, опосредствованно. Существует немало явлений, в которых оба эти признака совпадают.

Возвышенное может быть лишь такое явление, которое при всей своей исключительности, мощи и грандиозности не представляет непосредственной угрозы созерцающему его человеку. В противном случае разрушаются сами условия эстетического восприятия.

Трагическое -- одна из основных категорий эстетики, отображающая наличие глубоких объективных противоречий в борьбе человека с природой, в столкновениях противоположных общественных сил, в деятельности и внутреннем мире личности -- противоречий, катастрофических по своим последствиям для человека, для защищаемых им гуманистических ценностей, а потому возбуждающих в нас напряженнейшее духовное переживание - трагическое чувство.

Комическое (от греч. komikos -- смешной) -- одна из основных эстетических категорий, отражающая жизненные явления, характеризующиеся внутренней противоречивостью, несоответствием между тем, чем они являются по существу, и тем, за что они себя выдают. Это несоответствие Н. Г. Чернышевский определил, как выражение «пустоты и ничтожества, прикрывающегося внешностью и имеющего притязание на содержание и реальное значение». Это может быть несоответствие цели и средства, усилий и результата, возможностей и претензий в действиях людей и т. д.

2. Методы эстетики

Познание невозможно без своего инструмента -- метода. Опираясь на общефилософскую методологию, науки вырабатывают на своем материале собственный метод познания. Эстетика в этом отношении не составляет исключения.

Метод эстетики -- это предшествующие знания, накопленные в данной области исследования и преобразованные на основе общефилософской методологии в установки, принципы, подходы, приемы добывания новых знаний. Основой метода марксистской эстетики является диалектико-материалистический историзм.

Принцип историзма противостоит идее «остановившегося времени», застывшего в вечной неподвижности мира и столь же односторонней идее абсолютной текучести времени. Историзм предполагает: во-первых, рассмотрение явлений в их развитии; во-вторых, рассмотрение связей данного явления с другими; в-третьих, изучение истории в свете опыта современности, использование исторически высших форм в качестве ключа к пониманию предшествующих. Выявление специфики данного явления требует умения спуститься к его низшей генетической границе и сопоставить современные высокоразвитые его формы с изначальными, истоковыми. Общее для всех этих исторических форм явления и будет специфическим, сущностным для него.

В эстетике принцип историзма не есть просто применение положений диалектики к данной науке. Он вырастает изнутри самой эстетики как ее потребность более адекватно рассмотреть свой предмет. Нынешнее состояние искусства и его современные законы необходимо понять как ставшие, исторически возникшие, а его будущее состояние -- как формирующееся в протекающем на наших глазах художественном процессе.

Принцип историзма -- путь к связи теории и практики, дорога к актуальности, к истинно современному изучению эстетики. Научное мышление, возвысившееся до историко-теоретического уровня, предполагает не иллюстрирование мысли фактами искусства, а развитие ее на основе фактов.

Многие важные стороны эстетических проблем открываются при структурном анализе, рассматривающем предмет в неподвижности, в статике, которая выступает как момент движения. Структурный анализ -- составная часть исторического подхода, совмещенная с ним по принципу дополнительности. Он берет художественное явление как бы в горизонтальном срезе, рассматривает его как определенную систему элементов (пространства, времени, цвета, текста и контекста и т. д.).

Эстетика находится в движении. И важно, чтобы новые теоретические положения, наблюдения и открытия входили в нее, не нарушая ее монизма, а укрепляя и углубляя его. Историзм, развернутый не только в прошлое, но и в настоящее, и в будущее,-- инструмент развития монистической, целостной эстетической теории.

3. Отношение эстетики к художественному творчеству

По поводу взаимоотношения эстетики и искусства в истории эстетической мысли сложились две крайние позиции -- абсолютизация нормативности и эмпиризм. Теоретик классицизма Н. Буало (XVII в.), например, трактовал эстетику как науку, предписывающую художнику каноны, правила, выведенные из философии и политики. Другой французский ученый, И. Тэн (XIX в.), напротив, считал, что эстетика должна следовать за фактами искусства и лишь констатировать их. Обе крайности -- и абсолютизация нормативности, и эмпиризм -- равно неприемлемы для современной эстетики. «...Эстетика,-- писал В. Г. Белинский,-- не должна рассуждать об искусстве, как о чем-то предполагаемом, как о каком-то идеале, который может осуществиться только по ее теории: нет, она должна рассматривать искусство, как предмет, который существовал давно прежде ее и существованию которого она сама обязана своим существованием».

Эстетика -- не таможенник художественной мысли. Рецептура -- удел медицины, а не эстетики. Однако это не значит, что ее положения не могут иметь нормативного значения для творчества.

Раскрывая закономерности и исторически изменчивые особенности искусства, эстетика обретает известную нормативность. Нормы эстетики не более и не менее обязательны для художника, чем закон Архимеда для человека, решившегося на путешествие по воде. Последний может плыть по морю, по реке, по озеру на плоту, на лодке, на пароходе, но он не может плыть на предметах, вес которых больше, чем вес вытесненной ими воды. В этом -- «нормативность» закона Архимеда. И нарушение его чревато опасностями для любителей плавать без «норм». Художник свободен в выборе темы, жанра, формы выражения поэтической мысли. Но он не может отрешиться от закономерностей образного мышления. Игнорирование эстетических норм помешает ему осуществить свой замысел и, более того, может даже вывести его за пределы подлинного творчества.

Эстетика нормативна, поскольку она обобщает законы самого искусства. Ее выводы имеют силу объективных законов, нарушение которых ведет к отступлению от природы и задач искусства.

Однако законы искусства тоже не абсолютны, а относительны, историчны. Основоположник балетного театра, «Шекспир танца», как его называли современники, Ж. Ж. Новерр подчеркивал: «Правила хороши до некоего предела. Надобно уметь следовать им, но уметь также отказываться от них и вновь к ним возвращаться... Горе холодным художникам, цепляющимся за узкие правила своего искусства»

О том, насколько далеко художник может отступать от общепринятых норм, свидетельствует творчество Бетховена, произведения которого так резко отличались от привычной в те времена музыки, что многие современники считали великого композитора безумцем. В нарушение общепринятого, расширяя возможности музыки, Бетховен, например, вводит в симфонию хор.

Великий художник раздвигает устоявшиеся рамки творчества. Но он не может сломать законы. Он лишь вносит в них продиктованные новой действительностью, новым опытом коррективы, которые нередко очень существенны. Он может также открыть новые законы, способные расширить границы искусства. При этом новаторство всегда опирается на традиции, на нечто устоявшееся в веках. Эстетика обобщает опыт искусства, теоретически обосновывает и поддерживает все истинно новое в нем.

В своих выводах эстетика опирается на художественную практику и на ее осмысление в истории, теории искусства и критике. Для нее важны конкретно-всеобщие положения, то есть не пустые абстракции, а обобщения, вбирающие в себя опыт мирового искусства.

Ныне настало время исторической эстетики, призванной осмыслять сущность искусства и все его особенности, связи и отношения в их движении. Это предполагает: охват всех типов эстетической деятельности и преодоление искусствоцентризма (пренебрежения дизайном, эстетикой труда, обрядов, быта, спорта) при сохранении приоритета художественной культуры; охват всех видов искусства и преодоление литературоцентризма (построение концепций только на основе литературного опыта) при сохранении приоритета вербальных искусств; охват художественного опыта всех народов и преодоление европоцентризма (невнимания к творчеству народов Азии, Африки, Латинской Америки) при сохранении приоритета общечеловеческих ценностей; охват художественного опыта всех эпох и преодоление «сегодняцентризма» (исторического эгоизма и нарциссизма современности) при сохранении приоритета интересов художественной практики нашего времени. Создание такой системы -- дело будущего. Однако начинать нужно сегодня.

4. Виды изобразительного искусства

Художники и скульпторы, дизайнеры и архитекторы - все эти люди ежедневно привносят в нашу жизнь красоту и гармонию. Благодаря им мы рассматриваем статуи в музеях, любуемся живописными полотнами, удивляемся красоте старинных построек. Современное изобразительное искусство поражает нас, классическое заставляет задуматься. Но в любом случае творения человека окружают нас всюду. Поэтому полезно разбираться в этом вопросе.

Изобразительными искусствами называются виды художественного творчества (живопись, графика, скульптура, художественная фотография), воспроизводящие конкретные явления жизни в их видимом предметном облике. Здесь художественный образ воплощает зрительное восприятие мира в пространстве, но не во времени.

Виды изобразительного искусства Изобразительное искусство является пространственным. То есть оно имеет предметную форму, которая не изменяется во времени. И именно по тому, как эта форма выглядит, выделяют виды изобразительного искусства. Их можно разделить на несколько категорий. Например, по времени появления. До XIX века главными считались всего три вида: скульптура, живопись и архитектура. Но история изобразительного искусства развивалась, и вскоре к ним присоединилась графика. Позже выделились и другие: декоративно-прикладное, театрально-декорационное, дизайн и прочие. На сегодняшний день нет единого мнения о том, какие виды изобразительного искусства следует выделять. Но есть несколько основных, существование которых не вызывает никаких споров.

Изобразительные искусства классифицируют по объектам приложения творческих усилий, используемым художественным и техническим средствам и исторически сложившимся концепциям творчества:

скульптура

живопись

графика

фотоискусство

декоративно-прикладное искусство.

Архитектура как дизайн строений все же не относится к изобразительному искусству в строгом смысле, но постоянно взаимодействует и находится в стилистическом соответствии с ним.

Живопись представляет собой вид изобразительного искусства, произведения которого создаются на плоскости с помощью красок и цветных материалов. Основным изобразительным приемом является колорит, система цветовых сочетаний. Живопись разделяется на монументальную (роспись фасадов зданий, стен, потолков) и станковую (собственно картины).

В ходе развития изобразительного искусства сформировались несколько классических жанров картин, которые обрели свои особенности и правила. эстетика художественный творчество искусство

Живопись, по меткому замечанию художника К. Юона, - «живое письмо или письмо о живом». На первый взгляд это может показаться парадоксальным: ведь живое письмо и письмо о живом не одно и тоже. Но в данном случае парадоксальность этого утверждения только кажущаяся. Словами «письмо о живом» художник раскрывает предмет живописи, а «живое письмо» - ее средства. В живописи передается форма предмета, его цвет, освещающий его свет, фактура материала, пространство, в котором находится изображаемый предмет. Поэтому живопись пользуется такими конкретными изобразительными средствами, как линия, цвет, светотень, воздушная и линейная перспектива и т. д. Эти изобразительные средства позволяют создать на плоскости иллюзию трехмерности, верно передать ощущение объемности предметов окружающего нас мира, сохранить и умножить многокрасочность природы и т. д. «На своих холстах, - писал Паустовский о Ван-Гоге, - он изобразил землю.

Он как бы промыл ее чудотворной росой, а она осветилась красками такой яркости и густоты, что каждое старое дерево превратилось в произведение скульптуры, а каждое клеверное поле - в солнечный свет, воплощенный во множестве скромных цветочных венчиков». Это о Ван-Гоге и в то же время - о живописи вообще. Живописец воссоздает реальный мир, используя для этой цели краски, накладываемые на специально подготовленную поверхность. Объемная, трехмерная, полная дыхания жизнь как бы застывает на двухмерной плоскости. Многокрасочная, переливающаяся множеством оттенков, насыщенная игрой светотени полотно подлинного мастера рельефно передает в разнообразной цветовой палитре все богатство жизни. Не ведет к объединению действительности и плоскостная живопись.

Накладывая краски на холст или любую другую поверхность, живописец превращает их в цвет, создающий представление и о материальных качествах (фактуре) изображаемого предмета, и об его окраске, и т. д. Введу того, что явление жизни неоднокрасочны и неодноцветны, живопись изображает не только цвет каждого отдельного предмета, но и то сложное сочетание, которое образует предметы, обладающие различным цветом, когда они расположены в определенном виде и даны в совокупности. Сочетание цветов, цветовая гармония и образуют в живописи колорит.

Колорит имеет столь большое значение, что иные художники даже утверждают, будто вся живопись основана преимущественно на одном колорите. Они полагают, что впечатления, которые художник получает от жизни, в картине превращаются «в чисто колористические ценности». Конечно, без колорита нет живописи. Средствами колорита художник выражает содержание картины, вызывает определенное настроение при ее восприятии. И часто бывает так, что зритель еще не успевает вникнуть в сюжет, а колорит сразу же создает определенное психологическое отношение к картине, вызывает соответствующие чувства - радостные, тревожные, настороженные и т. д. Благодаря колориту живопись вызывает в зрителе определенное настроение, сопереживание понимание мыслей и чувства людей, которые изображены на картине.

Но колорит - не самоцель в искусстве, а средство. Цветовая гамма, живописные качества картины приобретают большую или меньшую ценность в прямой зависимости от того, в какой мере они помогают раскрытию идейно-эстетического замысла.

Такой является, например, гениальная картина В. Сурикова «Утро стрелецкой казни». Богатейшая цветовая гамма картины - ее темный, густой колорит, лиловый туман, белые рубахи стрельцов, мерцающие на их фоне отсветы огней - все это не «буйство красок», а изумительное мастерство, которое ярчайше передает один из драматических моментов русской истории.

Живописное произведение создается не одним цветом. Каркасом картины является рисунок. Рисунок передает форму предмета, его очертания. Нельзя умалять значения рисунка за счет преувеличения значения цвета. Теоретики антиреалистических течений в живописи, в частности сторонники абстрактного искусства, не только умаляют, а попросту игнорируют значение рисунка. Иные из них утверждают, будто цвет в живописи может играть такую же роль, что и звук в музыке: дело якобы заключается не в реалистическом изображении предметов окружающего нас мира, а в том, чтобы одним только цветом вызвать соответствующие ассоциации у зрителя.

Изображая реальную действительность на двухмерной плоскости, живопись создает иллюзию трехмерности и объемности: люди и предметы кажутся находящимися на разных расстояниях от зрителя - одни ближе, другие дальше, а природа изображается ток, что небо кажется простирающимся до самого горизонта. Например, в сравнительно небольшой картине И. Левитана «Владимирка» дорога воспринимается как бесконечность.

Впечатление глубины достигается использованием закона перспективы. Линейная перспектива дает возможность построить кажущиеся очертания предметов, а воздушное - изменение в цвете и очертаниях. Благодаря светотени создается иллюзия объема, выпуклости. Светотень образуется тонким и точным сочетанием освещенной и неосвещенной стороны изображаемых в картине предметов. Леонардо да Винчи писал: «Если ты, поэт, сумеешь рассказать и описать явления форм, то живописец сделает это так, что они покажутся оживленными благодаря светотени». Светотеневой принцип, по мнению Леонардо, определяется тем, что «тени тел не должны быть причастными иному цвету, кроме цвета тела, на котором они лежат».

Но, конечно, изобразительная правда живописи не сводится к достижению возможно более точного, всестороннего и подробного сходства изображения с реальной действительностью. Подлинно реалистическое художественное изображение всегда в той или иной мере условно, и это не только не умаляет, а увеличивает убедительность образа. Условность живописи возрастает в одноцветной графике, линейном рисунке.

Для того чтобы в статичных произведениях живописи как бы раздвинулись рамки картины, художник изображает интересующие его явления жизни под таким углом зрения, который позволяет обнаружить важные и существенные стороны характера изображаемых людей, ищет острый сюжет, создает глубоко осмысленную композицию.

Живопись делится на монументальную и станковую. Монументальная живопись связана с архитектурой - это роспись фасадов зданий, стен, потолков и т. д. Это, как правило, крупные по своим размерам произведения, связанные с назначением архитектурных сооружений. Станковая складывается из тех произведений, которые имеют самостоятельное значение, безотносительно к тому, где они будут выставлены, - музеях, Домах культуры или частных квартирах. Станковая живопись с архитектурой не связана.

Понятие - «монументальная» применяется исключительно для обозначения вида искусства, а не для выражения монументальности, т. е. Значительности выраженных ею идей и в этом отношении станковая живопись не менее монументальна. Высокими идеями и значительными художественными качествами должны в равной мере отличаться как монументальная, так и станковая живопись.

Нам представляется искусственным противопоставление станковой и монументальной живописи с точки зрения большей или меньшей их общественной значимости и современного звучания. Монументальная живопись, как и монументальное искусство скульптуры, будет занимать в духовной жизни нашего общества все более значительное место. И это обусловлено не только характером современного градостроительства, но и всем строем общественного развития при социализме. Однако возрастание роли монументального искусства отнюдь не означает умаления значения станковой живописи, способной выражать и масштабные проблемы жизни общества, и тончайшие душевные переживания человека. Нельзя не отметить, что признание или умаление роли станковой живописи так или иначе сопряжено соответственно с утверждением или отрицанием своеобразия идейности и реализма в изобразительном искусстве.

Основными жанрами живописи являются тематическая картина (историческая, батальная, бытовая или, иначе, жанровая), портрет, пейзаж, натюрморт. Тематическая, или сюжетная, картина занимает ведущее место в советской живописи.

Портремт (фр. portrait, от устаревшего portraire -- «изображать») -- изображение того или иного человека, произведенное средствами живописи, гравирования или скульптуры, также фотографическое изображение или словесное описание (в частности, в литературе)

Портрет может считаться вполне удовлетворительным, когда воспроизводит оригинал в точности, со всеми чертами его внешности и внутреннего индивидуального характера, в наиболее привычной его позе, с наиболее свойственною ему экспрессией. Удовлетворение этого требования входит в круг задач искусства и может приводить к высокохудожественным результатам, если исполняется даровитыми мастерами, влагающими в воспроизведение действительности свой личный вкус и чувство природы.

Из живописцев XIX века особенно замечательными портретистами выказали себя: французы Давид, Жерар, Энгр, П. Деларош, Эбер, Винтергальтер, Бонна, Каролюс Дюран, Дюбюф, Ландель; немцы -- Вах, Магнус, Гензель. Г. Рихтер, Ю. Шрадер, К. Бегас, О. Бегас, Амерлинг, Ангели, Ленбах. Фр. Каульбах; англичане -- Милле, Оулес, Геркомер, Пойнтер; русские -- Варнек, Кипренский, К. Брюллов, Тропинин, Зарянко, Перов и Крамской

Пейзамж (фр. Paysage, от pays -- страна, местность), в живописи -- тип картины, изображающий природу или какую-либо местность (лес, поле, горы, роща, города и др.).

Окружающая человека природа издавна волновала его, восхищала своей красотой и величием. Жанр изобразительного искусства, воспроизводящий естественную или изменённую человеком природу, называется пейзажем. Пейзажем называют также произведение этого жанра.

Первые пейзажи появляются ещё в период неолита.

В европейском искусстве пейзаж как самостоятельный вид станковой живописи существует с XVIII века. До этого пейзажи служили только фоном для тематических картин или портретов. В зависимости от характера, пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный - ведута), индустриальный пейзаж, марину (от итал. таппа - морской). Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический, эпический характер. Например, пейзаж И. Левитана часто именуется «пейзажем настроения». На его картинах воплощаются изменчивые настроения, состояния тревоги, скорби, предчувствия, умиротворенности, радости и др. Поэтому художник передает объемную форму предметов обобщенно, без тщательной проработки деталей, трепетными живописными пятнами.

Известные русские пейзажисты: Иван Константинович Айвазовский, Александр Николаевич Бенуа, Архип Иванович Куинджи, Исаак Ильич Левитан, Николай Константинович Рерих, Иван Иванович Шишкин, Константин Фёдорович Юон.

Натюрморт - один из жанров изобразительного искусства, главным образом - живописи. В натюрморте изображаются только обиходные, т.е. повседневные, обыденные вещи, неодушевленные предметы. Это может быть различная снедь, т.е. пища, посуда, книги, статуэтки и т.п. Все живое, естественное, природное становится в натюрморте неодушевленным, мертвым (франц. «натуре морте» - букв. «мертвая натура») и приравнивается к вещам. Так, чтобы стать предметом натюрморта плоды и фрукты должны быть сорваны, звери и птицы - убиты, рыбы, морские животные - выловлены, цветы - срезаны. Вещи в натюрморте целенаправленно сгруппированы в единой среде, образуя мир искусственной реальности, в той или иной степени преображенной человеком. Художник не изображает вещи «с натуры», как они расположены в интерьере, а предварительно компанует их в соответствии со смысловой и художественной задачей.

В натюрморте вещи показаны в неподвижном состоянии, они пребывают в условном вневременном пространстве. Вещи даны как бы крупным планом, они увидены вблизи и рассмотрены в деталях. Композиция укрупняет малую «величину» вещей в натюрморте, вырывает их из обычного функционального контекста. Будучи произвольно, сознательно скомпонованный, натюрморт всегда содержит в себе некое сообщение, тайное письмо (криптограмму). Вещи превращаются в символы. Значения этих символов, содержание сообщений отличается большим разнообразием, но чаще всего носит мировоззренческий и даже философский характер. Например, некоторые «сюжеты» голландских натюрмортов 17 в. когда этот жанр достиг своей жанровой определенности и апогея. Один из сюжетов, получивший широкое распространение, - «ванитаз» (с латинского - «тщетность»). В натюрмортах этого вида часто присутствуют часы как символы быстротекущего, неумолимого земного времени, как эмблема преходящего земного существования. Типичным предметом часто выступает изображение черепа.

Например, у Бартеля Брэйна он изображен в нише с клочком бумаги и изречением: «Ничто не защитит от смерти, поэтому живите так, как хотели бы умереть». Череп бывает окружен другими знаками бренности, например, колосьями (де Хем), светильниками с горящей или догоревшей свечой (Доу). На тщету земных наслаждений указывают игральные карты, курительные трубки (Класс). Часто встречаются клочки бумаги, рукописи, печатные издания с надписями типа «моменто мори» («помни о смерти»). Имеется много других примеров олицетворения раздумий над смыслом человеческого существования.

Историческое разнообразие натюрмортов определяется тем, что они фигурируют как специфическое проявление художественных стилей и национальных школ в их исторической эволюции.

Это можно проиллюстрировать на примере русского натюрморта 18 - начала 20 вв. 18 в. характерен различными вариантами «обманок» с натуралистическим эффектом иллюзорности, например, имитацией книг для «ложных шкафов». С 1830 - отход от классицизма, поэтическое восприятие повседневного частного быта (Венецианов). Другая линия - академический декоративный натюрморт (Хруцкий). Пытаясь обновиться, академизм монументализирует натюрморт (Сверчков), а салонное искусство мещанского толка идет по пути безвкусного сочетания декоративности «красивых вещей» и пестрых букетов с натурализмом в трактовке деталей (К.Маковский). Реализм XIX в. отличает внимание к естественности композиций (Репин), эмоциональной трактовке вещей (Поленов), национальной характерности (Суриков), к лиризму настроения (Левитан). Натюрмортам русских импрессионистов Коровина и Грабаря присуща «пейзажная» трактовка предметов. Художникам «Голубой розы» и «Золотого руна» (Кузнецов, Сарьян, Сапунов) свойственна тяга к общим символам идеального мира и покоя. Представители «Бубнового валета» (Кончаловский, Машков, Лентулов и др.) под влиянием сезаннизма, кубизма и лубка стремились создавать монументальные образы вещей.

В искусстве русского авангарда натюрморт становится удобным полем для экспериментирования. Оставаясь в рамках «архетипа» жанра, художники смело нарушают его основные каноны. Вещи выходят за свои границы и перестают быть равными себе. Они растворяются в свете и цвете, в излучении энергии, уплотняются в сгустки материи и объемов, рассыпаются на множество осколков плоскостей и граней. За этими экспериментами стоит стремление авторов выразить в своих «предметных» композициях представление об окружающем мире и собственной личности.

В 20 в. происходит размывание границ вещей внутри натюрморта и размывание границ самого жанра. Он часто сближается с пейзажем, интерьером, картиной. И наоборот, в пейзажах, портретах наблюдается тенденция к «натюрмортизации».

Характеризуя натюрморт в целом с эстетической точки зрения можно утверждать, что такие его черты, как значительность, повышение в смысловом ранге, вневременность, праздничность, героизация, экзотичность, монументальность, торжественность, пышность, динамизм и др. свидетельствуют о том, что ведущей эстетической категорией здесь выступает возвышенное, нередко сочетаемое с прекрасным и драматичным. Категории комического и трагического не характерны для этого жанра.

Понятие "историческая живопись" не укладывается в отведенные ей жесткие рамки жанра. Бытовая сцена, портрет, пейзаж рано или поздно поднимаются до уровня исторического обобщения и становятся по сути своей произведением, отражающим историю. К какому жанру следует отнести "Парадный портрет Петра I" кисти Натье, или картину И.Репина "Крестный ход в Курской губернии"? Разве это только портрет и только бытовая сцена?

В русском искусстве историческая тематика зарождается в иконописи, где религиозные сюжеты часто окрашиваются реальными историческими событиями. Таковы иконы "Чудо о Знамение" (2-я половина XV в.) со сценами защиты Новгорода от суздальцев и "Церковь воинствующая" (середина XVI в.) с изображением похода Ивана Грозного на Казань.

Постепенное приближение к реалистическому изображению исторических событий можно проследить в книжных миниатюрах "Лицевого летописного свода" и "Жития Сергия Радонежского", в которых события истории становятся смысловой доминантой.

В России становление исторического жанра как самостоятельной части изобразительного искусства относится ко второй половине XVIII века и связано с основанием Петербургской академии художеств. Работы первых русских живописцев исторической школы были весьма далеки от исторической правды. Если бы не название картины (обычно очень длинное), то трудно было бы определить, к какому времени, к какой стране относится изображаемое событие. Например, в картине И. Акимова "Великий князь Святослав, целующий мать и детей по возвращении с Дуная в Киев" (1773) князь одет в античные доспехи и пышный шлем, дети - в хитонах, и ничего подлинно исторического (кроме самого факта возвращения Святослава) зритель в картине не найдет. В том же ложно историческом ключе решена картина А. Лосенко "Великий князь Владимир сообщает своей жене Рогнеде о победе, одержанной им над ее отцом Рогволдом, князем Полоцким" (1770). Здесь - те же пышные одеяния, театральные позы, по образцу классических трагедий, модных в то время.

Но постепенно, под влиянием крепнущего реалистического направления и новых эстетических взглядов, в традициях русского исторического жанра начинают происходить существенные изменения. Главное отличие нового этапа заключается в том, что событие воспроизводится на полотне с высокой исторической достоверностью.

Ярчайшими образцами нового этапа в развитии исторического жанра являются картины К.Флавицкого "Княжна Тараканова в Петропавловской крепости во время наводнения", (1864), Н. Ге "Петр допрашивает царевича Алексея" (1871), И. Репина "Иван Грозный и сын его Иван" (1885).

Вершиной в русской исторической живописи стало творчество В. Сурикова. Его работы "Утро стрелецкой казни" (1881), "Боярыня Морозова" (1887), "Покорение Сибири Ермаком" (1895), "Переход Суворова через Альпы" (1899) - полотна огромной силы воздействия. Каждая из этих картин поднимает мощнейший пласт русской истории, заставляет зрителя не просто остановиться в восхищении, но глубоко и серьезно задуматься.

В творчестве русских художников начала XX века историческая тема начала приобретать черты символической трактовки. Однако реалистические традиции русской живописной школы были настолько сильны, что даже такие поборники романтико-символических фантазий, как М. Врубель, Н.Рерих, А. Бенуа, К. Сомов в своих "исторических пейзажах" и стилизованных "придворных сценах" отталкивались от бытового реализма и тонкого ощущения своеобразия изображаемой эпохи.

В изобразительном искусстве советского периода исторический жанр приобретает принципиально иной характер. Основным критерием творческой концепции автора становится идеологическая направленность сюжета. Таковы работы И. Шадра "Булыжник - оружие пролетариата" (1927), А. Дейнеки "Оборона Петрограда" (1928), А. Герасимова "Ленин на трибуне" (1929), Б.Иогансона "Допрос коммунистов" (1933). Обращение художников к событиям отдаленного прошлого чиновниками от искусства не поощрялось. И только в годы Великой Отечественной войны всенародный патриотический подъем привел к появлению монументальных полотен, воспевающих героические страницы истории Древней Руси. Мужеством и гражданским пафосом проникнуты картины П. Корина "Александр Невский" (1942), А.Бубнова "Утро на Куликовом поле" (1943), М. Авилова "Поединок Пересвета с Челубеем" (1943).

Однако в последующие годы традиции исторической живописи, свободной от идеологических догматов вновь оказались утраченными.

Бытовая живопись занимается изображением сцен из общественной и частной жизни.

Древние греки и римляне не знали этого рода живописи, который, как самостоятельный, возник только в ближайшие к нам времена, после эпохи Возрождения. У фламандцев и голландцев он (вместе с пейзажем) сделался преобладающим и национальным; но, занимаясь изображением рынков, народных гуляний, охот, попоек, простых домашних сцен, однообразного большею частью содержания, он далеко не исчерпывал всей общественной жизни этих народов. Больной или больная и врач, урок музыки, вестник с письмом, любовные предложения и еще немного других подобных сюжетов составляют почти все, относящееся к мировой домашней жизни. Ссоры и драки в кабаках, пляска - составляли единственную специальность многих живописцев; кузнецы, странствующие музыканты, деревенские зубные врачи могут служить прибавкою к этому перечню, который, однако, в самом полном виде все-таки довольно скуден по внутреннему содержанию. Испанские живописцы старого времени писали иногда отдельные фигуры (Мурильо) не исторического значения, но не имели в виду изображения собственно бытовой жизни; то же можно сказать о художественных произведениях итальянских школ. Французы ранее других (после фламандцев) обнаружили стремление к изображению жизни народа и отдельных его слоев. Теперь же бытовая живопись усвоена всеми школами живописи и соответствует потребности современных обществ.

Бытовая живопись захватывает огромную область разнообразнейших отношений между людьми со всеми их страстями, как они проявляются в действительности, а не в вымысле. Художественное значение этого рода произведений получило большое значение, и крупные таланты имеют полную возможность выказаться во всей силе в бытовой живописи. С давних пор установился обычай не изображать действующих лиц бытовых событий в их натуральную величину. Прежде руководились тою мыслью, что лишь события, получившие историческую известность или значение, достойны воспроизведения на больших холстах или стенах с фигурами в натуральный рост. Впоследствии художники от времени до времени протестовали против такого умаления текущей действительности, изображая фигуры обыденного значения во весь рост; так поступал француз Курбе в наше время, изображая французских крестьян; так пробуют поступать иногда и русские живописцы. В некоторых случаях такое увеличение фигур не беспокоит эстетического чувства, в других - большая картина ничего не выигрывает перед малой того же содержания, и, наконец, иногда малые размеры явно выгоднее для бытового сюжета. В этом отношении не могут быть установлены общие, для всех

Графика. Графика в первую очередь - это искусство рисунка. Графическое изображение, как правило, состоит из линий, штрихов, точек и т.д. По своей природе графическое изображение условнее живописного, хотя изобразительно - выразительные средства графики во многом те же, что и у живописи. В отличие от живописи цвет в графике преимущественно один (обычно черный), но существует графика, прибегающая и к помощи другого цвета. В графике используется также рисунок пятнами - изобразительного средство, широко примененное, например, в графических листах Мезерееля и Пророкова.

Художники - графики могут создавать не только отдельные листы, но и целые серии рисунков, объединенных одной темой. Таковы, например, известные серии Д. Шмаринова «Не забудем, не простим», Б.Пророкова «Это не должно повториться». Листы этой серии Пророкова - «Хиросима», «Бабий Яр», «Голод» и другие - убедительное свидетельство широчайших возможностей графики. Не прибегая к помощи цвета, графика - искусство необычайно лаконичное - своими скупыми средствами может дать и действительно дает не менее значительные в идейно - эстетическом отношении картины жизни, чем живопись. Польский художник Жебровский, автор 85-и тысяч карикатур, говорит, что карикатура - это «люди изнутри», «со стороны характера». Какой же зоркостью глаза должен обладать график, чтобы 2 - 3 линиями вскрыть внутреннею суть человека! То, о чем говорит Жебровский, относится к карикатуре и, естественно, не может быть распространено на все жанры графики в таком виде. Но все же нечто общее для разных жанров графики здесь, по нашему мнению, схвачено.