Размещено на http://www.allbest.ru/

История отечественного кино

Капрелова Маргарита Борисовна

Кино в мире. Начало. фильм кино режиссёр

Учебник по истории кино:

«История отечественного кино» (2005);

«История советского кино» (Ния Марковна Зорге).

Что нужно железно знать на зачёте:

Дата рождения кино;

Первый кинопоказ;

Первый отечественный фильм;

Приход звука.

Исполнитель главной роли в «Отце Сергии», дата выхода фильма.

Не путать: Андреев; Орлова и Ладынина.

28 декабря 1895 года во Франции, в Париже в «Гранд-Кафе» на бульваре Капуцинов родилось кино. Братья Люмьер владели фабрикой фотоматериалов. Аппарат Люмьеров был самым прогрессивным, компактным и лёгким, выделялся среди всех аналогов. На первом сеансе было 35 человек.

В России 1 мая 1896 года в Санкт-Петербурге (в кинотеатре «Аквариум») и 6 мая в Москве (в Эрмитаже) состоялись первые кинопоказы. Это были зарубежные фильмы.

С 15 октября 1908 года стартует показ фильма «Стенька Разин и княжна» («Понизовая вольница»).

Жорж Садуль в истории кино выделяет 5-6 периодов (но его периодизация уже устарела)

1832-1894 - период изобретения кино;

В 1830 году Фарадей изобрёл колесо Фарадея - прибор наподобие велосипедной передачи, зубчатое колесо с лентой и изображёнными на ней рисунками. Тогда уже существовал «волшебный фонарь» -- миниатюрный театр теней.

В 1839 году в фотографии уже используется коллодий. В 1940-х годах на фото уже появляются люди.

1877 - изобретён праксиноскоп (Эмиль Рейно).

1894 - Эдиссон, создатель лампы накаливания и фонографа, изобрёл кинетоскоп - деревянный ящик с окуляром, внутри которого на барабанах в два ряда протягивалась пленка. Человек опускал монетку, наклонялся и просматривал фильм.

Просмотр фрагмента документального фильма «Магия Мельеса».

Рекомендовано к просмотру: «Головная боль господина Люмьера».

Последний фильм Луи Люмьера датируется 1898 годом: «Страсти Иисусовы».

После изобретения кино пошло по двум путям: мельесовское (игровое) и люмьеровское (документальное).

В «Прибытии поезда» есть зачатки монтажа: есть разные планы, люди сняты и крупно, и общим планом, они движутся в кадре - все это зачатки кинематографичности.

Просмотр фильма «Завтрак младенца». Зрители говорили, что больше всего их впечатляли шевелящиеся листья деревьев на фоне. Такого она никогда не видела в театрах.

Просмотр фильма «Политый поливальщик». Это была первая «комедия». Сюжет несколько раз переснимали в попытках догнать популярность фильма.

Просмотр фильма «Покидая Иерусалим». Камера была установлена на последнюю подножку уходящего поезда.

Просмотр фильма «Игра в снежки».

Жорж Мельес - основоположник игрового зрелищного кино. Он был художником, иллюзионистом, фокусником. У него был опыт общения с публикой. В приобретённом театре Робера Удена он показывал свои представления. После просмотра первого киносеанса у братьев Люмьер, он был ошеломлён. Он попросил к старшему Люмьеру (отцу братьев) и попросил продать аппарат, на что получил отказ. Мельес приобрёл более старый, худший аппарат в англии и по его модели делает свои камеры (киносъемочную и кинопроекционную). Сначала он снимал почти то же, что показывали Люмьеры. Затем случайно, после разрыва плёнки и её склеивания, он изобрёл трюк - внезапное появление объектов в фильме, «остановка с заменой». Он же создал первую студию «СтарФильм» - большой застекленный ангар - которая проработала до 1912 года. Самый знаменитый фильм: «Путешествие на Луну», всего их выпустили около 500. Из них большинство он сам сжёг во время кризиса, а некоторые неправильно хранились. Первая мировая война разорила Мельеса (в том числе из-за салонов Пате и Гомон, где производство было поставлено на поток), он стал продавцом игрушек. Он умер в пансионе для бедных.

Одним из первых операторов Люмьеров, который снимал в России был Камил Сёрф.

Рекомендовано к просмотру: «Хранитель времени» («Hugo») - о закате эпохи Люмьера.

Кино в России. Начало. Дореволюционный период

Активное развитие кино в России началось не сразу: Люмьеры держали монополию на свои приборы, а мировой рынок кинопоказов не был ориентирован на Россию.

Москва была центром игровых фильмов. Петербург - хроники и документализма.

Александр Осипович Дранков - один из первых кинопромышленников в России. До революции был фотографом. Острое чутьё предпринимателя подтолкнуло его к поездке в Англию за оборудованием, что сделало его знаменитым на родине. Он открыл сеть фотоателье. В 1907 году тайно снимает на пленку Толстого в его саду после отказа его жены. Дранковщина, один из способов его ведения дел, - понятие так называемых «срывов»: съёмка ужасных по качеству пародий на фильмы конкурентов, дабы создать убытки для конкурентов.

«Понизовая вольница» («Стенька Разин и княжна») была снята как раз в ателье Дранкова. Он был одним из операторов. Сценарий написал железнодорожный служащий Василий Гончаров. Режиссёр - Ромашков. Роли исполняли актёры Веденского народного дома.

Просмотр фильма «Понизовая вольница» (экранизация народной песни).

Александр Алексеевич Ханжонков был человеком военным - есаулом войска донского. С 1906 года становится организатором и основателем своего торгового дома. Основная черта его характера - безукоризненная честность.

1911 - создан первый русский полнометражный фильм, «боевик», «Оборона Севастополя» (на студии Ханжонкова), посвящённый событиям русско-турецкой войны 50-летней давности. Он задумывался как царская агитка, но невольно получился фильмом-прославлением русских солдат крымской войны. Гончаров был режиссёром, Ханжонков не вмешивался в режиссёрскую работу, но ставил военные сцены, которые очень хорошо получились. В некоторых сценах неумелые статисты оглядывались и смотрели в камеру. В финале фильма появляются реальные участники военных событий.

Просмотр фрагмента документального фильма «Кинематограф по Ханжонкову».

Ханжонков рано понял возможности анимации. Он нанял аниматора Старевича, фильмы которого потом были проданы в Европу и Америку. Ханжонков пристроил к его дому целую студию.

Умер осенью 1945 года. Пямятник Ханжонкову стоит в Крыму, на Ялтинской киностудии, основы которой заложил он в 1916 году (в Ялте он жил около 20 лет).

В. А. Старевич - основоположник объёмной анимации и основатель русской анимации. В своём творчестве он соединил свою любовь к фотографии и насекомым (энтомология). Рецензенты одного из первых его фильмов, где все главные были жуками («Война усачей и рогачей»), считали, что Старевич их дрессировал, на самом же деле насекомые были мёртвыми. Он снял: «Стрекоза и муравей», «Ночь перед рождеством», научно-популярный «Пьянство и его последствия», «Жизнь стрекоз», «Жуки-скарабеи».

Задание: посмотреть фильмы Старевича «Месть кинооператора», «Стрекоза и муравей» и др.

Знаменитые режиссёры русского дореволюционного кино: Пётр Иванович Чардынин (Красавчиков), Евгений Францевич Бауэр и Яков Александрович Протазанов.

Режиссёрский дебют Чардынина - 1909, «Мёртвые души». За жизнь он снял около 200 картин, сохранилось только 34. Организовал плавучий театр двух масок. Он также работал оператором, хотя и был самоучкой. Особенность его фильмов - массовость, хорошее чувство конъюнктуры. Он понимал, что зритель «идёт на звёзд» и снимал красивых людей.

С началом первой мировой войны русским кинопромышленникам был перекрыт доступ к прокату иностранных фильмов (наибольшую прибыль они получали именно от этого), а также к иностранной технике. Ханжонков постепенно терял своих звёзд и режиссёров, так как конкуренты начали повышать ставки наиболее звёздным актёрам. СМИ начинает интересоваться звёздами, писать о них. Создавался ореол кинозвезды.

Просмотр фильма: «Молчи, грусть, молчи».

Чардынин жил в Латвии и Украине. Снимал там картины не советскую тематику.

Гораздо более значительной персоной является Е. Ф. Бауэр. Он внёс большой вклад в развитие языка кино, в разработку монтажа и изобразительных средств. Он был сыном обрусевшего чеха, отец был придворным музыкантом, хорошо рисовал, был актёром, фотографом. В кино он пришёл в 1913 году оформителем декораций фильма «Трехсотлетие царствования дома Романовых». После этого его переманил Ханжонков, где стал режиссёром. За 4 года он поставил около 80 фильмов самого разного качества и разной длины. Основной оператор: Борис Завелев. Он был одним из немногих режиссёров, использующих глубинную мизансцену. Работали первый, второй, задний планы. Он придавал очень большое значение внешней выразительности кадра в отличие от других режиссёров. Никакой особенной композиции внутри кадра ранее не было. Снималось всё, как в театре.

Просмотр фильма: «Жизнь за жизнь» (1916) (Е. Ф. Бауэр, актриса - Вера Холодная).

Задание на практическое занятие: Вера Холодная и Иван Можухин, подготовить реферат/заметку об актёре.

Вера Холодная, 1893-1919. Две сестры считали её немного сумасшедшей. Любила сказки и танец. Точно неизвестно количество её актёрских работ, их около 50-80 (в это время, кстати, шла первая мировая война). Изменил её жизнь театр.

1910 - знакомится со своим будущим мужем Владимиром Холодным и вышла за него замуж. Они вместе имели странный характер и были противоречивыми.

Широкую известность принесли роли в фильмах «Пламя неба», «Жизнь за жизнь», «Тернистый путь славы», «Последнее танго». Снималась у Гардина, Чардынина, Бауэра, Висковского.

Встреча Холодной со Станиславским состоялась по его приглашению. Он предлагал ей сыграть роль Екатерины в Грозе с условием, что полгода она не будет выходить на сцену. В ответ она попросила подумать, позже написав ему письмо с отказом, так как съёмки в кино позволяли ей содержать большую семью.

1915 - «Песнь торжествующей любви» Бауэра принесла ей самую большую славу.

1918 - заболевает острой формой ангины, через год умирает.

После её смерти тело выставили на всеобщее обозрение. Ожидали приезда её мужа, но он не смог приехать - был на фронте, вскоре заболел тифом и скончался. Кладбище, на котором стоял её склеп, было уничтожено из-за разлива.

С ней связан фильм «Раба любви» Михалкова.

Многие картины в Европе в те года имели два финала: для русского зрителя и для американского. Первые заканчивались трагическим финалом, последние - хэппи-эндом. Юрий Цивьян в своём исследовании выяснил, что это пошло от классицистических традиций.

Просмотр фильма: «Молчи, грусть».

Рекомендовано досмотреть.

Главное значение Евгения Бауэра - он понял, что немое кино - искусство в первую очередь изобразительное!

Он скончался в июле 1917 года во время отдыха на Юге, оступившись и упав с моста, а затем подхватив крупозное воспаление лёгких. Через месяц началась революция.

В отличие от Бауэра, который проработал 4 года, Яков Протазанов проработал в кино 40 лет. Он был дореволюционным режиссёром, затем стал советским режиссёром, снимая такие же популярные фильмы. Судьба располагала к тому, чтобы Протазанов стал коммерсантом.

Иосиф Ермольев, руководитель студии Глория, взял на работу Протазанова в 1907 году. За первый сценарий «Бахчисарайский фонтан» он получил 25 рублей (крупная сумма). «Песнь каторжанина» -- первый большой режиссёрский дебют Протазанова (1911). Получено 80 рублей! До революции он поставил 29 фильмов.

Историческая заслуга Протазанова - открытие русской реалистической актерской школы кино.

1916 - «Пиковая дама» (играет Можухин в одной из демонических ролей). Первая версия была снята Чардыниным, она была смешной.

1917 - «Сатана ликующий» (Протазанов, Можухин).

1918 - «Отец Сергий» (лучший фильм Протазанова и, пожалуй, всей дореволюционной России).

Просмотр отрывка из «Пиковой дамы» (1916).

В этом фильме впервые в русском дореволюционном кино применён ракурс (съёмка с верхней точки).

1920 - уезжает во Францию вместе с представителями своей фирмы, на 3-4 года оседает там. Организована студия «Альбатрос». Для эмигрантского кино характерна мечтательность, сны, в которых действительность противоположна жестокой реальности.

Книга «Когда мы в Россию вернёмся» (Наталья Усинова) - о Протазанове в частности.

1924 - возвращается в советскую Россию. Попадает на МежРабПомФильм (международная рабочая помощь) - фундамент Мосфильма. Снимает картину «Аэлита», первый советский фильм Протазанова: группа большевиков отправляется на Марс на новом космическом аппарате, встречают инопланетян, с ними возникает конфликт, герой влюбляется в марсианку (Юлия Солнцева). Протазанов вставляет кадры из документальных фильмов, добавляя виньетку для создания эффекта взгляда через телескоп.

20-е годы - это была эпоха футуризма, яркая эпоха.

Протазанов в это время также ставит ряд комедий, открывая для экрана театральных комедийных актёров («Закройщик из Торжка», «Процесс о трёх миллионах», «Праздник Святого Йоргена»), «Бесприданницу» (Кторов, Алисова), экранизирует классику. Последний его фильм: «Насреддин из Бухары» (1943).

Во время войны в основном снималась хроника и документалистика. Мосфильм эвакуирован в Ташкент.

В 1946 Протазанов умер.

Раннее советское кино. Московская школа 20-х

Лев Владимирович Кулешов и Дзига Вертов (Кауфман).

Датой рождения советского кино считается 27 августа 1919 года, когда В. И. Ленин подписал декрет о национализации кинопромышленности. Частная собственность отнималась в пользу государства. Царское правительство ещё в 1915 году хотело это сделать, но тогда проект не получил поддержки и был заклеймён.

В 1922 году создано управление госпланированием, введена цензура, создан ГлавРепертКом (репертуарный комитет). Сверху давалась разнарядка: что снимать, кто будет снимать, как снимать. История советского кино - неотвратимое движение от свободного творчества к государственному централизованному кино, к превращению кино в орудие компартии.

1917-1921 - снято более 350 фильмов. Около 230 из них сделаны на частных фабриках. Одним из интереснейших фильмов того времени - «Поликушка» с Иваном Москвиным в главной роли (1919, А. Санин). Это экранизация пьесы Л. Н. Толстого.

1917 - три фильма с участием Маяковского («Не для денег родившийся», «Барышня и хулиган», «Закованные фильмой» с Лилей Брик). Маяковский был сценаристом и актёром.

«Серп и молот» (Гардин) считается первым советским фильмом, потому что до этого времени шла война, частные кинематографисты уехали вместе с техникой, остальное пока не полностью перешло в распоряжение власти.

Дзига Вертов (Давид Кауфман) родился в Белостоке на территории Польши, когда она входила в состав Российской Империи. Его псевдоним обозначает детскую луну. У него были два родных брата: Михаил, средний, был оператором, как и младший, Борис, эмигрировавший во Францию, ставший там у истоков французского поэтического реализма. Он снял «В порту» (с Марлоном Брандо).

Метод его творчества - жизнь врасплох. Отсутствие постановки и съёмка жизни такой, какая она есть.

Он был атеистом.

Вертов всегда остро чувствовал перемены в обществе, хотел всегда быть впереди, «на гребне волны».

1918 - приступает к созданию «Кинонедели». Этот журнал выходил по 1919 год. Журнал переименовали в «Киноправду» (1923).

1922 - манифест «Мы» в журнале «Кинофот». Автор - Вертов. Он провозглашает свою группу «Киноки» (от слова «Кинооко»): вижу, пишу, монтирую кино. Киноглаз Вертова всегда в гуще событий, он был прообразом телевидения. Киноглаз был средством, целью была киноправда - правдивая передача событий. Это был советский авангард.

1924 - выходит его полнометражный фильм «Киноглаз».

Просмотр фильма «Дзига и его братья».

Вертов первым понял, что кино не должно имитировать обычное зрение. Нужно менять точку съемки, угол зрения. Он не любил постановочное кино, любил правду жизни. Всю аппаратуру он делал сам. Часто - из банок из-под сгущенки, которую очень любил.

1928 - «Человек с киноаппаратом», где Вертов показал все достижения киноискусства.

Кулешова называют отцом советского кино, хотя ему было около 18 лет в то время. Он относится, как и Пудовкин и Эйзенштейн, к тем режиссёрам, которые стали известными в кино после революции. Он учился у Бауэра. Кулешов сознательно изобретал киноазбуку. Он терпеть не мог актёрства в кино, театральности в кадре, излишние эмоции. Он хотел создать новую школу актёров, которые играли бы естественно, не картинно, но и были бы похожи на американцев (вся молодёжь тогда была помешана на американской школе).

1918 - «Проект Инженера Прайта». Это была первая русская картина, сделанная на монтаже. «Я выяснил, что если соединить один кадр с другим, то получается... нечто новое, чего в этих кадрах нет» (Кулешов).

«Дурацкий фильм, не смотрите его, а то разочаруетесь в Кулешове как в режиссёре».

1920 - «На красном фронте». Уже применяются основы монтажа, сознательно создаётся киноповествование монтажом.

Монтажные опыты Кулешова стали хрестоматийными. Есть три классических монтажных эксперимента:

1. Творимый человек. Кулешов показал зрителю небольшой ролик, где сидит женщина перед зеркалом и красится. Мы видим её со спины. Зритель сказал, что это одна женщина. На самом деле в разных кадрах были разные женщины. При помощи монтажа был создан новый человек.

2. Творимая земная поверхность. Шесть кусков: идёт женщина, идёт мужчина, они встречаются у памятника Гоголю, поворачиваются, видят белый дом, поднимаются по ступеням. Зрители считали, что это всё снято было в одном месте. Но все эти планы были сняты в разных местах Москвы.

3. Эффект Кулешова. Будет ли отличаться восприятие лица актера в зависимости от содержания соседних кадров? Кулешов показал статичный план Можухина и совместил его с тарелкой супа, с женщиной в гробу, девочкой, играющей мяч. Зрители считали, что актёр голоден, либо что скорбит, либо что умиляется. Наше восприятие организовано так, что мы додумываем.

В 1924 году Лев Кулешов приступил к съёмкам фильма «Необычайные приключения мистера Веста в стране большевиков». Он думал создать актёра, отличающегося от того, что было в дореволюционном кино, основываясь на выводах из своих монтажных опытов. Он набирает других актёров. В мастерской Кулешова велись занятия по танцу, пластике, единоборствам. Важна была пластика. У него появляется термин «натурщик», который взят из изобразительных искусств, который использовал и Бауэр, открывший натурщицу Веру Холодную.

Просмотр фильма «Необычайные приключения мистера Веста в стране большевиков».

Определить, встречается ли географический эксперимент в фильме (и другие эффекты).

Рецензенты упрекали Кулешова в американизме. Они действительно имели место. Кулешов был пленён американскими комедиями и вестернами. Он брал из американского кино действующего героя, спортивного парня, который бегал, прыгал и много двигался, дабы привлечь и удержать внимание зрителя на протяжении всей ленты. В конце - хэппи-энд.

Александра Сергеевна Хохлова (Третьякова) - друг, соратник, жена Кулешова, с которой он прожил всю жизнь. Она играла без грима, как любил Кулешов. Она была внучкой Боткина по матери, Третьякова - по отцу.

1925 - «Луч смерти» (Гиперболоид инженера Гарна).

Кулешов в 30-х годах и далее преподавал во ВГИКе (в русском кино начинается борьба с формализмом). Как писали его ученики, он дал другим режиссёрам большой толчок к дальнейшему развитию.

1932 - «Горизонт» (со звуком).

1934 - «Великий утешитель» (экранизация рассказов О'Генри).

Умер в 1970 году.

Задание на практическое занятие: 1. Взять двух великих актрис 30-40х годов и сравнить их: Любовь Орлову и Марину Ладынину. 2. Доклад о Николае Крючкове.

Рекомендовано к просмотру: «Окраина», «Трактористы», «Мать» и «Броненосец Потёмкин».

Пудовкин (1893-1953). Родители прочили ему медицинский факультет. Он поступил на физико-математический. Принимал участие в Октябрьской революции, попал в плен к немцам, где изучил польский и английский языки, владея к тому времени и французским тоже.

В кино дебютировал как актер-любитель в 27 лет («В дни борьбы»).

В 1920-1921 гг. принимает участие в подготовке кинонатурщиков. Пудовкин был хорошим актером. Помогает Гардину в написании сценария «Серпа и молота». Вместе с Гардиным пишут сценарий «Голод, голод, голод». Пудовкин учился у него многому, хоть и был старше него на 6 лет. Всё шло к тому, чтобы пойти по пути режиссёра.

1921 - «Шахматная горячка» с Николаем Шпиковским.

Три фильма Пудовкина образуют своеобразную трилогию о пробуждении революционной сознательности в массах, росте самосознании людей:

1926 - Мать (первая советская экранизация, одна из самых удачных);

1927 - Конец Санкт-Петербурга;

1928 - Потомок Чингиз-Хана.

Пудовкин, в отличие от Вертова и Эйзенштейна, не мог обходиться без актёров. Он брал актеров МХАТ, школы, которую ненавидел Кулешов.

В «Матери» играли актёры МХТ: Барановская, Николай Баталов.

Пудовкин чутко ощущал актёров, знал, как с ними работать.

Лента должна быть ясной, чёткой, доступной зрителю, который должен сопереживать - так считал Пудовкин. Большое значение он придавал крупному плану. Он учился также на Гриффитовском монтаже и многое перенял из его фильмов.

«Мать» был поставлен к юбилею Октябрьской революции.

Постоянным его оператором был Головня. Это был плодотворный творческий союз.

Биаров сыграл главную роли в фильме «Потомок Чингиз-Хана» (1928).

С. М. Эйзенштейн родился в 1898, умер в 1948.

Жил в Питере. В 1918 году переехал в Москву, начав учёбу на режиссёрских курсах. По окончании войны поступает работать в театр политкульт, оформляя как художник спектакль «Мексиканец». В 1923 году ставит свой первый спектакль по пьесе Островского «На всякого мудреца довольно простоты». От пьесы осталась только фабула и персонажи. В ходе пьесы демонстрировался ролик о похищении дневника Глумова (Гриша Александров).

Отец Сергея Михайловича был архитектором. Он хотел, чтобы фамилия стала известной, направил сына учиться на архитектора. Мальчик очень любил цирк.

1923 - Эйзенштейн выпускает статью «Монтаж аттракционов» (журнал «Леф»): Аттракцион ничего общего с трюком не имеет. Трюк - действие акробатическое, а аттракцион базируется исключительно на реакции зрителя. На первый план у Эйзенштейна выдвигается монтаж произвольно выбранных аттракционов, которые в совокупности вызывают нужную реакцию зрителя.

1924 - спектакль «Слышишь, Москва». Классово ориентированная пьеса, с элементами классовой борьбы.

1924 - спектакль «Противогазы», поставленный в цехе химического завода. Также с классовым содержанием. Этот спектакль не имел большого воздействия, натура не сошлась с драматургией. Эйзенштейн разочаровывается в театре, обращается к кино.

1924 - закончена «Стачка», вышедшая годом позже. История рабочего, которого несправедливо обвинили в краже, что привело к стачке. С.М. показывает лица охранников и сравнивает их с животными (в его детских рисунках часто встречались люди-животные). Это была сатира. Там также было много эксцентрики. Метафорой является совмещение кадров стачки с кадрами свежевания быка.

1925 - «Броненосец Потемкин». Премьера в Большом театре. Изначальная затея - эпопея к юбилею первой русской революции. Но режиссёр сосредоточил своё внимание только на одном эпизоде - бунте моряков на броненосце.

Задание: Посмотреть «Броненосец Потемкин». Чем закончился фильм? Какие выразительные средства использовались? Что там за герои?

Все конфликты в этом фильме - надличные. Матросы лишены чего-то частного, индивидуального. Началом восстания послужило гнилое мясо. Эйзенштейн добивается яркой выразительности благодаря композиции: 5 больших эпизодов, кульминация - примерно в центре. Начало - недовольство матросов, отказ есть борщ из червивого мяса. Это приводит к бунту, который заканчивается смертью одного из зачинщиков. Восставшие матросы прибывают в Одессу. Лирическая часть - встреча горожанами броненосца. С берега идёт царская эскадра. Кульминация - эпизод на одесской лестнице, подавление восстания. Матросы готовятся умирать, но отправленная на подавление восстания эскадра присоединяется к ним (вопреки реальным фактам). Триумф - кадр с красным флагом.

Эйзенштейн тяготел к крупным эпическим формам, он показывал в фильме историю, место человека в ней. Крупный план имеет самое крупное агитационное воздействие. Герой Эйзенштейна хорош даже в статике.

1926-1929 - продолжение этой же темы: «Старое и новое»/«Генеральная линия» на деревенском материале. Но работа над фильмом была оставлена, так как в 1927 была заказана картина «Октябрь» (поэтому фильм снимался долго). Революция победила, и нужно было показать, что она дала русской деревне.

Игра на ожидании - тот же монтаж аттракционов (эпизод бычьей свадьбы). Вся сегодняшняя реклама - также монтаж аттракционов.

В этом фильме появляются типажи (не актёры, а близкие по своим психофизическим данным простые люди). Кулака играл кулак, попа - поп. Своя система подбора актёров.

1927 - «Октябрь». Стремление расширить возможности эпопеи несмотря на заказ. Снимали в Ленинграде. В этом фильме демонстрируются возможности интеллектуального монтажа. Эйзенштейн хочет показать не только исторический, но и политический конфликт. Ленина играл рабочий Василий Викандров. Эйзенштейн не вставил куски из хроники выступления на броневике. Кадры взятия зимнего дворца тоже поставлены (на самом деле дворец брали «тихо и спокойно»). Эти кадры часто используются как хроникальные.

1929-1932 - заграничное турне Эйзенштейна и Тиссэ. Франция, Германия, Америка. Встречи с Чаплиным, Диснеем. Снимается «Да здравствует Мексика!», но на монтаж не оставалось времени.

1937 - запрещён и уничтожен фильм «Бежин луг». Остались только срезки (8 метров) и фотографии.

1938 - «Александр Невский». Сталинская премия. Появляется индивидуальный герой.

1944 - «Иван Грозный». Первая сталинская премия. Запрещение второй серии - инфаркт и смерть Эйзенштейна.

ФЭКС

Главный фильм ФЭКСов - шинель.

Козинцев и Трауберг - герои кино Петербурга своего времени. Ленинградская школа славилась единством режиссёра, актера, сценариста.

1922-1925 -- Ленинградская фабрика кино называлась СевЗапКино.

1925-1930 - СовКино.

Далее: СоюзКино, РосКино, СоюзФильм.

С 1934 года - Ленфильм.

1905-1973 - годы жизни Козинцева.

На одной из журналистских встреч познакомился с Траубергом. Они создали эксцентрический театр, а арт-пространство своё назвали Эксцентрополисом. Помещение для репетиций связано с легендой. Это был бывший особняк купца Елисеева на улице Гагаринской, дом 1. Из мебели был один ковёр. Его все участники обязывались содержать в чистоте.

Первое собрание было началом фабрики. В пылу спора было произнесено слово «Эксцентризм», а слово «студия» считалось отголоском старого буржуазного театра. 1922 год - начальная дата. 1927 - конечная.

Дисциплина была строгой. 1-2 прогула - отчисление. Запрещалось посещать театры (развлекаться). К концу обучения в мастерской осталось 10 студентов, в том числе Москвин, Герасимов, Янина Жеймо, Елена Кузьмина, Олег Жаков, Пётр Соболевский. С ФЭКСами сотрудничали композиторы Тынянов и Шостакович. Тынянов сильно повлиял на творчество ФЭКСов.

«Лучше быть молодым щенком, чем старой райской птицей» - один из лозунгов ФЭКСов, взятый у М. Твена. «Двойные подошвы американского танцора нам дороже всех инструментов Мариинского театра».

Первой театральной постановкой ФЭКСов (они также начали с театра, как и Эйзенштейн, который сильно на них повлиял своей «Стачкой») был по Гоголю, второй - «Внешторг на Эйфелевой башне». Среди обязательных дисциплин, как и у Кулешова, был танец. Жесты актера должны быть чёткими, не должны содержать лишнего. Они должны быть гиперболизированы, чтобы не казаться смазанными. Очень большое значение они придавали вещи. ФЭКСы выводят вещь из её привычного понимания. В обычной жизни мы не замечаем чернильницу или чашку чая и чтобы она заиграла, её нужно показать в нестандартной ситуации, не в её обычной среде. Возникает «остранение вещи» (важный термин) - вывод вещи из автоматизации. Например: «Чёртово колесо» -- знакомство пары влюблённых проходит на американских горках. В «Шинели» даже сама фигурка Башмачкина показана в ракурсах, а чайник превращается в вещь огромных размеров во сне героя. Иногда возникает ощущение утрированности игры. Всё это сделано было специально. Всё это - выведение из автоматизации.

1924 -- первый фильм ФЭКС (средний метр, фильм не сохранился) «Похождение Октябрины» - хрестоматия трюков. ФЭКС учились на американской комедии, на фильмах своих кумиров, в том числе Чаплина. На них также сильно повлиял немецкий экспрессионизм.

Далее вышли: «Мишки против Юденича», «Братишка».

1926 - «Чёртово колесо», первый значительный полнометражный фильм. Типичная любовная ситуация показана в необычной обстановке. Ваня Шорин, матрос с Авроры, втянут в интригу с девушкой Валей, после чего попадает в компанию воров. Возникает новый герой - «человек-вопрос», фокусник в роли Герасимова.

Решительный сдвиг в творчестве ФЭКСов - «Шинель». Тынянов (композитор) использовал в Шинели мотивы других повестей Гоголя («Невский проспект», например). Хрестоматийно это история о маленьком человеке. Очень важно для авторов было показать Николаевскую эпоху: своеобразие города, ракурсы и т.д. Фильм снят и смонтирован в рекордно короткие сроки, именно на таких условиях авторам позволили снимать. ФЭКСы отрицали влияние немецкого экспрессионизма на их творчество. Но и там, и там восприятие мира доходит до некоторой эксцентричности, что является характерной чертой.

1927 -- «С.В.Д» -- резкая смена тематики творчества ФЭКСов. Возможно, Тынянов предложил эту идею или сильно повлиял на фильм. Декабристское время. «С.В.Д» -- аббревиатура на кольце, которую выигрывает шулер Мэрдок (Герасимов (он почти всегда играл отрицательных персонажей у ФЭКСов)). Фильм отличает драматургическая «рыхлость» -- нестыковки, которые отсылают к старому дореволюционному дешёвому кино. Расстрел восставшего Черниговского полка с юным барабанщиком - сильная сцена, ключевой эпизод. Фильм завоевал успех. Во Франции она была очень популярна: был издан альбом с кадрами из фильма, по мотивам был написан роман.

«Одна» может считаться последним фильмом мастерской. Он был уже звуковым.

Вскоре Козинцев и Трауберг создают трилогию о Максиме.

Просмотр документального фильма о ФЭКСах.

Эксцентризм ФЭКСов - не эксцентризм мюзикхола. Они стремятся вывести вещи из автоматизма - это «остранение вещи». Например, эпизод знакомства моряка и девушки на американских горках в «Чёртовом колесе».

ФЭКСы и натурализм - антиподы. Движения актеров должны отличаться, должны быть непохожими на реальную жизнь.

Вопрос: какие остранённые вещи есть в «Шинели»?

Основные жанры ФЭКСов: комедии, детектив, мелодрама, поздние ФЭКСы - историческое кино.

1929 - «Новый Вавилон» (это название универмага). ФЭКСы едут в Париж, где снимают 1000 метров фильма с оператором Михайловым на местах реальных событий. Авторы очеловечивают историю классовой войны, наполняют её романтизмом. Главную роль играла Елена Кузьмина (это был её дебют). Парижская коммуна терпит поражение, один из коммунаров роет могилу себе и своей возлюбленной, зная, что они обречены. Герасимов играет троцкиста.

1931 - «Одна». Первый опыт звукового фильма на «СовКино». Он снимался как немой фильм, но позже были добавлены реплики и музыка Дмитрия Шостаковича. Фильм о молодой учительнице, которую посылают в далёкую алтайскую деревню. Она стоит перед выбором: выходить замуж за своего молодого человека или уехать. Она выбирает деревню. Там она встречается со множеством трудностей. Фильм привлек зрителя тем, что реальные события сопровождались звуками.

Просмотр фильма «Шинель».

Рекомендовано: «Третья мещанская».

Приход и освоение звука в отечественном кино

Многие вещи вначале появились за рубежом, в том числе и звук.

1910-е годы -- первые попытки записи звука в России и за рубежом. Появлялись ролики, на которых люди разговаривали. У Томаса Эдисона есть сюжет о бушмене, который говорит на своём языке. Слова записываются на камеру и на фонограф (1890? год).

1913-1915 - выходит несколько десятков фильмов с озвучкой. Сначала - на грампластинках.

К середине 20-х годов запись звука велась уже синхронно.

1927 - «Певец джаза», первый звуковой фильм в мире. WB решили рискнуть, так как были на грани разорения.

Лаборатория Шорина (СПб) и Тагера (М) - первые экспериментальные звуковые студии.

1927 - открытие первого звукового кинотеатра «Знание» (Невский, 72).

1931 - «Путевка в жизнь», первый звуковой фильм в нашей стране. Почти одновременно выходит «Одна», снятый как немой фильм, после чего к нему были добавлены отдельные реплики и музыка Шостаковича.

В «Путевке в жизнь» слов и музыки больше, в художественном отношении он лучше.

Рекомендовано: «Путёвка в жизнь» Николая Экка - первый звуковой отечественный фильм.

Звуковое кино позволяло обходиться без титров. Но в первом звуковом фильме ещё сохраняются титры, как и в последующих. Реплики актёрам приходилось выговаривать очень тщательно и чётко, что наложило отпечаток на артикуляцию.

Эйзенштейн и Александров поставили экспериментальную картину «Сентиментальный романс». Спонсором был один богатый человек, который хотел запечатлеть свою жену в кино. Кадры поющей и играющей женщины соединяются с кадрами осенней природы.

1931 - «Симфония Донбасса» или «Энтузиазм» Дзиги Вертова. Метод - «Звук врасплох». Например, индустриальные звуки. Звук не всегда записывался синхронно. Он замедляется, ускоряется.

Михаил Ильич Ромм

Родился в семье ссыльного политзаключенного. Учился на скульптора. Был также переводчиком с французского. Занятия в студии были прерваны из-за гражданской войны. Затем он к ним вернулся. В 1934 году, когда ему было 33 года, состоялся его режиссёрский дебют - «Пышка» (по новелле Ги Де Мопассана). Это было время звукового кино, но фильм был снят немым (фильм планировали показывать в сельской местности, где не было необходимой техники). Срок на сценарий - 2 недели, 10 актёров, никакой массовки. В этом фильме свою первую роль сыграла Фаина Раневская. Современников в картине Ромма поразило то, что оно было совсем не советским. Оно прекрасно воспроизводило быт француза. Портреты Волчека И Ромма были скульптурными.

Позже Ромм переозвучил картину.

Кроме этих картин:

· Золотые горы (Юткевич)

· Встречи (Юткевич, Кермер)

· Иван (Довженко)

· Окраина (Барнет)

· Чапаев

· Юность Максима

Просмотр фильма «Пышка».

В конце 30-х годов уже проведена коллективизация страны, начинается строительство нового индустриального общества. 17-й съезд (1934) был назван «Съездом победителей», через некоторое время весь состав его был расстрелян. У власти Сталин.

1937 год - время «большого террора», чисток. В течение двух лет каждый день государство в среднем ежедневно убивает 1000 граждан. Порядка 2000 000 человек за 2 года. Время репрессий, шпиономании, борьбы с врагами народа, вредителями, дезертирами.

В искусстве разворачивается борьба с формализмом - художникам диктовались правила: нужно прославлять советский народ в лице его вождя, призывать к строительству нового социалистического общества. По большому счёту это началось ещё в 20-е годы. Режиссёры были скованы.

В «Правде» появляются разгромные статьи, обрушившиеся на Шостаковича. Закрыт театр Мейерхольда, учителя Эйзенштейна, после чего он расстрелян. «Строгий юноша» Ромма (1937) закрыт для показа: излишний формализм. В том же году смыт «Бежин луг» Эйзенштейна.

1930-е - на экранах во всю орудуют «шпионы». Им противостоит советский человек. Экран насаждает мысль о том, что всюду враги, народ окружён ими.

Фильмы Григория Александрова:

1934 - «Весёлые ребята»;

1936 - «Цирк»;

19?? - «Волга-Волга».

Просмотр фрагмента фильма «Цирк».

Александр Петрович Довженко

Родился на Украине в крестьянской семье. Благодаря самообразованию смог пробиться. Сначала был учителем в гимназии. Служил в КА. Хорошо рисовал. Брал в Берлине уроки живописи у Геккеля. Выделяют его карикатуры. Также был военным атташе, но его это не устроило. В 33 года по приезде в Москву становится режиссёром, не имея ни актёрской, ни театральной школы. Начинал как комедиограф («Ягодка любви», 1926). Опыт был неудачным из-за заимствования американского комизма, в т.ч. у Чаплина.

1927 - «Звенигора»;

1929 - «Арсенал».

О режиссёре начинают говорить как о поэте и мечтателе с особым стилем, ни на кого не похожим.

Рекомендовано к просмотру: «Земля».

В фильме много символики, природа одухотворена. Настроение завязано на пейзажах. Визуальные парафразы, рифмы и отсылки. Внутренние страсти и порывы ассоциируются с поведением животных. Сюжет развивается медленно. Существуют некие природные циклы: один человек проходит, другой уходит. Сцена умирания - сцена родов. Сам Довженко выступал против символизма, он понимал всё буквально, но поэтизация его приводит к тому, что всё кажется символичным.

Начинается коллективизация, которой препятствуют кулаки. Начало - сцена умирания деда Семёна.

Фильм ещё немой, но он предвосхищал появление голоса. Планы длинные, «тягучие», в отличие от тех фильмов, которые сняты ранее.

По окончании съёмок жители села предложили Довженко стать председателем колхоза!

1935 - «Аэроград» Довженко. Друг расстреливает своего друга без суда и следствия, так как он шпион.

Условный фильм, присутствует некая поэзия даже в речи актеров.

1939 - «Щорс». Сталин отозвался так: «За Вами украинский Чапаев!» (1934 - «Чапаев» Братьев Васильевых). В официальной версии Щорс был ранен во время войны, на самом деле, судя по всему, он был застрелен по приказу Троцкого и не состоял в партии. Довженко заставляли переделывать этот фильм, что привело его к инфаркту. Постепенно устраняли консультантов, героев - к ним менялось отношение. Довженко не понравился окончательный вариант, так как он сделан был в угоду Сталину.

Просмотр фильма «Как Сталин снимал кино», первая серия.

Когда в кино пришёл звук, оно стало сильным орудием пропаганды, это не могло не обратить на себя внимание вождя. Кино стало массовым искусством. И с тех пор как советское кино стало государственным, оно выполняло так или иначе функцию госзаказа. Сталин отсматривал большую часть предварительных съёмок, одобрял или отклонял фильм. Он был хорошим зрителем, критиком, продюсером. От него зависели судьбы творцов. Он всё больше и больше вмешивается в кино.

«Моя родина» -- сначала Сталину понравилась картина, потом её запретили. Нельзя было показывать современную боевую технику.

Отдел агитации и пропаганды ЦК КПСС - главный доносчик на кино, орган, считавший кино советов слишком легкомысленным.

1933 - «Окраина» Барнета. Множество премий. Милое и музыкальное кино.

Рекомендовано к просмотру: «Она защищает Родину» (Ф. Эдлер).

Марк Донской - режиссёр 30-40х годов. Учился на психотерапевта, хотел связать жизнь с медициной. Долго искал себя. Был очень одарённым. Перепробовав множество профессий (в том числе бокс, актерство, ассистентство режиссёра), становится режиссёром.

«Детство», «В людях», «Мои университеты» - его трилогия по М. Горькому (конец 30-х).

1937 - Донской экранизирует «Как закалялась сталь» Островского (первую часть, которая заканчивается освобождением села от германцев и ранением Павки, который не умирает, а возвращается в строй). По законам жанра такой народный герой (как Павка Корчагин или Чапаев) не может умереть. Они прямо с экранов призывают сражаться за мир и любовь, обращаясь к зрителю.

Во время войны те фильмы, которые не имели отношения к войне, не ставились. Война позволила показывать тягости и боль, страдания людей, что тщательно изгонялось с экрана в 30-е годы. Проскакивали сцены сурового натурализма.

1943 - «Радуга» Марка Донского (оператор: Борис Монастырский) выходит наряду с «Она защищает Родину» по повести Ванды Василевской, украинской писательницы (вышел в 1942). В село приходит беременная партизанка Алена Костюк - рожать. Фашисты пытают её. Она не отвечает. Алена рожает в хлеву. Ребёнка отбирают немцы и шантажируют партизанку. В итоге ребёнка убивают. Символичное название. В фильме дважды появляется радуга посреди зимы. Жители оккупированного села удивляются радуге, как и сами фашисты. Фильм наполнен метафорами и христианской символикой, целиком выстраивается на евангельских аллюзиях.

О фильме писала вся мировая пресса. Он заслужил большой успех, назывался настоящим шедевром. Осенью этого же года начинается освобождение Киева от фашистов.

В фильмах 40-х годов нет психологизма: любой, кто перешёл на чужую сторону, является предателем, вне зависимости от обстоятельств.

Рекомендовано к просмотру: «Радуга» Марка Донского.

В 1944 году Донской снимает «Непокорённые» по повести Бориса Горбатова. Вышел он в 1945. Плакатный и помпезный фильм.

«Кино военных лет не знает полутонов».

1944 - «Нашествие» Авраама Роома. Герой выходит из заключения и попадает в штрафной батальон. Ему никто не доверяет. Его не берут в отряд партизан. Это один из первых фильмов, где герой - выходец из тюрем.

Следующая пара - опрос со времени звукового кино.

Размещено на Allbest.ru

...