Изучение симфонического оркестра учениками начальной школы

Размещено на http://www.allbest.ru/

Введение

В третьем классе музыкальный кругозор детей значительно расширяется. Получив в первом и втором классах разностороннюю подготовку (накопив музыкальные впечатления и приобретения опыт анализа музыки, действования в позиции «композитор», «теоретик», «испытатель» и др., опыт переживания, эмоционального содержания музыки, развив музыкальный слух, мышление, творческие и исполнительские способности), учащиеся могут теперь приобщиться к более сложным знаниям музыкальной жизни. В первой четверти они знакомятся с симфоническим оркестром. На отдельных примерах убеждаются в богатстве и разнообразии его звучания, красок, слушают симфоническую музыку и учатся разбираться в ней.

Получают знания в составе симфонического оркестра, его группах и отдельных инструментах, учатся разбираться в их тембрах, используя соответствующий опыт приобретенный в 1 и 2 классах.

Важно, чтобы учитель, постоянно стимулировал детей и их родителей к слушанию симфонической и другой музыки дома (по радио, телевидению, записывая при необходимости понравившиеся произведения на магнитофон или видеомагнитофон, если есть возможность). Многое может дать и приобретение грампластинок с записью музыки, доступной детям для слушания.

Цель данной работы - показать особенности профессии учителя музыки, какие новые музыкальные технологии можно применять на уроке музыки. Эта цель конкретизируется в решении следующих задач: 1) раскрыть творческий характер деятельности учителя музыки; 2) определить, какими знаниями, умениями, навыками должен владеть учитель работая в школе; 3) раскрыть музыкальные технологии.

Именно практика показывает, что учитель владеющий всем комплексом знаний, умений и навыков в различных областях музыкально - педагогической деятельности сможет квалифицированно проводить уроки музыки.

Музыкальное воспитание должно строится на принципах отбора специальных методов применительно к возрасту и способностям детей - это и определило новизну и актуальность данной работы.

Гипотеза - метод моделирования художественно-творческого процесса - одно из наиболее необходимых условий развивающего обучения на уроках музыки с раннего школьного возраста.

Объект - профессиональная подготовка учителя музыки.

Предмет - метод моделирования художественно-творческого процесса - как один из необходимых методов музыкального обучения.

Глава I. Музыкальный материал для слушания

В.А. Моцарт «Маленькая ночная серенада», 4-я часть (струнная группа).

П.И. Чайковский «Танец маленьких лебедей» (деревян. Духовые).

Ш. Гуно «Марш» из оперы «Фауст» (медная духов. гр.).

П.И. Чайковский «Скерцо из IV симфонии» (различные группы инструментов симфонического оркестра; принцип контрастной полифонии).

С.. Прокофьев Марш из оперы «Любовь к трем апельсинам» (различные группы симфонического оркестра).

А.Н. Римский-Корсаков «Полет шмеля» из оперы «Сказка о царе Салтане» (показ ансамбля скрипачей)

1.1 Современный симфонический оркестр

Что такое оркестр? Слово оркестр намного старше того понятия, которое в него вкладывается в последние века. В древней Греции глагол «орхеомай» означал «танцую», а оркестрой греки называли круглую площадку театра, на которой совершал ритмические движения, пел свои партии хор, непременный участник каждой трагедии и комедии. Шли годы, погибла Великая античная цивилизация, но слово осталось жить. Через десятки веков в Европе оркестром стали называть помещение в театре, где размещались музыканты, а позже - сам «союз музыкальных инструментов и исполнителей на них». Участники «оркестра» обычно называются «артистами оркестра», «оркестровыми музыкантами» или просто «оркестрантами». Находясь в концертном зале, мы с трудом можем себе представить, что было время, когда симфонический оркестр выглядел совершенно иначе. Между тем он сравнительно молод, ему не исполнилось еще и четырехсот лет - срок ничтожный по сравнению с десятками веков существования музыкальной культуры. Но разве не существовало, до ХVII века больших музыкальных ансамблей. Разве люди не собирались для того, чтобы слушать музыку? Почему именно к концу ХVI века, относят начало истории оркестровой музыки. Ведь совместная игра на различных музыкальных инструментах была распространена во всей эпохи. Со времен глубокой древности литература и изобразительные искусства, исторически хранили и мемуары сохранили для нас немало интереснейших сведений о музыкальных ансамблях старины. Ансамбль (от французского ensemble - вместе) - группа совместно играющих музыкантов. Музыкальные ансамбли древности порой достигали колоссальных размеров, порой были миниатюрны. Иногда в них бывало до 500 участников.

История знает немало музыкальных ансамблей при дворах европейских королей и герцогов в ХV - ХVI веках. Тогда же в некоторых европейских городах - в Венеции, Познани - стали возникать более чем менее постоянны ансамбли духовых и струнных инструментов. Они предназначались уже не для знати, а для всех горожан. Такие ансамбли, по количеству музыкантов и разнообразию инструментов уже напоминавшие оркестр исполняли музыку для танцев, уличных шествий.

Музыкальные коллективы и многие им подобные нельзя назвать подлинными симфоническими оркестрами. Оркестр в современном смысле слова возник лишь тогда, когда инструментальная музыка перестала обслуживать быт людей, когда композиторы начали писать инструментальные произведения, предназначенные не к случаю, а для специального исполнения, перед публикой. Это связано с зарождением светской инструментальной музыки, с появлением новых музыкальных жанров: оперы, балета и оратории, а позже симфонии, увертюры и концерта. Таким рубежом с которого мы можем начинать историю оркестра, был конец ХVI века. Судьба симфонического оркестра сложилась бы вероятно иначе, если бы в ХVI веке не была создана скрипка. В пору, когда в оркестре еще безраздельно господствовали струнные виолы и лютни, инструментальные мастера Италии, Франции и Тироля создали новый музыкальный инструмент. Его красивый сочный тон, его виртуозные возможности не замедлили обратить на себя внимание музыкантов. Скрипка вошла в оркестр, постепенно вытеснив виолу и в значительной мере определила весь дальнейший оркестровый стиль. В ХIХ веке столь же решительное влияние на развитие оркестра оказало усовершенствование духовых инструментов: валторн и труб, флейт и кларнетов.

Как устроен симфонический оркестр? Попытаемся представить себе его строение. Имеет ли значение, сколько музыкантов входит в состав оркестра? Можно ли ввести в оркестр любой музыкальный инструмент или же выбор их подчинен каким-то определенным законам?

Музыкальная практика нескольких веков выработала различные типы оркестров; каждый из них имеет свои особенности: определенный состав инструментов и их количество. Инструментальный симфонический оркестр в наше время состоит из четырех семейств родственных инструментов, музыканты называют их оркестровыми группами: струнные, деревянные, духовые, медные, ударные. Большинство исполнителей в симфоническом оркестре может быть различным. Сейчас наибольшее распространение в крупных городах всего мира получил большой симфонический оркестр. Он закрепился в музыкальной практике примерно со второй половины ХIХ века - в эпоху Вагнера, Чайковского и Римского - Корсакова. Как показывает само название такого оркестра, его отличает значительное количество участников. Но главный признак, по которому узнают большой симфонический оркестр - это присутствие трех тромбонов и тубы - мерных духовых инструментов, обладающих исключительной силой звука.

Число других инструментов в большом симфоническом оркестре может меняться. Изменяется количество струнных инструментов, однако и оно не может быть произвольным: это повредило бы красоте звучания всего оркестра. Если уменьшается число исполнителей в струнной группе, изменяется количество музыкантов и в духовых семействах. Иначе в оркестре было бы нарушено равновесие звучности. Ударная группа оркестра в ХVIII - ХIХ веках занимала подчиненное положение. Непременным членом оркестра были только литавры. Другие ударные инструменты - большой или маленький барабан, тарелки или треугольник - появлялись эпизодически. В наше время роль ударных чрезвычайно возросла, но состав их по-прежнему непостоянен. Наиболее употребительный оркестровый состав в наши дни - тройной.

А может ли композитор допускать отклонение от него? Конечно. Если содержание музыки требует появления какой-либо оркестровой краски, более плотной или прозрачной звучности, композитор вправе ввести дополнительные инструменты, увеличить или уменьшить состав. Так в опере «Кармен» в хоре мальчиков Бизе ввел вторую малую флейту. Ни одно из сочетаний оркестровых инструментов не смогли бы заменить здесь две малые флейты с их дразнящей, удивительно легкой, как бы игрушечной звучностью.

Историческим предшественником большого состава оркестра был так называемый классический состав. К концу ХVIII столетия, когда завершался творческий путь Гайдна и Моцарта, а Бетховен лишь задумывал создание своих трех симфоний, он сформировался в следующий вид:

10 первых скрипок 2 флейты 2 валторны 2 литавры

8 вторых скрипок 2 габой 2 трубы

6 альтов 2 кларнета

5 - 6 виолончелей 2 фагота

3 - 4 контрабаса

В конце ХIХ равно как и в ХХ веке композиторы нередко обращаются к малому составу симфонического оркестра (в нем отсутствуют тромбоны и трубы) в поисках более прозрачного звучания. Для малого симфонического оркестра написан, например, оркестровый прелюд Дебюсси «Послеполуденный отдых фабна».

Расположение музыкантов в инструментально симфоническом оркестре. В разные эпохи возникали вопросы, например: а как рассаживаются в концерте музыканты оркестра? Можно ли как попало разместить на эстраде 80 - 100 исполнителей? Конечно, нет. Как же целесообразнее расположить на концертной эстраде такую большую группу музыкантов, чтобы различие по силе звука и тембру, инструменты образовали равномерно звучащий ансамбль? Каким образом рассадить исполнителей так, чтобы взмах палочки дирижера был виден каждому музыканту?

Различные эпохи и различные дирижеры в наше время по-разному решали эти вопросы. Старинные гравюры, живопись ХVII - ХVIII веков с изображением совместного музыцирования, мемуары, музыкальные словари того времени могут кое-что рассказать нам об этом. Во второй половине ХVIII века количество исполнителей в оркестре увеличилось, и целесообразная «рассада» оркестра (так музыканты часто называют расположение исполнителей на эстраде) начала все больше занимать умы.

С тех пор прошло да столетия. Деятельность десятков дирижеров и оркестров помогла выработать определенный принцип расположения симфонического оркестра на эстраде. Стало ясно, что музыканты хорошо видят дирижерскую палочку, если их рассадить веерообразно, а дирижера поместить в месте предполагаемой оси веера. Опыт многих дирижеров подсказал и другое: все однородные инструменты целесообразнее собрать вместе - в одну линию или группу. Это позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре и создает компактное, согласованное звучание каждой оркестровой группы.

Но хорошая звучность зависит еще и от того или иного размещения этих групп по отношению друг к другу. Ведь - сила звука и количество инструментов в каждой группе оркестра далеко не одинаковы и хорошая рассадка поможет добиться равномерного звучания всего оркестра. Перед дирижером встает много проблем. Нужно ли объединить однородные инструменты (например, смычковые) вместе в один «кулак» или, напротив, «вытянуть» их в одну линию вдоль эстрады? Какие из вариантов подсказывает акустика данного зала, всегда различная? В глубине эстрады размещают инструменты большой, резкой звучности: ударные и сильного тона медные - трубы, тромбоны, тубу, а также контрабасы - нижний голос оркестра. На первом плане располагают струнные инструменты, а за ними - валторны и деревянные духовые.

А как рассаживаются музыканты внутри струнной группы? Еще не так давно дирижеры разных стран различно решали этот вопрос. В более старой рассадке, которой долго пользовались все европейские оркестры, прямо перед слушателями вдоль эстрады размещали скрипки: первые - слева от дирижера, вторые - справа. Все верхние голоса струнной группы располагались таким образом на первом плане. В последнее время повсюду принята рассадка, впервые введенная в музыкальную практику в Америке дирижером Леопольдом Смоковским (в Европе ее иногда называют «американской»). Верхние голоса струнных - первые и вторые скрипки - рассаживаются слева от дирижера, средние и низшие - альты, виолончели, контрабасы - справа. Таким образом первые и вторые скрипки, которым часто поручается одна мелодическая линия, собраны в компактную группу. Арфа, фортепиано и челеста, не входящие в ту или иную группу, ставятся на одном из краев эстрады.

Оркестр отнюдь не механическое и послушное орудие. Это, общественный организм, коллектив любых людей. У них есть и своя психология и свои рефлексы. Им можно руководить, но его нельзя оскорблять. Прежде всего его надо утихомирить, а еще больше - уважать, ценить и беззаветно любить...

История возникновения «смычковых», или, как их чаще называют струнных инструментов, уходит в самое отдаленное прошлое. На заре возникновения оркестра, еще в ХVI столетии, струнные инструменты, хотя и входили в состав тогдашних инструментальных объединений, но отнюдь не имели еще преобладающего значения.

Струнные в итоге происшедшей перемены, сосредоточили на себе самое пристальное внимание тогдашних музыкантов. В это время струнные инструменты были представлены двумя разновидностями - виолами и скрипками. Именно они, то есть виолы и скрипки, и составили первые «струнные оркестры» превратившиеся к концу ХVII столетия в число скрипичное объединения из четырех партий, - первых и вторых скрипок, теноровых скрипок и басов - современных виолончелей и контрабасов.

В инструментальных сочетаниях ХVI столетия преобладали, как известно, виолы. Это многочисленное семейство к тому времени было известно в трех основных видах - сопрановый или «дискантовой» виоле, теноровой или «ручной» виолы, и басовой или «ножной» виолы. Все эти инструменты в подавляющем большинстве случаев располагали шестью струнами. Струны на виолах были размещены очень близко друг от друга, гриф был разделен ладами, - поперечными металлическими порожками, а подставка имела очень ничтожную выпуклость.

В конце ХIХ столетия во Франции неожиданно возродился интерес к виолам, и усилиями семейства блестящих музыкантов под руководством Анри - Гюстава Казадэзюса возникло общество старинных инструментов, которое быстро прославилось своими высокохудожественными выступлениями. Одним из условий «победы» скрипки и ее ближайших родичей в образовании «струнной группы» современного оркестра была во многом деятельность именно виол. Старинные виолы в основном сведенные уже к четырем важнейшим видам в подражание вокальному квартету, излагались четырехголосно - то есть в оркестре виол им поручались четыре вполне самостоятельных голоса или партии.

В современном смычковом оркестре всем этим перечисленным представителям виол соответствуют приблизительно скрипки, альты и виолончели. Четвертая разновидность семейства - контрабасовая виола, одно время известная в Италии под именем «violone», не подвергалась полному превращению из виолы в скрипку, как о том обычно принято думать, хотя в современном контрабасе все же сохранила наиболее существенные признаки этого исчезнувшего уже вида инструментов. Все прочие разновидности виол - а их было довольно много - отличались друг от друга размером, звучностью, числом струн или внешним видом, но они никогда не были постоянными участниками смычкового оркестра. Итак, отдаленными или, лучше сказать, - условными родичами виолы, которыми в оркестре вскоре суждено было стать победителями, были скрипки и виолончели. Сейчас уже не имеет значения вопрос, когда именно была построена первая скрипка, но, судя по ее наименованию - violino в значении отличном от siola, инструмент, этот имел уже применение, во всяком случае ранее середины ХVI века.

Музыкальная наука не может с точностью установить происхождение смычковых инструментов. Как известно мнений в этом направлении было много и среди них некоторые доходили до явной нелепости. Сейчас есть основания предполагать, что победное шествие смычковых инструментов на Запад началось именно с Востока. Кстати в подтверждение к сказанному о развитии скрипки в недрах славянских народов, своевременно напомнить об известной фреске в Киевском Софийском Соборе, где именно этот инструмент изображен в руках одного из музыкантов. Как известно, этот памятник русского зодчества относится к Х - ХI столетию или точнее - ко времени Ярослава Мудрого. Вполне справедливым будет признать, что скрипка никогда не была «изобретена» она зародилась в быту славянских народов и ее дальнейшее развитие и совершенствование или, как ошибочно думают иные, превращение из «виолы» или «лиры до брачьо» происходило весьма последовательно и вероятнее всего, на протяжении полустолетия между 1480 - 1530 годами. К концу ХVIII века постепенно возраставшая техника смычковых инструментов и упорное стремление к более полному, сочному звуку заставило исполнителей несколько удлинить шейку старой скрипки и приподнять гриф, сообразно с увеличением размера подставки.

Таким образом, конструктивное усовершенствование инструмента произошло много раньше того времени, когда появились признаки настоящего «скрипичного стиля», основанного уже на четырехструнной настройке и сравнительно более высокой и выпуклой подставке.

Попутно с совершенствованием скрипки, происходило и постепенное совершенствование неуклюжего смычка, бывшего в употреблении в ХVI столетии. Этот бесконечный длительный путь пришел, наконец, к своему завершению, по-видимому только ко времени знаменитого французского скрипичного мастера конца ХVIII века Франсуа Турта, которому и приписывается честь этого усовершенствования.

С этих пор определение «viola» окончательно утвердилась за теноровыми скрипками, а виолончели отдельную басовую партию. Низкие голоса струнной группы образовались теноровыми скрипками, басовыми виолами и басовыми скрипками.

Теноровые скрипки - собственно альты в современном оркестре - в старинных партитурах почти неизменно излагались в альтовом или меццо-сопрановом ключе и обычно не обозначались.

Около 1640 года в оркестр начали постепенно проникать виолончели и контрабасы.

Как уже известно из предыдущего история музыки считает, что скрипка возникла и вполне «определилась» как оркестровый голос в ХVI столетии. Новейшие исследования пришли к заключению, что скрипка, как условный ближайший родич «ручной виолы или лиры, ни в какой степени» не является уменьшенной «виолой до гамба». Более того, с достаточной точностью установлено, что оба эти вида инструментов одного и того же семейства - siola da gambo, как «ножная» виола и siola da braccio, как виола «ручная», - в своем устройстве имеют резко отличные друг от друга черты.

В симфоническом оркестре смычковые инструменты представляют собою наиболее многочисленную группу, а скрипки, если только исчислить их по признаку наибольшего представительства, обычно принятого сейчас, составит ровно половину. Это значит, что в оркестре первых и вторых скрипок вместе будет столько, сколько альтов, виолончелей и контрабасов. В современной - же музыке деятельность скрипки отнюдь не исчерпывается ее участием только в симфоническом оркестре. Ничуть не менее деятельное участие она принимает и в оркестре струнных инструментов без какого-либо вмешательства инородных голосов, и в камерной музыке, где обязанности ее вполне исчерпаны.

По старинному обычаю, принятому почти в каждом балете, скрипке поручают большие solo, долженствующее сопровождать наиболее выразительный «лирический» танец. Обычно таким танцем бывает «большой любовный хореографический дуэт» главных персонажей спектакля, и на языке танца он называется «Большим Adagio» или Pas d' Action». В балетах Чайковского и Глазунова, как «Лебединое озеро, Спящая красавица и Раймондо» эти скрипичные soli отличаются особенной сложностью, выразительностью и красотой. В концертной литературе, скрипка, наряду с фортепиано, занимает преобладающее положение . Такого количества концертов, какое написано для скрипки, не сочинено ни для одного оркестрового инструмента. Обильную дань скрипичному концерту заплатили все выдающиеся композиторы - от Бетховена, Мендельсона и Брамса до Чайковского, Глазунова и Хачатуряна включительно. Многие композиторы пишут свои сочинения для одной скрипки без всякого сопровождения.

Самым незадачливым инструментом современного оркестра был долгое время альт. В основном он предназначался для исполнения средних голосов гармонии и потому удерживался обычно на уровне наименее развитого инструмента. Игре на альте никто не хотел учиться, считая этот инструмент обездоленным, и в оркестре альтистами становились те неудачливые и в достаточной мере бездарные скрипачи, которые не могли даже преодолеть партию вторых скрипок. На альтистов смотрели как на скрипачей неудачников, или, как говорили тогда - на «отбросы скрипачей». Сам инструмент в глазах просвещенных музыкантов не пользовался никаким уважением. Но было ли столь пренебрежительное отношение к альту заслужено им самим? Конечно, нет Альт обладал настолько богатыми возможностями, что нужен был только смелый и решительный шаг - своего рода tour de force - чтобы вывести этот инструмент из охватившего его искусственного оцепенения. И первым таким необычным сдвигом в данном направлении был, по видимому дерзкий опыт Этьена Мэюля, написавшего целую оперу Uthal без первых и вторых скрипок и поручившего «оркестровым» альтам основную и наиболее высокую партию струнных. Спустя двадцать восемь лет в 1834 году Эктор Бэрииоз - страстный поклонник альта и несомненно большой его ценитель - написал большую симфонию «Гарольд в Италии», где поручил альту - solo главную партию.

Уже во второй половине ХVIII столетия, существовало фактически два альта - один подлинный или настоящий, приближающийся к «абсолютным величинам», инструмент, и другой - усеченный, или «недомерок», приспособленный для нужд оркестровых музыкантов.

Подлинный альт, которым пользовались только исполнители - концертанты и который строили такие выдающиеся мастера, как Гаспаро да Сало, Маджини и Страдивари, уже в то время был представлен в нескольких размерах и был совершенно недоступен тогдашним оркестровым музыкантам.

Альт также как и скрипка, настроен квинтами, но звучность его немного гнусава, чуть сурова и в меру привлекательна.

Альт занимает промежуточное место между скрипкой и виолончелью, но он ближе примыкает к скрипке, чем к виолончели.

Альт по своему устройству, настройке струн и приемом игры прилежит к скрипке больше, чем к какому-либо иному смычковому инструменту. Альт немного больше скрипки, держится во время игры точно также и четыре струны его - Do и Sol малой октавы и Re и La первой, - расположенные чистой квинтой ниже скрипичных имеют три общие струны, совершенно тождественно звучащие с ними. Больше посчастливилось немцу Хэрману Риттэру назвав его viola alta - «альтовой виоле».

Исходя из этого нового положения, можно сказать, что технические возможности альта почти неограниченны. Как же относились к альту наиболее прославленные скрипачи в те времена, когда альт был «пасынком» или лучше сказать - парнем оркестра? Известно, что такие скрипачи, как Паганини, Сивори, Вьетан и Аляр, очень любили исполнять партию альта в квартетах и ничуть не стыдились этого делать.

К середине ХVIII столетия, под влиянием композиторов неаполитанской школы, значение альта в оркестре постепенно падает и он переходит на поддержку средних голосов, в основном исполняемых вторыми скрипками.

Начиная с позднего Моцарта и Бетховена альт приобрел в оркестре то значение, которое он собственно должен был занимать по праву. С той поры партия альтов часто делилась на два голоса, что давало возможность пользоваться и подлинным многоголосьем. Такие примеры изложения альтов можно встретить в самом начале Sol-минорной симфонии Моцарта и в «Adagio ma non troppo» финал девятой симфонии Бетховена.

При желании поручить альту solo наиболее ответственный голос возникала естественная необходимость все прочие альта присоединять в качестве сопровождения к скрипкам. Однако, в современном оркестре, альт до Рихарда Вагнера пребывал все же на довольной низкой ступени развития. Впервые именно у него встретились партии альта такой сложности, что сразу заставили альтистов призадуматься над своим новым и быстро изменившимся положением в оркестре. Один из таких случаев, встречается в «Увертюре» к опере Тангейзэр, но автор воспроизводит музыку сопутствующую сцене, известной под именем «Грот Венеры».

Словом в оркестре обязанности альта уже не исчерпаемы. Несколько иначе он звучит в камерной музыке, где ему поручают задачи значительно более сложные.

Из русских композиторов альту, посвятили большую сонату Антон Рубинштейн, а Александр Глазунов оставил очаровательную элегию - единственное сочинение для альта, написанное этим выдающимся композитором недавнего прошлого.

Василенко для альта написал свою превосходную сонату. В произведениях Глинки альт в значительной мере потерял свою «тяжелую долю» быть скорее лишним, чем полезным, и именно у него альту поручались достаточно ответственные задачи как в solo, так и в divisi для пополнения гармонии средних голосов. Один такой случай встретился в «Руслане и Людмиле», где звучность альта предшествует и затем вместе с басами сопровождает «рассказ Головы».

Особенно выразительно звучит у альтов мелодическое проведение в среднем отрезке общего оркестрового звукоряда. В сочетании с английским ражком альт звучит великолепно и таких случаев в оркестре очень много.

Легко согласится теперь, что в оркестровой деятельности альта произошли такие перемены, что трудно себе представить его былой упадок, - это кажется уже почти неправдоподобным...

Трудно с трудной достоверностью сказать, когда возникла современная виолончель. Возникала ли современная виолончель вполне самостоятельно или она явилась следствием длительного совершенствования баса виолы или гамбы - сказать невозможно. Но время судило иначе и удержало в памяти имена двух мастеров, особенно прославившихся производством виолончелей. духовой инструмент симфонический оркестр

Это - Гаспаро да Сало и Паоло Маджини. Они жили на рубеже ХVI - ХVII столетия и первому из них народная молва приписывала честь «изобретения» современной скрипки с четырьмя струнами, настроениями квинтами, усовершенствование violone, или контрабаса виолы и наконец, создание виолончели. Первые мастера, строившие виолончели не совсем еще ясно представляли тот верный путь в развитии современной виолончели, который был завершен вполне, лишь Антонио Страдивари.

Но что же все-таки представляет собою современная виолончель и на что она способна в оркестре? Этот инструмент, также как и все прочие представители семейства смычковых инструментов, имеет четыре струны, настроенные бинтами. Они звучат октавой ниже альта и дают Do и Sol большой октавы и Re и La малой. Благодаря этому объем виолончели очень велик, а характер его звучания чрезвычайно разнообразен. Каждая струна виолончели имеет свою собственную окраску звука, свойственную ей одной Низкий регистр виолончели соответствует низкому мужскому голосу bassa profundo и обладает большой полнотой звука. Этот отрезок звукоряда виолончели очень хорош в музыке мрачной, таинственной и драматичной.

В техническом отношении виолончель вполне совершенный инструмент. Ей доступны все технические тонкости, свойственные скрипке и альту, но для своего воспроизведения они, как правило требуют большей затраты труда. Словом техника виолончели сложнее скрипичной хотя и столь же блестяща. С первых дней появления виолончели в оркестре и на протяжении целых столетий положение ее там было крайне незавидным, никто из современников тогда даже и не догадывался о богатейших художественно - исполнительских возможностях виолончелей. Даже в те времена, когда музыка резко двинулась вперед, обязанности виолончели оставались столь же скромными и даже убогими. Такой великий мастер оркестра, как Иоган-Себастьян Бах ни разу не поручил виолончели певучей партии, в которой она могла бы блеснуть своими качествами.

Бетховен был несомненно первым композитором - классиком, угадавший истинное достоинство виолончели и поставившим ее, на то место в оркестре, какое ей подобает по праву. Несколько позднее, романтики - Вебэр и Мэндельсон - еще более углубили выразительные средства виолончели в оркестре. Им понадобилась уже звучность таинственная, фантастичная и возбужденная, и они, найдя ее в звуках виолончели, воспользовались ею достойнейшим образом.

Вполне справедливо будет заметить, что в настоящее время все композиторы глубоко ценят виолончель - ее теплоту, искренность и глубину звучания, а ее исполнительские средства давно уже покорили сердца как самих музыкантов, так и их восторженных слушателей. После скрипки и фортепиано, виолончель пожалуй, наиболее любимый инструмент, к которому обращали свои взоры композиторы, посвящая ей свои произведения, предназначенные для исполнения в концертах с сопровождением оркестра или фортепиано. Особенно богато использовал виолончель Чайковский в своих произведениях, Вариациях на тему Рококо, где представил виолончели такие права, что сделал это свое небольшое произведение достойным украшением всех концертных программ, требуя от исполнения подлинного совершенства в умении владеть своим инструментом. Наибольшим успехом у слушателей пользуется, пожалуй, концерт Сэн-Санса, и к сожалению редко исполняемый тройной концерт для фортепиано, скрипки и виолончели Бетховена. К числу любимых, но также довольно редко исполняемых, следует отнести Виолончельные концерты Шумана и Дворжака. Теперь, чтобы полностью. Исчерпать весь состав смычковых инструментов, принятых сейчас в симфоническом оркестре, остается «сказать» лишь несколько слов о контрабасе. Подлинная «басовая» или «контрабасовая виола» располагала шестью струнами и, по свидетельству Мишэля Коррэтта - автора известной в свое время «Школы для контрабаса», напечатанной им во второй половине ХVIII столетия, - называлась итальянцами «violone». Тогда контрабас был все еще настолько большой редкостью, что даже в 1750 году Парижская опера располагала только одним инструментом. На что же способен современный оркестровый контрабас? В техническом отношении контрабас пора уже признать вполне совершенным инструментом. Контрабасам поручаются вполне виртуозные партии, выполняемые ими с подлинной артистичностью и мастерством.

Бетховен в своей пасторальной симфонии , клокочущими звуками контрабаса очень удачно подражает вою ветра, раскатом грома и вообще создает полное ощущение разбушевавшейся стихии во время грозы. В камерной музыке обязанности контрабаса чаще всего ограничиваются поддержкой басовой партии. Таковы в общих чертах художественно- исполнительские возможности участников «струнной группы». Но в современном симфоническом оркестре «смычковый квинтет» часто применяется как «оркестр в оркестре».

Глава II. Музыкальные инструменты

2.1 Деревянные духовые инструменты

Вторым объединением современного симфонического оркестра, способным к большому разнообразию и богатству выражения, следует признать «семейство» деревянных духовых инструментов. Обладая драгоценной способностью выдерживать звук, они имеют перед струнными даже некоторое преимущество - их сила звука в известной мере исключает необходимость чрезмерного увеличения их числа. Технические и художественные средства деревянных духовых не столь богаты, разнообразны и гибки. Это относится, прежде всего к их объему. Они не могут свободно изменять степень силы звука и часто оказываются даже не в силах управлять качествами своих крайних ступеней внизу или самом верху звукопада. Все представители этого объединения обладают подлинным pianno или надлежащим fone, и размах степеней силы звука. Защищенные полной свободой в изменении силы звука, деревянные духовые инструменты связаны также и с некоторыми особенностями извлечения самого звука, на воспроизведение которого требуется сравнительно больше времени, чем у смычковых. В своих чисто технических качествах, при несомненных достоинствах , они также уступают струнным - деревянные духовые инструменты относительно менее подвижны, и сложность поручаемых им построений менее замысловата. Даже в средствах своего звукоизвлечения они существенно отличаются от смычковых.

В настоящее время объединение деревянных духовых инструментов представлено четырьмя основными и двумя добавочными видами, отличающимися друг от друга не только чисто природными свойствами, но и присущими каждому из них качествами и особенностями. В оркестре прошлого, которыми композиторы пользовались до самого начала ХIХ столетия, деревянные духовые инструменты применялись в достаточно ограниченном составе и не всегда равномерно. С развитием более утонченных художественных средств оркестра, вообще сильно возросли возможности и деревянных духовых.

Содружество деревянных духовых инструментов, как было уже сказано, состоит из четырех основных и двух добавочных более или менее обособленных видов. К основным - относится семейство флейт, гобоев, кларнетов и фаготов, а к добавочным - семейства саксофонов и сарюзофонов. Все эти инструменты принадлежат к так называемым широкомензурным инструментам, то есть таким, основная трубка которых при относительно широком поперечнике сравнительно коротка. Каждый музыкальный инструмент имеет свой особый способ звуковедения, который зависит от возбудителя колебаний. Если у духовых инструментов» звукообразующими элементами» являются грани среза звукового отверстия, простые или двойные язычки - трости или губа исполнителя, а возбудители колебаний - выдыхающий поток или струя воздуха, и «резонатором» - столб воздуха, заключенный в трубке инструмента то, на основании этих существенно - важных признаков, все духовые инструменты естественно распадаются на три вполне обоснованных вида. К первому относятся инструменты с «боковыми отверстиями» - так называемые губные или глобальные инструменты» - от латинского labia - «губа». Ко второму - инструменты с «язычком» или «пищиком» - язычковые или «лингвальные» от латинского « - «язык» к третьему - инструменты с устьем или «амбушюром» - амбушюрные от французского embouchure - «мундштук» , «устье».

В нотной записи не все деревянные духовые инструменты пользуются единообразным письмом, когда ноты пишутся так, как и звучат в действительности. Эти отступления в записи возникли в ходе развития и совершенствования того или иного инструмента и в своем существе имеют чрезвычайно глубокие корни о которых сейчас можно и не вспоминать, Вполне достаточно только знать, что этот прием «условной» записи, когда инструмент пишется на одной высоте или в одном строе, а читается в другом, носит название транспонирования. Среди «деревянных духовых инструментов к « транспонирующим» относится альтовые флейты, малый гобой, гобой д'амур, английский рожок, все разновидности кларнетов и саксофонов. Этот довольно странный на первый взгляд обычай писать ноты не так как они звучат в действительности, имеет весьма веские основания. В то время, когда некоторые древние духовые инструменты только еще создавались, их устройство было крайне несовершенным. Все объединение деревянных духовых инструментов состоящее из основных вполне самостоятельных и несколько обособленных друг от друга семейств - флейт, гобоев, кларнетов и фаготов с их видовыми и родственными им инструментами, и добавочных семейств - саксофонов и сарюзофонов, не принимающих в современном оркестре столь длительного и постоянного участия, в оркестровой партитуре обычно располагается в самом ее верху и в том же порядке, в каком инструменты были упомянуты выше. Некоторое исключение составляют только саксофоны, часто переводят их в объединение медных духовых инструментов и помещают их где-то между трубами и валторнами или даже тромбонами, что разумеется, никак не вяжется с природой самих саксофонов, принадлежащих не к «амбушюрным» инструментам, а к «язычковым», - то есть не с устьем - мундштуком, а с язычком - пищиком. Творческий характер деятельности учителя музыки. Деревянные и медные духовые инструменты. Моделирование художественно-творческого процесса. Особенности современного симфонического оркестра. Технические возможности альта. Предки современной флейты.

Из всех известных сейчас музыкальных инструментов флейта принадлежит, несомненно к числу тех, история которых восходит к глубокой древности. Само слово «флейта» применялось древними весьма пространно и этим понятием они обычно определяли вообще все духовые инструменты без различия их природных особенностей и свойств.

Подлинным предком современной флейты являются отнюдь не такие представители этой «породы», как флейта простая, фринийская флейта или флейта двойная. Эти инструменты только именовались «флейтами» но собственно к флейтам прямого отношения не имели. Разновидность «флейты», известная под общим наименованием «косой» ли поперечной флейты уже к середине столетия получила всеобщее признание и, несмотря на упорство, с которым держалась еще в оркестре флейта с наконечником, косая или поперечная вышла на путь решительного развития и совершенствования.

Флейта в ХVIII столетии пользовалась такой любовью своих современников, что одно время стала чем-то вполне неотъемлемым в их повседневной жизни. Играть на флейте вплоть до середины ХIХ века почиталось признаком хорошего тона, и флейта также как и лютня, арфа или фортепиано, вскоре появилось на сцене в качестве достойного участника драматического спектакля. Среди разновидностей обыкновенных флейт наибольшим распространением пользуется малая флейта и несколько меньшая - альтовая.

Первая и наиболее распространенная разновидность «обыкновенной» флейты, известна под именем малой флейты или флейты - piccolo. Она звучит октавой выше обыкновенной флейты и в оркестре обычно предназначена для усиления и продления вверх крайних октав родового инструмента. Звучность малой флейты особенно в верхнем отрезке ее звукоряда и в forte, отличается чрезвычайной резкостью и даже грубостью, а внизу, напротив она бесцветна, очень слаба.

Вторая разновидность обыкновенной флейты использована Римским-Корсаковым, стремившимся обогатить оркестр столь обаятельным в звучании флейта низкими ступенями ее звукоряда. Наконец, последняя разновидность флейты известна под именем басовой флейты, или альбизифона. Этот инструмент был построен свыше пятидесяти лет тому назад, но в оркестре встречается , к сожалению, еще крайне редко.

Второе семейство объединения духовых инструментов составляет гобой со всеми своими многочисленными родичами. В истории инструментов гобой известен чуть ли не с незапамятных времен. Современный гобой, располагает всеми тонами передувания и потому, также как и флейта принадлежит к «октавирующим» инструментам. В техническом отношении гобою, в сущности, доступны все тонкости современного письма. Классики - симфонисты -Гайдн, Моцарт и Бетховен - широко пользовались гобоем в своих произведениях.

На что же теперь способен гобой в оперно-симфоническом оркестре? Как уже известно, его тембр, от природы немного гнусавый, очень напоминал пастушеский рожок или дудочку - свирель. Искренность гобоя и его выразительность не знает себе достойного соперника, а четкость в выполнении технических узоров вообще вне всякой похвалы.

«Гобой», - говорит Грэтри, - блестит лучом надежды среди туч скорби!» И это вполне справедливо.

В заключение повествования о гобое любопытно вспомнить отзыв о нем Глинки.

«Гобой, - говорит он, - лучший из духовых инструментов по верности интонации и по богатству средств. Переход к смычковым. Много силы и выразительности в натуральных тонах. Мягкая октава гобоя - от la до la. Выше - крис, ниже - гусь. Но в особенных, редких случаях и низкие ноты гобоя могут принести свою пользу.»

Третий представитель семейства деревянных духовых инструментов - кларнет, принадлежит к числу наиболее молодых участников этого объединения. Он возник в Германии около 1700 года.

Кларнет в своем первобытном виде существовал с давних пор в еще народной дудочки низшего порядка в очертании короткой цилиндрической трубочки, а эти простые дудочки были известны нам с бьющимся языком вырезанным из камыша или с подвязанным к клюву отдельным языком. Сейчас кларнет представляет собою великолепный инструмент, располагающий огромным объемом в четыре неполных октавы - от mi малой октавы по письму. В низком регистре кларнет звучит немного мрачно и сурово.

Одним из самых выдающихся открытий в области инструментального строительства середины прошлого столетия было создание нового духового инструмента - саксофона, в котором чрезвычайно удачно объединились характерные особенности медных и деревянных духовых инструментов.

Семейство саксофонов, предназначавшееся первоначально для военно-духовых оркестров по крайней мере во Франции и Бельгии было тогда же и введено. Со дня рождения саксофона прошло около семидесяти пяти лет, когда Европа была буквально ошеломлена сначала слухами о возникновении gazza, а потом - спустя несколько лет - восхищена и с головой увлечена прибывшим из Нью-Йорка в Париж первым негритянским gazz - оркестром. Остается последний представитель объединения деревянных духовых инструментов - фагот.

В ХVI столетии, еще задолго до изобретения фагота, все басовые голоса духовых язычковых инструментов удерживались различными видами низких инструментов. Во Франции и Германии усовершенствованные фаготы были приняты в оркестрах военной музыки, и уже в 1741 году они были введены в оркестрах французской гвардии и дианских полков маршала Саксонского. Таким образом создался современный фагот - вполне совершенный в техническом отношении. Его огромный объем простирается от sid контроктавы до re второй и весь его звукоряд распадается на несколько чрезвычайно характерных в своем звучании регистров.

Вот каковы достоинства фагота - этого подлинного «труженика» современного симфонического оркестра.

Для заключения достаточно сказать, что в русской камерной музыке, чрезвычайно бедной участием духовых инструментов, фагот, тем не менее появлялся не один раз. Чаще других, инструментальных сочетаний можно услышать «квартет деревянных духовых», где фагот участвует на равных с флейтой, гобоем и кларнетом, основаниях.

Объединение духовых инструментов будет звучать тем лучше, чем больше в его составе будут участвовать «украшающие» звучности некоторых ударных инструментов арфы и струнных, использованных по преимуществу в pizzicaro или в флаштах. Для такого состава инструментов написано множество превосходной музыки либо напоминающей игру «музыкальных игрушек», ящиков и табакерок.

2.2 Медные духовые инструменты

Третье объединение в современном симфоническом оркестре составляют медные духовые инструменты или, как их чаще называют, - «медь».

Четвертая группа известная под именем «Вайторновых» или «Вагнэровских» труб, а также группа флюгельхорнов или саксхорнов, принятых в духовом оркестре, в оперно-симфоническом, имея в сущности, ничтожное внимание. Подобно своим ближайшим соседям по оркестру - деревянным духовым инструментам, - медные духовые инструменты располагают точно, такой же способностью тянуть или лучше сказать - выдерживать звук, и если в известной мере и уступают им в некоторой гибкости и блестящей виртуозности, то взамен этого они располагают силой, далеко оставляющей позади себя деревянные духовые и струнные инструменты, даже вместе взятые. Основным отличием инструментов этой группы является не столько материал из которого они сделаны, сколько способ извлечения звука.

Медная группа сформировалась позже, чем другие оркестровые объединения. Разнообразны по характеру и соло медных инструментов.

Внутри медной группы нередко образуются четырехголосные «хоры». Три тромбона и туба в низком регистре объединяются в группу «тяжелой меди», валторны образуют самостоятельный квартет.

Валторна. Прародителем современной валторны был рог. С незапамятных времен сигналы рогов возвещали начало сражений. В ХVII веке валторну стали вводить в оперу, но лишь в следующем столетии она стала постоянным членом оркестра. Валторна - самый поэтический инструмент в группе медных духовых . Ее звук полный, благородный и мягкий. В низком регистре тембр валторны несколько мрачен, в верхнем очень напряжен. Валторна может порой звучать блестяще и стремительно.

Труба. Тембр трубы - благородный и блестящий; он так же хорош в воинственных обрядах, в крике ярости и мщения, как и в торжественных гимнах. Он способен выражать, все сильнее, гордое, величественное, ему доступна большая часть трагических оттенков», - так писал о трубе Берлиоз. Труба славится не только силой звука , но и выдающимися виртуозными качествами. Различные пассажи, staccato, быстрое повторение звука прекрасно удаются на ней.

Тромбон. Тромбон получил свое название от итальянского именования трубы - tromba - с увеличительным суффиксом one; trombone буквально звучит «трубища». Тромбон издавна представлял собой семейство состоящее из инструментов различной величины. Еще в первой половине прошлого столетия, например, в партитурах Глинки, семейство тромбонов насчитывало три инструмента. Игра на тромбоне требует огромного расхода воздуха. Тромбон - не транспортирующий инструмент. Партия тромбонов в оркестре записываются на двух строчках в теноровом и басовом ключах. Некоторые композиторы, следуя примеру Римского-Корсакова, заменяют теноровый ключ альтовым. На тромбоне возможен весьма своеобразный эффект Глиссандо.

Туба. В отличии от других представителей медной группы, туба - довольно молодой инструмент. Она была построена во второй четверти ХIХ века в Германии.

Туба - хроматический инструмент. Расход воздуха на тубе огромен: порой особенно в низком регистре исполнитель вынужден менять дыхание на каждом звуке.

2.3 Ударные инструменты

Название четвертой группы инструментов в симфоническом оркестре произошло от способа извлечения звука - удара по натянутой коже, по металлическим пластинкам, по деревянным брускам и т.д. Если мы взглянем в левый угол эстрады, где располагается эта группа, то сразу заметим, что во всем прочем ударные различаются и формой и величиной, и материалом, из которого они сделаны, и, наконец характером звука. Кроме того ударные принято делить на две большие группы. К первой относятся те которые имеют настройку. Это - инструменты с определенной высотой звука! Литавры, колокольчики, ксилофон, колокола. Инструменты другой группы не имеют настройки и издают относительно более высокие или низкие звуки, лишенные определенной высоты. Это треугольник, бубен, малый барабан, тарелки, тамтам, кастаньеты. Роль ударных не столь разнообразна, как роль струнных или духовных: большинство из них лишено возможности воспроизводить мелодию, многогласные аккорды.

В музыке ХХ столетия роль ударных в оркестре заметно обогатилась. Нередко их тембр становится носителем самой музыкальной мысли.

В 1961 году в Страсбурге был организован специальный ансамбль ударных. В его составе - 140 инструментов, на которых играют 6 исполнителей. Недавно подобный ансамбль возник в Москве под управлением Марка Пекарского.

Заключение

Основной формой музыкальной деятельности в детском саду являются музыкальные занятия. Они объединяют все виды музыкальной деятельности: пение, слушание музыки, музыкально-ритмические движения, игру на детских музыкальных инструментах.

Игре на детских музыкальных инструментах в детском саду уделяется особое внимание, так как именно детское музицирование расширяет сферу музыкальной деятельности дошкольника, повышает интерес к музыкальным занятиям, способствует развитию музыкальной памяти, внимания, помогает преодолению излишней застенчивости, скованности, расширяет музыкальное воспитание ребенка.

В процессе игры ярко проявляются индивидуальные черты каждого исполнителя: наличие воли, эмоциональности, сосредоточенности, развиваются и совершенствуются творческие и музыкальные способности.

Обучаясь игре на музыкальных инструментах, дети открывают для себя мир музыкальных звуков и их отношений, осознаннее различают красоту звучания различных инструментов. У них улучшается качество пения (чище поют), музыкально-ритмических движений (четче воспроизводят ритм).

Для многих детей игра на детских музыкальных инструментах помогает передать чувства, внутренний духовный мир.

Это прекрасное средство не только индивидуального развития, но и развития мышления, творческой инициативы, сознательных отношений между детьми.

Каждый оркестр - это общественный организм. Все его органы, части, клетки связаны. Перестает работать одно - нарушается деятельность целого. Каждый оркестр - это особое государство, страна но страна удивительная. Она живет музыкой. В музыке видит она место, цель и радость своей жизни.

Библиографический список

1.Алиев Ю.Б. Методика музыкального воспитания детей от детского сада - к начальной школе. Воронеж 1998г. - 351 с.

2.Барсова И.А. Книга об оркестре. Моква. «Музыка» 1978г. - 197 с.

3. Кононова Н.Г. Обучаем игре на детских музыкальных инструментах. - 1990.

4.Пальмин А. Скрипичные и смычковые мастера. Ленинград, 1963г. - 36 с.

5.Радынова О.П. Музыкальное воспитание дошкольников. - М.: Просвещение: Владос, 1994.

6.Рогаль - Левицкий Беседа об оркесте. Москва. 1961г. - 287 с.

7.Для подготовки данной работы были использованы материалы с сайта http://www.refcentr.ru/

Размещено на Allbest.ru