Балеты Б.В. Асафьева "Пламя Парижа" и "Бахчисарайский фонтан"

Размещено на http://www.allbest.ru/

ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

МОСКОВСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСТИТЕТ КУЛЬТУРЫ И ИСКУССТВ

ФАКУЛЬТЕТ: хореографический, заочное отделение

Курсовая работа по теории и истории музыкального искусства

На тему: «Балеты Б.В. Асафьева «Пламя Парижа» и «Бахчисарайский фонтан»

Выполнила:

студентка II курса гр. 06208з

Шатрова Н.С.

Проверила: Алексенко Н.В.

Москва

2013



Содержание

Введение

Глава I. Балет Б.В. Асафьева «Пламя Парижа»

1.1 Краткая история создания балета

1.2 Народный музыкальный материал в балете

1.3 Музыкальная характеристика придворных сцен

Глава II. Балет «Бахчисарайский фонтан»

2.1 История создания. Музыкальный материал балета

2.2 Мария - главный романтический образ балета

2.3 Музыкальная характеристика образа Заремы

2.4 Музыкальная характеристика образа Гирея

Заключение

Список использованных источников



Введение

Академик Борис Владимирович Асафьев сыграл важнейшую роль в истории советского балета. Музыкант с широким научным горизонтом, глубокой мыслью, он своими многочисленными музыковедческими трудами и композиторскими работами повлиял на развитие советской музыки. Будучи чрезвычайно плодовитым композитором, сочинявшим в разных жанрах: музыкально-театральном (балет, опера, музыка к драматическим спектаклям, кинофильмам), в симфоническом (программные симфонии, инструментальные концерты), в камерном (романсы, песни, произведения для различных музыкальных инструментов, ансамбли), Асафьев сосредоточил свои интересы на театральной музыке и прежде всего на балете. Его творчество в этом жанре началось еще в 1910-е годы и продолжалось по 40-е годы включительно.

Первым произведением Асафьева, написанным в советскую эпоху, был балет на революционную тему «Карманьола». В том же 1918 году он над сказочно-романтическим балетом «Сольвейг» на музыку Грига, а в 1922 году - над детским балетом-феерией «Вечно живые цветы». В течение последующих десяти лет Асафьев балетов не писал и возвратился к балетному творчеству лишь в конце 1931 года (балет «Триумф республики», или «Пламя Парижа»).

Крупная группа балетов Б.В. Асафьева характеризуется обращением композитора к классической, преимущественно русской, литературе и к народному поэтическому творчеству. Это балеты на сюжеты Пушкина: «Бахчисарайский фонтан» (1932-1934), «Кавказский пленник» (1936-1937), «Граф Нулин» (1940-1941), «Каменный гость» (1943-1946), «Барышня-крестьянка» (1945-1946). На сюжеты Лермонтова: «Ашик-Кериб» (1939); Гоголя - «Ночь перед Рождеством» (1937); Куприна - «Суламифь» (1940); Бальзака - «Утраченные иллюзии» (1934-1935); Данте - «Франческа да Римини» (1943-1946). Балеты по мотивам народных сказок - «Снегурочка» (1941), «Лада» (1943), «Весенняя сказка» (1946).

Асафьев стремился к созданию балетов, разнохарактерных в сюжетном и жанровом отношениях: трагедийных и бытовых, романтически-легендарных, лирико-психологических, сказочных и комедийных. Складывается впечатление, что композитор исходил из убеждения в исключительно широких возможностях балетного жанра и применимости в этой области почти любых сюжетов.

Балеты Асафьева построены как целостные, органически развивающиеся симфонии. Каждый эпизод спектакля неразрывно связан с формой целого и выполняет определенную функцию общего концепционного замысла. Поэтому нельзя исключать или переставлять отдельные номера в балетах композитора, не рискуя нарушить стройность формы произведения.

Для Асафьева характерно стремление применять в своих произведениях принципы и стилевые приемы классического искусства, главным образом русского. При этом Асафьев руководствовался достижениями не только русского классического балета, но и русской классической оперы. Широко пользуясь формами и средствами балетного жанра, композитор в лучших своих произведениях достигает стройности музыкально-драматургического единства композиции балетов, вносит в них черты симфонического развития, элементы кантатности.

Среди обширного балетного наследия Б.В. Асафьева явственно выделяются два произведения - «Пламя Парижа» и «Бахчисарайский фонтан». Они служат примерами различного и в обоих случаях интересного решения Асафьевым проблемы балетного жанра. Более детальное рассмотрение этих произведений дает возможность выявить важнейшие стилистические черты балетного творчества композитора.



Глава I. Балет «Пламя Парижа»

1.1 Краткая история создания балета

Балет “Пламя Парижа”, поставленный в 1932 году на сцене Ленинградского театра оперы и балета им. С.М. Кирова, длительное время сохранялся в репертуаре столичных театров. В 1947 году Асафьев создал новую редакцию балета, где им были сделаны некоторые сокращения партитуры и переставлены отдельные номера. Но музыкальная драматургия балета в целом осталась неизменной. Жанр его можно определить, как народно-героическую драму.

В создании сценария и либретто балета участвовали драматург Н. Волков, художник В. Дмитриев и сам композитор. Авторы избрали историко-социальный аспект трактовки сюжета, что определило ряд существенных черт произведения в целом. Основой содержания послужили события из истории французской революции начала 90-х годов XVIII века: взятие Тюильри, участие в революционных действиях марсельских моряков, революционные выступления крестьян против своих феодальных властителей. Были использованы и отдельные сюжетные мотивы, а также образы некоторых персонажей из исторического романа Ф. Гра “Марсельцы” (крестьянка Жанна, командир батальона марсельцев).

Сочиняя балет, Асафьев, по его словам, работал “не только как драматург-композитор, но и как музыковед, историк и теоретик и как литератор, не гнушаясь методов современного исторического романа”. Результаты этого метода сказались, в частности, в исторической достоверности ряда действующих лиц. В “Пламени Парижа” выведены король Людовик XVI, дочь бондаря Барбара Паран (в балете - крестьянка Жанна), придворная актриса Мирель де Пуатье ( в балете она получила имя Дианы Мирель).

В соответствии с либретто, музыкальная драматургия “Пламени Парижа” основана на противопоставлении двух музыкальных сфер: музыкальной характеристики народа и аристократии. Народу отведено в балете главное место. Изображению его посвящены три акта - первый, третий и четвертый, отчасти также и второй акт (его финал). Народ представлен в многообразии различных составляющих его общественных групп. Здесь встречаются французские крестьяне - семья Жанны; солдаты революционной Франции и среди них командир марсельского батальона - Филипп; актеры придворного театра, в ходе событий выступающие на стороне народа, - Диана Мирель и Антуан Мистраль. Во главе лагеря аристократов, придворных, реакционного офицерства стоял Людовик XVI и маркиз де Борегар, владелец обширных поместий.

Внимание авторов либретто сосредоточено на изображении исторических событий, благодаря чему в “Пламени Парижа” почти вовсе отсутствуют индивидуальные музыкальные характеристики. Личные судьбы отдельных героев занимают в нем подчиненное место в широкой картине истории революционной Франции. Музыкальные портреты действующих лиц как бы заменяются их обобщенной характеристикой как представителей той или иной общественно-политической силы. Основное противопоставление в балете - это народ и аристократия. Народ характеризуется в танцевальных сценах действенного типа (революционные действия народа, его борьба) и жанрового характера (веселые праздничные сцены в конце первого акта, начале третьего и во второй картине последнего акта). В совокупности композитор создает многостороннюю музыкальную характеристику народа, как коллективного героя произведения. В обрисовке народа главную роль играют революционные песенные и танцевальные темы. Они звучат в наиболее важных моментах действия, а некоторые из них проходят через весь балет и до известной степени могут быть названы лейтмотивами, характеризующими образ революционного народа. То же самое относится и к изображения аристократического мира. И здесь композитор ограничивается обобщенной музыкальной характеристикой королевского двора, аристократии, офицерства. В обрисовке феодально-аристократической Франции Асафьев пользуется интонациями и стилевыми средствами музыкальных жанров, получивших распространение в аристократическом придворном быту королевской Франции.

1.2 Народный музыкальный материал в балете «Пламя Парижа»

В балете «Пламя Парижа» отчетливо проявилось стремление Асафьева написать произведение монументального синтетического типа. Хореографическое действие поддерживается в нем введением вокально-хорового начала. Идея создания такого рода синтетических музыкально-хореографически-вокальных драм получила довольно большое распространение в 20-х годах.

В свой балет композитор включил три песни французской революции: “Марсельезу”, “Карманьолу”, “Ca ira”, причем использовал эти песни сообразно характеру каждой из них. Так, “Марсельеза”, с ее чертами героического марша-гимна, появляется всегда только в хоровом звучании в эпизодах героико-революционного подъема. Танцевальная же природа “Карманьолы” позволила композитору использовать ее и в песенно-хоровых и в танцевальных сценах. Что касается третьей песни - “Ca ira”, - то ее ритм походного марша сделал ее более всего пригодной для драматических сцен, изображающих революционную борьбу восставшего народа.

Революционные темы вводятся композитором в наиболее важные, переломные моменты действия. “Марсельеза” звучит в финале первого акта, когда крестьяне присоединяются к марсельцам и направляются вместе с ними в революционный Париж. Драматургически важную роль играет “Марсельеза” в финале второго акта, где ее мелодия побуждает Диану Мирель, застывшую в отчаянии возле трупа Антуана, довести до конца дело, начатое ее погибшим другом.

В финале третьего акта возмущение народа королем-предателем выливается в гневной насмешливой “Карманьоле”. Тема “Карманьола” положена здесь композитором в основу крупного первого раздела финала, где музыка передает революционное одушевление народа. Хоровые строфы песни чередуются с оркестровыми вариантами. В целом образуется форма, близкая к рондо, в которой рефреном является хоровое звучание “Карманьолы”, а эпизодами служат ее оркестровые варианты.

На теме песни “Ca ira” построен второй раздел финала третьего акта - начало штурма королевского дворца, - а также первая картина четвертого акта, где революционный народ врывается во дворец и атакует королевскую твердыню. Последний раз революционные темы появляются в конце всего балета. “Карманьола” использована здесь как стремительный, жизнеутверждающий танец (Presto), разворачивающийся в цепи красочных вариаций, а “Ca ira” проходит с торжественной приподнятостью (Maestoso) в мощном оркестровом звучании.

Композитор создал в балете красочные бытовые картины народной жизни, Танцы сгруппированы здесь в сюиты и превращены в большие жанровые сцены. Музыка этих сцен отличается живостью и энергией, выражая чувства радостного подъема народа.

В народных танцевальных сценах композитор стремится к воспроизведению стилистических черт различных народных песенных и инструментальных мелодий, большей частью французских. В танцевальных сюитах балета заметно преобладание жанрово-характерного начала над классическим. Используя фольклорный материал, Асафьев либо подвергает его свободной обработке, либо ограничивается характерными для французской народной музыки интонационными или ритмическими оборотами. Следует указать на преобладание в танцевальных сценах балета формы рондо, бесспорно, наиболее близкой к народной музыке и удобной для создания многоликого портрета народа. В построении и планировке танцевальных жанровых сцен можно подметить определенный драматургический, композиционный замысел. Они располагаются Асафьевым так, что каждая последующая оказывается крупнее, масштабнее предыдущей. Такое расширение композиции народных сцен, последовательная их монументализация обусловлены принципом драматического нарастания, слияния действий отдельных личностей и отдельных групп революционного народа в единый героический освободительный порыв.

Танцы первого акта, расположенные в финале второй картины, выражают радостное, бодрое настроение народа, объединившегося по случаю его первой победы (освобождение Гаспара). Финал картины представляет собой большую танцевальную сюиту из нескольких номеров. Весь финал обрамляется фарандолой - популярнейшим французским народным танцем. Неоднократные проведения темы фарандолы утверждают владеющее народом состояние подъема и энергии.

Первоначально фарандола изложена в виде миниатюрного рондо, в котором первый из трех эпизодов контрастирует энергичной теме рефрена. в заключительном построении сцены фарандола обогащается введением тематического материала из других танцев. в целом танцевальная сита первого действия образует трехчастную композицию; вместе с тем повторение темы фарандолы вносят в нее черты рондообразности.

Обилием ярких тем и большой широтой композиции обладает танцевальная сита третьего акта. Она включает Овернский, Марсельский танцы и Танец басков. Овернский танец - самый простонародный из них - имеет характер крестьянского менуэта, в его основу положена мужественная и простая мелодия. Музыка выражает непринужденное веселье и временами окрашивается в юмористические тона. Народный колорит танцу придают выдержанные квинты в аккомпанементе, несовпадения акцентов в мелодии и в сопровождении, происходящие из-за сочетания различных метров (двух и трехдольного).

В марсельском танце уже появляются черты героики, особенно ярко выступающие в основной теме, устремлено восходящей по звукам тонического трезвучания.

Завершает танцевальную сюиту темпераментный Танец Басков, содержащий много различных мелодий. Их объединяет ритм болеро, повторяющийся на протяжении всех эпизодов крайних частей (сложной трехчастной формы). Главная тема построена на простом, но очень рельефном и мужественно-решительном нисходящем движении мелодии. Неторопливая печальная тема среднего раздела, сочиненная в жанре сицилианы, контрастирует с мелодиями крайних разделов и оттеняет господствующий волевой характер танца.

Весь третий акт представляет собой монументальную народную сцену, где особенно выделены решительные, героические танцы; их последовательность образует единую линию нарастания героики (танец марсельцев и басков, “Карманьола” и “Ca ira”). Целостность акта подчеркивается тональным обрамлением - тоническим значением соль мажора в начале и конце акта.

Важную роль в обрисовке революционного народа играют драматические сцены балета. Музыка этих сцен большей частью очень напряженна, имеет патетически-возбужденный характер. Отсюда многочисленные контрасты ритмов и темпов (преимущественно быстрых). Частая смена фактуры. При этом композитор в большинстве случаев отказывается от использования целостных песенно-танцевальных номеров и придает музыке драматических сцен характер непрерывного динамического развития.

Драматические сцены появляются, как правило, в узловых моментах действия, объединяя отдельные эпизоды каждой картины в единое связное целое. Таким драматическим узлом в первой картине балета служит сцена нападения слуг маркиза на семью Гаспара. Аналогичную драматургическую функцию имеет сцена нападения народа на замок маркиза и освобождение Гаспара во второй картине. Музыка этой сцены выдержана в героико-драматическом стиле, близком стилю Госсека, Мегюля, а также Бетховена.

Особенно впечатляет в балете центральный эпизод первой картины четвертого акта - вторжение народа в Тюильри и сцена боя с королевской стражей. В музыкально-драматургическом отношении сцена эта сделана Асафьевым великолепно. В начале действия как бы издалека доносится звучание песни “Ca ira” - это народ идет на приступ королевского замка. Прислушиваясь к звучанию песни, толпа придворных застывает в растерянности и тревоге. Музыка, характеризующая их состояние, становится смятенной и драматичной - создается впечатление неотвратимости гибели старого мира.

Но вот революционный народ врывается во дворец. Начинается сцена боя. В ней много иллюстративного - удары оружия, выстрелы, шумовые эффекты, однако в целом Асафьев отнюдь не ограничивается подобной внешней иллюстративностью, он стремится воссоздать атмосферу революционной борьбы, причем и здесь использует для этой цели музыкальный материал героико-патетического бетховенского стиля. Героический пафос особенно ярко ощутим в момент победы народа, когда призывно и ликующе звучат фрагменты из «победной симфонии» («Эгмонт») Бетховена.

Линия героики находит свое завершение в последней картине балета, в центре которой стоит торжественное Adagio (Es-dur) - род гимна-шествия. Его величавая мужественная и широкая мелодия гимнического склада оттеняется твердой и решительной поступью аккомпанирующих басов.

В финальной картине балета завершаются и другие линии характеристики народа: сюита танцев (контрданс, па-де-де, вариации и кода) служит естественным продолжением жанровых сцен предшествующих актов, а звучание песен “Карманьола” и “Ca ira” заключает развитие революционно-героических образов.



1.3 Музыкальная характеристика придворных сцен

В балетах Асафьева, как уже было сказано выше, оказались противопоставленными друг другу два мира образов - мир революционного народа, полного энергетики, подъема и героического пафоса, и мир аристократии. Каждый из этих миров музыкально охарактеризован своим кругом интонаций, причем большей частью не сочиненных композитором, а заимствованных из соответствующих источников народного и профессионального творчества. Для характеристики народа, как мы уже видели, избраны революционные песни той эпохи, материал из творчества композиторов, близких революции (Мегюль, Госсек) или отразивших ее героику (Бетховен). То же делается и в отношении мира аристократии, где основным источником музыкальных характеристик становится музыка придворного быта предреволюционной Франции и творчество композиторов, так или иначе отразивших этот быт (Люлли, Глюк и другие). Заимствованные образцы Асафьев дополняет собственными, написанными в том же стиле.

В сценах, рисующих придворный быт, Асафьев использовал и старинные чинные, тяжеловесно-торжественные танцы типа сарабанды, чаконы и изящные, галантные танцы XVII-XVIII веков (гавот Люлли).

Музыка второго акта в целом отличается неторопливым, важным движением, по временам оттеняемым легкими изящными номерами галантных танцев. Музыкальные номера второго акта можно разделить на три группы: одна из них представлена антрактом и сарабандой и воссоздает атмосферу придворного мира, вторая - гимном и чаконой, которые связаны с развитием драматического действия (под звуки гимна проходит драматическая сцена заговора). Между двумя указанными группами номеров расположена третья группа - интермедия - спектакль артистов придворного театра. Музыка интермедии примечательна тем, что в ней намечаются характеристики центральных образов актеров - Дианы Мирель и Антуана. Строго говоря, индивидуальных характеристик они также не имеют, но Асафьев умело оттеняет основные черты их образов - лиричность облика Дианы, мужественность образа Антуана. Диана первоначально обрисовывается хрупким, нежно-грациозным мотивом популярного гавота Люлли, Антуан же - мажорной, несколько даже героичной вариацией.

Развитие действия приводит к трагической гибели актера, вслед за которой начинает звучать проникновенное скорбное Adagio солирующего альта, грустная и выразительная мелодия которого напоминает баховскую кантилену.

Adagio должно быть отнесено к лучшим номерам акта. По смыслу оно представляет собой своеобразный реквием по Антуану, но вместе с тем отражает переживания Дианы, глубину ее горя. Тем самым образ Дианы предстает в двух планах: и как актрисы придворного театра (гавот Люлли) и как страдающей женщины (Adagio).

Работая над балетом, Асафьев стремился к созданию композиционно стройной музыкальной формы. По его собственным словам, он хотел, чтобы «балет в целом как музыкальное произведение получил форму монументальной симфонии, осуществленной средствами музыкального театра». Однако замысел этот не получил достаточно яркого воплощения вследствие того, что музыкальная драматургия балета в общем оказалась недостаточно симфоничной. Первый акт балета композитор трактовал как «экспозицию революционных настроений Франции», второй акт - как симфоническое andante; третий - «драматическое скерцо», а четвертый - как «финал героической симфонии».

Симфоничность музыки «Пламени Парижа» проявляется лишь в отдельных чертах: в постоянном применении определенных песенных тем, получивших значение лейтмотивов (темы революционных песен), в тональном, интонационном, жанровом родстве различных актеров, в крупных построениях отдельных картин, сцен. Можно указать на объединяющую роль некоторых тональностей: B-dur для первого акта и G-dur-для третьего.

В музыкальной драматургии применены средства других жанров: от симфонии взят принцип последования частей, их контрастное сопоставление; от оперы - использование хора.

Музыка балета привлекает большой простотой, напевностью, обилием мелодий народного склада, очень удобных для танца. Сильная сторона музыки балета - в отборе и использовании композитором материала, относящегося к изображаемой эпохе. Асафьев отмечал, что «Пламя Парижа» является своего рода «наглядной музыкальной хрестоматией», поскольку в балете «представлено в цитатах и пересказах все наиболее характерное для музыки … третьего сословия».



Глава II. Балет «Бахчисарайский фонтан»

2.1 История создания. Музыкальный материал балета

К числу лучших произведений Асафьева, несомненно, должны быть отнесены два его Пушкинских балета: «Бахчисарайский фонтан» и «Кавказский пленник». Оба они принадлежат к романтическому жанру «хореографических поэм». Композиция обоих балетов построена на сопоставлениях двух различных национальных сфер (культур) - славянской (русской, польской) и восточной (Кавказ, Крым). Композитор в обоих случаях стремится к правдивому изображению эпохи и всей обстановки действия, широко пользуется музыкальными жанрами и другими средствами, типичными для музыкального быта изображаемого времени и места действия. асафьев композитор балетный творчество

«Бахчисарайский фонтан» был первым советским балетом на Пушкинскую тему. Мысль о создании балета принадлежала драматургу и искусствоведу Н.Д. Волкову, который наметил сценарий и привлек к его разработке Асафьева. Поэма Пушкина была ими в значительной степени развита, дополнена и превращена в драматически-действенное балетное либретто. Появилась сцена в Польском замке, получили развитие эпизоды набега татар, пленения и гибели Марии, сцена казни Заремы. Содержание поэмы легло в основу четырехтактного балетного спектакля, обрамленного прологом и эпилогом.

Драматургия балета многопланова. Контрастное построение действия придает ей стройность и рельефность. В музыке образуются яркие, выразительные контрасты между польскими и восточными сценами, жанровыми эпизодами и лирико-драматическими сценами, в которых сопоставлены различные по характерам действующие лица. Уже в первом акте дается сопоставление двух национальных культур: польской и татарской. Лирический образ мари выделяется на фоне пышных, блестящих сцен праздника. Во втором акте возникает новый сильный контраст: между бытовыми танцевальными сценами и душевной драмой Заремы. Особенно насыщен контрастами третий акт. В основе его лежит столкновение трех индивидуальных образов: элегически-печальной Марии, страстно-драматической Заремы и проникновенно-благородного Гирея. Наконец, в четвертом акте дикая пляска татарских наездников противопоставлена суровому драматизму казни Заремы и возвышенной лирике романтического образа Гирея. Так, во всем балете проведен метод контрастных сопоставлений, как основы музыкально-драматической композиции произведения.

В партитуре «Бахчисарайского фонтана» нашли гармоничное отражение лучшие черты творческого облика Асафьева - художника и эрудированного ученого. Композитор стремился, по его словам, «во что бы то ни стало сохранить методически… эпоху Пушкина» и шире - передать в музыке балета, в ее общем художественном строе «то романтическое, что характеризует русское передовое общество на подступах к декабризму, и то, что в свою очередь связано с пламенеющей национально-революционными идеалами Польшей. Все это ярко отразилось в поэзии Пушкина, Мицкевича, Шелли и Байрона».

В поисках типичной мелодики пушкинского времени Асафьев не мог пройти мимо творчества М.И. Глинки, так как дух музыки пушкинской эпохи нашел свое высшее и типичное выражение в творчестве великого музыканта-современника поэта. Но Асафьев использовал в своем балете не глинкинские темы, а мелодии других композиторов той эпохи, отмеченные теми же общими стилевыми чертами, что и мелодика Глинки, - благородством, классической уравновешенностью, пластичностью рисунка.

В музыку «Бахчисарайского фонтана» (пролог и эпилог) введен романс Гурилева «Фонтану бахчисарайского дворца», удивительно хорошо выражающий просветленно0элегическое настроение пушкинских стихов. Второй «цитатой» из русского музыкального быта 20-30-х годов Асафьеву послужил фортепианный ноктюрн Дж. Фильда, близкий по своему мелодическому складу романсу Гурилева. Тема ноктюрна характеризует в балете Марию. Интересно. что и эта «цитата» напоминает нам о Глинке. Избранный Асафьевым фильдовский ноктюрн стилистически родственен фортепианным сочинениям самого Глинки и органично входит в общий пушкинско-глинкинский строй музыки. Эти цитаты во многом типичны для лирического тематизма балета в целом. В том же интонационном плане Асафьевым сочинены многие собственные темы. Так, в балете появляется целый ряд эпизодов, мелодика которых носит романсовый характер и, следовательно, близка к жанру романса, столь распространенному в музыкальной культуре пушкинско-глинкинской эпохи. Черты романсовости ощущаются в эпизоде «Выхода Марии» (второй акт) и в других номерах балета, посвященных лирическому облику главной героини произведения.

В партитуре балета встречаются и другие музыкально-стилистические черты, напоминающие о русской музыке пушкинской поры. Примером может служить увертюра (Adagio, Allegro molto D-dur). Она не имеет тематических связей с балетом. Своим беззаботно-веселым оживленным характером увертюра скорее контрастирует драматическому содержанию действия. Но такой контраст типичен для балетных увертюр 20-х годов XIX века.

Асафьев широко использовал в своем балете жанр вальса, поднятый Глинкой до высокой степени художественности и поэтичности, а затем получивший развитие в творчестве Чайковского и Глазунова. В «Бахчисарайском фонтане» вальс получает разнообразное толкование. В вальсе-дуэте Марии и юноши (первое действие) раскрывается поэтическая сторона образа Марии. А в вальсе невольниц (четвертый акт) проявляется восточный колорит.

Музыкальный облик эпохи передан и средствами инструментовки. Во многих эпизодах партитуры балета Асафьев выдвигает партию арфы - инструмента широко распространенного в домашнем музыкальном быту тех времен. В прологе мелодия романса Гурилева проходит у скрипки и виолончели (под аккомпанемент арфы). Арфой исполняется вариация мари песенного склада.

2.2 Мария - главный романтический образ балета

В «Бахчисарайском фонтане» - балете лирико-психологическом, основное внимание композитора, в отличии от «Пламени Парижа», привлечено к героям драмы, к их индивидуальным музыкально-психологическим характеристикам, которые последовательно развертываются в богатстве и многообразии чувств и переживаний действующих лиц. Главные участники действия обрисованы через свойственные им типичные интонации и лейтмотивы.

Романтически-прекрасный, возвышенный облик княжны занимает центральное место в балете. В музыкальной характеристики Марии естественно преобладают элементы польского национального колорита, но, кроме того, имеются черты и русско-славянские. Музыкальной характеристике Марии отведено значительное место в первом и третьем актах балета. Образ Марии - чисто лирический.

Центральным лирическим номером первого акта служит «Ноктюрн Марии и юноши», для которого Асафьев использовал мелодию известного ноктюрна Фильда. В «Ноктюрне» композитор раскрывает романтически-восторженные чувства влюбленных, и поэтому он может быть назван «темой любви». В эту сцену Асафьев вводит также лейтмотив гобоя и создает широкое симфоническое развитие, в котором исходные созерцательные темы трансформируются, превращаясь в мелодии страстного характера.

Если в первом акте музыкальной характеристике Марии было посвящено несколько номеров, то в третьем акте с ее образом связана музыка почти всего действия. Внимание композитора сосредоточено на драме героини. Мария, потеряв родину, близких, очутившись на чужбине во дворце хана Гирея, живет только воспоминаниями о прошлом. Лишь они отвлекают мысли Марии от грустной действительности. Начало третьего акта - это сцена воспоминаний героини. Здесь встречается частично материал первого акта. Это - вариация на тему песенного характера и основной лейтмотив мари, становящийся отныне музыкальным образом трагической судьбы героини. Сцена состоит из нескольких контрастных музыкальных эпизодов. Светлую песенную тему из первого акта сменяет эпизод жалобно-элегического характера, напоминающий сентиментальный романс. В заключительном разделе сцены сжато проводятся лейтмотив судьбы и короткие, беспокойные фразы деревянных духовых, характеризующие тревогу Марии при появлении Гирея.

Сцена Марии с Гиреем естественно вытекает из предшествующей. Следует отметить новизну музыкальных средств в характеристике Марии в этой сцене. Музыке Марии свойственна напевность, широта мелодического дыхания, здесь же Асафьев переходит к скупым, коротким мелодическим фразам с неустойчивыми гармониями, паузами, сменой тональности, темпа. Одна из характерных фраз проходит триолями в параллельном движении кварт на фоне выдержанного аккорда. Эта фраза может быть названа мотивом «испуга Марии».

Элегия - воспоминания о бале. Здесь проходит печально-задумчивая мелодия, напоминающая вальс и звучат две мазурки. Все танцы звучат приглушенно, что создает ощущение нереальности происходящего. Постепенно. воодушевляясь, Мария принимает минувшее за действительность. Краски светлеют (минорная мазурка проходит в мажоре), усиливается звучность. Но возвращение основной темы (элегия написана в сложной трехчастной форме) создает ощущение безысходности горя Марии.

В сцене мари с Заремой композитор дает непосредственное сопоставление двух противоположных женских образов и на контрастном материале строит большой драматический эпизод с ярким симфоническим развитием. Столкновение героини с Заремой заканчивается роковым исходом. Однако смерть приходит к Марии как избавление. Только теперь мажорная тональность, в которой звучал лейтмотив, заменяется энгармонически равной ей минорной тональностью. Особое впечатление хрупкости, надломленности создается оркестровым изложением: тема проходит у солирующей скрипки на фоне приглушенной фигурации альтов. Тема омрачается тембрами кларнета, звучащего децимой ниже, арфы, играющей флажолетами, а также тихим гулом литавр. По оркестровому колориту этот эпизод, несомненно, навеян «сценой таяния» Снегурочки. Истаивающую в верхнем регистре тему сменяют сумрачные аккорды низкого регистра, как бы останавливающие движение. Яркое сопоставление минорных тональностей, смена регистров, замена движения остановкой - таковы средства, которыми композитор рисует образ смерти. Можно отметить близость образа Марии с трогательными лирическими женскими персонажами Римского-Корсакова: Снегурочкой, Марфой, Волховой.

Из всех лейтмотивов мари композитор выделяет основной, как наиболее ей характерный, но появляющийся в разнообразных преломлениях: как шаловливый и грациозный наигрыш гобоя, как тема страстного чувства, печального расставания с жизнью. Проходя через весь балет, этот лейтмотив придает музыкальной характеристике мари тематическую целостность и единство.

2.3 Музыкальная характеристика образа Заремы

Образ Заремы - восточной красавицы, поражает яркостью эмоционального состояния героини. Горячая, страстная, решительная натура Заремы, бурно переживающая свое унижение брошенной женщины, противопоставлена хрупкому облику Марии. Контраст двух женских образов находит яркое отражение и в музыке Заремы, наделенной драматическими чертами. Первоначально перед зрителем возникает внешний облик Заремы. В первом ее танце ходы на увеличенную секунду в мелодии и остинатный ритм с участием ударных инструментов в аккомпанементе подчеркивают восточный характер ее образа. Неторопливое движение мелодии, свободное ритмическое строение, богатство гармонических красок и тональных сопоставлений придают музыке танца оттенок томной лирики.

Однако не вся партия Заремы выдержана в восточном духе. Асафьев еще один лишь раз дает ощутить национальный колорит - в сцене Заремы с Гиреем. Но с наступлением драматической ситуации композитор переводит музыкальную характеристику Заремы в драматическую сферу и больше не возвращается к восточным интонациям.

Начало драмы Заремы заложено в ее танце (Allegrretto elegiaco, d-moll), в котором появляется пока еще лишь чувство недоумения и тайная тревога. Тема танца (второго среди танцев невольниц) представляет собой лейтмотив Заремы. Он служит мелодической основой также и других эпизодов третьего действия, характеризующих драму Заремы, и может быть назван мотивом страдания. Интересно отметить интонационное сходство этого лейтмотива с основным лейтмотивом мари. Оба лейтмотива используются автором при раскрытии внутренней драмы, переживаемой героинями. Но тем неменее лейтмотив Марии отличается большей утонченностью, в то время как тема Заремы звучит проще. Теме Заремы присущ активный, волевой характер. Асафьев придает музыке танца Заремы жалобу, ее сомнение, тревогу.

В сцене с Гиреем (финал третьего акта) ведущее значение приобретает образ Заремы и ее лейтмотив. Он обрамляет сцену подобно драматическому вступлению (Adagio, d-moll) и заключению (Allegro, d-moll), где преобладает декламационное начало. Вступление представляет собой большой патетический монолог солирующей скрипки, а в заключении та же тема звучит в широком и насыщенном унисоне струнных, труб и валторн. Этот же лейтмотив получает в эпизоде танцевальные черты. Несколько изменяя тему, композитор передает возрастающее отчаяние героини. Лейтмотив Заремы проходит через всю сцену и скрепляет ее эпизоды. Сложное построение сцены отображает оттенки душевного состояния героини и сообщает ее напряженность, драматизм.

Страдания, вызванные ревностью, заставляют Зарему проникнуть к сопернице. Свидание Марии с Заремой - самый сильный драматический эпизод балета в сценическом и музыкальном отношениях. Эту сцену открывает большое соло виолончели. Оно написано в духе драматического речитатива, свободной импровизации, передает таинственность обстановки и своим сдержанным характером оттеняет драматизм ситуации. Мелодические обороты вступления далее превращаются в выразительный фон, на котором вырисовывается тема Заремы - ее рассказ. В основу музыкального развития сцены положено контрастное сопоставление тем мари и Заремы, а также сквозное динамическое нарастание в пяти проведениях темы-рассказа Заремы. Огромную роль здесь играет оркестровка. Первое проведение темы и рассказа поручено виолончели с сопровождением беспокойных фигураций фортепиано. Во втором проведении мелодия виолончели постепенно отдаляется от рисунка темы, переходя в свободные декламационные фразы, охватывающие обширный диапазон (свыше двух октав). В третьем проведении тема Заремы появляется в насыщенном звучании скрипок, флейт, гобоев и кларнетов. Далее общее напряжение усиливается введением патетичных аккомпанирующих аккордов медных духовых, и, наконец, в последнем проведении оркестровое развитие достигает кульминации: тема звучит в аккордовом изложении у всех струнных, деревянных и арфы, поддержанная мощной звучностью медной группы, литавр и введением большого барабана в момент наивысшего напряжения.

Смерть Марии погружает Зарему в оцепенение. Резко меняется характер музыки. Медленное движение аккордов, их причудливая гармоническая последовательность создают зловещее настроение. Этот ход повторен в четвертом действии. На нем строится сцена казни заремы.

Как видим, образ Заремы тоже дан в широком и драматически-напряженном развитии. Композитор показывает Зарему, как романтическую героиню, наделенную большими человеческими страстями. Роль драматического развития в обрисовке Заремы столь существенна, что сплошь и рядом Асафьев превращает ее номера в крупные построения-сцены, где танцевальность пронизывается элементами симфонического развития.

2.4 Музыкальная характеристика образа Гирея

Сложна и многогранна в балете характеристика Гирея, как восточного варвара, вождя, воина и Гирея - романтического героя. Характеристику Гирея - татарского хана композитор отождествляет с диким обликом татарской орды. Поэтому вся сцена «Нашествия татар» (первое действие) и музыка «Марша Гирея» (второе действие) в равной мере дают представление о грозной силе татар-завоевателей и о необузданности страстей их вождя, его жестокости. Этим эпизодам присущ яркий национальный колорит, и они принадлежат к числу лучших «восточных» страниц музыки балета.

Великолепна в балете по своей театральности и образности сцена «Нашествие». Она написана в ритме марша. Каждый раздел ее отмечен длительным повторением лаконичных мотивов, основанных либо на хроматическом движении, либо на интонации тритона, либо на звуках уменьшенного септаккорда. Мелодические обороты отличаются резкостью, суровостью звучания. Но особую характерность придает этой сцене ритм. Он играет здесь ведущую роль. Даже струнные, медные духовые и арфа нередко применяются в чисто ритмическом плане.

Очень колоритен «Марш Гирея», в котором интересное и характерное мелодическое содержание сочетается с активной и выразительной ритмикой. Квартовые ходы, открывающие марш, звучат, наподобие трубных сигналов, в различных регистрах и напоминают половецкие трубы в «Князе Игоре» Бородина.

Лирическая сторона музыкального облика Гирея отличается благородством и сдержанностью выражения, широтой и певучестью мелодий. Такие черты ясно проступают в сцене Гирея с Марией. Гирей характеризуется здесь напевной темой, появляющейся в мужественном благородном звучании валторны. После первого сдержанного звучания тема проходит в теплом пении струнных, в более высоком регистре и с более яркой гармонизацией и динамикой. Воодушевление Гирея возрастает. Наступление кульминации отмечено страстным «прорывом» чувств. Однако затем напряжение спадает, и все завершается сдержанным настроением (мотив Гирея в унисонном изложении, в темпе Largo, As-dur).

Важную роль в характеристике Гирея имеет лейтмотив татар из первого акта. В четвертом действии балета он принимает совершенно иной колорит. Здесь он характеризует Гирея, переродившегося под влиянием чувства глубокой любви. Короткий мотив утрачивает резкость очертаний и превращается в широкую и напряженно развивающуюся мелодию. Тема звучит спокойно и неторопливо у английского рожка на фоне выдержанных квинт фаготов и причудливого ритма ударных (малый барабан и бубен). С помощью таких средств неизменно сохраняется восточный колорит, композитор рисует образ татарского хана в смягченных лирических тонах.

Длительный процесс развития образа Гирея завершается утверждением романтически-возвышенного начала. Ничто не может вытеснить из памяти Гирея прекрасного облика Марии. Он равнодушен к гибели Заремы, не обращает внимания на дикую пляску наездников. Кстати, в ней целиком воспроизведен материал сцен «Нашествие» и «Марш Гирея». В последней сцене четвертого акта Гирей предстает погруженным в мысли о Марии. Музыка здесь целиком выдержана в лирическом плане. Композитор вновь прибегает к драматургическому приему «воспоминания» и строит сцену Гирея на чередовании основного лейтмотива Марии и лирического мотива Гирея.

Музыка балета «Бахчисарайский фонтан» построена по принципу симфонического развития. В основном это касается музыкальных характеристик главных персонажей. Симфонизм проявляется в развитии - изменении лейтмотивов и тем, имеющих большое значение в той или другой сцене. Симфонизм проявляется и в стремлении автора объединить номера в сцены, что обнаруживается в драматических ситуациях действия. Так, музыка третьего акта представляет собой цепь непрерывно развивающихся сцен. Во втором акте балета ряд номеров следует без перерыва, образуя драматическую сюиту, где выражены тревожные предчувствия Заремы. В первом акте грозная музыка «Нашествия» неожиданно вторгается в сцену бала и переходит в напряженный драматический эпизод «Бегства Марии и юноши». Подвижная мелодия, стремительный темп, смятенный характер музыки передают отчаяние героев. Третий акт отличается наибольшим драматизмом действия и музыки в сценах Марии с Заремой и Гиреем. По музыкальной драматургии этот акт напоминает драматические сцены в таких операх Чайковского, как, Например, «Мазепа», «Чародейка».

Все эти черты указывают на плодотворность усилий Асафьева обогатить жанр балета стилистическими и драматургическими достижениями русской оперной классики. Поиски Асафьева в этом направлении позволили ему внести немало существенно нового и ценного в развитие советского балета начала 30-х годов.



Заключение

В советском балете воплотился ряд тем, глубоко раскрывающих различные стороны интеллектуальной культуры народа; развитие новых качеств хореографии и, главным образом, углубление выразительных возможностей балетной музыки позволили расширить художественно-образные границы советского балета. Большую роль в обогащении и утверждении этого жанра сыграла плодотворная деятельность Асафьева. Его страстная работа в этой области, широкое познание теоретических и исторических процессов, происходящих в музыке, позволили по-новому раскрыть сущность советского балета. Асафьев не просто писал музыку для балетов. Каждый его опус - результат исканий и обобщений. Творческий метод Асафьева в области балета можно определить как специфическое научно-художественное обобщение наблюдений над явлениями жизни общества разных времен и народов. К Сочинению балетов Асафьев подходил как музыковед-практик, обобщающий свои познания не только в области музыкальной, но и общей культуры. Поэтому с большой силой впечатляемости он воплощал самые, казалось бы, не балетные художественные образы. Балеты Асафьева отличаются остроконфликтной драматургией, последовательно проведенной через все элементы музыкальной формы.

Часто балеты Асафьева построены на контрастном противопоставлении двух миров. Основной экспозиционный конфликт в балете «Бахчисарайский фонтан» строится на столкновении мирного польского уклада жизни с дикой, стремительной, сметающей все на своем пути татарской ордой. Если польский мир раскрыт при помощи закругленных, классических стройных форм, то нашествие татар обрисовано «дикой симфонией» стихийного ритма и склада. Задумав показать два контрастных мира в балете «Пламя Парижа» - абсолютистскую монархию и нарождающуюся силу народного движения,- Асафьев представил и в музыке два принципиально различных плана. Атмосфера Тюильри характеризуется интонациями придворной танцевальной музыки (как строгая дворцовая сарабанда); музыка народа - свободными революционно-песенными интонациями, через которые ощущается дыхание народа.



Список использованных источников

1. Музыка советского балета. Сборник статей. - Государственное музыкальное издательство, Москва 1962г.

2. Музыка и хореография современного балета. Сборник статей. - Издательство «Музыка», Ленинградское отделение 1974.

3. Асафьев Б.В. Музыкальная форма как процесс. - Издательство «Музыка», Ленинградское отделение 1971.

4. Катонова С.В. Музыка в балете. - Государственное музыкально издательство, Ленинград 1961.

5. Безуглая Г.А. Анализ балетной и танцевальной музыки. Учебное пособие. - Издательство Политехнического университета, Санкт-Петербург 2009.

Размещено на Allbest.ru

...