Размещено на http://allbest.ru

Узбекистанская Республика Министерства Культуры

Государственная Консерватория Узбекистана Нукусского филиала

Факультет Узбекская Музыкальная история

Курсовая работа

Тема: Симфоническая и вокальная музыка в Узбекистане”

Предмет: “Музыкальное искусство

Подготовил Есемуратов Нурмухаммед

Принимал Алланиязов Бахадыр

Нукус 2023



Оглавление

Введение

Глава 1. Музыкальная культура Узбекистана XXI века

1.1 Развитие симфонической музыки в Узбекистане

1.2 Первая симфония в Узбекистане

Глава 2. Жанры вокальной музыки

2.1 Развитие вокальной музыки в Узбекистане

2.2 Стили вокальной произведении

Заключение

Использованные Литературы



Введение

Актуальность темы: Анализ развитий основных направлений Симфонической и Вокальной музыки.

Цель и задачи исследование: Обобщений основных направлений развития Вокальной и Симфонической жанры

Объект и метод исследование: Основные направление развития Классической музыки

Проблема: Влияет ли изучение музыкальных культур 21 века

Метод исследование: Для эффективного изучение классической музыки нужно методом научно-педагогический исследование.

- Изучение методической литературы

- анализ современной классической музыки

- сравнивание

-обобщение



Глава1. Музыкальная культура Узбекистана XXI века

1.1 Развитие Симфонической музыки в Узбекистане

ХХ век для узбекской музыки стал очень своебразным и плодотворным веком. Потому что, как нам известно, на это повлияло всё, что нас окружало, это и социальная жизнь, это и бытовая жизнь, это и произошедшие истории, это и формирование нового мышления человечества. То, что происходило вокруг нас, несомненно показало свое отражение в разных видах искусства, в том числе и в музыке. В данной статье мы хотим раскрыть аспект именно становления композиторской школы в Узбекистане и поэтому данная статья имеет такое название.

В становлении узбекской композиторской школы в творчестве композиторов отражаются разные жанры и стили, которые перевоплощались в собственных сочинениях композиторов. То есть, как были поставлены первые шаги для становления и развития узбекской композиторской школы, так композиторы, долго не задумываясь, начали активно работать в этой сфере. Можно даже увидеть в творчестве одного композитора разные стили, разные направления, разные жанры и современные композиторские техники письма. На наш взгляд, это означает то, что с профессиональной точки зрения композиторская школа была на правильном пути и композиторы воспитывались на профессиональном уровне. В будущем ожидаем от молодых, только начинающих композиторов более плодотворных и более содержательных произведений, которые будут также иметь огромный успех, как и у вышеперечисленных композиторов.

В истории развития узбекской музыкальной культуры большая роль принадлежит музыкальным деятелям старшего поколения. Композитор Икрам Акбаров, перешагнувший рубеж своего 80-летия, относится к той замечательной плеяде композиторов республики, талант и мастерство которых определили пути развития узбекской музыки в целом. Он вошел в композиторскую среду как самобытный художник со своим сугубо индивидуальным почерком.

Становление Акбарова-музыканта было ярким и стремительным. По окончании фортепианного отделения музыкального училища имени Хамзы он поступил на композиторский факультет сначала Ташкентской консерватории (класс педагога Московской консерватории Ю.Фортунатова, а затем - С.Василенко, Л.Ревуцкого, А.Козловского), а потом Ленинградской консерватории, где И.Акбаров окончил и аспирантуру (класс педагога М.Штейнберга, а далее - Б.Арапова, В.Волошинова). Уже в годы учебы выявилась его многосторонняя одаренность.

И. Акбаров активно осваивал различные музыкальные жанры - камерно-инструментальный, симфонический, вокальный. Многие его ранние сочинения свидетельствуют о самостоятельности мышления автора, сумевшего убедительно раскрыть в музыке красоту родного края, своеобразие народного быта в этих новых для национальной культуры жанрах. Дальнейшее творчество Акбарова развивалось в неразрывной связи с традициями различных музыкальных культур - это и освоение русской классической и современной музыки, и обращение к индийской, испанской, киргизской тематике, и, конечно же, - к сокровищнице узбекской музыкальной культуры. Словом, композитор обращается к музыкальным истокам как общенациональной, так и своей, родной, культуры, искусно соединяя опыт различных школ. Круг интересов композитора широк и разнообразен. Но имя Акбарова связано прежде всего со становлением узбекского симфонизма.

Икрам Акбаров и узбекская симфоническая музыка практически неотделимы. Творчество композитора прекрасно репрезентирует развитие данного жанра фактически от периода его зарождения. Большое внимание уделял он инструментальным жанрам европейского происхождения (поэма, увертюра, концерт, симфония), обращался также к сонатным, опирался на обобщенно-инструментальный тип мышления. На формирование подобной творческой направленности И.Акбарова повлияли его педагоги по Ленинградской консерватории. Однако это вовсе не отдалило Акбарова от яркой национальной музыки, не привело к нивелировке связей с родной музыкальной культурой. Обе системы органичным образом сплелись в сознании композитора. И если на начальном этапе творческого пути ему была ближе система европейского мышления, то с годами разграничение “европейское - национальное ” в произведениях автора сглаживается, приводя к выработке собственного почерка, своей стилевой манеры. Его поэмы “Памяти поэта” и “Эпическая”, сюиты, симфония “Самаркандские рассказы”, и, наконец, одно из недавних сочинений - симфония “Навруз” убедительно демонстрируют этот последовательный процесс, одновременно являющийся отражением той эволюции, которую претерпевают жанры симфонической музыки в республике: от заимствования и подражания европейской модели, ее нормативам, через взаимодействие с национальной традицией - к обретению самобытных жанровых структур, согласующихся со спецификой монодийного мышления.. В дальнейшем композиторы республики ставят перед собой более сложные проблемы. Главная из них заключалась в поиске соответствия интонационной стороны (как правило, народно-песенной) принципам формообразования (общеупотребительным европейским конструкциям). Вышеназванные произведения Акбарова в определенной мере являются примером синтеза специфики исходного многоголосого жанра (строгая логика музыкальных построений, насыщенное симфоническое развитие, чувство оркестра, в чем проявляется следование европейской классической традиции) с ритмо-интонационными, ладовыми особенностями узбекского фольклора. При этом в поэмах очевидно и воздействие русских мастеров современности, в первую очередь Д.Шостаковича, творческие принципы которого оказались наиболее созвучными мышлению восточных мастеров (сглаженность контрастных сопоставлений в экспоцизионных разделах, отсутствие явной конфликтности в развитии, особенностях инструментовки, большом удельном весе полифонических приемов).

Но музыкальные традиции живут в произведениях не сами по себе, не как обособленные художественные системы, а как органичный убедительный художественный сплав, свидетельствуя о верной ориентации автора на развитие симфонических жанров.

Избираемые Акбаровым жанры - поэма, сюита отражают общую тенденцию совершенствования узбекского симфонизма, поскольку процесс осознания специфических качеств монодии шел пока что на уровне тематизма, языковых средств, а сам жанр трактовался практически как проблема усвоения определенной европейской конструкции. Поэтому такой выбор вполне объясним. И только после работы над этими разновидностями симфонической музыки И.Акбаров приходит к созданию симфонии “Самаркандские рассказы” (симфонией данный опус определяют многие исследователи отечественного музыкознания, хотя сам композитор свое сочинение так не называет). Именно на этом временном этапе (60-е и особенно 70-е гг.) симфония становится одним из ведущих жанров творчества узбекских авторов. Хорошо владея профессиональной техникой, композиторы теперь решают более сложные, по сравнению с предыдущим периодом, творческие задачи. Наступает этап, когда композиция произведения осознается “как единство выразительно-смысловых и структурных элементов”, когда жанр мыслится “как тип содержания”, допускающий различные, все более индивидуализированные конструктивные решения (1, с. 27).

В “Самаркандских рассказах” особенности монодийного мышления ощущаются и в приёмах развития, и, что особенно важно, в драматургии сочинения. Однако следует отметить, что если на предыдущих этапах авторы-симфонисты использовали закономерности, присущие лишь фольклорным образцам, то в настоящее время они стараются внедрить в симфонию особенности профессиональных жанров устной традиции, прежде всего - макомов. Не случайно, по мнению многих исследователей, симфонизм плодотворнее развивается в тех республиках Средней Азии, которые богаты классическим монодийным наследием. Черпая ресурсы из этой сокровищницы, композиторы коренным образом пересматривают канон европейского жанра, создавая тем самым “национальные” варианты симфонии. Так, пять частей “Самаркандских рассказов” Акбарова расположены по принципу образного и темпового контраста, аналогом чего служат особенности макомных композиций: нечетные, углубленно-лирические части - медленные, четные - быстрые. Ориентируясь на национальные принципы формообразования, приемы изложения материала, композитор подчиняет их логике симфонического развития, в результате чего национальное и традиционно-симфоническое органично взаимодействуют. Предпочтение тех черт восточной монодии, которые идут как бы навстречу стилистике избранного автором европейского жанра, - характерная черта творчества Акбарова. Такого рода сплав, реализованный в “Самаркандских рассказах”, дал соответствующий толчок в дальнейшем.

Ощутимые результаты сказались уже в следующем крупном произведении Акбарова - симфонии “Навруз”, которая является своеобразным итогом всей его предыдущей симфонической деятельности (симфония написана в преддверии 80-летнего юбилея автора). Акбаров создал свое первое бессюжетное сочинение, оказавшееся самым значительным из симфонических опусов. И здесь очевидно проявление общей эволюции узбекского симфонизма: вначале появляются опусы программные, а затем уже непрограммные, раскрепощающие творческую фантазию композиторов (2).

Именно в последних, так сказать, “чистых” произведениях степень индивидуализации, самостоятельности драматургии более ощутима, более гибка, а национальное начало проявляет себя полнее, разнообразнее. В отличие от “Самаркандских рассказов”, где программа была объявлена автором совершенно определенно, название симфонии “Навруз”, как подчеркивает сам композитор, используется в качестве образного ориентира лишь для финальной части произведения. Это и обусловило тот факт, что проблема индивидуализации выдвигается здесь, по сравнению с предыдущей симфонией, на передний план.

“Навруз” - красочное симфоническое полотно, где Акбаров обращается к различным пластам высокоразвитой системы национальной монодии со своими сложившимися стилевыми средствами, раскрывая их своеобразие сквозь призму современного симфонического мышления. Национальное, проникая в композицию опуса, вносит свои коррективы в европейскую форму, открывая тем самым перспективы для синтеза разнонациональных традиций.

Природа монодийного мышления ощущается и на более мелком масштабном уровне, так сказать, в отдельных элементах драматургии: интонационном строе тем, приемах их развития, фактурной организации материала, огромной роли ритмической драматургии. И.Акбаров - композитор, воспитанный на традициях европейской культуры, в частности симфонической, блестяще владеет средствами, усвоенными из этой богатейшей сокровищницы. Но как и ранее, он выбирает то, что максимально отвечает стилистике национального мышления. Яркий пример - первая часть сочинения, в которой удачно совмещаются признаки сонатности и двухчастной репризной структуры, типичной для узбекских инструментальных пьес; кроме того, самоё сонатную форму Акбаров также подвергает более свободному и творческому переосмыслению, согласно специфике монодийных композиций - не контраст образных сфер, не их конфликт, а постепенное накопление внутренней динамики.

Так, используя специфическую стилистику своего родного искусства, опираясь на опыт развития мировой музыкальной культуры, Акбаров создал драматургически цельное произведение. Симфония “Навруз” свидетельствует о развитии жанра на качественно новом, современном, уровне художественного мировосприятия. Широкий кругозор, постоянный поиск, живой интерес к музыкальной жизни республики - характерные черты композитора Икрама Акбарова, чье творчество обогатило и продолжает обогащать профессиональное музыкальное искусство Узбекистана.

1.2 Первая Симфония в Узбекистане

Одно из выдающихся музыкальных произведений периода 1941-1945 годов - «Героическая симфония» (или Симфония №1) узбекского композитора и дирижера Мухтара Ашрафи - впервые прозвучала в Ташкенте 4 ноября 1942 года. Это было во время напряженных боев великой Сталинградской битвы.

В ташкентском зале, кроме горожан, присутствовали эвакуированные в Узбекистан с центральных районов страны музыканты, актеры, художники. Публика была очень требовательная. В принципе «болели» за композитора те, кто активно помогал ему в создании симфонии - знаменитые московские и ленинградские мастера.

Героическая симфония» Ашрафи построена на диссонансе счастливой мирной жизни узбекистанца и его участии в начавшейся титанической борьбе с фашизмом. Здесь использованы темы с характерными для национальной музыки оборотами и ритмами. Финал произведения создает картину грядущего, неминуемого народного праздника, ликования народа. Музыка Ашрафи воодушевляла, пробуждала огромную энергию, необходимую для достижения Победы.

Симфония исполнялась многократно, отрывки ее передавались по всесоюзному и республиканскому радио.

«Героическая симфония» была удостоена Сталинской премии (композитор передал денежную ее часть на строительство самолета и танка для фронта), правительство Узбекистана подарило автору самое дорогое для музыканта - роскошный рояль.

В сентябре 1945 года в месяц кона Второй мировой войны «Героическая симфония» прозвучала и в США. Дирижировал известный музыкант Марк Гоберман. Это был успех не только автора, но и всей новой узбекской классической музыки, показавшей свое право и способность создавать подлинные шедевры.

Позже, в 1946 году американская радиовещательная компания выпустила массовым тиражом пластинку с записью «Героической». Симфония Ашрафи стала таким образом достоянием истории.

Год от года росло мастерство узбекского композитора. Он оставался верен теме героизма народа до конца дней своей Ее появление было подготовлено «Героической симфонией».



Глава 2. Развитие академического пения в Узбекистане

2.1 Развитие вокальной музыки в Узбекистане

В древние времена пение было спонтанно. Оно носило народный или религиозный характер. Простые мелодии исполнялись преимущественно в храмах.

По некоторым легендам Конфуций именно благодаря песнопению, с которым ему посчастливилось познакомиться, распространял своё знаменитое учение по всему Китаю. И он совершил это, не обучаясь пению ни в какой школе. Главной в пении тогда была лирическая составляющая, творческое оформление слова.

В Древней Элладе в основе воспитания лежали пение, танцы и музыка, но только как гуманитарная часть обучения. В пении тогда не было цели преодолеть или совершенствовать акустическую природу голоса, специально развивать дыхание или интонировать. Вокальные упражнения чередовались с атлетическими только ради гармоничного развития личности.

Постепенно музыка превзошла другие искусства. Музыкальные произведения становились всё сложнее, пение выросло из чисто лирической акцентуации слова и требовало развития. Певцам стало необходимо воспитывать голос, создавать метод, технику и стиль. Так стали появляться вокальные школы.

На заре христианства появилось своеобразное вокализированное пение, «мелос», базирующийся на вокальных вариациях, наряду с гладким речитативом. Эти вариации со временем были значительно разработаны, так что без особой подготовки певец уже не смог бы с ними справляться.

Первыми профессиональными певцами были менестрели, которые с XIV века выступали в роли так называемых профессиональных музыкантов, которые зарабатывали себе на жизнь игрой на музыкальных инструментах и пением.

Первая школа пения возникла в Риме в V веке н. э. И распространение школ уже невозможно было остановить.

«Певческие школы и капеллы заложили основы для школ пения полифонического периода, высветив фонические элементы, свойственные непосредственности выражения „репрезентативного“, представленческого стиля. Одновременно народное пение породило школу „декоративного“ стиля. В ней главное -- те вокальные завитушки и ухищрения, то блестящее вокализирование, которое наводит на мысли о чудесном и порождает легенды о певце-герое».

Среди первых школ следует особенно отметить основанную тосканцем Сан Филиппо Нери в римской церкви Кьеза Нова школу, названную Ораторио, в создании которой принимал участие первый сочинитель хоральной музыки -- Палестрина.

C началом XVI века приходит опера. Именно с её возникновением связано окончательное формирование вокального инструмента и настоящей школы пения. В 1599 году в Палаццо Кореи во Флоренции представлением «Дафны» Якопо Пери по либретто Ринуччини было положено начало опере, смеси оратории и маскарада, а вместе с ней и культивированию хороших голосов.

Преподаванием занимались сами композиторы (тоже прославленные певцы), стараясь сделать из своих учеников настоящие музыкальные инструменты с помощью обучения технике дыхания, звукоподачи, развития звука и в соответствии со строго продуманной системой.

Об истории вокального искусства очень подробно рассказал в своей книге «Вокальные параллели» Лаури-Вольпи Джакомо -- итальянский певец, лирико-драматический тенор с исключительными диапазоном голоса и певческой техникой.

Основные стили вокала: По виду вокального исполнения выделяют сольное пение, ансамблевое -- обычно от двух до 10 человек исполняют разные партии, и хоровое пение. В хоре участвуют от 5 до нескольких десятков человек.

Но ещё важнее рассказать об основных стилях вокала и, наверное, бесконечном его развитии.

Академический вокал. Для нас это оперы и оперетты, мюзиклы и романсы. Классические каноны исполнения предполагают высокую вокальную позицию и высокий купол, благодаря которым голос становится очень сильным и приобретает максимально объёмное звучание. Академический вокал не предполагает пения в микрофон. Практически полностью форсирование звука, шумы и хрипы.

Джазовый вокал. Главная особенность -- это импровизация, которая достигается определёнными приёмами пения, «подвижностью» голоса и идеальным чувством ритма и гармонии у исполнителя. В джазовом вокале также есть очень много стилей, которые отличаются друг от друга своим исполнением (босса-нова, свинг, кул-джаз, фри-джаз, классикол кроссовер, би-боп, регтайм, спиричуэлс, госпел и еще много других.

Эстрадное пение. Сочетает в себе много стилей и направлений, создаёт богатую палитру образов. Ориентируется на самую широкую аудиторию, и предполагают огромную палитру выразительных средств, ярких и интересных, позволяющих не только продемонстрировать все способности вокалиста, но также подать любую песню в необходимом драматическом исполнении.Сегодня эстрадный вокал тесно переплетается с другими стилями -- рэпом, фолком, роком, также существуют различные стили эстрадного вокала: поп, рок, соул, фанк, диско, госпел, хип-хоп, хаус, дэнс, элелектро-поп, эвропоп, эстрадный романс, баллада, авторская музыка, шансон, кабаре. В эстрадном пении используются приемы: хрип, сип, шумы, гроул, скрим, рыки, милизматика, субтон, фальцет. Используются все виды атак звука.

Рок-вокал. Ему присущи «хрипотца» или «песок» в тембре голоса. Такое звучание получается вследствие скованности (зажатости) гортани и связок и совершенно другой работы голосового аппарата. Для создания определенного настроения используются техники экстремального вокала. Наиболее известные гроулинг (рычащий звук) и скриминг (визг).

Народное пение. Относится к традиционной и национальной культуре определённого народа. Вид музыкального искусства, в котором объединяется множество наук и видов народного творчества: фольклористика, этнография, музыкально-поэтическое творчество.

Современное вокальное искусство -- прекрасно в своём многообразии. Читайте интервью с педагогами нашей школы, каждый из которых только подчёркивает невероятные возможности дальнейшего развития этого искусства и возможностью для каждого, кто не может не петь, найти свою уникальную манеру исполнения. В любом стиле.

Академическая манера пения в Узбекистане опирается на русскую вокальную школу, истоки которой - в русской народной песне с характерным для нее широким, плавным протяжным пением - распевом (напевностью, русской кантиленой). Профессиональное обучение пению началось в Киевской Руси в церковных певческих школах; учителями были певцы, специально привезенные из Византии. Специальные вокальное- методические труды по сольному пению появились лишь в ХIХ в. («Школа пения» А.Е.Варламова) [1.c.194-195]. Бережно сохраняя самобытные черты, русская вокальная школа впитала положительные традиции итальянской, французской, немецкой школ. Ее становлении связано с именами Г. Ломакина, создавшего в 1837 году «Методу пения 1» и «Методу пения 2», Ф. Евсеева, который в 1838 году опубликовал «Школу пения» [2.с.67.], А.Варламова («Полная школа пения», 1840). Многие практические указания в этих работах созвучны современным методическим принципам пения. Немалое влияние на развитие отечественной вокальной школы оказали композиторы Доглинкинского периода Д. Бортнянский, А. Вертовский, А. Гурилев. Но ярко выраженный национальный характер она приобрела в творчестве М.Глинки. Он и является основоположником русской классической вокальной школы, днем рождения которой считают 27 ноября 1836 года - дату премьеры оперы «Иван Сусанин» [5.c.5].

Русские композиторы, сохранив и обогатив народные традиции, привнесли в музыку новые интонации, ритмы, гармонии. Это благотворно повлияло на развитие вокальной школы, предъявило к певцам новые требования.

Русской вокальной школе свойственно многообразие выразительных средств. Владея ею, можно отлично петь на любом языке. Огромную роль в ней играют владение дыханием, работа гортани, пользование резонаторами, бережное отношение к тексту, декламационная выразительность интонирования, художественная правда.

В русской, в отличие от других национальных вокальных школ, получил развитие и достиг вершины стиль итальянского bel canto^[1]. Это связано с тем, что русский язык (как итальянский, украинский) из-за преобладания гласных звуков необычайно певуч.

Академической манерой пения может овладеть человек любой национальности, но при этим коррективы вносит разговорный язык. «…Язык влияет на организацию вибрационной работы голосовых связок, создавая необходимый тип этой работы и накладывая неизмеримый отпечаток на функцию гортани в целом». И далее: «Этим объясняется… трудность усвоения европейской манеры певческого голосообразования для многих народов Востока, обладающих жестким и гортанным характером звучания голоса» [4.c.25-26].

Исполнители узбекской профессиональной музыки устной традиции - представители узбекского классического пения - обладают, как правило, особой голосовой природой. Кроме макомов и других жанров профессиональной музыки такие певцы обычно ничего другого не поют. Поэтому они не нуждаются в овладении какой-либо другой вокальной школой.

Царский ревизор граф Пелен, посетивший в 1911 году Среднюю Азию, писал про развитие музыкального воспитания и образования в Узбекистане, что если дело и дальше так пойдет, то для достижения краем европейского уровня образования ему понадобится 1600 лет. Этот прогноз считался оптимистичным [7.c.14].

В периодической печати того времени в одной из статей, посвященных развитию узбекского искусства, писали: «… в следствии неблагоприятных исторических условий мы застыли в области искусства на той точке, которой достигло оно в XIV - XV веке… музыка, игравшая большую роль в жизни нашего народа, благодаря позднейшему воззрению на нее как на «греховное» дело, - зачахла». И далее следует правильный вывод о том, что усваивать европейскую музыкальную культуру следует «не механически, а тщательно изучая и выбирая лишь только то, что ценно и значительно. Только тогда мы не потеряем нашего искусства, и даже более того - обогатим его. Итак, сохранение веками созданного восточного искусства и изучение искусства европейского - вот та задача, которая стоит в настоящее время» [6.c.30].

Общий уровень исполнительства во многом определяется степенью профессиональной подготовки педагогов, их эстетических вкусов, умения ориентироваться как в общих вопросах культуры, так и в специальных, связанных с профессиональной деятельностью. Но не всегда педагоги-исполнители решаются излагать свои взгляды, обобщать накопленный опыт в статьях и учебных пособиях.

«Школа пения для баритона и баса» - редкое исключение. Она принадлежит перу одного из старейших педагогов-вокалистов - Игорю Петровичу Брызгалову (1918 - 1986). Родился он в Саратове, а с 1921 года, исключая небольшие перерывы, его жизнь была связана с Ташкентом. С 1940 по 1946 годы он служил в рядах Советской армии, воевал на фронтах Великой Отечественной войны, имел много боевых наград. После окончания Ташкентской государственной консерватории и работы в Бурятском оперном театре Игорь Петрович до конца своих дней преподавал в музыкальном училище в Ташкенте. За тридцать пять лет педагогической деятельности он воспитал более пятидесяти певцов. Среди них - заслуженный артист УзССР, лауреат Государственного премии УзССР имени Хамзы, лауреат премии Комсомола Узбекистана К.Мухитдинов; заслуженный артист УзССР, лауреат международных фестивалей в Софии и Берлине Я.Целепидис; заслуженный артист УзССР Ю.Жданов; заслуженный артист Украинской ССР Д.Джолас; заслуженный артист Молдавской ССР Ф.Аникеев; заслуженный артист Кабардино-Балкарской АССР М.Текуев; лауреат международного, всесоюзного, республиканского конкурсов, лауреат премии Ленинского Комсомола Чехословакии А.Троицкий и др.

Автор «Школы пения» закончил консерваторию у основоположника академического вокального образования в Узбекистане, заслуженного деятеля искусств и заслуженного артиста Уз ССР, профессора А.П.Власова, проработавшего в Ташкенте с 1918 по 1952 год.

Вокальная школа Власова, активным пропагандистом которой был И.П.Брызгалов, отличалась простотой, естественностью, позиционно высоким, ярким, полетным звуком, задушевностью и выразительностью исполнения, а также приучила к нагрузке во время пения весь организм, лишенный малейшей зажатости. Настоящее учебное пособие и призвано помочь выработать у начинающих певцов эти навыки.

Для талантливого певца, обученного академической манере, не трудно петь и в манере национальной. Вспомним знаменитого азербайджанского певца Буль-буль Мамедова - он превосходно владел обеими манерами пения. Академическая манера позволяет певцу достичь вершин вокального искусства и достойно представить свой народ на мировой арене.

Благодаря трудом и учебным пособиям Брызгалова в Узбекистане в академической и народной манерах свободно пели и поют народные артисты К. Закиров, Н. Хашимов, С. Ярашев, А. Азимов, С. Беньяминов, И. Жалилов, Ж. Пиязов, артисты Р. Усманов, С. Азимов, А. Ражабов, Э. Турсунов. Учебное пособие по вокалу составлено в соответствии с программными требованиями, действующими в среднем звене. Но «адресат» его гораздо шире. Ведь нередко на вокальные отделы высших учебных заведений принимают студентов без предварительной профессиональной подготовки и поэтому педагоги вузов должны вести их тем путем, который намечает И.П.Брызгалов.

2.2 Стили вокальных произведений

Голос является настоящим музыкальным инструментом, который имеется с первых дней у любого человека. Это весьма чувствительный механизм, который требует особого ухода и «настройки». Благодаря постоянным тренировкам своего голоса певцы способны исполнять музыкальные произведения так, чтобы затронуть каждое нервное окончание в организме слушателей.

Каждый человек имеет голосовой аппарат, однако далеко не всем удаётся сделать из него «музыкальный инструмент». Независимо от жанра, вокал требует определённых данных и навыков: музыкального слуха, чувства ритма и т. д. Пение является настоящим искусством, и «творцами» музыки становятся те люди, которые сумеют правильно развить свои голосовые данные. Для этого певцы выбирают те музыкальные жанры вокальной музыки, которые позволяют им максимально эффективно раскрыть свой дар и потенциал.

Вокальная музыка характеризуется многообразием направлений, но всего существует две группы жанров: камерные и концертные. Каждая группа разделяется на множество видов, которые имеют свои особенности. Преподаватели школы-студии SOUL в Москве предлагают рассмотреть основные жанры и их примеры в мире музыки.

Многообразие камерного жанра. К такому жанру относится музыка, которая исполняется небольшим количеством певцов и предназначается для ограниченной аудитории слушателей. Жанры вокальной музыки: песня, романс, серенада и прочие небольшие произведения.

Песня. Это направление славится наиболее простой и самой распространённой формой музыки. Песня бывает народной (устное творчество, фольклор) и авторской. До наших дней дошло огромное множество народных песен, которые могут по праву называться бессмертными шедеврами. «Авторской» называют песню, которая создаётся конкретным композитором или поэтом. Данный песенный жанр возник в середине прошлого столетия.

Романс. Данный жанр камерной вокальной музыки возник во времена Средневековья, а подразумевал он написание стихотворения, которое накладывали на музыку. Первые романсы являлись простыми композициями, в которых важную роль отыгрывал аккомпанемент. Зачастую этот камерный вокал сопровождается переливами гитарных струн или поддержкой фортепиано. музыка узбекистан вокальный симфонический акбаров

В XIX столетии романс был невероятно популярным направлением музыки, поскольку с его помощью удавалось максимально детально передавать чувства и переживания. Яркими представителями русского романса можно назвать композиторов Гурилёва, Алябьева, Вертинского, Варламова.

Баллада. Ещё один распространенный камерный жанр, который подразумевает поэтическое повествование. Изначально балладой называли одноголосную лирическую песню с танцевальными элементами. Ярким примером такой музыки можно назвать:

«Корольки» Петра Чайковского;

«Первую Вальпургиеву ночь» Мендельсона;

«Забытого» Мусоргского;

«Море» Бородина;

Баркарола. Рассматривая жанры вокальной музыки, нельзя не упомянуть это направление. Первоначально это были «песни на воде», которые исполнялись гондольерами Венеции. Баркарола - это подвид баллады, который отличается меланхолическим характером и минорным настроением. Яркими представителями такой музыки являются Шуберт, Глинка, Брамс.

Серенада. Первоначально определение «серенада» относилось к песням, которые исполнялись молодыми людьми для своих возлюбленных под их окнами по вечерам или ночам. Пик популярность это направление получило в Средневековье и период ренессанса. Считается, что первые песни исполнялись трубадурами. Но затем к серенадам стали относить любые музыкальные композиции, исполненные в чью-либо честь. Со временем этот жанр стал частью оперы.

Элегия. Если вы изучаете, какие жанры относятся к вокальной музыке, обязательно рассмотрите элегию. На греческом название этого направления музыки означает «траурное пение». Элегия обрела популярность в период сентиментализма - произведения характеризовались философскими мыслями о разочарованиях, неудовлетворённости, жизненных проблемах и страданиях. В дальнейшем этот жанр стали использовать далеко за пределами Греции.

Направления концертного жанра. Эта часть музыки предусматривает один (или несколько) солирующий музыкальный инструмент с оркестром. Направление зародилось в Италии в XVI веке в виде полифонических вокальных произведений для церковного хора. В дальнейшем эта музыка распространилась в разные известные сферы.

Вокализ. Эта направление стоит определять как пение на основе одного (или нескольких) гласного звука. Зачастую вокализ исполняют для отработки вокальных техник. Известными композиторами этого жанра являются Глиэр, Рахманинов, Равель, Метнер.

Кантата. Данная музыка представлена крупномасштабными произведениями, которые исполняются не только солистом, но и хором с оркестром. Жанр зародился в XVII столетии, и изначально это был аналог инструментального направления - сонаты. Кантата бывает духовной (церковной) и светской.

Опера. Это направление вокальной музыки является фундаментальным. Опера отличается хоровым, инструментальным, танцевальным и театральным характером и сочетает в себе все эти аспекты. Считается, что предшественником оперы является жанр трагедии из Древней Греции, в котором диалоги актёров чередовались с пением.

Первую оперу «Дафна» написал итальянский композитор Якопо Пери в 1597 г. В Российской Империи это направление стало популярным в середине XVII столетия. Яркими представителями оперы является Глинка, Даргомыжский, Мусоргский, Чайковский, Римский-Корсаков, Рахманинов, Стравинский, Шостакович, Прокофьев.



Заключение

Принципиально новые явления в области музыкального искусства в Европе относятся к последним десятилетиям XVIII - началу XIX века. Этот период может быть охарактеризован как новый этап, связанный с индивидуализацией письма на классических основах. Утверждение классических функциональных отношений в гомофонно-гармоническом складе изменили многие композиционные принципы. Жанровый спектр заметно обновился. Фактура эволюционировала очень быстро, появились её новые типы.

Классицизм в музыке закрепил и развил принцип централизующего единства, «основанный на господстве централизованной тоники, разделении лада на два наклонения - мажор и минор, предельного обострения функций на устои и неустои» [38, с. 11-13]. Сам принцип ясно обнаружился в эпоху барокко, когда произошла смена музыкального языка, сложился гомофонно-гармонический склад. Идейным фоном музыкального классицизма послужило Просвещение с его культом разума. Это течение охватило практически одновременно Германию, Францию, Россию, Австрию. Основной закон эстетики классицизма - уравновешенность, соотнесённость всех компонентов произведения, чувство меры, порядок, породившие такую универсальную концепцию, как сонатная. Нормой мышления для композиторов становится яркая, выразительная музыкальная мысль-тема, предельно дифференцированная во всех своих элементах, ясно отчленённая от общих форм движения.

Выделенный этап совпадает с «золотым веком» музыки, то есть искусством венских классиков. Творчество Й. Гайдна, В. Моцарта и Л. Бетховена навсегда останется непревзойдённым образцом высокого вкуса, уравновешенности в использовании выразительных средств при глубине содержания музыки, мастерстве в построении фактуры.

При общих стилевых признаках в искусстве каждого венского классика, типизации многих приёмов формо- и фактурообразования большое значение имеет индивидуальная техника письма.

Австрия и её столица Вена представляли начиная со второй половины XVIII века благоприятную почву для синтеза многих исторических тенденций, направлений, а также творческого освоения результатов деятельности предшествовавших влиятельных клавирных школ из ряда европейских стран. В Вене жили великие классики Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. ван Бетховен, чьё творчество связано с «золотым веком» музыки, а также их старший современник, великий реформатор оперы К.-В. Глюк, чей стиль также связан с классицизмом. Однако и такие композиторы, как Г. Вагензейль, Й. Штепан, Й. Вёльфль, А. Эберль, И.Н. Гуммель, чешские музыканты Я. Ваньхаль, Л. Кожелух, П. Враницкий и другие композиторы, работавшие в XVIII и начале XIX века в Вене и других городах австрийской империи, внесли свой вклад в кристаллизацию венского классического стиля и формирование венской классической школы, ставшей наиболее влиятельной в Европе.

В клавирных сонатах и дивертисментах австрийских композиторов 1750-1760-х годов формируется новый словарь общеупотребительных фактурных формул, переходящих из произведения в произведение. В профессиональной музыкальной жизни Вены местные австро-немецкие черты соединялись с художественными влияниями, шедшими из Италии и Франции. Идеи Просвещения прекрасно прижились на благодатной венской «почве» и дали замечательные плоды.

К середине XVIII века в Вене, как и повсюду в крупных европейских центрах, формируются значительные музыкальные коллективы нового типа - большие инструментальные капеллы при дворах и в частных домах. Большое значение приобрела музыка бюргерского быта, прежде всего танец и песня. Вся Вена увлечена танцами, а её музыкальный быт многообразен. Здесь и традиционно полифоническая церковная музыка, и уличная песенка, и музыка придворных празднеств и процессий, застольные пьесы, и серьёзная музыка в концертах-академиях, и итальянская ария - всё это составляет широкий круг музыкальных впечатлений и своеобразный интонационный фонд, складывавшийся в Вене ко времени появления первых симфоний, которые ещё не порывают с практикой basso continuo. Венские симфонисты с самого начала не исключали влияния бытовых жанров на тематизм симфонического цикла. Ранняя венская симфония не отличалась патетикой и острым драматизмом, а её масштабы были достаточно скромными.



Использованная литература

1. Александрова В.Н, Барсов Ю.А, Бронфин Е.Ф, Мейлих Е.И, Ступень А.М, В.С.Фомин, Земсовский И.И, Островский А.Л, Романовский Н.В. Спутник музыканта.- Л: Музыка, 1969.- 380 с.

2. Барсов Ю. Из истории русской вокальной педагогики / В сб.: Вопросы вокальной педагогики. Вып.6.-Л., 1982.

3. Брызгалов И.П. Школа пения для баритона и баса.-Т.:Изд-во лит.и искусства, 1987. - 144 с

4. Дмитриев Л. Голосовой аппарат певца. - М., 1964. С.- 25-26.

5. Михеева Л. Музыкальный словарь в рассказах. - М., 1986. -174 с.

6. Саид Али Ходжа. Искусство и творчество узбеков / Искусства и жизнь, 1922, №1 Цитируется по книге Я. Пеккера «Узбекская опера».- М.: Госмузиздат, 1963, с.30.

7. Юлдашева С.Х. Развитие музыкального воспитания и образования в Узбекистане. - Т., 1979.-142 с.

8. https://newmusicschool.ru/journal/2-iyun-2020-goda/iz-istorii-vokalnogo-iskusstva

9. .https://sanat.orexca.com/2003-rus/2003-1-2/evolution-2/

10. https://cyberleninka.ru/article/n/stanovlenie-uzbekskoy-natsionalnoy- kompozitorskoy-shkoly

11. https://soul5.ru/blog/vokalnye-zhanry-v-muzyke

Размещено на Allbest.ru

...