Цельное и многостороннее преподавание художественных дисциплин в вузах

Размещено на http://www.allbest.ru/

ЦЕЛЬНОЕ И МНОГОСТОРОННЕЕ ПРЕПОДАВАНИЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ДИСЦИПЛИН В ВУЗАХ

Е.В. Агафонова, П.П. Гамаюнов

Санкт-Петербургский государственный

университет промышленных технологий и дизайна

191186, Санкт-Петербург, Большая Морская, 18

Статья содержит рекомендации для преподавателей художественных дисциплин в творческих вузах. Автор делает упор на разнообразии, расширении кругозора студентов, а также учете современных тенденций в искусстве.

Ключевые слова: преподавание, художник, искусство, современный, основы, разнообразие

искусство студент вуз творческий

INTEGRAL AND MULTILATERAL TEACHING OF ART DISCIPLINES IN UNIVERCITIES

E.V. Agafonova, P.P. Gamaynov

Saint Petersburg State University of Industrial Technologies and Design 191186, Saint Petersburg, Bolshaya Morskaya, 18

This article contains guidance for teachers of artistic disciplines in the universities of creative sphere. Author makes an accent on diversity, contemporary approach and modern tendencies. Keywords: teaching, artist, art, contemporary, diversity

Искусство - это та сфера, которая развивается непрерывно. Так происходило всегда, во все времена, но с развитием средств массовой коммуникации прогрессия стала геометрической. Из-за переизбытка информации внимание распределяется непропорционально качеству материала. Человеку теперь нужно просматривать горы низкосортной информации в поисках чего-то нужного и важного. Среди миллионов людей, делящихся своими картинами и картинками в социальных сетях, далеко не все профессионалы или, хотя бы, талантливые самоучки. Но все же необходимо оставаться на волне, следить за новыми веяниями, техниками, а значит научиться «отделять мух от котлет».

Мы не можем совершенно отвергнуть сферу цифрового искусства и настаивать на том, что студенты должны изучать только старых мастеров, боясь, что иначе юный восприимчивый мозг может впитать в себя что-то не то. Преподаватель не может и не должен ограничивать студентов от того, что может повлиять на их формирующееся представление об искусстве. Вместо этого нужно уметь формировать у них мышление, благодаря которому они сами смогут делать выводы, что достойно внимание, а что нет. Нужно вкладывать в их голову критерии сортировки всего того невероятного объема информации.

Безусловно, проблема отцов и детей вечна. Старшему поколению всегда тяжело принять и перенять какие-то новые, современны взгляды, подходы. В преподавательской среде, до сих пор живы консервативные отголоски советских времен, когда был очень распространен снобизм и навязывание преподавателем своего специфического представления, что порождало сотни одинаковых художников с работами «под копирку» и без собственного мнения. Это совершенно противоречит современному гуманистическому подходу в педагогике, да и в обществе в целом, когда личность ставится на первый план, у каждого есть право голоса, идет борьба за культурное многообразие.

- Ядро - базовые знания, самая маленькая по объему, но самая важная по значению группа знаний. Основы объемно-пространственного построения простых геометрических фигур, светотень; законы перспективы; цветоведение и колористика; анатомия - строение скелета, мышц; передача фактуры материалов и др.

- Следующая, более широкая группа - история искусства. Здесь студенты изучают все, что их коллеги художники наработали за все время своего существования, а искусствоведы успели это проанализировать, классифицировать и т.д. Именно на занятиях по истории искусства студентов учат смотреть на работы художников не только с эстетической точки зрения, но и иметь проводить глубокий анализ - учитывать контекст эпохи, актуальность, размышлять о том, какую роль выполняет колорит, как композиция влияет на восприятие и многое другое. Безусловно, в учебники по истории искусства включается ограниченное количество только самых значимых художников, творчество которых проверено временем.

- Третий пункт, это - «насмотренность». Сюда включается посещение выставок известных современных художников, в том числе, собственных преподавателей, обходов в Академии художеств имени И. Е. Репина и защиты дипломных работ. В целом нужно изучать творчество людей, обладающих определенным кредитом доверия. Это могут быть известные местные художники, выставки которых проходят регулярно, которые состоят в союзе художников, а значит уже прошли некий отбор со стороны художественного сообщества. Сюда же включаются работы студентов Академии имени И. Е. Репина, т.к. это учебное заведение считается эталоном, но и еще и имеет место соревновательный дух - подталкивать студентов к уровню, которого уже достигли студенты Академии того же курса.

- Все остальные художники. Это может быть иллюстрация в книге, которую случайно купил студент, а может быть случайно встреченная в интернете картина. Студент должен сам понимать и оценивать качество этих работ, углубляясь в предыдущие «слои» знаний. Он может перенять какую-то новую технику, стилистику, а из этого уже развить что-то новое, свое. Или же наоборот, подметить для себя ошибку, которую не стоит повторять.

Рассмотрим теперь более подробно процесс обучения художественным дисциплинам в вузе. Так как обучение начинается с того самого ядра знаний, то программы в разных университетах на начальном этапе будут примерно одинаковы.

Первым заданием всегда является рисование гипсовых геометрических фигур на плоскости. Это задание является индикатором уровня подготовки студента, ведь кто-то имеет за плечами годы обучения в художественной школе или колледже, а кто-то прошел только годичные курсы ускоренной подготовки перед поступлением в университет. Преподаватель должен оценить навыки каждого студента и глубину его знаний и в соответствии с этим представлением корректировать и направлять учебную программу. На этом базовом задании студенты отрабатывают умение строить предметы, передавать объем, работать с планами. Преподаватель объясняет или же напоминает основы светотени, техники штриховки, перспективы.

Первые задания по живописи тоже состоят из работы с натюрмортами. Ко всем тем же задачам прибавляется еще и работа с цветом. Нужно убедиться, что студенты не теряют объемности предметов, плановости, фактуры, т.к. на первых порах сложно удержать в голове все нюансы одновременно. Полезно будет давать задание на выполнение цветной яркой постановки в черно-белом варианте, для того, чтобы научить студентов видеть уровень тона и цвет одновременно.

Затем принципы работы с простыми геометрическими объектами переносятся на работу с скульптурами - части лица Давида, экорше, различные бюсты, и только потом можно приступать к портретам реальных людей. Лицо человека можно упростить до тех самых геометрических фигур, что и должен делать студент в своей голове. Для более точного построения, а также передачи светотени, которая становится на лице человека сложнее и даже иногда создает иллюзии для глаза, студент должен уметь совмещать то, что он видит, с тем, что он знает.

Параллельно студентам преподается курс анатомии, включающий в себя рисование отдельных костей, черепа, затем скелета полностью. После, студенты переходят к изучению мышц. Используются учебные пособия с иллюстрациями и пояснениями, но наиболее важно применение этих знаний на практике. Первые постановки с фигурой человека нужно делать с вписыванием скелета в позу и только когда знания о движении костей и мышцы будут отточены, позволять студентам рисовать фигуры, используя минимальный набор опорных точек, но всегда держать в голове скелет и проверять себя.

То же касается и занятий по живописи - из-за неравномерности цвета кожи, принтов на одежде, а также добавления огромного множества дополнительных деталей, студент может потерять объем, а из-за увлечения цветом, нарушить анатомию. Проработке таких моментов, преподаватель должен уделять особое внимание.

Студенты всех художественных факультетов также проходят теоретический курс истории искусства. Преподаватель искусствовед рассказывает студентам о развитии искусства, о причинно-следственных связях смены одного стиля другим, об идеях и принципах, господствующих в разное время или, наоборот, противоречивых на первый взгляд концепциях отдельных художников, которые на самом деле продвигали сферу вперед. Студент изучает не только историю развития своей сферы деятельности, но и также имеет возможность проследить развитие мысли художников, как разные подходы в искусстве соотносились с историческими событиями и духом времени. Важен всесторонний глубокий анализ в изучении истории искусства. Многие произведения в отрыве от исторического контекста могут остаться не понятыми. Каждую изучаемую картину студент должен научиться рассматривать не только с эстетической точки зрения, но также понимать какие цели и задачи перед собой ставил художник, почему он применил именно эту технику, почему выбрал именно эту палитру цветов и наносил краску именно такими мазками, как формат влияет на восприятие.

Безусловно, для этого нужно обеспечить студентам бесплатный или льготный проход в музеи, т.к. цифровые копии не дают полного представления о работе. Хотя бы ключевые работы каждой эпохи студент должен увидеть вживую, чтобы потом, опираясь на репродукцию возвращать в памяти изображение оригинала. Преподаватели дисциплин живописи и рисунка должны иметь возможность привести в пример студентам нужные репродукции. Для этого можно организовать небольшую библиотеку каталогов музеев или же собрать на компьютере оцифрованные копии.

У многих современных музеев есть оцифрованная база всей коллекции с указанием годов написания картин, размеров, использованных материалов и техники. Таким образом студент легко может составить для себя план посещения музеев под каждую конкретную задачу. Это будет полезно как в качестве экономии бюджета и времени, так и при невозможности познакомиться с оригиналом. Metropolitan Museum, например, оцифровывает картины несколькими разными способами, чтобы человек, рассматривающий цифровую копию мог учитывать технические искажения. [1]

Важно делать упор на специфические техники, относящиеся непосредственно к специальности студентов. Одной из важнейших практик в освоении различных техник является копирование работ известных художников. Это помогает студенту на собственном опыте понять, как мыслил мастер, с какими трудностями сталкивался, какие задачи решал и т.д.

И наконец, мы подошли к самой обширной группе художников. Современных художников, действительно, больше, чем когда-либо. Такое разнообразие безусловно развивает и продвигает сферу вперед семимильными шагами, но есть и минусы. Сейчас художников слишком много, чтобы знать работы каждого, тем более, что далеко не все из них достойны внимания. Анализ искусства всегда происходит постфактум - искусствоведам при оценке того или иного явления нужно принять во внимание все аспекты, сравнить с предыдущим опытом. Ван Гог, считающийся сейчас одним из величайших художников, был не признан и даже гоним современниками. А ведь тогда было не так много ярких фигур в мире искусства. Так, каким образом тогда мы должны действовать сейчас, когда художников в сотни раз больше, но при этом ярких фигур практически нет. В эпоху глобализации и развития связи любой получает равную порцию внимания - и бездарный самоучка, ищущий внимания, и выпускник Академии Художеств, честно учившийся своему ремеслу шесть долгих лет. Поэтому, преподаватель должен не только сам ориентироваться в этом потоке, но и направлять студентов, делиться с ними ресурсами, показывать свои находки.

Под термином «современное искусство» понимают пласт культуры начиная с 60-х годов 20-ого века и до настоящего времени. [2] Последним крупным художественным стилем, имевшим свое, индивидуальное название был Поп-арт, дальше же искусствоведы пока не дифференцировали какие-либо направления, поэтому современно искусство объединяет совершенно разные художественные явления. Преподавателю важно понимать, что специальность, которую получает студент - это лишь прикладные знания, которыми он обладает на выходе из университета, но никак не его профессия. Он может найти себя в сотне разных сфер, а может и потеряться в процессе выбора. Поэтому важно знакомить студентов со всем многообразием применения их художественных талантов и навыков, помогать им найти то самое, что пробудит в них живой неугасающий интерес, а также будет соответствовать их природным склонностям.

Возьмем, например, любой полнометражный 3D мультфильм компании Disney, на работу над которым уходит минимум 5 лет и команда художников из 100-150 человек. И далеко не все из них работают над 3D визуализацией и работают на компьютере. Все начинается с классических зарисовок карандашом на бумаге, огромного количества набросков с натуры фигур и окружения, затем проработка зачастую фантазийных, но анатомически продуманных персонажей, их мимики, создание концепт-артов. Чтобы самая радикальная стилизация смотрелась естественно и убедительно, в ее основе должны лежать все те же законы построения фигуры, лица, те же основы светотени, что изучаются в университете.

Таким образом, можно разнообразить задания по композиции, включив в программу мультипликационную стилизацию. Это развивает новые навыки и расширяет кругозор. Учебными пособиями может послужить как ставшая классикой «The Illusion of Life», так и более новые серии книг «The Art of...», раскрывающие секреты подготовки различных мультфильмов.

Нужно подталкивать студентов изучать дополнительные материалы, знакомиться с теми сферами, которые на первый взгляд не имеют отношения к искусству. Например, огромный толчок произошел в развитии 3D визуализации компьютерных эффектов в фильмах. Порой целые сцены, нарисованные с нуля на компьютере командой художников, ничем не отличаются от действительно снятых на камеру. Такого эффекта невозможно было бы достичь, если бы эти художники не умели так же реалистично нарисовать постановку на листе или холсте. Ровно также это было бы невозможно, если бы они самостоятельно не умели перенести полученные знания и опыт на сферу 3D. Подобные сферы находятся на стыке творческой и технической областей, а соответственно техническую часть не всегда возможно включить в программу обучения в университете. [3] Преподаватель должен подталкивать студента расширять свои навыки и сам всегда быть в курсе событий.

Одна из самых известных профессиональных площадок для людей совершенно разных творческих профессий - Behance.net. Это удобный инструмент для составления своего цифрового портфолио без необходимости создавать и поддерживать собственный сайт, а значит без каких-либо лишних вложений сил, времени и денежных средств. На этом ресурсе очень удобно реализована возможность каталогизации своих работ и указания контактов для связи с художником потенциальных заказчиков. Редакция сайта регулярно создает подборки лучших работ в разных сферах. Преподавателям очень легко находить и показывать студентам примеры современных работ, т.к. на этом ресурсе очень удобно реализован поиск по специфическим критериям, таким как материалы, техники, стили, программы и т.д., а также можно отмечать понравившихся художников для быстрого доступа к их портфолио.

Существует множество специфических ресурсов для художников, но как раз из- за своей узкой направленности они не так широко распространены. Один из таких, русскоязычный ресурс Illustrators.ru. Он гораздо менее известен и популярен, как предыдущий, к тому же он не международный. Зато там сконцентрировано большое количество талантливых иллюстраторов, которых также можно найти, по ключевым словам, а также в подборке редакции. Этот ресурс полезен для преподавателя еще и тем, что, т.к. большинство пользователей находятся в России, попасть на выставку какого-либо иллюстратора с этого сайта и увидеть его работы вживую гораздо более вероятно.

Также не стоит пренебрегать и социальными сетями. Однако, многие преподаватели брезгуют подобными ресурсами - кто-то из-за предвзятости к социальным сетям как таковым, кто-то из-за большого количества мусорного контента, который нужно пропустить через себя, в поисках хороших работ. Известные художники записывают эксклюзивные материалы, пошаговые процессы работы, делятся секретами о том, какие материалы они используют. Так, например, Елена Базанова регулярно выкладывает на своих личных страницах процесс работы над очередным акварельным шедевром, рассказывает о любимых красках и предпочтительных типах бумаги. Так делают и многие другие художники в страницах таких ресурсов как facebook.com, vk.ru, Instagram.com и других. Т.к. не все студенты могут позволить себе посетить мастер-класс художника, это очень удобно показывать им такие небольшие кусочки из жизни художников. Если развивать тему мастерклассов известных художников, как дополнение к образовательному процессу, можно поискать бесплатные видео-уроки на youtube.ru или же посоветовать студентам сайт с онлайн-курсами и лекциями lectoroom.ru. [4]

1. The Metropolitan Museum of Art. URL: https://www.metmuseum.org/ (дата обращения: 13.04.2019)

2. Штейн С.Ю. Онтология «современного искусства» // Артикульт. 2017. 27(3). С. 55-72.

3. 5 фактов о моей работе: специалист по визуальным эффектам. URL:

http://www.lookatme.ru/mag/how-to/jobs/213083-5-facts-vfx-specialist (дата обращения:

13.04.2019)

4. Материальность стекла акварелью. Онлайн-практика с Еленой Базановой. URL: http://lectoroom.ru/courses/glass-watercolor (дата обращения: 13.04.2019)

References

1. The Metropolitan Museum of Art. URL: https://www.metmuseum.org/ (dated accessed: 13.04.2019)

2. Schtein S.Y. Ontologiya «sovremennogo iskusstva» [Ontology of «contemporary art»]. Artikult [Artandcult]. 2017. 27(3). 55-72 pp. (in Rus.).

3. 5 factov o moyey rabote: specialist po visualnam effectam URL:

http://www.lookatme.ru/mag/haw-to/jobs/213083-5-facts-vfa-specialist [5 facts about me: vfx-specialist]. (date accessed: 13.04.2019)

4. Materialnost stekla akvarelju. Online-practica s Elenoy Bazanovoy URL:

http://lectoroom.ru/courses/glass-watercolor [Materiality of glass in watercolor. Online- practice with Elena Bazanova]. (date accessed: 13.04.2019)

Размещено на Allbest.ru