Педагогика классического танца эпохи Возрождения

Размещено на http://www.Allbest.Ru/

Министерство культуры Российской Федерации

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования

Сибирский Государственный институт искусств имени Дмитрия Хворостовского

Факультет театрального и хореографического искусства

Кафедра хореографического искусства

РЕФЕРАТ

По дисциплине «История и теория хореографического образования»

Тема:

Педагогика классического танца эпохи Возрождения

Выполнила: Тагильцева Д.Р.

Студентка группы ПСТ-20б

Проверила: профессор Сычева Л.Б.

Красноярск - 2023

Возрождение, Ренессанс (франц. Renaissance, итал. Rinascimento), эпоха перехода европейской культуры от средневековья к новому времени (сер. 15-16 вв., в Италии с 14 в.). Характеризуется высвобождением культуры из-под власти церкви, свободомыслием и раскрепощением личности. Образцом отражения реального мира в эпоху В. становится искусство античности. В то же время искусство В. опиралось на нар. творчество. Обе эти тенденции были существенны для балета, который в эпоху В. только начинал зарождаться. Элементы балета возникали в Италии в синтетич. зрелищах, сопровождавших празднества - шествия, маскарады и др. В Италии, позднее во Франции и др. странах, такие зрелища устраивались преим. при дворах. Они включали в себя традиц. бытовые танцы и исполнялись любителями, однако со временем организация таких представлений обрела проф. Характер.

Выдвигались постоянные устроители зрелищ festaiuoli (от festa - празднества). Они систематически включали в представления аллегорич. и мифологич. пантомимы, пасторали, интермедии и др. Танц. фрагменты носили, видимо, сюитный характер. Их усложнение вело к совершенствованию техники сценич. танца, который обособлялся от бытового, вбирая в себя самые разнообразные формы - от нар. плясок или танца жонглёров до обрядовых.

Кардинально меняется отношение к танцу: из греховного, недостойного занятия, он превращается в обязательную принадлежность светской жизни и становится одним из самых необходимых для благовоспитанного и образованного человека навыков. Постепенно сложился набор танцевальных приемов с рядом обязательных правил. Профессиональные танцмейстеры заранее репетировали с дворянами отдельные pas и фигуры и режиссировали движения групп танцующих, а зрителями были другие придворные. Фигурный, изобразительный танец, организованный по типу составления геометрических фигур (балло-фигурато) - становится главной формой дворцового искусства. Ему свойственны синхронность движений, ритмическая четкость, перестроение фигур и соответствие ритму стиха и музыкальному аккомпанементу.

Особенно интенсивно процесс театрализации танца происходил в Италии в 14-15 вв. В течение XV-XVI веков именно Италия была законодательницей танцевальной моды. В дворцовых залах итальянских вельмож устраиваются театральные представления типа интермедий с песнями и танцами. Бытовые танцы составляли основу этих роскошных зрелищ и исполнялись любителями. Однако со временем организация таких представлений обрела профессиональный характер. Этикет придворного общества был очень строгим; он регламентировал тончайшие детали поведения. Соблюдение правил этикета считалось обязательным, и это привело к тому, что в придворном обществе появляется учитель танцев - преподаватель изящных манер, они же и первые теоретики-учителя.

Стал возникать т.н. "фигурный" (в первоначальном значении - выразительный) танец. Тогда же возник и термин "балет". Во Франции и других странах Европы черты нового танцевального искусства проявляются в конце XVI-XVII вв. К концу XV в Франция представляла собой мощное государство. Возрастал интерес к достигнутому Италией. В это время Милан сформировался как центр и школа танца. Франция распахнула двери перед многим деятелями итальянского искусства; в их числе были и учителя танцев. В конце 16 в начало 17 в центр развития хореографии переходит во Францию. Хореография обогащается новыми более сложными движениями. Жестко фиксируется композиция танца, разновидности pas, манере исполнений, характер костюмов и аксессуаров (каждому танцу закреплен костюм).

Праздничные зрелища - предпосылки возникновения балета - наблюдались как в Италии (позднее во Франции), так и в др. европ. странах, не исключая России, где в 16 в. также устраивались синтетич. представления с танц. сценами в исполнении скоморохов и др. Однако в эпоху В. балет нигде не обрёл художеств. автономии. В отличие от литературы, живописи, скульптуры, архитектуры, отчасти даже музыки, эпоха В. не отмечена выдающимися достижениями балета, сохраняющими и ныне свою ценность, однако именно в то время были сделаны первые шаги к зарождению его как особого вида искусства.

Позже король Франции Людовик XIII, получивший блестящее музыкальное образование, стал автором так называемого Марлезонского балета. Причём он создал спектакль полностью - начиная от музыки и хореографии и заканчивая эскизами декораций и костюмов. Премьера состоялась 15 марта 1635 года в замке Шантийи. В основу сюжета легла королевская охота на дроздов (Le ballet de la Merlaison буквально значит "Балет об охоте на дроздов") - любимое развлечение Людовика XIII. Балет состоял из 16 актов, а сам король исполнил в нём две маленькие роли - торговки приманками и крестьянина.

Один из первых балетных спектаклей, объединивший музыку, слово, танец и пантомиму "Цирцея, или комедийный балет королевы", был поставлен при дворе Екатерины Медичи (Париж) итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо в 1581 г. С тех пор во Франции стал развиваться жанр придворного балета (маскарады, пасторали, танцевальные дивертисменты и интермедии). Балет 16 века представлял собой пышное зрелище в барочном стиле с исполнением церемонных испанских танцев - паваны, сарабанды. Во времена Людовика XIV спектакли придворного балета достигли наивысшего великолепия, включали в себя сценические эффекты, придававшие зрелищу характер феерии.

Во времена Людовика XIV спектакли придворного балета достигли наивысшего великолепия, включали в себя сценические эффекты, придававшие зрелищу характер феерии. Людовик XIV и сам не был чужд музе танца, в 1653 г. он выступил в роли Солнца в "Балете ночи", с тех пор его называли "Король-солнце".

В том же балете танцевал композитор Ж.Б. Люлли, начинавший свою карьеру как танцовщик.

I период 1600-1610 гг. Генрих IV - Комические балеты - Балеты-маскарады

II период Людовик XIII и Людовик XIV - балеты-выходы или балеты a la entrйe - мелодраматические балеты (1610-1621 гг)

III период c 60 гг. Людовик XIV- время Ж.Б. Люлли, Мольера, Бошана

Одним из первых учителем танцев был Доменико да Пьяченца. На рубеже 14-15 вв. сочинил трактат «Об искусстве пляски и танца», в котором впервые определил 5 основных элементов танца:

1. Мера - ритм, как главный принцип связи медленных и быстрых движений с музыкой.

2. Манера держаться - освобождение танца от неподвижных устарелых форм.

3. Деление площадки - распределение танца не сцене. Существен для композиции группового танца.

4. Память - запоминание движений вновь созданного танца.

5. Элевация - понятие означало развитие техники танца, его движения становятся более техничными и определенными.

Вклад в педагогику танца Люлли

В начале XVII века техника танца стала усложняться: начали появляться балеты-маскарады и помпезные фантастические постановки о рыцарях (1610 год - "Балет об Альцине", 1615 год - "Триумф Минервы", 1617 год - "Освобождение Ринальдо"). В этих спектаклях танцы всё ещё чередовались с декламацией стихов и пением. Танцевальные части представляли собой дивертисмент - то есть разные небольшие номера, идущие друг за другом. Дивертисмент стал важной частью балетного спектакля и сохранился до сих пор.

В 1661 году он основал Королевскую академию танца, находилась она прямо в королевском дворце - Лувре. Это была самая первая в мире балетная школа. Позже она превратилась в Балет Парижской оперы - старейшую непрерывно работающую балетную труппу мира. Руководил Академией королевский композитор и балетмейстер Жан-Батист Люлли.

Он сыграл важную роль в развитии балетного искусства на целое столетие вперёд. балет возрождение люлли бошан мольер

При Люлли певцы в операх впервые стали выступать без масок, женщины - танцевать в балете на публичной сцене, трубы и гобои впервые в истории были введены в оркестр.

Основным вкладом Люлли в балет было его внимание к нюансам композиций. Его понимание движений и танцев позволяло ему сочинять музыку специально для балетов, с музыкальными фразами, соответствующими физическим движениям. До наших дней в театральном и концертном репертуаре сохранилась балетная музыка Люлли. И здесь его творчество было для французского искусства основополагающим. Французская балетная музыка до Люлли имела уже свою, по крайней мере, вековую, традицию, но он внес в нее новую струю - «бойкие и характерные мелодии», острые ритмы, оживленные темпы движения. В то время это явилось целой реформой балетной музыки.

Следовательно, развивалась музыкальность отточеность движений.

Серьёзность Люлли в изучении танцев привела к появлению профессиональных танцоров, которые стали отличаться от просто людей из числа придворных, способных танцевать. Кроме того, в балете появились два различных стиля - величественный, дворянский, свойственный придворному балету, и виртуозный, ранее возможный только у профессиональных актёров. До 1681 года в исполнении балета участвовали только мужчины. В 1681 году Люлли поставил спектакль "Триумф Любви". Одной из четырёх танцовщиц, участвовавших в спектакле, была мадмуазель Ла Фонтен (1665-1738), имена трёх остальных сейчас неизвестны. Ла Фонтен, которая с этого времени стала называться «королевой танцев», считается первой балериной - женщиной-профессиональной танцовщицей.

Ещё одним королевским учителем танцев и соратником Люлли был Пьер Бошан. Он много работал над балетной терминологией, с тех пор все движения в балете обозначаются на французском языке.

Вклад Бошана в педагогику балета

Пьер Бошан начал создавать терминологию танцев. Самые ранние упоминания позиций ног в балете находятся в его работах. Бошан возможно был называем как «заведующий королевских балетов» в Королевской Академии Танца. Он является одним из наиболее известных отцов-основателей балета.1700 год - Пьер Бошан определяет пять основных позиций классического танца. Бошан-танцовщик - как бы модель исполнительской техники будущего, он виртуозно проделывал пируэты и туры.

Многие понятия из его трудов мы используем и сегодня: это позиции ног и главное правило любого балетного движения - выворотность ног. Этому есть объяснение. Дворяне, часто участвовавшие в придворных постановках, все обязательно обучались фехтованию. Поэтому некоторые фехтовальные приёмы, в том числе выворотные положения ног и различные выпады, стали использоваться и в балете. Все балетные движения Бошан разделил на группы: приседания (плие), прыжки, вращения (пируэты, фуэте), положения корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук.

Танец стал превращаться в балет, когда его начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал балетмейстер Пьер Бошан (1637-1705), работавший с Люлли и возглавивший в 1661 французскую Академию танца (будущий театр Парижской оперы). Он записал каноны благородной манеры танца, в основу которой положил принцип выворотности ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны. Бошан внёс огромный вклад в классический балет ещё и тем, что разделил танцы на три основных вида: серьёзный, полухарактерный и комический. Серьёзный танец (прообраз современного классического) требовал академической строгости исполнения, внешней красоты, изящества. Это был «благородный» танец, который использовался для исполнения ролей мифологических героев, королей и богов. Полухарактерный - объединял танцы народные, крестьянские и фантастические, которые олицетворяли силы природы или сказочных персонажей. Комический танец отличался виртуозностью, допускал преувеличенные жесты и движения и импровизацию. Он был нужен для юмористических и экзотических танцев.

Завоёвывая всё большую популярность, балету становилось тесно во дворцовых залах. Под руководством Бошана создается Парижская опера, где он был балетмейстером, но спектакли почти не отличались от прежних представлений. В них участвовали те же придворные, которые исполняли медленные менуэты, гавоты и паваны. Тяжелые платья, туфли на высоких каблуках и маски не давали женщинам выполнять сложные движения. Тогда Пьером Бошаном была сформирована балетная труппа из одних мужчин-танцовщиков. Их танцы отличались большей грациозностью и изяществом. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году. Большие группы танцовщиков начали синхронно исполнять сложные движения и аккомпанировали солистам; сольный танец содержательно передавал возвышенность характеров, силу эмоций; парный танец складывался в форму па-де-де. Высокоусловный, тяготеющий к виртуозности танец зависел от музыки и добивался равных с ней прав в практике и теории.

Вклад Мольера в создание жанра «комедия-балет»

Жан-Батист Поклен (фр. Jean-Baptiste Poquelin), театральный псевдоним - Мольер - французский комедиограф XVII века, создатель классической комедии, по профессии актёр и директор театра, более известного как труппа Мольера

Отметился Мольер и в музыкальном театре, создав жанр «комедия-балет», сочетающий традицию придворных балетов эпохи Людовика XIV с драматической сюжетной основой - новаторские пьесы создавались на музыку придворного композитора Жана-Батиста Люлли.

Французскую хореографию значительно обогатили драматург Мольер и композитор Ж.Б. Люлли, который сначала сотрудничал с Мольером как балетмейстер и танцовщик в комедиях-балетах "Брак поневоле" (1664), "Жорж Данден" (1668), "Мещанин во дворянстве" (1670). Став композитором, Люлли создал жанр музыкальной трагедии, где сказалась эстетика классицизма: монументальность образов, ясная логика развития, строгость вкуса, чеканность форм. Действие лирических трагедий подкреплялось пластически-декоративными шествиями, пантомимами, танцами.

Характеризуя творчество Мольера, исследователи нередко утверждают, что он в своих произведениях «выходил за пределы классицизма». При этом обычно ссылаются на отступления от формальных правил классицистской поэтики (например, в «Дон Жуане» или некоторых комедиях фарсового типа). С этим нельзя согласиться. Правила построения комедии трактовались не так строго, как правила трагедии, и допускали более широкое варьирование. Мольер -- самый значительный и самый характерный комедиограф классицизма. Разделяя принципы классицизма как художественной системы, Мольер сделал подлинные открытия в области комедии. Он требовал правдиво отображать действительность, предпочитая идти от непосредственного наблюдения жизненных явлений к созданию типических характеров. Эти характеры под пером драматурга приобретают социальную определенность; многие его наблюдения, поэтому оказались пророческими: таково, например, изображение особенностей буржуазной психологии.

Реформа балетного театра вызвала подъём исполнительского мастерства - появились танцовщики Л. Пекур, Ж. Баллон. Первой профессиональной танцовщицей стала мадемуазель Лафонтен, выступив в опере-балете Люлли «Триумф любви». Позже она была известна как «королева танца». Серьезные танцы исполнялись в широкой юбке, которая держалась на камышовых обручах. Из-под неё виднелись носки туфель. Мужчины надевали парчовые кирасы и короткие юбки на камышовых каркасах, которые назывались «бочонки». Обувь у всех была на высоком каблуке. Кроме того, они закрывали лицо круглыми масками разных цветов, в зависимости от характера персонажа.

В полухарактерных балетах костюмы были облегченные, зато добавлялись атрибуты, характеризующие танец, - серпы, корзиночки, лопатки, леопардовые шкуры и другие. Костюм для комических танцев не был так строго регламентирован - постановщик доверял фантазии художника. Тогда же зародилась целая система условных обозначений. Если артист, к примеру, проводил по своему лбу ребром ладони - это подразумевало корону, т.е. короля; крестообразно сложенные руки на груди - «умер»; указал на безымянный палец руки - «хочу жениться» или «женат»; изображение руками волнообразных движений - «приплыл на корабле».

Так началось формирование балета, развившегося к 18 в. из интермедий и дивертисментов в самостоятельное искусство.

Источники

1. Балет. Иллюстрированная история. Вивиана Дюранте

Размещено на allbest.ru