Размещено на http://www.allbest.ru/

1. Искусство древнего Египта

Историю Древнего Египта, охватывающую несколько тысяч лет, принято делить на следующие основные этапы: Додинастический период (4 тысячелетие до н. э.), Древнее царство (3200 - 2400 гг. до н. э.), Среднее царство (21 в. - начало 19 в. до н. э.), Новое царство (16 в. - 12 в. до н. э.), Позднее время (11 в.-332 г. до н. э.).

В VIII тысячелетии до н.э. в северо-восточной Африке, в нижнем течении реки Нил, возникли первые египетские города: Мемфис, Иераконполь и др. Прошло несколько десятков веков, и к III тысячелетию до н.э., в результате объединения царств Верхнего и Нижнего Египта, сложилось одно из древнейших государств на Земле.

Одной из характерных черт Древнего Египта является его относительная замкнутость, дававшая возможность стране жить и развиваться во всем своеобразии своей культуры. Самая главная отличительная особенность искусства Древнего Египта в призвании обслуживать потребности религии, в том числе заупокойного культа и государственного культа обожествленного фараона. Искусство стало на службу интересам верхушки рабовладельческого государства и его главе, оно было призвано в первую очередь создавать памятники, прославляющие царей и знать рабовладельческой деспотии. Памятники древнеегипетского искусства имели культовое назначение. Канонизация художественных образов.

Ведущим видом искусства в Египте была архитектура; все остальные виды подчинялись ей. Древнеегипетская архитектура отличается условностью и однообразием. Важным фактором было отсутствие разнообразия строительного материала. Основными архитектурными формами были пирамида, пилон, колонна и пандус. Египетское строительное искусство достигло своего совершенства в эпоху фараона Хуфу.

Скульптура Древнего Египта - одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений, как в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее смотрение, на открытых пространствах и вне храмов. Статуи сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена. Существовали определенные правила изображения египетских богов. Так бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса - с головой шакала.

Живопись. Все рельефы в Древнего Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске - грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк - и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным - яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы. В конечном счете настоящая фреска не получалась и не использовалась. Сверху живопись покрывалась слоем лака или смолы, чтобы сохранить изображение надолго. Небольшие изображения, выполненные в такой технике, хорошо сохранились, хотя на крупных статуях практически не встречаются. Чаще всего, используя подобные методы, раскрашивались маленькие статуи, особенно деревянные. Множество египетских картин сохранились благодаря сухому климату Древнего Египта. Картины создавались с намерением улучшить жизнь покойному в загробном мире. Сцены, изображенные на картине, представляли путешествие в загробный мир и встречу в загробном мире с божеством (суд Осириса). Также часто изображалась земная жизнь усопшего, чтобы помочь ему заниматься тем же в царстве мертвых. В Новом Царстве вместе с умершим стали хоронить Книгу мертвых. Это считалось важным для загробной жизни. Основными цветами были красный, синий, черный, золотой и зеленый.

Додинастический период (4 тысячелетие до н. э.) В 4 тысячелетии до н. э. общество Нильской долины находилось на стадии постепенного разложения родового строя и перехода к классовому строю и государству. Обычно этот период делят на два этапа - время I культуры и время II культуры. Египет распадался тогда на несколько десятков отдельных областей, которые позднее, в период греко-римского владычества, стали называться по-гречески "номами". Сведения об уровне развития культуры и изобразительного искусства этого периода дают раскопки захоронений.

Устройство захоронений I и II культур. Уже в это время в Египте существовала вера в загробное существование, связанная с магическими представлениями первобытнообщинного строя. Могила мыслилась жилищем умершего, а воображаемый загробный мир - подобием земному. Поэтому умерший снабжался теми предметами, которые служили ему при жизни.

Могилы I культуры, как и наиболее ранние жилища, имели овальную форму и представляли собой ямы, перекрытые ветками и циновками. В период II культуры появились могилы прямоугольной формы, что соответствовало изменению в плане жилищ верхушки общества. Стены этих могил выкладывали кирпичом-сырцом, а сверху их перекрывали ложным сводом из необожженного кирпича. Особенно тщательно оформляли могилу вождя, так как считалось, что "вечное" существование его обеспечивало благоденствие всей общине.

В период первых династий появляются специальные "дома после жизни" - мастабы - погребальные здания, состоявшие из подземной погребальной камеры и каменного сооружения над поверхностью земли.

В период II культуры в захоронениях встречаются орудия из меди и такие изделия, как сосуды и бусы, дающие возможность судить о том, что египтяне уже умели полировать и сверлить камень, разрезать слоновую кость, изготовлять глиняную утварь, плести циновки, прясть и ткать лен.

В древнейших захоронениях найдены небольшие (иногда всего 3 см длины) статуэтки животных из глины, слоновой кости и различных пород камня. Фигурки эти отличаются верной, хотя и обобщенной передачей наиболее характерных черт каждого животного: сидящей обезьянки, лежащего льва, собаки, вола.

Расписные сосуды и росписи I и II культур. Особенно интересны сосуды из глины, наиболее ранние из которых расписаны несложным белым орнаментом по красному фону глины, а более поздние - рисунками, которые исполнены красно-коричневой краской по желтоватой поверхности сосуда и отражают древнейшие заупокойные и земледельческие обряды.

Скульптура I и II династий. В искусстве первых династий складывается более реалистический образ человека. Наиболее важным памятником этого времени является шиферная плита фараона Нармера (Каирский музей), высотой в 64 см, с обеих сторон покрытая рельефными изображениями и краткими иероглифическими надписями, рассказывающими о победе Нармера, царя Верхнего Египта, над Нижним Египтом и объединении долины Нила в единое государство. Наиболее важная черта в плите Нармера- передача объемного тела на плоскости. Все лица Лица изображены в профиль, чтобы подчеркнуть ленту повествования.

Период Древнего царства - это время образования примитивного рабовладельческого общества и окончательного сложения всех основных форм египетской культуры.

"Заупокойный культ" в Древнем царстве получает дальнейшее развитие, особенно в связи с культом обожествленного царя. Возникает представление о "двойнике" человека, по-египетски "ка". "Двойник" является отражением тела, его "духом". Поэтому очень рано возникает забота о сохранении тела, о мумификации его. А так как мумификация не всегда достигала цели, то уже очень рано, при первых династиях, пытались заменить тело подобием его, статуей, по возможности портретной, из "вечного" камня, из наиболее твердых и прочных пород его. Так скульптура - один из видов изобразительного искусства - с самого начала египетской истории развивается в зависимости от заупокойного культа. В этот период создаются такие архитектурные сооружения как Великие Пирамиды и Большой Сфинкс.

Период Среднего царства. После долгого периода смуты и распада Египта на отдельные номы (области) государство в XXI веке до н. э. снова объединилось под властью фиванских правителей - этим знаменуется начало Среднего царства. Но теперь централизация уже не была столь абсолютной, как прежде. Местные правители, номархи, стали богаче и самостоятельнее. Они постепенно присваивали себе привилегии, прежде принадлежавшие только царю, - привилегии высоких титулов, религиозных церемоний. Теперь гробницы вельмож располагались не у подножия царских пирамид, а отдельно, на территории номов. Пирамиды же стали меньше размерами. Это приводит к тому, что с одной стороны снижается пафос монументальности. А отсюда усиление жанровых "вольностей" в трактовке сюжетов, в композиции. В портрете усиливаются черты индивидуальной характерности.

Искусство Нового Царства. Более смелые и внутренне более значительные сдвиги происходят в художественной культуре Нового царства, наступившего после победы над азиатскими племенами гиксосов.

Вместо архитектуры гробниц (гробницы в Новом царстве перестали быть наземными сооружениями - они таились в ущельях скал) расцветает архитектура храмов. Жрецы в эту эпоху, стали самостоятельной политической силой, конкурирующей даже с властью царя. Поэтому не только заупокойные храмы царей, а главным образом храмы-святилища, посвященные различным ипостасям бога Амона, определяли архитектурный облик Египта. Правда, и в храмах прославлялась особа Фараона, его подвиги и завоевания.

Многообразные художественные поиски периода XVIII династии подготовили появление заключительного, совсем уже новаторского этапа, связанного с царствованием фараона-реформатора Эхнатона, в XIV веке до н. э. Эхнатон смело выступил против фиванского жречества и, отменив единым законодательным актом весь древний пантеон богов, сделал жрецов своими непримиримыми врагами. Искусство времён Эхнатона обратилось к простым чувствам людей, к их душевным состояниям. Реакция началась уже при одном из его ближайших преемниках - Тутанхамоне, а вскоре все старые культы были восстановлены, и имя Эхнатона предано проклятью. Однако новые начала, внесённые в искусство, развивались ещё в течение, по крайней мере, столетия.

Многие же новаторские идеи и приёмы, введённые при Эхнатоне, так и сохранились в древнеегипетском искусстве. Таким образом, египетское искусство в итоге своего долгого пути пришло к новым рубежам. Но дальше его линия развития затухает. Последний прославленный завоеватель Рамсес IIстал культивировать торжественно-монументальный стиль, который теперь уже не был таким органическим, как когда-то в Древнем царстве. Пещерный храм Рамсеса II в Абу-Симбелепредставляет собой заключительную вспышку египетского монументального гения. После Рамсеса последовала полоса тяжёлых длительных войн, завоевания Египта эфиопами, ассирийцами, утраты Египтом военной и политической мощи, а затем и культурного первенства. В VII веке до н. э. египетское государство на время вновь объединяется вокруг саисских правителей. Возродилось в это время и древнеегипетское искусство в своих традиционных формах. Всемирно-историческая роль Египта в то время была уже исчерпана.

2. Нидерландское Возрождение

Как и в других государствах Западной Европы, появление ренессансного мироощущения в Нидерландах, находившихся до 1447г. под властью Бургундии, а затем Габсбургов, связано с развитием производства и торговли, а также с ростом городов и формированием бюргерства. В то же время в стране были еще сильны феодальные традиции, поэтому новое в нидерландском искусстве внедрялось гораздо медленнее, чем в итальянском.

Вместе с бурным экономическим подъемом, демократическим движением вольных торгово-ремесленных городов и пробуждением в них национального самосознания расцветает культура, во многом сходная с итальянским Возрождением. Главными центрами нового искусства и культуры стали богатые города южных провинций Фландрии и Брабанта (Брюгге, Брюссель).

Нидерландское искусство приобрело более демократический характер, чем итальянское. В нем сильны черты фольклора, фантастики, гротеска, острой сатиры, но главная его особенность - глубокое чувство национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов, типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев общества. Отсюда критические тенденции нидерландского Возрождения, проявляющиеся в расцвете экспрессивного и иногда трагического гротеска в искусстве и литературе, часто скрывающиеся под маской шутки.

Другая особенность нидерландской художественной культуры эпохи Возрождения - устойчивость средневековых традиций, определившая во многом характер нидерландского реализма 15-16 веков. Все новое, открывавшееся людям в течение длительного периода времени, применялось к старой средневековой системе взглядов.

Архитектура и скульптура вплоть до 16 века развивались в рамках готического стиля.

Элементы ренессанса в области архитектуры начинают проникать в Нидерланды ещё с конца 15 в. Это влияние проникало косвенными путями - через произведения прикладного искусства, гравюру, живопись. Отсюда своеобразное трансформирование архитектурных форм ит. Ренессанса в нидерландских зданиях. Эти арх. формы использовались для декоративного убранства, не затрагивая старой привычной готической конструкции здания. Церкви больше из кирпича.

Церковная скульптура не развивалась. Исключением была монумент. Композиция "Гологофа", созданная Клаусом Слютером. Скульптура представляет собой шестигранный постамент, почти двухметровой высоты, увенчанный распятием и окруженный шестью статуями библейских пророков.

В отличие от итальянского нидерландское искусство Возрождения не пришло к утверждению безграничного господства образа совершенного человека-титана. Как и в средние века, человек представлялся нидерландцам неотъемлемой частью мироздания, вплетенной в его сложное одухотворенное целое. Ренессансная сущность человека определялась лишь тем, что он признавался наибольшей ценностью среди множественных явлений вселенной. Для нидерландского искусства характерны новое, реалистическое видение мира, утверждение художественной ценности действительности такой, как она есть, выражение органической связи человека и окружающей его среды, постижение тех возможностей, которыми наделяют человека природа и жизнь.

В изображении человека художников интересует характерное и особенное, сфера обыденной и духовной жизни; восторженно запечатлевают нидерландские живописцы 15 века многообразие индивидуальностей людей, неисчерпаемое красочное богатство природы, ее материальное разнообразие, тонко чувствуют поэзию повседневного, незаметных, но близких человеку вещей, уютность обжитых интерьеров. Эти особенности восприятия мира проявились в нидерландской живописи и графике 15 и 16 веков в бытовом жанре, портрете, интерьере, пейзаже. В них обнаружились типичная для нидерландцев любовь к деталям, конкретности их изображения, повествовательность, тонкость в передаче настроений и вместе с тем поразительное умение воспроизвести целостную картину мироздания с его пространственной безграничностью.

Перелом, совершившийся в искусстве первой трети 15 столетия, наиболее полно сказался в живописи. Ее величайшее достижение связано с возникновением в Западной Европе станковой картины, которая пришла на смену настенным росписям романских церквей и готическим витражам. Станковые картины на религиозные темы первоначально были фактически произведениями иконописи. В виде расписных складней с евангельскими и библейскими сюжетами они украшали алтари церквей. Постепенно в алтарные композиции стали включаться светские сюжеты, впоследствии получившие самостоятельное значение. Станковая картина отделилась от иконописи, превратилась в неотъемлемую принадлежность интерьеров зажиточных и аристократических домов.

Для нидерландских художников главное средство художественной выразительности - колорит, который открывает возможности воссоздания зрительных образов в их красочном богатстве с предельной осязаемостью. Нидерландцы чутко подмечали тончайшие различия между предметами, воспроизводя фактуру материалов, оптические эффекты - блеск металла, прозрачность стекла, отражение зеркала, особенности преломления отраженного и рассеянного света, впечатление воздушной атмосферы уходящего вдаль пространства пейзажа. Как и в готических витражах, традиция которых сыграла важную роль в развитии живописного восприятия мира, цвет служил главным средством передачи эмоциональной насыщенности образа. Развитие реализма вызвало в Нидерландах переход от темперы к масляной краске, позволившей более иллюзорно воспроизводить материальность мира.

Главная художественная сила проявилась в миниатюрной живописи. При дворе герцогов работала целая плеяда талантливых миниатюристов. Среди которых были наиболее известны братья Лимбурги. Самым известным произведением было "Великолепный часослов герцога Беррийского", в котором изображены сцены придворной жизни на фоне просторных пейзажей.

Главенствующее место среди североевропейских художественных школ 15 столетия заняла нидерландская живопись: художники Ян ван Эйк, Робер Кампен, Рогир ван дер Вейден, Иос ван Гент, Дирк Баутс, Альберт Оуватер, Хуго ван дер Гус, Петрус Кристус, Ханс Мемлинг, Жак Дарэ, Гертген тот Синт-Янс и другие живописцы.

Основоположник нидерландской школы Ян ван Эйк. Крупнейшее произведение ван Эйка - знаменитый "Гентский алтарь", начатый его старшим братом. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка ("Тимофей", 1432, "Портрет мужчины в красном тюрбане"; портрет жены художника Маргареты) отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств. Правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ян ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет - проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Джованни Арнольфини с женой. Известные произведения: Мадонна канцлера Ролена, Мадонна каноника ван дер Пале, Луккская Мадонна.

Современником братьев ван Эйк был Робер Кампен, автор декоративных и живописных произведений, учитель многих живописцев. Алтарные композиции и портреты Кампена отличаются стремлением к достоверности, мастер старается изобразить все предметы так, чтобы они выглядели как в реальной действительности.

Крупнейшим нидерландским художником XV в. был Рогир ван дер Вейден, писавший драматичные алтарные сцены ("Снятие с креста", после 1435) и выразительные, одухотворенные портреты ("Портрет Франческо д'Эсте", 1450; "Портрет молодой женщины", 1455). Рогир ван дер Вейден открыл первую крупную мастерскую в Нидерландах, где учились многие известные художники эпохи Возрождения. Живописец пользовался широкой известностью не только у себя на родине, но и в Италии.

Во второй половине XV в. в Нидерландах работали такие художники, как Иос ван Вассенхове, много сделавший для развития нидерландской живописи, необыкновенно талантливый Гуго ван дер Гус, автор знаменитого алтаря Портинари, Ян Мемлинг, в творчестве которого проступают черты итальянского Возрождения: гирлянды и путти, идеализация образов, четкость и ясность композиционного построения ("Мадонна с младенцем, ангелом и донаторами").

Открытие Америки сделало Нидерланды крупным центром международной торговли. Росло самосознание народа, а вместе с ним усиливались национально-освободительные тенденции, что в последней трети 15 столетия привело к революции.

Самым значительным мастером реалистической нидерландской живописи XVI в. стал Питер Брейгель Старший. Брейгель с громадной силой и полнотой воссоздавал в своем творчестве жизнь, настроения и мироощущение народа в канун Нидерландской буржуазной революции. Известные работы: "Избиение младенцев", "Охотники на снегу", "Торжество правды".

В дальнейшем Питер Брейгель переходит к созданию несколько более сдержанных по цвету, отмеченных монументальностью и цельностью композиций, обобщенных картин крестьянской жизни.("Крестьянский танец"). Обилие фигур и деталей, острота контурного рисунка, яркая выразительность образов, звучность локальных цветовых пятен (в изображении фигур) сочетаются в творчестве Брейгеля с пространственной широтой композиции, с тончайшим ощущением тонального единства. Творчески переработав уроки итальянской живописи эпохи Высокого Возрождения и одновременно черпая многие свои темы из народных пословиц и притч, лубочных гравюр и листовок, Брейгель создавал глубоко народное искусство, опирающееся на местные традиции и фольклор. Мощное и темпераментное творчество Брейгеля оказало громадное влияние на современное ему нидерландское искусство и заложило основы развития искусства Голландии и Фландрии в XVII веке.

3. Живопись классицизма

Классицизм (от лат. classicus - образцовый), стиль и направление в литературе и искусстве 17 - нач. 19 вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в 17 в. во Франции. Лежащие в основе классицизма принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классицизма на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований. Закреплению теоретических доктрин классицизма, способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий - живописи и скульптуры и архитектуры. Классицизм 18 - начала 19 вв. (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения.

В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины; отмеченные возвышенностью философско-этического содержания. Строгая регламентация поведения героев. Четкое определение в связи с этим эталона позы, жеста, движения, выражения глаз, мимики. Чеканный композиционный ритм должен восприниматься как отражение разумного начала, умеряющего низменные порывы и придающего величие поступкам человека. Трехплановость построения и обязательная кулисность. Жесткие требования к рисунку: центральная перспектива; овальные формы; исключить параллельные линии и одинаковые углы. Приоритет линии над краской- четкий контур. "Скульптурность" элементов. Исключение резких цветовых контрастов и полное подчинение цвета линии и форме.

Крупнейшие представителями классицизма являются Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж.Л. Давид, Ж.О. Д. Энгр.

Основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма 17-го века - Пуссена Никола. С 1620-х годов живописец Никола Пуссен создавал картины высокого гражданственного звучания (картина "Смерть Германика"), поэтические композиции на литературные и мифологические темы, отмеченные возвышенным строем образов, эмоциональностью интенсивного, мягко сгармонизированного колорита. Господствующий в произведениях Никола Пуссена 1630-х годов ясный композиционный ритм воспринимается как отражение разумного начала, придающего величие благородным поступкам человека ("Аркадские пастухи"; "Нахождение Моисея"). С 1650-х годов в творчестве Пуссена усиливается этико-философский пафос. Развивая принципы идеального пейзажа, Никола Пуссен делает природу воплощением целесообразности и совершенства ("Пейзаж с Полифемом"; серия пейзажей "Времена года", "Аполлон и Дафна"). Вводя в пейзаж мифологические персонажи, олицетворяющие различные стихии, используя эпизоды библейский сказаний. В одном из лучших произведений на античную тему "Царство Флоры" (художник собрал персонажей эпоса Овидия, которые после смерти превратились в цветы (Нарцисс, Гиацинт и др.). Танцующая Флора находится в центре, а остальные фигуры расположены по кругу, их позы и жесты подчинены единому ритму - благодаря этому вся композиция пронизана круговым движением. Мягкий по колориту и нежный по настроению пейзаж написан довольно условно и больше похож на театральную декорацию.

Клод Лоррен - один из величайших мастеров классического пейзажа. Персонажами произведений художника являются в основном античные герои и действующие лица библейских сказаний. С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной, прозрачность чистого воздуха и даль, застилаемую лёгким туманом. В картине "Похищение Европы" он отразил полный и богатый образ природы. Сюжет, который художник раскрыл на фоне пейзажа, послужил лишь основой для написания морской панорамы.

Еще одной известной картиной Лоррена является "Ацис и Галатея". Произведение написано в классическом стиле, требующем соблюдения строгости, разделения пространства на ряд планов, в картине тщательно выверены пропорции, композиции деревьев обрамляют картину с обеих сторон, словно кулисы или рамка.

Последняя работа Лоррена - "Пейзаж с Осканием, стреляющим в оленя" (Музей в Оксфорде) закончена в год смерти художника и считается настоящим шедевром.

Крупнейшим представителем "нового классицизма" явился Жак-Луи Давид; Картина "Клятва Горациев" призывает к выполнению гражданского долга. Строгая правильность рисунка, ясный и лаконичный жест героическое содержание, археологическая верность костюмов, четкая светотеневая моделировка. Наиболее полно талант Давида раскрылся в годы революции. его предельно лаконичный и драматичный художественный язык с равным успехом служил пропаганде идеалов Французской революции ("Смерть Марата"1793) и Первой империи ("Посвящение императора Наполеона I"). К картине "Смерть Марата" художнику удалось, как никогда более органично, совместить в этой работе черты портрета и картины на историческую тему. Правая рука Марата все еще сжимает перо, хотя жизнь уже покинула его, в левой руке - письмо Шарлотты Корде. У нижнего обреза холста художник изобразил орудие убийства - обагренный кровью нож. Давид придал формам поистине скульптурную монументальность. в 1804 г. именно Давид становится "первым художником Наполеона".

Один из крупнейших представителей классицизма - Жан Огюст Доминик Энгр. Автор исторических, литературных и мифологических композиций выступал убежденным хранителем неприкосновенности академического идеала. Произведение "Послы Агамемнона у Ахилла", за которые Энгр получил "Grand Prix de Рота" говорит о том, что он полностью усвоил классицистическую систему: композиция строго логична, фигуры напоминают античный барельеф, цветовое решение подчинено рисунку. "Мадонна перед чашей с причастием", одна из наиболее известных работ художника. Картина была заказана Энгру будущим русским императором Александром II. застывшая иератическая поза и правильные рафаэлевские черты лица Мадонны перекликаются с католической иконографией. Живописный язык Энгра середины XIX в. поражает своей совершенной выверенностью и конструктивностью изображения. На академизм французского искусства оказали большое влияние поздние классицистические традиции живописца. Энгр всегда был далек от политики и не принимал участия в событиях 1830 г. во Франции. Но в это время он пишет замечательный портрет главы политической прессы того времени, владельца популярной газеты Луи Франсуа Бертена Старшего, могучего седого старика с умным, спокойным взглядом "хозяина жизни и обстоятельств".

Одно из самых значительных произведений, написанных Энгром в конце жизни, - "Источник". Это изображение юной девушки, держащей кувшин, из которого льется вода, - аллегорический символ вечного источника жизни.

В России классицизм сложился в 18 веке и сыграл важную роль в развитии национальной культуры. В изобразительном искусстве развитие классицизма тесно связано с учрежденной в 1757 г. петербургской Академии художеств. Сохраняя в той или иной степени черты идеализации, отвлеченности и аллегоризма, русские мастера исторической живописи классицизма - А.П. Лосенко, Г.И. Угрюмов, А.И. Иванов, А.Е. Егоров, В.К. Шебуев, в раннем творчестве - К.П. Брюллов и А.А. Иванов - пропагандировали просветительские идеи гуманизма, патриотического гражданского служения.

Основоположником академической школы живописи русского классицизма считают А. Лосенко. Одна из лучших картин живописца - "Прощание Гектора с Андромахой". Воспользовавшись отдельными мотивами античного эпоса, художник вложил в произведение иное содержание, полностью исходя из принципов классицизма. В основе замысла Лосенко лежит идея долга перед родиной и героического самопожертвования во имя отечества.

4. Европейская живопись 20 века

искусство культ ренессансный живопись

Художественная культура XX столетия - одна из самых сложных для исследования в истории всей мировой культуры. В 20 веке искусство приобретает совершенно особый характер, обусловленный глубочайшими переворотами в политической, экономической и общественной жизни целого ряда стран. Войны и революции начала века решительно изменили соотношение сил на мировой арене, создали новые рубежи в истории человечества. Cложность характеристики творческих процессов XX века состоит еще и в том, что именно это столетие дало жизнь множеству разных художественных направлений, подчас прямо противоположных. Все это обусловило переход мирового, "западного" искусства в новое качество, объединяемое понятием "модернизм".

Модернизм (от франц. moderne современный), в искусстве совокупное наименование художественных тенденций, утвердивших себя во второй половине 19 века в виде новых форм творчества, где возобладало уже не столько следование духу природы и традиции, сколько свободный взгляд мастера, вольного изменять видимый мир по своему усмотрению, следуя личному впечатлению, внутренней идее или мистической грезе. Наиболее значительными, часто активно взаимодействующими, его направлениями были импрессионизм, символизм и модерн. Другими направлениями были фовизм, экспрессионизм, кубизм, абстракционизм, сюрреализм. В советской критике понятие "модернизма" антиисторично применялось ко всем течениям искусства 20 века, которые не соответствовали канонам социалистического реализма.

Цели и устремления модернизма: Нигилистическая неприязнь к обществу, безверие и цинизм, особое "чувство бездны", часто отождествлявшегося с модернизмом, противоречиво соседствовали с конструктивными, "жизнестроительными" устремлениями, в особенности в сфере декоративно-прикладного искусства и архитектуры модерна (на базе которых непосредственно возник функционализм современного зодчества).

Абстракционизм (беспредметное искусство) - художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира, служит своей целью дать свободу неосознанному и хаотичному. В основе их метода рисования лежало стремление к "гармонизации", создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.

В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, на основе экспрессивномго сочетания красочных пятен и ломаных линий ("Импровизации №26"). Картины Пита Мондриана, представляют собой сочетания прямоугольников и линий, являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции в современной живописи. ("Композиция с красным и синим"). Малевич выступает как основоположник супрематизма (геометрические абстракции). История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию.

Футуризм (от латинского "футурум" - "будущее") особого модернистского течения в европейском искусстве 1910-1920-х годов. В своем стремлении создать "искусство будущего", футуристы встали в позу отрицания традиционной культуры с ее нравственными и художественными ценностями. Ими был провозглашен культ машинной урбанизированной цивилизации - больших мегаполисов, высоких скоростей, движения, силы и энергии. Футуризм имеет некоторые родственные черты с кубизмом и экспрессионизмом. Используя пересечения, сдвиги, наезды и наплывы форм художники пытались выразить дробящуюся множественость впечатлений современного им человека, городского жителя. Концепция человека у западноевропейских футуристов: В футуристическом манифесте "Искусство механизмов" говорится о двух ипостасях идеала нового человека. Это либо человек - робот, функционер, безликий винтик в механизме окружающего его мира и общества, либо личность, воплощающая идею сверхчеловека.

Футуризм зародился в Италии. Лидером и идеологом движения был литератор Филиппо Маринетти, скульптор и живописец Уго Боччони, живописцы Карло Карра, Джино Северини, Джакомо Балла.

Кyбизм - (франц. cubisme, oт cube - куб) направление в искусстве первой четверти XX века. Пластический язык кубизма основывался на деформации и разложении предметов на геометрические плоскости, пластическом сдвиге формы. Специфическим вариантом интерпретации кубизма на русской почве стал кyбoфyтypизм. Художники: Пикассо Пабло, Жорж Брак, Фернан Леже Робер Делоне, Хуан Грис, Глез Метценже.

Пуризм - (франц. purisme, от лат. purus - чистый) течение во французской живописи конца 1910-20-х гг. Отвергая декоративные тенденции кубизма и других авангардистских течений 1910-х гг., принятую ими деформацию натуры, пуристы стремились к рационалистически упорядоченной передаче устойчивых и лаконичных предметных форм, как бы "очищенных" от деталей, к изображению "первичных" элементов. Для работ пуристов характерны плоскостность, плавная ритмика лёгких силуэтов и контуров однотипных предметов (кувшинов, стаканов и т. п.). Основные представители - художник А. Озанфаном и архитектор Ш.Э. Жаннере (Ле Корбюзье).

Сюрреализм - космополитичное течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность - совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт.

Фовизм (от фр. fauve - дикий) - название течения во французской живописи 1905-1907гг., которое представляли А. Матисс, А. Марке, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Руо, М. Вламинк. Художественной манере фовистов были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема.

Экспрессионизм (от фр. expression - выразительность) - модернистское течение в западноевропейском искусстве, главным образом в Германии, первой трети 20 века, сложившееся в определенный исторический период - в преддверие первой мировой войны. Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура. Экспрессионистам свойственных тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам. Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций. Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейль, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуфф.

Русский авангард 1910-хгодов представляет довольно сложную картину. Он характерен стремительной сменой стилей и направлений, изобилием групп и объединений художников, каждое из которых провозглашало свою концепцию творчества. Кандинский В.В., Ларионов М.Ф., Малевич К.С., Филонов П.Н., Татлин В.Е.

Кубофутуризм Локальное направление в русском авангарде (в живописи и в поэзии) начала XX в. В изобразительном искусстве кубофутуризма возник на основе переосмысления живописных находок, кубизма, футуризма, русского неопримитивизма. К. Малевича, Гончаровой, Бурлюком.

Неопластицизм - одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение "Стиль". Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к "универсальной гармонии", выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Постмодернизм - общий культурный знаменатель второй половины XX века, Возникший как антитеза модернизму. Постмодернизм (постмодерн, поставангард) (от лат. post "после" и модернизм), совокупное название художественных тенденций, особенно четко обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся радикальным пересмотром позиции модернизма и авангарда. Цели и устремления: Отвергнув возможность утопического преобразования жизни с помощью искусства, представители постмодернизма приняли бытие таким, как оно есть и, сделав искусство предельно открытым, наполнили его не имитациями или деформациями жизни, но фрагментами реального жизненного процесса.

Абстрактный экспрессионизм послевоенный (кон. 40-х - 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. В 1929 г американец Барр применил его для характеристики ранних работ Кандинского, а в 1947 г. назвал "абстрактно-экспрессионистскими" работы Виллема де Кунинга и Поллока. Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются ранний Кандинский, экспрессионисты, орфисты, отчасти дадаисты и сюрреалисты с их принципом психического автоматизма. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как саморисование. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.

Реди-мейд (англ. ready-made - готовый). Термин впервые введенный в искусствоведческий лексикон художником Марселем Дюшаном для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства.

Поп-амрт (англ. pop-art, сокращение от popular art) - направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман,Клас Олденбург, Энди Уорхол.

Примитивизм, так обозначается изобразительное искусство, отличающееся простотой.

Нет-арт (Net Art - от англ. net - сеть, art - искусство) Новейший вид искусства, современных арт-практик, развивающийся в компьютерных сетях, в частности, в сети Интернет.

ОП-АРТ - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. В. Вазарели

Граффити (от итал. graffiare - царапать) Так обозначаются произведения субкультуры представляющие собой в основном крупноформатные изображения на стенах общественных зданий, сооружений, транспорта, выполненные с помощью разного рода пульверизаторов, аэрозольных баллончиков с краской.

Гиперреализм (hyperrealism - англ.), или фотореализм (photorealism - англ.) - худож. течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности.

Лэнд-арт (от англ. land art - земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места. Джеймсом Труеллом, Дэвид Тремлетт.

Минимализм (minimal art - англ.: минимальное искусство) - худож. течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм. К. Андре, М. Бочнер, У. Де Мариа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

5. Поиски своей темы: Репин, В. Васнецов, Ярошенко

Репин - великий украинско-русский художник-живописец, мастер портрета, исторических и бытовых сцен[1]. Академик Императорской Академии Художеств. С его творчеством связаны высшие достижения реализма второи половины 19в. Репин член группы "передвижников", товарищества молодых художников, которые порвали с академическими канонами и стали приверженцами реалистического направления (реализм) в русской живописи. "Передвижники", стремясь своим творчеством служить народу, устраивали передвижные художественные выставки.

Произведением, сразу выдвинувшим Репина в первый ряд русских художников, стала картина "Бурлаки на Волге" 1873 пробуждавшая страдания к угнетённому рабским трудом народу. Картина впечатляет и яркой выразительностью натуры, и грозной силой протеста, зреющей в этих изгоях общества.

Расцвет творчества Репина падает на конец 70-х -начало 90-х годов, совпадая со временем расцвета русской демократической живописи. В этот период Репиным была создана большая часть его лучших работ - картин на темы из жизни народа и революционно-освободительной борьбы, исторических полотен, портретов. Но центральным произведением этого времени, да и всего творчества Репина в целом, стала картина "Крестный ход в Курской губернии" (1880-1883). Народная тема, начатая "Бурлаками", получила в этой картине многостороннее и широкое истолкование. Замысел произведения возник в 1877 году в Чугуеве, где Репину довелось наблюдать красочную процессию сельского крестного хода, но окончательно оформился значительно позже, после поездки в Курскую губернию славившуюся своими многолюдными и торжественными крестными ходами. Работа над картиной длилась несколько лет и была завершена только в 1883 году. Сюжет крестного хода увлек Репина своей колоритностью, возможностью охватить широкий пласт жизни русской провинции, развернуть перед зрителем великое множество человеческих характеров и социальных типов.

Позднее он обращается к теме революционной борьбы ("Отказ от исповеди", 1879-1885 гг., "Не ждали", 1884-1888 гг.). В центре образов - борец с самодержавием, героически непреклонный, но в то же время трагически отчужденный от окружающей его человеческой среды.

Чрезвычайно важную часть репинского наследия составляют и его портреты. Он создает замечательные, острохарактерные типажные композиции ("Мужичок из робких"),1877. Живая, трепетная убедительность образа (как в портрете Мусоргского 1881 г., где великий композитор представлен тяжело больным), портреты В.В. Стасова (1873г.), ЛН. Толстого (1887 г.).

Наряду с картинами на современные темы большое место в творчестве Репина занимала историческая живопись. Психолога Репина прежде всего интересовали сильные человеческие характеры, столкновения страстей, патетика чувств, находящая выражение в яркой экспрессии лица, драматические конфликты. Художник ищет остродраматические ситуации, чтобы представить человека в момент наивысшего напряжения его страстей "Иван Грозный и сын его Иван" (1885 г.). Это самая неоднозначная, психологически напряженная и выразительная работа живописца.

Темпераментная кисть Репина насыщает мощной эмоциональной силой и исторические образы "Запорожцы пишут письмо турецкому султану" (1891 г.) - сложная многофигурная композиция, в которой мастер добился впечатления свободы и удали. Части картины продуманы и точно сопоставлены друг с другом, благодаря чему в ней нет главных ролей - все персонажи равноправны. Художник выразил сплоченность, равенство и братство запорожцев - важные особенности жизни этого народа.

Последний высокий взлёт Репинского таланта относится к началу 20в, когда художник работает над грандиозным портретом-картиной - "Торжественное заседание Государственного совета". Эта картина - правительственный заказ, над которым Репин работал с помощью своих учеников. Грандиозное полотно - уникальное и по количеству изображенных лиц (81), и по размерам, - впечатляет импозантной торжественностью и подлинной жизненностью.

Подлинный гражданский пафос, демократизм, выражающийся не только в глубоком понимании и изображении народной жизни, но в ясности и доступности самого изобразительного языка, высочайшее реалистическое мастерство, правда характеров, интерес к животрепещущим вопросам современности - залог непреходящей ценности искусства Репина.

Васнецов - великий русский художник-живописец, архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи, основоположник особого "русского стиля" внутри общеевропейского символизма и модерна. На раннем этапе в работах Васнецова преобладали бытовые сюжеты, Живописец Васнецов преобразовал русский исторический жанр, соединив мотивы средневековья с волнующей атмосферой поэтической легенды или сказки; впрочем, и сами сказки зачастую становятся у него темами больших полотен. Цвет на этих картинах является только второстепенным инструментом, лишь помогающим максимально мощно выразить высокую концентрацию образной энергии. Несмотря на весомый духовный посыл, произведения Виктора Михайловича глубоко лиричны, романтичны и весьма самобытны по стилистике. Полностью перейдя к историческим и сказочным сюжетам, художник Васнецов создал новое, "национальное" направление в современной ему российской живописи. Среди этих живописных былин и сказок Васнецова - картины "Витязь на распутье" (1878), "После побоища Игоря Святославича с половцами" (1880), "Аленушка" (1881),"Три богатыря" (1898), "Царь Иван Васильевич Грозный" (1897). Иван Царевич на сером волке. Некоторые из этих произведений ("Три царевны подземного царства", 1881,) представляют уже типичные для модерна декоративные картины-панно, переносящие зрителя в мир грез.

Картина "Витязь на распутье" была написана В.М. Васнецовым под влиянием русской народной сказки "Илья Муромец и разбойники". Илья Муромец сидит на мощном боевом коне белого цвета и вооружен копьем, булавой, щитом и луком с колчаном, полным стрел. Вся его фигура монументальна, она выражает уставшую решимость. Общее настроение картины подчеркивает мрачный задний фон.

В оформлении спектаклей Частной русской оперы С.И. Мамонтова Васнецов стремился воссоздать колорит русской старины, поэтическую атмосферу народной жизни, её светлую задушевную красоту (декорации и костюмы к опере "Снегурочка" Н.А. Римского-Корсакова по пьесе-сказке А.Н. Островского, 1886; к "Русалке" А.С. Даргомыжского, 1884).

Принципы "русского стиля" мастер развивал также в области архитектуры и дизайна: по эскизам Васнецова, стилизующим древнерусскую старину, в Абрамцево были возведены церковь Спаса Нерукотворного (1881-1882) и Избушка на курьих ножках (1883), а в Москве - памятный крест на месте убийства великого князя Сергея Александровича в Кремле (1905, уничтожен при советской власти, воссоздан на территории московского Новоспасского монастыря) и фасад Третьяковской галереи (1906).

Самым же значительным монументально-декоративным свершением художника явились росписи киевского Владимирского собора (1885-1896); в них Васнецов стремился обновить византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало. После 1905 года Васнецов примыкает к монархическому "Союзу русского народа", оформляя в славянских мотивах издания этой организации. Октябрьскую революцию Виктор Михайлович Васнецов, как убежденный монархист и славянофил, не принял.

После 1917 года Васнецов продолжал работать над народными сказочными темами, создавая полотна "Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем" (1918); "Кощей Бессмертный" (1917-1926).

Н.А. Якушенко - русский и украинский живописец и портретист. Родился в Полтаве в семье военного. Военный по образованию и по службе. Н.А. Ярошенко был одним из "передвижников". Более десяти лет вместе с И.Н. Крамским руководил ТПВХ, а после смерти последнего стал его идейным преемником. Мировоззрение Ярошенко как человека и художника формировалось под влиянием идей русских революционных демократов и искусства передвижников, что и определило острую социальную направленность его творчества.

Значительное место в творчестве Ярошенко занимают портреты; он написал их около ста. Художника привлекали люди интеллектуального труда: прогрессивные писатели, ученые, художники, актеры, лучшие представители современности, писать которых Ярошенко считал своим общественным долгом. Ученик Крамского, он видел задачу портретиста прежде всего в том, чтобы познать психологию человека. Лучшие из этих произведений - портреты П.А. Стрепетовой (в Третьяковской галерее), Д.И. Менделеева, В.С. Соловьева, А.М. Унковского, В.Д. Спасовича,Г.И. Успенского, А.Н. Плещеева и К.Д. Кавелина.