Искусство рубежа ХІХ-ХХ веков

Размещено на http://www.allbest.ru/

Краснодарский краевой художественный музей имени Ф.А. Коваленко

Научно-справочный материал к лекции:

Искусство рубежа ХЙХ-ХХ веков

Краснодар

2014



1. Мировое искусство рубежа ХЙЧ-ХХ веков

Целью Данной лекции является знакомство старшеклассников с художественными тенденциями и новыми течениями в живописи и скульптуре, которые сложились в мировом искусстве на рубеже ХЙЧ и ХХ веков.

Тема исследования обусловлена особенностями современного состоя-ния искусства, Стиль постмодерна, главенствующий в современном искусстве актуализирует выбор темы. Человек, находясь в контексте современной медиакультуры, которая переполнена аллюзиями на образы прошлых веков, может терять множество смысловых знаков, не понимая их значения, и все лишь оттого, что он в полной мере не осведомлен фактами из теории и истории искусств.

Задачей лекции является:

дать полноценный краткий обзор политической, научной и социальной ситуации, сложившейся в конце ХЙЧ в., которые открыли новый путь изобразительному искусству;

дать исчерпывающую информацию об основных направлениях, зародившихся в этот период, объяснить различие между искусством модернизма и авангарда;

После общего обзора уделяется внимание каждому художественному направлению, сначала выделяя особенности каждого стиля в отдельности, представляя художников, приверженцев данного течения, описывая их биографические данные, краткий экскурс по их творческому пути, их индивидуальные особенности;

Демонстрация визуальной составляющей лекции, а именно подговоренный материал, сопровождающий общий рассказ. Каждый последующий слайд соответствует определенному художнику и его работе;

Выстраивание логической цепочки, понятной школьникам, которая четко прослеживает предпосылки и причины возникновения того или иного направления в живописи, указание на необходимость применения тех или иных средств выразительности, демонстрация на проектируемых репродукциях характерных особенностей тех или иных художников.

2. Общие тенденции искусства конца ХЙХ начала ХХ века

Под влиянием общих мировых волнений в искусстве начала ХХ века произошли кардинальные изменения. Развитие индустриального общества, становление конституционного уклада в ряде европейских стран, начало научно-технической революции, все это коснулось искусства, которое всегда является зеркалом, отражающим социальные настроения. Начинается поиск новых форм, стилей, идейно-художественных принципов.

Художественное творчество всегда отражает содержание своего времени, а художественный образ -- всегда открытие нового. Вместе с тем, художественное мышление исторично. Художник живет не в своем времени, а выражая актуальные идеи, свободно перемещается в историческом пространстве. Уникальное сочетание историзма художественного мышления и новизны композиции определяет главную особенность художественного творчества. Подлинно художественные произведения, созданные в любую историческую эпоху и в любом стиле, остаются вне временных рамок, и не теряют своей актуальности.

Искусство ХХ века продолжает развивать практически все известные способы художественного постижения мира. В связи с огромным разнообразием художественных направлений, стилей, характеризующих Новейшую эпоху, мы рассмотрим сначала особенности искусства рубежа ХЙХ-ХХ веков.

Наиболее значительные направление эпохи модернизма:

Импрессионизм,

Неоимпрессионизм,

Постимпрессионизм,

Экспрессионизм,

Модерн - символизм.

Авангард:

Фовизм,

Кубизм,

Футуризм,

Абстракционизм.

Главная цель художников модернистических направлений: создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира и несущих новые выразительные средства изобразительного языка.

Модернизм - достаточно условное обозначение периода культуры конца ХIХ - середины ХХ в., от импрессионизма до экспрессионизма. Не следует путать искусство Модернизма и авангардное искусство, хотя порой грань между ними провести трудно. Чаще всего, к модернизму причисляют такие направления искусства как символизм, модерн, нео- и пост- импрессионизм, экспрессионизм. Типичными искусствами авангарда являются фовизм, кубизм, футуризм, сюрреализм, дадаизм. Главное различие между модернизмом и авангардом заключается в том, что хотя оба направления стремятся создать нечто принципиально новое, но модернизм рождает это новое исключительно в сфере художественной формы. Авангард затрагивает и само отношение к живописи, ее смысловое наполнение, и выразительные средства, делая особенный упор на последней. Авангард невозможен без активного "художественного антиповедения", без скандала, эпатажа. Модернизму это все не нужно.

Дата зарождения импрессионизма 1863г. - год открытия в Париже «Салона отверженных», в котором выставили свои работы художники, отвергнутые официальным салоном. Были представлены работы таких художников как Э. Мане, К. Писсарро, П. Сезанна, и т.д.



3. Импрессионизм. К. Моне «Впечатление. Восход солнца»

Импрессионизм - возник во Франции в последней трети 19в. Выставка импрессионистов, проведенная еще в 1874 году, была коллективным вызовом официальному академическому искусству, Салону, критике и консервативно настроенной публике.

Художественное течение было ознаменовано работой Клода Моне «Впечатление» - на работе изображен вид на гавань, окутанную розовым туманом, сквозь который проступает солнечный свет. Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей журнальной статье назвал художников «импрессионистами» для выражения своего пренебрежения. Название прижилось и потеряло свой первоначальный отрицательный смысл. Слово «впечатление» дало характеристику целого направления.

На примере работы К. Моне «Впечатление. Восход солнца» продемонстрировать принципиальные различия нового течения от классической реалистической живописи.

Характерные черты импрессионистической живописи:

- предпочитались пейзажи и сцены из городской жизни;

- писались работы «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков;

-импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях.

Художественный метод:

- разложение сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра;

- цветные тени;

- накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины;

- светлость и легкость красок;

- эскизный быстрый характер мазков;

- эффект живого мерцания красок;

- использовали цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым.

Художники-импрессионисты ставили акцент на самоценности живописи. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы. Поэтому переливаются краски даже там, где все однотонно, пластика присутствует даже там, где нет движения.

4. Импрессионизм в России. К. Коровин «Гавань в Севастополе», «Девушка на пороге»

Константин Александрович Коровин (родился в 1861 году). Первоначальное образование получил у Саврасова, после его ухода пейзажный класс в училище возглавил Василий Поленов. Позже, Коровин так отзывался о своем втором учителе: «Поленов так заинтересовал школу и внес свежую струю в нее, как весной открывают окно душного помещения. Он первый стал говорить о чистой живописи, как написано, говорил о разнообразии красок». Поленов стал рассказывать ученикам и об искусстве импрессионистов, а возможно, и показывать им фотографии с их работ. Во всяком случае, в 1883 году Коровин создал произведение, которое с полным правом будет названо впоследствии «первой ласточкой» импрессионизма в России.

В собрании нашего музея находятся восемь его произведений, имеющих неопровержимую эстетическую ценность. Для Коровина вопрос КАК писать, всегда был важнее проблемы ЧТО писать. Любой мотив заслуживал внимания, если заключал в себе хоть искру красоты.

«Девушка на пороге» - относится к раннему периоду творчества К. Коровина. Модель остановилась всего лишь на секунду, но для художника этого оказалось достаточно, чтобы запечатлеть движение и прозрачность воздуха. Свет, падающий на модель из сада, растворяет четкие линии, окружая ее сиянием и летним воздухом. Фигура словно растворяется в пейзаже. «Гавань в Севастополе»- Художник одновременно пишет и рисует кистью. Этюд создан на одном дыхании. Впечатляющий ритм вытянутых мазков собирает воедино форму и колорит образа.

5. Импрессионизм в России. Ю. Жуковский «Интерьер», В. Тихов «Купальщицы»

Станислав Юлианович Жуковский «Интерьер».

Русский художник польского происхождения, родился в 1867, крупный мастер интерьерной живописи. В интерьерах Жуковского нет ни человеческих фигур, ни бытовых сцен. Основное - это природная среда, неразрывно связанная с интерьером. От его интерьеров веет ретроспективизмом и ностальгией по старинным дворянским усадьбам. Интерьеры одновременно кажутся и жилыми и музейными. Жизнеутверждающее настроение вызвано здесь потоком солнечного света, который образует цветовой мозаикой яркие блики на подоконнике и на полу. Интерьер предстает не как место беззаботного времяпрепровождения в мире красивых вещей, но как памятник истории и искусства.

Виталий Гаврилович Тихов «Купальщицы».

Родился в 1876 г. в Киевской губернии. Живописец, жанрист, пейзажист. За эту работу получил звание художника и право на заграничную поездку. Одним из любимых мотивов живописи было изображение обнаженной натуры. Он не думал аллегориями, его работы это скорее этюды с натурщиц. Автор стремиться подчеркнуть красоту и бледность нежной кожи. Картина привлекает внимание звучностью красочной гаммы. Прослеживается импрессионистическая свежесть и декоративность письма.

6. Эдгар Дега «Голубые танцовщицы»

Эдгар Дега (Эдгар Жермен Илер Дега), французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения.

Родился 19 июля 1834 года в Париже, в аристократической семье. Интерес к рисованию поддерживал в нем отец, который сам интересовался искусством. Предприняв несмелую попытку стать юристом, Эдгар решил уделить самое серьезное внимание занятиям живописи. Имея богатого отца, который поддерживал стремление сына к славе, Дега не испытывал финансовых трудностей, которые, как правило, сопровождают на ранних стадиях любого начинающего художника. Эдгару не нужно было думать о средствах к существованию, и он имел возможность спокойно изучать живопись так, как ему того хотелось.

В 1854 году Дега учится живописи в мастерской художника Ламота. Через год он поступил в Школу изящных искусств. В это время Дега много путешествовал, в том числе и по Италии, где изучал классические принципы композиции, а также знакомился с шедеврами мастеров Итальянского Возрождения. В 1860-е годы Эдгар Дега открывает мастерскую в Париже. В то время он занимался в основном портретной живописью. В 1862 году молодой художник познакомился с Эдуардом Мане и другими импрессионистами, которые оказали на него большое влияние. Дега начинает писать сцены из городской жизни, изображает быт театров и кафе. Во время поездки в Нормандию художник был очарован лошадьми, которых он впоследствии довольно часто изображал на своих картинах. Ещё одной «визитной карточкой» Дега стал балет. Он часто часами наблюдал за танцовщицами, делая набросок за наброском. Одним из самых известных произведений, созданных художником в 1870-е годы, является картина «Танцевальный класс» (1872). Работы Дега 1880-х годов отражают его увлечение японской гравюрой и фотографией. Тогда же Дега обращается к технике пастели. Он часто изображает женщин из народа. Знаменитый художник-импрессионист Эдгар Дега скончался 27 сентября 1917 года в Париже. Согласно его последней воле похороны прошли скромно, хотя проводить Дега в последний путь собралось много старых друзей, среди которых были Клод Моне и художник Жан-Луи Форен.

«Голубые танцовщицы»

Полотно «Голубые танцовщицы» лучшее из серии картин обнаженных женщин. Картина написана любимой художником пастелью. На картине четыре балерины в голубых балетных пачках переданы в ракурсе «вид сверху». Благодаря этому мы словно бы захвачены их занятием: за кулисами, в ожидании выхода, балерины поправляют наряды. Искусно переданное движение танцовщиц создает ощущение танца, который как бы вовлекает зрителя в его поэтичную пластику. Здесь, как и в некоторых других его работах, сказалось увлечение Дега фотографией, что заметно по асимметричности композиции и спонтанности обреза краев изображения.

7. Неоимпрессионизм. П. Синьяк «Гавань в Марселе», «Сосна, Сен-Тропе»

От греческого «неос» - «новый». Суть метода неоимпрессионизма основана на законе оптического восприятия. Художники перестали смешивать цвета на палитре, а стали наносить основные составляющие в определенных сочетаниях на полотно. Так же течение получило название «пуантилизм». Пуантилизм от франц. «точка». Чистые цвета наносятся отдельными маленькими мазками, похожими на точки. Главные представители: Жорж Сера и Поль Синьяк.

Поль Синьяк (1863--1935) был родом из состоятельной семьи. Рано начал заниматься живописью, увлёкся импрессионизмом. Синьяк одновременно с Сёра выставил в «Салоне отверженных» пейзажи, написанные в импрессионистической манере. Знакомство художников положило начало неоимпрессионизму.

После посещения в 1879г. четвертой выставки импрессионистов, и выставок К. Моне (в 1880г., 1883г.), произведших на него сильное впечатление, Синьяк начинает всерьез заниматься живописью, подражая импрессионистам. Энергичный и общительный, он в 1884г. принимает деятельное участие в организации Общества независимых художников, девиз которого: "ни жюри, ни наград". Знакомится с Сёра, и с энтузиазмом воспринимает его стремление сочетать открытия импрессионистов с научно обоснованными закономерностями взаимоотношения цвета и света. Становится пропагандистом и теоретиком идей "неоимпрессионизма", основанного на научных открытиях XIX в. в области теории цвета, гармонии и т. д. Изучает труды Э. Шевреля, Г. Л. Ф. Гельмгольца и др. Удостоверившись в том, что звучность и яркость цвета усиливается в том случае, когда краски не смешиваются друг с другом на палитре, а, накладываются на холст мелкими мазками, дают нужный тон, оптически сливаются под взглядом зрителя, художники начинают писать раздельными точками чистого цвета. Мазки чистого красящего пигмента разнообразны по размеру и форме, по густоте слоя, все это придает цветовой фактуре выразительность и живописность.

«Сосна»

Особенно хороши пейзажи Синьяка. В центре картины художник изображает дерево с развесистой кроной, занимающее почти все пространство холста. Раскинувшись на фоне голубого неба, крона словно подчиняет все окружение своему движению. Вместо точечных мазков одинаковой формы Синьяк, усло-жняя живописную фактуру, придает им разнообразную форму и направлен-ность: мазки то стелются по земле, то вытягиваются, передавая гибкость ветвей. Он пишет царственно-прекрасную сосну, игольчатая крона которой и красный ствол пламенеют в лучах заходящего солнца, переливаясь всеми цветами.

Гавань в Марселе. Чудесно пишет наполненные воздухом и светом марины. Художник мастерски передает тончайшие оттенки лучезарно-голубого, светлеющего к горизонту неба, бесконечно подвижную, искрящуюся разноцветными бликами и рефлексами стихию воды, паруса, надутые ветром, изменчивые, неуловимые очертания облаков. Отойдя от импрессионизма, неоимпрессионизм превратился в художественное течение, отразившее одну из сторон творческих поисков конца XIX в. Интеллектуальность и новый подход к технике живописи не только превратили пуантелизм в значительное явление искусства, но и позволили ему влиять на художественную жизнь начала XX столетия.

8. Постимпрессионизм. П. Сезанн «Яблоки и апельсины», П. Гоген «Жена короля»

Постимпрессионизм (от французского слова postimpressionisme) - направление в мировой живописи возникшее в конце 19 века, вследствие упадка популярности импрессионизма и является естественным продолжением развития этого течения. Главное отличительной чертой постимпрессионистов было то, что они отошли от передачи мгновенно-чувственной картины окружающего мира и пытались передать зрителю глубинный философский смысл бытия и пространства. В конце столетия четыре художника громко заявили о себе, подводя итог искусству 19-го столетия и прокладывая путь в будущее. Это были: Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Анри де Тулуз-Лотрек. Они не были объединены в единую группу, однако двигались к одной цели - познанию истинной сущности вещей, скрывающейся под их внешностью.

Сезанн, Ван Гог и Гоген, не найдя гармонии в современном обществе, обратились к природе, ища в ней успокоения. В отличие от импрессионистов они стремились запечатлеть не мгновения, а вечность. Постимпрессионисты как будто видели не только явные, но и скрытые силы, тайные законы мироздания.

Поль Сезанн (1839-1906) - французский художник, родился в Экс-ан-Прованс. Личность Сезанна известна как лидирующая фигура искусства ХХ века, внесшая вклад в революцию абстракционизма. С раннего детства Поль был другом Эмиля Золя, который поддерживал творчество Сезанна. В 1861 году художник отправился в Париж, где встретился с Камилем Писсаро. Известный импрессионист сильно повлиял на развитие Сезанна как художника. Ранние работы в биографии Поля Сезанна отмечены частым использованием мастихина (лопатки). Так Поль создавал густо текстурированные, сильно деформированные формы, фантастические, мифические сцены. Столь импульсивная живопись проявилась также в последующих стилях художника, как будто предчувствуя экспрессионистскую манеру 20 века. Сезанн познакомился с творчеством Мане, и других импрессионистских художников. После 1870 года он увлекся использованием цвета для передачи перспективы. Однако устойчивый, распространяемый свет в его работах чрезвычайно далек от импрессионистской манеры переходящих световых эффектов. Сезанн пытался найти «восстановленную природу» путем упрощения форм к базовым геометрическим эквивалентам, используя свет и значительное искажение сущности пейзажа. В своей биографии Поль Сезанн развивал новый тип пространственных образцов. Вместо стандартных фокусировок на перспективе, он изображал объекты с меняющихся точек обозрения. Сезанн создал эффект колеблющейся системы, играя перпендикулярными плоскостями, нежно перемещая тона и цвета.

Во всех работах Сезанна открывается почтение к чистоте, достойности простых форм путем изображения их с почти классической структурной устойчивостью. Более поздние работы в биографии Поля Сезанна в большинстве случаев - натюрморты, фигуры мужчин, периодически природные объекты. Среди этих работ известен натюрморт с яблоками. Пытаясь сохранить твердую основу, в своих работах художник казался более свободным, спонтанным. Сезанн использовал масляные краски, акварель, чертящие средства, часто делая несколько вариантов работы.

«Натюрморт с яблоками и апельсинами»

Художник подчинял композицию на холсте внутреннему единству предметов. Он утверждал: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра. Надо учиться писать в этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все что захотите». Цвет в натюрмортах Сезанна, так же как и в пейзажах, всегда несет энергетический заряд. Влияние Сезанна на дальнейшее направление развития искусства, в основном кубизма, громадно. Его теории породили новую школу эстетического критицизма, особенно в Англии. Именно этот факт возвышает биографию Поля Сезанна над другими французскими мастерами того времени. Коллекция его картин представлена в Лувре, музее «Метрополитен», музее современного искусства в Нью-Йорке, музее «Фонд Барнса» города Мерионе.

Основные черты творчества Сезанна: выделение предметов контурной линией; сознательное деформирование предметов; в его натюрмортах фрукты и посуда приближались к простым геометрическим фигурам; продуманные и устойчивые композиции, где каждая часть составляет часть единого целого.

Поль Гоген

Поль Гоген (1848-1903) - французский живописец, скульптор, мастер керамики, гравер, крупнейший представитель постимпрессионизма. Родился в семье журналиста. Специального образования не получил. Жил в Лиме, Орлеане, Париже, Руане, Копенгагене, Понт-Авене, на острове Мартиника. Учился в академии Коларосси.

Совмещал в своих работах действительность и миф, создавая иную реальность - непосредственную и чистую. Покинул Париж, отправившись жить на Таити. Здесь он искал естественную жизнь, не тронутую цивилизацией, стремясь слиться с ней, вернуться к древним корням человечества. На Таити стиль художника приобрел законченную форму. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся главными героями картин.

Картину «Королева, жена короля» считают одной из наиболее важных работ Гогена, написанных им во второй таитянский период. Правда, сам художник с горечью писал в письме о бессмысленности отправки этого полотна во Францию, т. к. предыдущие его работы никто не покупал и, кроме этого, одной из причин было желание избежать «суматохи», связанной с его полинезийскими картинами. На полотне изображена его таитянская жена, 13-летняя Техура. В величавой позе юной «королевы», прослеживается параллель с «Олимпией» Мане или тициановской «Венерой», при этом композиция Гогена явно упрощена. В своей работе, он как бы вступил в открытую полемику с изобразительными традициями Европейской школы.

В целом, на зрителя смотрит земная Ева в образе таитянской девушки. Свидетельствуют об этом и красочная природа, и змей-искуситель, а также древо познания Добра и Зла.

9. Ван Гог «Красные виноградники в Арле», «Портрет доктора Гаше»

Винсент ван Гог (1853 - 1890) - художник, работавший в стиле постимпрессионизма. Родился Винсент 30 марта 1853 года в Нидерландах. Первое образование в биографии Винсента ван Гога было получено в семилетнем возрасте в деревенской школе. Спустя год он стал обучаться дома. А уже в 1864 году Винсент покинул дом, став учиться в школе-интернате. Через два года он перешел в колледж Тилбурга, где получил первые уроки живописи. Но в 1868 году он, не выдержав разлуки, возвращается домой. 1869 год в биографии ван Гога обозначен началом работы (в художественно-торговой фирме в Гааге). Через четыре года его перевели в Лондонский филиал той же фирмы. Там он стал очень успешным дилером. Естественно, постоянный контакт с живописью во время работы оставил след в биографии ванн Гога. Он начал разбираться в живописи, ценить ее. В 1876 году он оставляет компанию, в которой проработал много лет, решив стать проповедником. В Англии Винсент недолгое время проработал учителем, помощником пастора. Увлекшись Библией, ван Гог делал небольшие зарисовки на религиозные темы. В 1878 году ван Гог прошел трехмесячное обучение проповеди, а затем полгода был миссионером. Близко принимая к сердцу страдания других, ван Гог ведет подобный им образ жизни: отказывается от удобств, раздает имущество. Увлечение искусством в биографии Винсента ван Гога активно проявляется с 1880 года. Он посещает Брюссельскую, Антверпскую академию художеств, затем художественную студию. Ван Гог пишет много картин в то время, причем стиль его меняется к 1886 году - цвета на полотнах становятся чище. В 1888 году после переезда в Арль ван Гог снова меняет стиль, но сохраняет характерную динамику мазка. Великий художник в результате психической болезни лечился в больнице для душевнобольных, а 29 июля 1890 года покончил с собой. На полотнах Ван Гога обыденные предметы. Люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние. Природа предстает в одухотворенном виде.

«Красные виноградники».

Лимонно - оранжевым диском висит солнце над полыхающими красным огнем виноградниками, излучая жар. Солнце похоже на нимб сеятеля, его лучи согревают землю, принимающую семена.

«Портрет доктора Гаше».

Возможно это лучший из портретов, написанных Ван Гогом. Поль Гаше сидит поотперев голову рукой, его взгляд неподвижен, он погружен в глубокое раздумье. Композиция построена по диагонали, фон и силуэт персонажа вызывают ощущение внутреннего беспокойства, напряжения. О чем думает доктор Гаше - о жизни и смерти, о судьбе человека* эти вопросы волновали самого художника. Но так и остались для него без ответа.

10. А. Тулуз-Лотрек «Ла Гулю с двумя подругами в Мулен Руж», «Обучение танцу в Мулен Руж»

ТУЛУЗ-ЛОТРЕК Анри Мари Раймон де (1864-1901) - французский живописец, один из ярчайших представителей постимпрессионизма. Родился в старинной дворянской семье. В детстве, дважды упав с лошади, сломал обе ноги и на всю жизнь остался калекой. Этот физический недостаток наложил отпечаток на дальнейшую жизнь художника. Интерес к рисованию пробудился под влиянием художника Р. Пренсето. Учился у Л. Бонна (1883) и Ф. Кормона (1884- 1885). Большое влияние на формирование его творческой манеры оказало искусство Э. Дега и японской гравюры.

Ранние работы художника, на которых изображены в основном его близкие друзья и родственники, написаны с использованием импрессионистической техники, но стремление мастера максимально правдиво, иногда даже беспощадно, передать индивидуальную характеристику каждой своей модели говорит о принципиально новом понимании им образа человека. В дальнейшем А. де Тулуз-Лотрек совершенствует способы и методы передачи психологического состояния моделей, сохраняя при этом интерес к воспроизведению их неповторимого облика («Ла Гулю, входящая в Мулен Руж с двумя женщинами» 1892). Сатирический взгляд художника на мир театра, ночных кафе, артистической богемы Парижа и опустившихся завсегдатаев притонов находит свое выражение в гротесковом преувеличении, которым он пользуется при написании таких картин, как "Танец в Мулен-Руж" (1890). Для современников А. де Тулуз-Лотрек был прежде всего мастером психологического портрета и создателем театральных афиш. Все его портреты можно условно разделить на две группы: в первой модель как бы противопоставлена зрителю и смотрит ему в прямо в глаза, во второй она представлена в привычной для себя обстановке, отражающей ее повседневные занятия, профессию или привычки. Для того чтобы все внимание зрителя было сконцентрировано на внутреннем мире его модели, он делает ее внешние черты менее резкими, расплывчатыми, использует абстрактный фон, а в более поздних картинах - пейзаж или некоторые предметы быта и обстановки, раскрывающие истинную сущность своих персонажей.

А. де Тулуз-Лотрек никогда не интересовался проблемой воздействия света на поверхность изображаемых предметов, но постепенно его палитра светлеет, а утонченное сочетание нескольких цветов, в основном зеленого и фиолетового, станет визитной карточкой большинства его работ. Он никогда не приукрашивал свои модели, но в его даже самых "грубых" портретах всегда чувствуется симпатия художника, выраженная в сжатой форме несколькими энергичными мазками. Тулуз-Лотрек внес большой вклад в становление жанра афиши, его творчество было высоко оценено его современниками. Всего за свою жизнь он нарисовал около 30 афиш, в которых наиболее ярко выразился его великолепный талант рисовальщика. Художник блестяще владеет линией, заставляет ее прихотливо извиваться по контуру модели и по велению момента, создавая произведения, отличающиеся изысканной декоративностью. Особенную выразительность имеют большие одноцветные поля его картин. В июле 1901 покидает Париж, чтобы провести лето на атлантическом побережье. В августе, после инсульта, Лотрека парализует. 9 сентября скончался в родовом поместье неподалеку от Бордо.

11. П. Кончаловский «Натюрморт», А. Лентулов «Пейзаж»

Петр Петрович Кончаловский.

Родился 21 февраля 1876 года в городе Славянск Харьковской области. Образование в области искусства живописи он начал получать еще в рисовальной школе в Харькове. Впоследствии Петр посещал вечерние курсы СХПУ, обучался в парижской академии Р. Жюлиана и до 1905 года в Петербургской Академии художеств. Огромное влияние на формирование творческой манеры будущего художника оказали П. Сезанн и В.И. Суриков.

Расцвет творчества Кончаловского пришелся на начало двадцатого века, когда художественные традиции стремительно менялись и пересматривались. Кончаловский стал одним из основателей общества «Бубновый валет» и его председателем впоследствии. Это объединение стремилось к воплощению живых, натуральных, осязаемых форм на холсте. Эти художники обращались к непрофессиональной и народной живописи.

Широко и свободно написанный натюрморт в интерьере. «Натюрморт. Гитара» построен на отношениях больших цветовых поверхностей. Натюрморт исполнен как будто шутя, играючи. Его фактура многообразна: от плотных корпусных мазков до «акварельных» прописок, с просветами не закрашенного холста. Свежая, интенсивная по колориту картина наполнена воздухом, горячим и трепетным светом. Крепкий рисунок, чувство формы и праздничный декоративизм отличают «натюрморт» П.П. Кончаловского.

Аристарх Васильевич Лентулов.

Родился 16 января 1882 года в Пензенской губернии (село Черная Пятина). Его отец был сельским священником. Отец Аристарха умер, когда мальчику исполнилось только два года. Аристарх получал образование в духовном училище, а затем в семинарии. Но становится священником, как отец, Лентулов не захотел. Его больше интересовало искусство. Чтобы получить знания в этом ремесле, Лентулов поступает в Пензенское художественное училище. Продолжать образование он будет в Киевском художественном училище. Работал вместе с Ларионовым, Машковым, Кончаловским. Член «Бубнового валета».

12. Экспрессионизм. Э. Кирхнер «Улица», Э. Нольде «Танец вокруг золотого тельца»

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение»). Конец XIX века оказался удивительно богат на различные события в искусстве. Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на уродства капиталистической цивилизации, первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх. В искусстве распространены мотивы боли и крика. Так, в Италии, которая в то время представляла собой памятник собственному былому величию, в качестве протеста против старой культуры зародился футуризм. Богатые традиции художественного формотворчества Франции привели к тому, что там зародился кубизм, а мирные островок спокойствия, которым в то время была Швейцария, оказался родиной дадаизма. Не осталась в стороне и Германия. Именно там, на рубеже XIX и XX веков зародилось и развилось одно из самых неоднозначных и разнообразных направлений в искусстве, которое позднее получило название «экспрессионизм».

Истоки экспрессионизма в изобразительном искусстве следует искать в богатстве и многообразии немецкой культуры, которая послужила основой этому направлению в искусстве. Для немецкого изобразительного искусства весьма характерен поиск эстетики уродства. Еще со времен средневековья немецкие художники каким-то волшебным образом могли находить прекрасное в отвратительном, красоту - в безобразном.

Кроме того, на живопись экспрессионизма оказало влияние творчество готических мастеров, Эль Греко и Питера Брейгеля Старшего. Во многом, заново открывались художественные достоинства экзотического искусства Африки, Дальнего Востока и Океании - все это причудливо смешивалось, и превращалось в весьма самобытные картины экспрессионизма.

Представители экспрессионизма предлагали отказаться от действительности ради погружения в субъективные переживания. Культ индивидуализма в экспрессионестической живописи странным образом сочетался с постоянным стремлением к объединению.

Первым таким объединением стал образованный в 1905 году «Мост», в который вошло 4 художников-экспрессионистов. Ими стали студенты-архитекторы, слушатели Высшей технической школы Дрездена: Фриц Блейль, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуф. Будучи неудовлетворенными своим архитектурным образованием, они стали собираться для совместных сеансов рисования с натуры. Название «Мост» выражает стремление группы к объединению всех новых художественных течений и символически намекает, что творчество художников, входящих в группу, служит мостом в искусство будущего. В 1906 году к этому объединение присоединились новые художники. Ими стали Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, фовист Кес ван Донген и другие.

Особенности техники экспрессионистов

отказ от светотени и передачи пространства;

нарочито плоскостное изображение;

концентрация на передаче эмоций, а не сюжетов;

поверхность холстов кажется обработанной грубой кистью без всякой заботы об изяществе;

поиск новых, агрессивных образов;

стремление выразить в живописи тревогу, дискомфорт;

цвет, считали экспрессионисты, обладает собственным смыслом, он способен вызывать определённые эмоции, ему придавали символическое значение.

Открыли такие особенности живописи, как:

повышенное напряжение цветовых контрастов;

выявление структурного костяка предметов;

усиление энергетики формы путем использования открытых кричащих цветов;

гротескная передача лиц, поз и жестов изображенных фигур стала основой причудливой эстетики экспрессионизма, и позволила выделить сильные эмоции изображенных на полотнах образов.

Деятельность «Моста» оказала большое значение для развития экспрессионизма в изобразительном искусстве. Художники, входившие в это объединение, смогли по-новому осмыслить эстетику, и создать художественный стиль, который представлял собой принципиально новый подход к восприятию действительности.

Экспрессионизм XX века часто находился под давлением, художники подвергались гонениям. Так, нацисты, пришедшие к власти в Германии, устроили чудовищную по степени своего цинизма акцию. В 1937 г. была организована большая выставка работ экспрессионистов и других представителей авангарда под названием «Дегенеративное искусство». Выставленные на ней картины экспрессионизма подлежали уничтожению.

Несмотря на все внутренние противоречия и особенности, экспрессионизм оказал громадное влияние на развитие изобразительного искусства. Полотна Кирхнера, Нольде, Модильяни, Мунка, Кандинского и многих ярких представителей экспрессионизма изменили восприятие людей, сдвинули точку зрения и подготовили мир к восприятию нового, еще более причудливого и порой странного искусства.

Эрнст Кирхнер.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938) - немецкий живописец и график, один из основоположников немецкого экспрессионизма. Эрнст Кирхнер учился в Саксонском высшем техническом училище на архитектурном отделении, параллельно брал уроки живописи в школе “Обриста и Депшица” в Мюнхене.

В его ранних живописных работах чувствуется сильное влияние Мунка и Ван Гога. В картинах нет глубины пространства, напротив, художник как бы выталкивает фигуры на зрителя. Рисунок нарочито прост, по-детски простодушен.

В 1937 г. гитлеровское правительство конфисковало более шестисот работ Крихнера, присвоив им ярлык «дегенеративности». Удар был слишком тяжел. В начале 1938г. мастер покончил с собой.

Эмиль Нольде.

«Мой прекрасный, мой трагический мир» - так Эмиль Нольде определил однажды образы, которые рождались в его душе. Родился Нольде в деревне, на севере Германии. У Нольде мистическое и возвышенное сочетается с наивным, бытовым.

Грубая выразительность, искажение формы и цвета как проявление напряженного чувства - все эти черты характерны для экспрессионизма.

Танец вокруг золотого тельца: Нольде часто обращался к религиозной тематике. Он искажает пропорции фигур, утрирует жесты. Его краски - это тревожные вспышки желтого, красного, фиолетового.

13. Э. Мунк «Крик»

Эдвард Мунк (1863-1944)- норвежский живописец, театральный художник, график. Учился в Осло в Королевской школе рисования (1881-1886) и в мастерской Крога (1882-1883). В 1880-1890 годах Мунк работал во Франции, где испытал влияние Поля Гогена, Анри де Тулуз-Лотрека, Винсента ван Гога, а также в Германии и Италии. Мировоззрение художника Мунка формировалось под воздействием идей скандинавских писателей-символистов, что определило обращение живописца к характерным для символизма “вечным” темам одиночества, угасания, смерти.

С начала 1890-х годов творчество Мунка развивается в рамках складывавшегося в эту эпоху стиля модерн (“Девушки на мосту”, 1901, Национальная галерея, Осло), но обнаруживает и ряд новых черт (жесткий вихреобразный контурный рисунок, диссонирующая цветовая гамма, динамичная композиция), которые усиливают в картинах художника трагическое звучание образов и предвосхищают возникновение экспрессионизма (“Крик”, 1893, Национальная галерея, Осло). Испытал сильное влияние французского импрессионизма и символизма. Мастер прежде всего стремился передать через живопись свое внутреннее состояние - болезненную напряженность, постоянный страх перед смертью, приводившие его к тяжелым приступам депрессии.

Тема, ставшая центральной в творчестве Эдварда Мунка, - взаимоотношения мужчины и женщины. Женщина в его работах предстает в различных ипостасях: как идеализированный образ девушки, как персонификация эротического женского начала или как ясновидящая, колдунья, властная мать-смерть. Отношение к женщине - самая сложная и мучительная сторона личной и творческой жизни мастера. Он смотрел на женщину как на источник высшей земной красоты, которая в то же время несет в мир грех, зло и разрушение.

Крик.

К 1893г. относится самая знаменитая картина Мунка- «Крик», которую считают предвосхитившей искусство экспрессионизма. Художник сам изложил ее содержание: «Я прогуливался с двумя друзьями вдоль улицы - солнце зашло, небо окрасилось в кроваво - красный цвет, - и меня охватило чувство меланхолии. Я остановился, обессиленный до смерти, и оперся на парапет. Над городом и над черно-голубым фьордом, как кровь и языки огня, висят тучи. Мои друзья продолжали свою дорогу, а я стоял, пригвожденный к месту, дрожа от страха. Я услышал ужасающий, нескончаемый крик природы».

Маленький, невзрачный человечек кричит, зажав голову руками, и в крике сотрясается все его тело. Спутники героя удаляются, даже не оборачиваясь, их фигуры оставляют после себя атмосферу ледяного равнодушия.

Позднее Эдвард Мунк получал престижные заказы и правительственные награды, к нему относились как к классику норвежского искусства.

14. А. Модильяни «Сидящая обнаженная»

Амадео Модильяни - итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX -- начала XX века, яркий представитель экспрессионизма.

Модильяни вырос в Италии, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения, пока в 1906 году не переехал в Париж. В Париже он познакомился с такими значительными художниками, как Пабло Пикассо и Константин Брынкуши, оказавшими большое влияние на его творчество. Модильяни имел слабое здоровье -- он часто страдал от заболеваний лёгких и в возрасте 35 лет умер от туберкулёза. О жизни художника известно лишь из немногих достоверных источников.

Наследие Модильяни составляют главным образом картины и эскизы, однако с 1909 по 1914 годы он занимался в основном скульптурами. Как на полотнах, так и в скульптуре, основным мотивом Модильяни являлся человек. Помимо этого сохранились несколько пейзажей; натюрморты и картины жанрового характера не интересовали художника. Часто Модильяни обращался к произведениям представителей Ренессанса, а также к популярному в то время африканскому искусству. В то же время творчество Модильяни нельзя отнести ни к одному из современных направлений того времени, как например, кубизм или фовизм. Из-за этого искусствоведы рассматривают творчество Модильяни отдельно от основных течений того времени. При жизни работы Модильяни не имели успеха и стали популярными лишь после смерти художника -- на двух аукционах «Сотбис» в 2010 году две картины Модильяни были проданы по рекордным для его наследия ценам -- 60,6 и 68,9 миллиона долларов США.

Амедео Модильяни по праву считается певцом красоты обнажённого женского тела. Он одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Именно это обстоятельство в своё время привело к молниеносному закрытию его первой персональной выставки в Париже. Обнажённая натура в творчестве Модильяни -- это не абстрактные, рафинированные образы, а реальные портретные изображения. Техника и тёплая световая гамма в картинах Модильяни «оживляет» его полотна. Картины Амедео, выполненные в жанре ню, считаются жемчужиной его творческого наследия.

15. Модерн. Символизм. О. Бердслей «Награда танцовщицы»

Конец 19-го века в европейских странах и США - время стремительного технического прогресса. Могло показаться, что в «процветающем» индустриальном обществе материальные ценности возобладали над духовными, а рационализм и расчет - над живыми чувствами. В основе художественного творчества, по мнению символистов, должно лежать не рабское следование реальной форме, а стремление проникать в то, что скрывается за этой формой, в тайную, не познаваемую разумом сущность явлений.

Искусство, утверждали символисты, - это идеи, облеченные в форму символов. В кругу французских поэтов родилось новое художественное течение - символизм (от греч. знак, символ), ведущий искусство в мир мечты и фантазии, видений и грез. Последний в мировой истории стиль эпохи, общий для живописи, скульптуры, декоративно-прикладного искусства, архитектуры, (какими были в свое время романский, готический, ренессансный, или классицистический стили), возник во многом благодаря поискам знаменитого английского графика Одри Бердслея.

Омбри Вимнсент Бёрдслей или Бёрдсли -- английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт, один из виднейших представителей английского эстетизма и модерна 1890-х гг. Удивительный, исполненный хрупкого изящества, болезненной утонченности мир графики Одри Бердслея столь же разнообразен, как и само искусство символизма. Возвышенные романтические образы его стилизаций старинных гравюр, античные реминисценции, соседствуют с грубоватой эстетикой балагана и довольно пошлым эротизмом, часто доходящим до откровенной порнографии. Красота гармонично соседствует с уродством, совершенство с безвкусицей. Все это объединяют напряженные змеистые линии-штрихи модерна.

Те же болезненно надломленные изгибы модерновых узоров видны и в характере складок одежд персонажей картин и в их извивающихся волосах. Жанровая сцена как бы вписана в орнамент, продолжает и дополняет его. Часто эффект единства картины с орнаментом достигается с помощью уплотненной черной обводки объемно выписанного изображения.

Однако живопись модерна была бы слишком однообразна, если бы подчинялась только стилю Бердслея.

Под влиянием эстетики символизма на рубеже 19-20-го вв. В архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве сформировался стиль модерн ( от франц. «Новейший», «современный»), во Франции он получил название ар нуво («новое искусство»), в Австрии -- «стиль Сецессиона» (Sezessionstil), в Италии -- «стиль Либерти» («stile Liberty»), в Испании -- «модернизм» (modernismo).

Творческий метод архитекторов модерна - принцип импровизации на выбранную тему.

Модерн -- это прежде всего явление символизма в европейском искусстве. Ему присущи черты синтетизма, или даже наивного искусства.



16. А. Муха. Из серии «Луна и звёзды»

В Чехии, непревзойденным, завоевавшим всемирную известность мастером символизма стал Альфонс Муха (1860-1939). Под его кистью даже афиша, или рекламная этикетка для бутылки шампанского превращалась в произведение искусства.

Альфонс Муха - чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Художника Альфонса Муху можно по праву считать одним из родоначальников и основателей стиля модерн. Вклад, который он внес в развитие модерна, огромен. А литографии и живописные картины Альфонса Мухи впечатляют своими масштабами и невероятной красотой пластики. Они поражают воображение сюжетами и аллегориями, колоритом и богатством рисунка. Альфонс Муха и картины, которые вышли из-под его кисти - это достояние, которым человечество может гордиться и восхищаться.

Муха становится одним из ведущих художников французской рекламы, его композиции печатались в журналах в виде плакатов - с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в пестрый мир роскоши и неги. В том же стиле Арт Нуво художником создавались и красочные графические серии («Времена года», 1896; «Цветы», 1897; «Месяцы», 1899; «Звезды», 1900).

Серия "Луна и звёзды".

Волнующи, прекрасны неземной красотой женские образы его цикла «Луна и звезды». Завораживающей магической притягательностью обладает эта картина, написанная в серовато-синих ночных тонах. На ней изображены женщины в греческих одеждах с цветочными венками на голове. Лунное сияние контражуром очерчивает их силуэты. Женщины загадочно улыбаются. Из сумрака небес, в тёмных вуалях драпировок сияют тела звёздных красавиц: Утренняя звезда, Полярная, Вечерняя и, наконец, Луна, царица ночи.

Для нас Муха важен еще и тем, что он является создателем грандиозного цикла картин из русской истории, где традиционная иконопись поразительным образом соединяется с символизмом в изобразительном искусстве модерна.

17. Г. Климт «Поцелуй»

Имя австрийского художника Густава Климта неразрывно связано со стилем модерн.

Он оказался одним из тех незаурядных мастеров, которые прокладывали новые пути в искусстве и были способны повести за собой других. В начале 90-х гг. Климт начал серьезно изучать искусство. Огромное впечатление на него произвела крито-микенская вазопись. Первые работы, были созданы в совершенно новом для Климта стиле.

«Поцелуй».

На картине мы видим мужчину и женщину, которые составляют единое цветовое пятно, и благодаря этому кажутся одним целым. Мужчина, склонившийся над женщиной, стоящей на коленях (что означает покорность) застывает в поцелуе, в то время как женщина, закрыв глаза так ему и не отвечает взаимностью. В орнаментальном отношении одежды мужчины и женщины отличаются, прямоугольные формы и более строгая цветовая гамма мужской одежды контрастирует с одеждой женщины, более свободной в цветовом и орнаментальном плане. Пара изображена на краю обрыва, буквально заросшего цветами, что примечательно - одежда женщины словно вплетается в растительность на обрыве. Фон мерцающий и довольно абстрактный, чем не отвлекает нас от происходящего на обрыве.

Использование золота художником в этой картине и в других картинах этого периода, скорее всего обусловлено тем, что отец художника был ювелиром и в юности Густав постигал азы этого ремесла под его руководством.

18. Г. Климт «Музыка», «Бетховенский фриз»

«Музыка»

На ней изображены женская фигура с кифарой в руках (аллегория Музыки) и статуи сфинкса и силены (вероятно олицетворение сил природы, покоренных волшебством искусства).

Картины Климта всегда вызывали у критиков множество вариаций трактовок.

Цикл панно «бетховенский фриз», посвященн 9 симфонии Людовика Ван Бетховена в интерпретации Рихарда Вагнера. Композиция должна была дать зрительное представление об основных образах симфонии:

-страдания человечества;

- силы зла;

- символический хор, исполняющий радостный финал.

Им всегда руководила вера в великое предназначение искусства, которое может создать особый мир, где жизнь человека будет строиться на основе красоты.

19. Символизм в России. М. Врубель «Демон сидящий»

Русский символизм имеет свой особый самобытный характер, являясь уникальной вехой в истории мировой культуры. Ярчайшими предшественниками русского символизма можно по праву назвать Ф. М. Достоевского и философа С. М. Соловьева.

Если русский литературный символизм, за редкими исключениями являет собой идейное единство, то символизм в русской живописи явление не менее пестрое и противоречивое, чем европейский, а иногда даже переживает острые идеологический конфликт со своей литературной основой.

Основоположником символизма в русской живописи является М. Врубель, один из самых ярких художников конца XIX - начала XX века. В его жизни и творчестве соединились высочайшее мастерство и яркий индивидуализм, глубокое познание натуры и фантазия, глубочайшее знание традиций мирового искусства и дар экспериментатора.

Любовь к искусству всецело владела Врубелем с академических лет. В Академии он работал по двенадцать часов в день. Врубель усердно исполнял анатомические штудии, рисунки композиций на античные темы. Учебная постановка ставила задачи постижения формы, цвета, фактуры.

Напряженная, яркая, какая-то почти мозаичная живопись Врубеля монументальна, эпична, исполнена острым трагическим противоречием между реальностью и фантазией художника. В фантастический сказочный мир, или в седую древность, эпоху былинных героев, которая и сама уже давно стала сказкой, погружают нас его картины.

«Демон»

Увлечение Врубеля образом «Демона» началось с конкурса на тему «Дьявол», объявленного редакцией журнала «золотое руно». Мастер упорно искал пластическое выражение идеи гордого вызова миру, порыва личности к свободе. Демон преследовал его, манил неуловимостью облика, заставляя возвращаться опять и опять. Демон -- образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов. Фоном картины является горная местность в алом закате. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы. Картина написана в индивидуальном стиле Врубеля с эффектом кристаллических граней, что делает его картины более похожими на витражи или панно. Такого эффекта художник добился с помощью плоских мазков, выполненных мастихином.

...