Искусство рубежа ХІХ-ХХ веков

Образ демона часто встречается в творчестве Михаила Врубеля. В 1899 году художник пишет картину «Демон летящий», где демон изображён как могучий властелин мира. В 1901--1902 годах он мучительно дописывает свою последнюю работу -- «Демон поверженный», в которой герой находится на грани гибели.

Демон - дух «не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том дух властный, ...величавый».

Для Александра Блока в этом образе воплотилась «громада лермонтовской мысли» о божественной скуке. Божественна она, как можно догадаться, потому, что в ней тонет, забывается, теряется само зло - 'и зло наскучило ему'.

Сущность этого образа двойственна. С одной стороны, величие человеческого духа, с другой - безмерная гордыня, переоценка сил личности, которая оборачивается одиночеством. Врубель, взявший на свои хрупкие плечи бремя «демонической» темы, был сыном негероического времени. У «Демона» Врубеля больше тоски и тревоги, чем гордости и величия. Пронзительный взгляд Врубелевского «Демона» гипнотизирует, оставляет чувство некого внутреннего дискомфорта, почти страха, но вместе с тем от него невозможно оторвать глаз. Это одна из многих загадок художника, стремившегося постичь мир не только эстетически, но и нравственно- философски.

В 1906 году Врубелем окончательно овладело безумие, одновременно с которым наступило самое страшное для художника - слепота. Творчество Врубеля не раз претерпевало резкие изменения в оценках. Прижизненная хула сменилась обожествление художника в последние годы жизни.

20. В.Э. Борисов-Мусатов «Усадьба»

Дальнейшее развитие символизма в русской живописи получило в творчестве художников объединения «Голубая роза». Наиболее ярким представителем «голуборозовцев» был В. Э. Борисов-Мусатов. На рубеже столетий путем последовательной и энергичной эволюции он пришел от импрессионистического этюда к картине-панно нового стиля, найдя в этом стиле органическое средство для выражения символического образа.

Его картины - это образы прошлого, но без четкого обозначения исторических границ. Борисова - Мусатова по праву можно назвать певцом какой-то особой эпохи, где сплелись и перепутались люди и события, мечты и фантазии. В собрании нашего музея присутствует работа художника, наполненная удивительной простотой, свежестью и тонким восприятием мира, - это «Усадьба». Художник погружает зрителя в мир старинной русской усадьбы - большого белого дома с колоннами и пустынной аллеей заросшего парка. Воспетый художником уголок «дворянского гнезда» своего рода символ утраченной людьми красоты и гармонии. Повествовательное начало сюжета отсутствует, главное здесь - игра солнечного света, красок, линий.

Позднее, русские художники-символисты объединились вокруг журнала «Мир искусства» (А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, М. Добужинский и др.).

21. В. Серов «Похищение Европы»

Искусство Серова трудно отнести к какому-нибудь одному художественному направлению. В нем слышны отголоски многих живописных традиций: от реализма до импрессионизма и модерна. Сам для себя сформулировал одну из своих главных творческих задач: «Я хочу, хочу писать отрадное, и буду писать только отрадное!»

Валентин Серов (1865- 1911) родился в семье музыкантов, отец - знаменитый композитор, мать пианистка. Дарование будущего живописца обнаружилось рано: на рисунки 9ти летнего мальчика обратил внимание И.Е. Репин, ставший его учителем и другом. Правда Академию он не закончил. Серов мастер психологического портрета. В Абрамцеве он создал свой шедевр «Девочка с персиками», портрет дочери Мамонтова,- Веры.

«Похищение Европы» - иллюстрация к древнегреческому мифу о финикийской царевне Европе, которой пленился бог Зевс. Превратившись в быка, он переплыл море и похитил красавицу. Работа ярко представляет стиль модерна, в котором тонко сочетаются реальное и условное. В образном строе картины Похищение Европы Серов обращается к достижениям минойской культуры. Художника вдохновляют мотивы, поражающих свежестью, кносских фресок, терракотовый декор пифосов и элементов архитектуры, другие памятники греческой архаики. Похищение Европы, изображенное Серовым, противопоставляет классическому "мраморному" образу античности полный мифологического величия живой первозданный мир. Повторяющиеся кривые линий горизонта, неспокойной морской поверхности, спин резвящихся дельфинов, неустойчиво изогнутого стана царицы создают особый ритм пространства, наполненный звучанием гомеровских эпосов.

22. Фовизм А. Матисс «Танец»

Фовизм (от фр. fauve - дикий) - течение во французской живописи 1905-1907гг., которое представляли А. Матисс, А. Марке, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Руо, М. Вламинк. Когда на парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна экспериментировавших художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков заклеймил авторов словом les fauves - “дикие звери”. Случайное высказывание вошло в историю, закрепившись как название течения.

Художественной манере фовистов были свойственны:

стихийная динамичность мазка;

стремление к эмоциональной силе художественного выражения;

яркий колорит;

пронзительная чистота и резкие контрасты цвета;

интенсивность открытого локального цвета;

острота ритма;

резкое обобщение пространства, рисунка, объема.

До этого, мастеров не объединяли ни теоретические платформы, ни совместная выставочная деятельность. Не было и группы как таковой. Однако общее стремление к новому живописному языку - эмоциональному, яркому - сделало их очень похожими.

У них было много общих корней - увлечение живописью Гогена и Ван Гога, теорией чистого цвета, восточным и примитивным искусством.

Фовисты не считались с законами перспективы, светотени - они решительно обращались к интенсивным синим, желтым цветам. Импрессионизм рядом с полотнами фовистов выглядел вполне традиционным, реалистическим искусством.

Анри Матисс.

Анри Матисс (31 декабря 1869) родился в городке на севере Франции. Его отец мечтал видеть сына адвокатом. Матисс поступил на факультет права в Париже, но вскоре он увлекся живописью. Бывал в Лувре, копировал шедевры старых мастеров. Причисляется к основному кругу основоположников фовизма.

«Танец», «Музыка».

Матисс написал две картины, изначально задуманные как единый ансамбль. Их композиции Матисс построил на контрасте: замкнутый круг из 5 обнаженных фигур, словно пронизанных единым движением, в «Танце» внешне разобщенными, но связанными одним настроем, как ноты в партитуре, персонажи в музыке. В палитре господствует всего лишь три цвета. Фигуры обрисованы гибкими линиями, создающими музыкальный ритм полотен.

«Один тон сам по себе всего лишь цвет, - два тона это уже соотношение, это жизнь. Цвет значим только в соотношении с соседним... Запомните свое первое впечатление... Это чувство - самое главное», - Матисс.

Матисса называли живописцем роскоши в мире, где царит нищета, и света - в мире, терзаемом мраком. Спокойствие духа царит в работах художника. «Нужно уметь сберечь свежесть детства в восприятии вещей, не утратить наивность».

23. Кубизм. П. Пикассо «Авиньонские девицы»

Происхождение кубизма во многом обуславливается тем, что классическое искусство переживало кризис. Поиск новых форм для отображения чувств и эмоций дал возможность использовать новые способы и методы в живописи и позволил переосмыслить живописное творчество. Возникновение кубизма, наряду с импрессионизмом и сюрреализмом, стало попыткой взглянуть на живопись под новым углом и пересмотреть созданное до этого. Совет Сезанна, данный молодым художникам: «Трактуйте природу посредствам цилиндра, шара, конуса», возможно был принят ими слишком буквально.

Истоки кубизма тесно связаны с именем знаменитого Пабло Пикассо. Кубизм Пикассо вызван интересом художника к примитивистской африканской скульптуре. Он заинтересовался ей на рубеже 1907-1908 гг. Рубленные формы африканского искусства закрепили стремление Пикассо к абстрактной обобщенности образов, исходя из этого, его можно считать предтечей кубизма как стиля. Первой картиной в стиле кубизм была «Авиньонские девицы», написанная в 1907 году.

Пабло Пикассо.

П. Пикассо (1881--1973), испанский художник, скульптор, график, театральный декоратор, керамист и дизайнер. Родился на юге Испании. Первые уроки живописи получил от отца, учителя рисования. В 14 лет поступил в школу изящных искусств в Барселоне, однако вскоре покинул ее, разочаровавшись в рутинной академической системе обучения. Затем учился в мадридской королевской академии художеств, но ушел и оттуда. Подлинной школой для него стала художественная жизнь в Париже, куда он попал в 1900г. Именно здесь, на рубеже веков, рождалось новое искусство.

Молодой живописец очень скоро выработал собственную манеру изображения. Первый период творчества - «Голубой период» (по господствующему голубому цвету его картин). Второй период - «Розовый период». Главные персонажи этого периода - бродячие артисты, циркачи. Их бедный и вольный мир сплочен общей судьбой. Художник изображал их на фоне странных пустынных ландшафтов. Эта, казалось бы, реальная среда, выглядела как другая планета, загадочное пространство, отделяющее его наивных и мудрых героев от всех остальных людей.

«Авиньонские девицы».

1907г. Именно с момента создания этой картины и ведется отсчет истории кубизма. Пабло Пикассо отверг перспективу, светотень. Поверхность картины и фон, и тела пяти обнаженных женщин - были рассечены на геометрические сегменты. Выглядели «девицы» как грубо вытесанные древние идолы. Даже самые чуткие знатоки современного искусства были не в состоянии тотчас же оценить революционное значение живописной причуды Пикассо.

Жорж Брак: «Ты пишешь картины, как будто хочешь заставить нас пить керосин», - упрекал он Пикассо, который в своих работах продолжал решительно дробить предметы и фигуры на составные части, упрощать их до строгих геометрических форм: Кубов, конусов, полусфер, цилиндров.

24. П. Пикассо «Герника»

В 1936г. в Испании началась гражданская война. К этому времени художник покинул шумный Париж, переселился в местечко Трембле под Версалем и жил там очень уединенно. Он писал большие ночные натюрморты с горящей возле окна свечой, книгами, цветами и бабочками, летящими на огонь. В них угадывались жажда покоя и своеобразный гимн тишине ночи. Но события в мире резко изменили уединенную жизнь художника. В 1937 году вся Европа с напряженным вниманием следила за гражданской войной в Испании. Там, на подступах к Барселоне и Мадриду, в Иберийских горах и на Бискайском побережье, решалась ее судьба. Весной 1937 года мятежники перешли в наступление, а 26 апреля немецкая эскадрилья "Кондор" совершила ночной налет на маленький город Гернику, расположенный близ Бильбао - в Стране басков.

Этот небольшой городок с 5000 жителей был священным для басков - коренного населения Испании, в нем сохранялись редчайшие памятники его старинной культуры. Главная достопримечательность Герники - "герникако арбола", легендарный дуб (или, как его еще называют, правительственное дерево). У его подножия некогда были провозглашены первые вольности - автономия, дарованная баскам мадридским королевским двором. Под кроной дуба короли давали баскскому парламенту - первому на территории Испании - клятву уважать и защищать независимость баскского народа. В течение нескольких столетий только для этого они специально приезжали в Гернику. Но франкистский режим отнял эту автономию.

Картина «Герника» (1937г.) - полотно пронизано насилием, оно источает ужас и боль. Из всех цветов художник использовал только белый, черный и серый. В мозаике фрагментов выделяются фигуры бегущей женщины, раненой лошади, погибшего воина... при символичности и иносказательности, при кажущейся незавершенности отдельных деталей картина разрушения выглядит потрясающе достоверно. Темпы создания картины кажутся просто невероятными. Да и размеры этого полотна просто колоссальны: 3,5 метра в высоту и около 8 метров в ширину. И написал его Пикассо менее чем за месяц.

Журналист-международник А.В. Медведенко рассказывал, что художник "работал неистово, как сумасшедший... Первые дни Пикассо стоял у мольберта по 12-14 часов. Работа продвигалась столь стремительно, что невольно складывалось впечатление, что он давно продумал картину в мельчайших подробностях и деталях". На громадном черно-бело-сером холсте мечутся конвульсивно искаженные фигуры, и первое впечатление от картины было хаотичным. Но при всём впечатлении буйного хаоса композиция "Герники" строго и точно организована.

Все образы картины переданы упрощенно, обобщающими штрихами. Нарисовано лишь то, без чего нельзя обойтись, что прямо входит в содержание картины - все остальное отброшено. В лицах матери и мужчины, обращенных к зрителю, оставлены лишь широко открытый в крике рот, видимые отверстия ноздрей, сдвинувшиеся куда-то выше лба глаза. Никакой индивидуальности, да подробности были бы здесь и излишними, могли бы раздробить и тем самым сузить общую идею. Трагическое ощущение смерти и разрушения Пабло Пикассо создал агонией самой художественной формы, которая разрывает предметы на сотни мелких осколков.

Рядом с матерью, держащей на руках мертвого ребенка с запрокинутой головой, - бык с выражением мрачного равнодушия. Все кругом гибнет, только бык возвышается над поверженными, вперяя перед собой неподвижный, тупой взгляд. Это контраст страдания и равнодушия был в первых набросках к "Гернике" едва ли не главной опорой всего целого картины. Но Пикассо не остановился на этом, и в правой части картины(рядом с мужчиной, выбросившим руки вверх) вскоре появились два человеческих лица - встревоженных, напряженных, но с чертами неискаженными, прекрасными и полными решимости.

В подполье стремительно врывается откуда-то сверху, как будто из другого мира, женщина с профилем античной богини. В выброшенной вперед руке она держит горящий светильник, рот ее тоже широко открыт в крике, но уже некому его услышать.

Что же все-таки происходить в "Гернике" Пикассо? Не бомбежка города с самолетов: на картине нет ни бомб, ни самого города. На картине видны языки пожара, но он где-то в отдалении, за пределами полотна. Тогда отчего же гибнут люди и звери? Кто их загнал в ловушку? Прямой носитель зла в картине не персонифицирован, сами по себе диктатор Франко и Гитлер, "эти всадники на свинье с вошью на знамени", слишком ничтожны, чтобы быть ее единственной причиной. Созданная на основе испанских событий, "Герника" выходила за конкретные исторические и временные рамки, предвосхищала события, которым тогда не было даже названия. Впоследствии олицетворение фашизма стали видеть в образе быка, которому гибнущая лошадь обращает свое предсмертное проклятие. Напрасно взывает к нему и гений света: бык ничему не внемлет и готов все растоптать на своем пути. Другие искусствоведы (например, Н.Д. Дмитриева) предположили, что, может быть, бык - не носитель злой воли, а только неведение, непонимание, глухота и слепота.

25. И.Т. Гаврис «Кубизм», Жорж Брак «Натюрморт со скрипкой и кувшином»

Идея о возможности видеть один предмет сквозь другой появилась на одной из стадий развития футуризма, и получила название «Аналитический кубизм». Художники вводили в живописные полотна реальные предметы, затем материалы разной фактуры. Коллаж стал весьма популярным среди кубистов. Так шаг за шагом кубизм подошел к следующему своему этапу - синтетическому.

Гаврис Иван Трофимович (1890 - после 1940)

Белорусский живописец-авангардист, педагог, график. Кубисты отталкивались от того, что традиционное искусство ограниченно в своих возможностях и не может дать всестороннюю характеристику изображенного. Так, если портретируемый изображен в анфас, мы не можем увидеть, каков он в профиль, точно также изображенный натюрморт мы не можем одновременно увидеть сбоку и сверху. Художник-кубист все увиденное разбивал на геометрические фигуры с последующей разверткой в пространстве. При этом художники четко представляли, что должны сохраниться так называемые «характерные точки», по которым зритель будет узнавать изображенное.

БРАК Жорж (1882 -- 1963) -- французский художник, живописец; один из основателей кубизма

Предметы расщепляются на отдельные качества: цвет, рисунок, фактура отслаиваются от изобразительной формы, обретая автономность. Визуальные знаки разных регистров зрительно перестраиваются, вступают в сложную игру пластических отношений и мгновенных образно-смысловых комбинаций. Его колорит высветляется, строится на тонких градациях охристых, голубых, серых, оливковых, терракотовых оттенков. Вещи, очерченные округлыми, упруго изогнутыми контурами, располагаются по параллельным тесно сближенным планам, резкая тень делит объемы предметов пополам. Планы колеблются в диапазоне малой глубины, поверхности колышутся, возбуждая почти тактильное ощущение пространственных интервалов.

26. Футуризм. У. Боччони «Движение футболиста»

Искусство будущего, приверженность к переменам, решительный отказ от традиций.

Основатель движения Филиппо Томмазо Маринетти. Итальянский поэт, опубликовал первый манифест в 1909г. «Главными элементами нашей поэзии будут: храбрость, дерзость и бунт». «Нет шедевров без агрессивности».

Техника футуристической живописи - движение. «Мы утверждаем, что великолепие мира обогатилось новой красотой - красотой скорости». Динамику современного им мира футуристы выражали в своих картинах зигзагообразными, воронкообразными, спиралевидными и т. п. формами, раздробленными на фрагменты фигурами, совмещая в одной композиции разные моменты движения: «…движущиеся объекты постоянно умножают себя; их форма изменяется, как быстрые вибрации, в их сумасшедшем быстром движении. Так, бегущая лошадь имеет не четыре ноги, но двадцать, и их движение трёхстороннее…». Симультанность (одновременность разных моментов одного действия) выразилась в смещении пространственных планов, наплывах друг на друга различных предметов, удалённых в реальном пространстве («Улица входит в дом», «Симультанное зрение» У. Боччони). Для футуристов характерен культ машин и моторов. Маринетти мечтал о создании «механического человека с заменяемыми частями».

В футуристических произведениях не следует искать глубокого психологизма, интереса к внутреннему миру человека. Постепенно футуризм растворился в других художественных течениях.

импрессионизм модерн кубизм футуризм

27. У. Боччони «Улица входит в дом», «Материя»

Апология техники и урбанизма, упоение социальными катаклизмами, отрицание нравственных и культурных традиций, культ героя, расшатывающего "одряхлевший" мир, соединялись в футуризме с попытками выразить динамику "современной" жизни с помощью комплекса психических и физиологических вибраций, разнонаправленных сил и движений, разнообразных оптических эффектов. Отсюда в живописи футуризма (в некоторых приёмах близкой кубизму, но принципиально отличной от него выраженной сюжетностью, литературной подосновой) совмещение точек зрения и умножение контуров, как бы вызванные стремительным движением, деформация фигур, резкие контрасты цветового строя, хаотичное вторжение в композицию обрывков текста и др. Все это прекрасно демонстрируется в работах У. Баччони.

Список используемой литературы

1. Барб-Галль Ф. Как говорить с детьми об искусстве. М.: 2007 Бычков В.В. Авангард. Новая Философская Энциклопедия. М.: 2000.

2. Бычков В.В. Художественная культура XX века. Из книги: Корневище 0.А. Книга неклассической эстетики. М.: 1999.

3. Вентури Л. От Мане до Лотрека. М.: 2007.

4. Виленкин В. Модильяни. М.: 1970.

5. Герман М. Модернизм. Искусство первой половины XX века. М.: 2005 Кандинский В. О духовном в искусстве.

6. Искусство XX века. Итоги столетия / XX Century Art: Achievements, Traditions, Innovations. Л.: 2003 Иттен И. Искусство цвета. Л.: 2010.

7. Фуко М. Живопись Мане. М.: 2011 Перрюшо А. Тулуз-Лотрек. Л.: 1969.

8. Перрюшо А. Гоген. Л.: 1979.

9. Полевой В. М.. Малая история искусств. Искусство XX века. 1901-1945. Л.:1991.

10. Рольф Стенерсен. Эдвард Мунк. М.: 1972.

11. Коган Д. Врубель. М.: 1980.

12. Стоун И. Ван Гог. М.: 1973.

Размещено на Allbest.ru