Античное искусство

Размещено на http://www.allbest.ru/

Билет №1

1. Античное искусство. Общая характеристика. Этапы развития. Римская империя. Греция

Античное искусство (от лат. antiquus, древний) -- искусство античной эпохи; искусство, прежде всего, Древней Греции, а также тех стран и народов древнего мира, культура которых развивалась под определяющим влиянием древнегреческой культурной традиции: искусство эллинистических государств, Рима и этрусков. Понятие «античное искусство» появилось в эпоху Возрождения, когда прекрасные творения Древней Греции и Древнего Рима принято было считать образцовыми, классическими для всей европейской культуры. Понятие «античное искусство» появилось в эпоху Возрождения, когда прекрасные творения Древней Греции и Древнего Рима принято было считать образцовыми, классическими для всей европейской культуры. геометрический стиль дизайнер

В историческом развитии античного искусства можно условно выделить следующие этапы:

1. Протоантичное искусство (от греч. ргоtos - первый), или минойское искусство (см. критомикенское искусство), оригинальный живописный стиль которого складывался постепенно в три периода:

- раннеминойский (3000-2200 гг. до н. э.);

- среднеминойский (2200-1600 гг. до н. э.);

- позднеминойский (1600-1100 гг. до н. э.).

2. Формационный этап геометрического стиля:

- протогеометрический стиль XI в. до н. э.;

- геометрический стиль X-VIII вв. до н. э.;

- период протокоринфского, протоаттического и ориентализирующего стилей (ок.750-680 гг. до н. э.);

- дедалический стиль (ок. 680--610 гг. до н. э.).

3. Этап архаики (ок. 610-480 гг. до н. э.).

4. Эпоха классики:

- период «строгого стиля» (ок. 480-450 гг. до н. э.);

- период классики Века Перикла (ок. 450--400 гг. до н. э.);

- период поздней классики (ок. 400-325 гг. до н. э.).

5. Эпоха эллинизма:

- ранний эллинизм (ок. 325-230 гг. до н. э.); средний эллинизм родосской, пергам-ской, александрийской школ (ок. 230-170 гг. до н. э.);

- поздний эллинизм (античный классицизм, неоаттическая школа, ок. 170-30 гг. до н. э.).

6. Искусство Древнего Рима:

- период республики (конец VI в.- 27 г. до н. э.);

- период августовского классицизма (27 г. до н. э.- 14 г. н. э.);

- период правления Юлиев-Клавдиев и Флавиев (14-96 гг.);

- период поздней Римской империи (96-476 гг.);

- период галлиеновского ренессанса (259-268 гг.).

2. Организация творческой деятельности дизайнеров и проектных коллективов

В настоящее время в мире существует несколько сот крупных и мелких фирм и бюро, продающих дизайн как таковой, как специализированный высокооплачиваемый труд, и несколько тысяч отделов дизайна на промышленных предприятиях крупнейших фирм. Таким образом, можно выделить две основные формы коммерческого дизайна. Первая из них - так называемый стафф-дизайн.

Внутри стафф-дизайна существует одновременно множество форм организации дизайнерской деятельности: от отделов дизайна, существующих в лице единственного дизайнера, до сложных бюрократических систем, насчитывающих сотни специалистов. Эти различные по количеству сотрудников отделы стафф-дизайна существенно различаются и по способу организации решения задач, и по способу их постановки. Типы службы дизайна на предприятии зависят от рода деятельности самих фирм. Их условно можно разделить на следующие категории.

«Алюминиумкомпани оф Америка»

«Вестингауз»

«Истмен кодак»

Вторая-это …

3. Книжная графика и ее особенности

История книги тесно связана с историей изобразительного искусства и графики, т.к. именно художникам принадлежала видная роль в создании рукописных книг. Они были творцами и шрифта, и украшений, и рисунков.

Художник, средствами изобразительного искусства, воплощает идейно-художественный замысел, создает художественно-декоративный облик книги.

Он должен не только знать шрифты и уметь использовать их, но также уметь их видоизменять, создавать новые - соответствующие его замыслу, стилю книги, характеру литературного произведения. Работая над иллюстрацией, художник должен четко представлять себе, как она будет сочетаться с полосой набора на соседней странице, каким будет разворот книги.

В настоящее время существуют различные виды литературы и различные типы книг, назначение и круг читателей которых определяет тираж, формат, степень и характер оформления. Художественная литература - самый большой раздел в книгоиздательстве, она тесно связана с изобразительным искусством, поэтому хорошо оформляется и иллюстрируется. Книги для детей славятся богатством оформления, большими форматами, четким, легким для чтения шрифтом. Политическая литература, как правило, оформляется в простых и строгих тонах, где в качестве иллюстративного материала не редко выступают фотографии. Научно-техническая литература (учебники и словари) оформлена скромно, если не сказать скупо. Специальные издания составляют особую группу, которая называется - библиофильской. Оформление и иллюстрирование таких изданий поручается лучшим мастерам. Используются редкие и дорогие материалы, которые не применяются для массовых изданий.

Книга состоит из таких элементов как:

Обложка - художественное решение покрытия книги, в которой заключен книжный блок. Решение обложки должно быть условно-декоративным, ясным, придавать книге красивый внешний вид, но в то же время давать точную характеристику книги, раскрывать ее основной смысл, стиль и образный строй. На обложке должны быть шрифтовые элементы, отражающие основные заголовочные данные.

Титульный лист - правая половина первого разворота книги. Титул содержит более сложные шрифтовые элементы, поясняющие заголовочные и издательские данные. Если на левой странице первого разворота помещается иллюстрация, или печатается портрет автора, такая страница называется фронтисписом. Рисунок на титуле применяется сравнительно редко и имеет больше декоративное значение.

Шмуцтитулами называются отдельные листы, которыми открываются части, разделы книги. На шмуцтитуле помещается заголовок и несложный орнаментальный мотив или рисунок.

Суперобложкой называется художественно решенное бумажное покрытие книги поверх обложки. Главная задача - привлечь внимание к книге и на некоторое время предохранить обложку от повреждения.

Иллюстрации - это рисунки, образно раскрывающие литературный текст, подчиненные содержанию и стилю литературного произведения.

Заставка - небольшая композиция орнаментального характера или в виде рисунка, открывающего какой-нибудь раздел текста.

Концовка - небольшой рисунок или орнаментальный мотив, завершающий последнюю страницу какого-либо раздела или всей книги.

Инициал - начальная буква в тексте книги, созданные художником.

Спуском или спусковой полосой - называют первую страницу текста книги, обычно украшенную заставкой или буквицей.

В России первые рукописные книги с изображениями появились в 10в. Широкому распространению книги способствовало изобретение в середине 15 века книгопечатанья.

Особенностью современной книжной графики является ее связь с полиграфией, ее зависимость от уровня и культуры труда полиграфического производства. Задачи книжной графики подразделяются:

- оформление книги - внешний вид, рисованные шрифтовые элементы, композиционное построение текстового набора и т.д.

- иллюстрирование книги - образное раскрытие литературного текста с помощью рисунков.

В графике распространены штриховые и тоновые иллюстрации. Встречаются иллюстрации, исполненные в объемно-пространственном плане и условно-плоскостной трактовке. Так же существуют свои принципы разработки светотени, объемов и перспективы, свои масштабы и приемы композиции. Вот почему обычные графические станковые произведения, если их даже уменьшить до книжных форматов не могут служить иллюстрациями и будут лишь репродукциями, вклеенными в книгу.

Необходимо подчеркнуть особо выдающуюся роль торцовой гравюры на дереве в искусстве книги.

Книга является одной из важнейших духовных потребностей современного человека, в ней органически сочетается труд как художника, так и издательских работников и полиграфистов. Только гармоничный труд этих людей создает полноценную книгу.



Билет №2

1. Искусство Средневековья. Христианство в искусстве Средневековья. Романский и готический стили

Искусство средневековья -- период истории искусства на Западе, длившийся около 1000 лет. Обычно под этим термином понимается развитие искусства на территории Европы, Среднего Востока и Северной Африки.

Историки искусства пытаются классифицировать средневековое искусство по историческим периодам и преобладающим стилям, однако все эти классификации носят условный характер. Общепринятой считается следующая периодизация: кельтское искусство, раннехристианское искусство,искусство периода переселения народов, византийское искусство, дороманское искусство, романское искусство и готическое искусство. Каждый из этих стилей в свою очередь подразделяется на отдельные периоды. Кроме того, каждый регион в период формирования собственной нации и культуры имел свой особенный стиль, например, англо-саксонское или древнескандинавское искусство.

Средневековое искусство затронуло разные области и значительно повлияло на развитие скульптуры, иллюминированных рукописей, витражей, мозаик, на обработку металла и многие другие отрасли.

Средневековое искусство возникло из сплава художественного наследия Римской империи и иконографических традиций ранней христианской церкви. Эти элементы перемешались с «варварским» искусством Северной Европы.

Средневековое искусство оказало влияние на развитие следующих видов искусства:

Витраж

Живопись (гравюра, икона, фреска)

Керамика (гончарное производство)

Книги (иллюминированная рукопись, каллиграфия, манускрипт, минускул, переплет книг)

Металлургия (художественная обработка металла)

Мозаика

Надгробные памятники

Реликварии

Скульптура (деревянная скульптура, статуя)

Резьба по слоновой кости

Изделия из стекла

Столярное ремесло (мебель)

Изготовление печатей

Текстиль (ткачество, ковер, гобелен, пигменты, средневековая одежда)

Ювелирное искусство

Раннее христианское искусство, охватывает произведения живописи, скульптуры и декоративно-прикладного искусства, созданные для нужд христианских общин начиная с апостольских времен и до упрочения византийской культуры в 6 в.

В христианстве возникло учение о существовании двух миров - высшего божественного, духовного и низшего мира земной реальности, являющегося лишь его отражением; обнажились и противоречия между двумя природами человеческой натуры - духовной и телесной, материальной, Образ человека в искусстве утратил разумную ясность и внутреннее равновесие, характерное для античных героев. Но духовный мир человека обогатился, в нем было открыто многообразие чувств и переживаний, порой поражающих драматизмом, жаждой совершенствования. Образы, созданные безвестными художниками средних веков, воздействуют то силой внутренней сосредоточенности и философского самоуглубления, то страстностью духовных порывов, высоким духовным подъемом, то мечтательностью или гармоничной созерцательностью.

Расширяется и сфера явлений, отображаемых в искусстве. Задачей философов и художников стало познание вселенной в ее необъятных всемирных и космических масштабах, в совокупности множественных явлений жизни. Эта познавательная цель, хотя и была облачена в религиозную форму, возбуждала в человеке потребность реального знания о вселенной на земле. Вместе с тем человек в сознании людей перестал быть центром мироздания. В нем видели лишь частичку вселенной, подчиненную ее неведомым силам. Отдельные явления жизни приобрели поэтому значительность, поскольку рассматривались как проявления величия целого.

Всеобъемлющий взгляд на мир нашел отражение в огромных синтетических ансамблях, в грандиозных храмах с сотнями статуй и множеством росписей. Новая концепция синтеза искусств, порожденная драматической динамикой и одухотворенной страстностью искусства Западной Европы - крупнейшее завоевание средневековья.

Средневековое искусство по своим формам являлось религиозным, символическим, отвлеченным. Художники создавали произведения для церкви (христианской, буддийской, мусульманской). Светское искусство существовало, но не оно определяло характер художественной культуры этой эпохи. Само мышление людей средневековья было религиозным. Это накладывало отпечаток на все формы жизни общества и ограничивало возможности искусства.

Христианская религия проповедовала, что все земное - лишь слабое отображение небесного, что земное ничтожно по сравнению с загробной жизнью. Искусство не должно было следовать природе - презрение к земному миру во имя повышенной одухотворенности вело к нарушению в искусстве привычного сходства с натурой и обращению к символам, аллегориям для выражения больших идей. На Среднем Востоке мусульманство запрещало в религиозных памятниках изображение человека.

Содержание средневекового искусства не ограничивалось, однако, только областью официальных религиозных идей. В христианстве, буддизме, мусульманстве жили и идеи и чувства, непосредственно связанные с жизнью, с идеалами, нравственными представлениями и стремлениями народа. Народная традиция утверждала, что каждое явление природы - воплощение божества, что весь материальный мир природы одухотворен и поэтому оправдан; а в каждом человеке заключено нечто священное, что делает его в известном смысле равным королю. Языческие верования, сохранившиеся в народе, мифология, фантазия, поэтическое отношение к миру определили силу и яркость образов средневекового искусства, их художественную ценность. В искусстве получили широкое развитие нравственный идеал материнства, темы страданий, стоического мужества человека, устремленности его к совершенству, красоты природы и мироздания. Чувство любви в средневековом обществе впервые приобрело такую степень интенсивности и продолжительности, которых не знал человек древнего мира. Рыцарская любовь создает куртуазный рыцарский роман, рыцарскую лирику трубадуров. Средневековье обнаруживает в мире зло и уродство - в искусстве разрабатывается проблема характерного, безобразного, имеющего в отличие от прекрасного бесконечное разнообразие проявлений. Тем самым для искусства открывались новые перспективы Культура средневековья исключительно богата и разнообразна. Развитие феодальных отношений привело к возникновению многочисленных центров культуры в различных частях мира, находившихся во взаимодействии.

Романский период на территории Европы приходится на время господства феодального строя, основой которого было сельское хозяйство. Первоначально все земли принадлежали королю, он распределял их между своими вассалами, а те, в свою очередь, раздавали ее для обработки крестьянам. За пользование землей каждый был обязан платить налоги и нести воинскую службу. Привязанные к земле крестьяне содержали господ, которые в свою очередь служили в войсках короля. Таким образом возникли сложные взаимозависимые отношения между господами и крестьянами, причем крестьяне находились на нижней ступени общественной лестницы.

Поскольку каждый феодал стремился расширить свои владения, то конфликты и войны велись практически постоянно. В результате центральная королевская власть теряла свои позиции, что приводила к раздробленности государств. Экспансионистские стремления особенно наглядно выражались в крестовых походах и в порабощении славянского Востока

В городах развернулось, возникнув в Северной Франции, широкое строительство. Новый архитектурный стиль получил название готики. Это название было предложено в XV в. итальянскими теоретиками искусства, выразившими таким образом свое отношение к казавшейся им варварской архитектуре Западной и Средней Европы.

Хотя готика возникла в процессе развития романской архитектуры, в противоположность ей и последующей архитектуре ренессанса, барокко и классицизма, - это единственный стиль, создавший совершенно своеобразную систему форм и новое понимание организации пространства и объемной композиции. Название « готика » не отражает правильно существо данного стиля. В период ренессанса это было насмешливое наименование, выдуманное итальянской художественной критикой для творческого стиля, возникшего севернее Альп. Во Франции этот стиль получил более точное название «Styleogivat» (стиль стрельчатый).

2. Художественное оформление упаковки товаров

Художественное оформление упаковки - комплекс технических приемов, обеспечивающих реализацию информационной функции упаковки о назначении, легальности, распространении продукции, ее рекламе.

Упаковка является составной частью продукции и несет на себе информацию о ее потребительских качествах. В этом ее коммуникативная роль, которая особо возрастает в конкурентном мире рыночных отношений. Постоянное изучение потребительского спроса населения на товары и продукты с помощью разных методов, в том числе и социального характера, дает возможность учитывать состояние потребителя в обществе, его возраст, пол, уровень образования, профессию, национальные особенности и менталитет, существующие в обществе привычки, нормы, уровень информированности, репутацию фирмы-производителя и ее торговой марки, моду, сезонность продукции и еще много других факторов, которые влияют на потребительский спрос. Именно учет этих факторов во время разработки художественного оформления упаковки дает возможность повлиять на потребителя и убедить его сознательно или интуитивно сделать покупку.

Художественное оформление, не зависимо от вида упаковки, должно решать специфические информационные задачи: текстовое, графическое, цветовое соответствие характера продукции, точное указание на то, чем она является; объяснение потребительских свойств, логическая передача информации о них по степени их важности; узнаваемость продукции, особенно в ряду идентичной; реализация «фирменных» достоинств продукции, поддержание торговой марки; стимулирование к покупке.

Существуют многочисленные способы художественного оформления упаковки, которые можно разделить на две группы (рис. 1). Первая - это прямые способы, которые базируются на непосредственном нанесении на упаковку рисунков, надписей, вторая - побочные, которые передают эту же информацию с помощью специальных носителей. В обоих случаях важно, чтобы художественное оформление упаковки было лаконичным и ярким, простым и понятным. В основе успеха - пропорции, контраст, баланс.

Проектируя художественное оформление упаковки, разработчик сталкивается с проблемами целесообразности и технической осуществимости проекта, с необходимостью учета требований и ограничений, связанных с технологией и оборудованием, материалами, красками. Все это требует профессиональных знаний.

Печать. Это наиболее распространенный способ художественного оформления упаковки, который, в зависимости от вида, формы, размера и материала упаковки, предусматривает возможность использования различных видов печати: трафаретный, офсетный, глубокий, флексографский, тампопечать и некоторые их разновидности практически для каждого из этих видов печати существуют допечатные процессы (прежде всего, изготовление печатных форм), которые сегодня за счет использования новейших технологий и оборудования достигли невиданных ранее качественных характеристик оформляемой упаковки и параметров производительности. Кстати, качество художественного оформления упаковки закладывается именно в этих допечатных процессах - изготовления оригинал макета, фотоформы, печатной формы - и поддерживается непосредственно во время печати.

Трафаретный способ печати (рис. 2) отличается от других, прежде всего, значительной толщиной (30-100 мкм) красочного слоя, который перекрывает цвет упаковочного материала. С одной стороны, это затрудняет высыхание красок и делает невозможным передачу полутоновых и мелкоштриховых изображений. С другой - универсальность, простота, четкость и насыщенность отпечатков, невысокая стоимость изготовления печатной формы. С помощью ракеля вязкая краска продавливается через открытые участки печатной формы (в виде сита из полимерной, металлической или шелковой сетки) на заранее выбранный участок упаковки.

Пробельные места сита закрыты непроницаемым фотополимерным слоем. Чаще всего этот способ применяется для художественного оформления упаковки из гофрокартона, полимеров, объемной упаковки в виде бутылок, банок и других емкостей.

Офсетный, или типоофсетный способ печати (рис. 3) не так широко распространен для художественного оформления упаковки. Это обусловлено, прежде всего, сложностью процесса краскопередачи. В классическом офсете форма последовательно орошается краской и водой, а изображение на упаковку передается через промежуточный эластичный цилиндр, куда оно попадает, когда краска поглощается печатными элементами на форме, отделяясь от увлажненных элементов на той же форме.

Но новейшие технологии сухого, безводного офсета с использованием специальных печатных форм с покрытием из силиконового каучука, которое не воспринимает краску, расширили использование этого вида печати, прежде всего, за счет высокой производительности и стабильной высококачественной краскопередачи. И даже отдельные недостатки этого способа (ограниченность, насыщенность оттенка, широкое поле допусков при совмещении красок) не ограничивают художественное оформление потребительской тары из картона, картонных заготовок, многослойных материалов на основе картона.

Флексографский способ печати (рис. 4) в последние годы развивается наиболее динамично. Применяется в том числе, а может и в первую очередь для художественного оформления мягкой упаковки из различных одно- и многослойных полимерных пленок.

Печатная форма, которая крепится на формном цилиндре, с помощью гладкого или растрового вала покрывается краской, которая переносится на упаковочный материал. Современные флексографские печатные машины работают на высоких скоростях с использованием 6-8 красок. Этот способ отличается простотой и экономичностью, универсальностью, незначительным давлением печатного цилиндра. И хотя не всегда достигается четкость и насыщенность отпечатков, толщина которых (5-10 мкм) плохо перекрывает цвет упаковочного материала, флексографский способ художественного оформления упаковки в некоторых ее секторах (одно- и многослойные упаковочные материалы для мягкой потребительской упаковки) вышел на первое место по применению.

Глубокий способ печати (рис. 5) дает возможность получить высокое качество передачи сложных цветных полутоновых изображений художественного оформления упаковки.Этот способ предусматривает передачу краски из углубленных элементов печатного цилиндра, которые имеют различную глубину и разделены между собой пробельными опорными элементами.

Отдельные недостатки этого способа печати перекрываются высокой производительностью и высоким качеством печати - сложность оборудования и высокая стоимость печатных форм, чувствительность к жесткости, прочности, гладкости упаковочного материала, цвет которого толщиной красочного слоя (5-15 мкм) перекрывается не всегда. Тем не менее, мягкая упаковка реже из одно- и чаще из многослойных упаковочных материалов высокого качества художественно оформляется глубоким способом печати.

Способ тампопечати используется для художественного оформления упаковки сложной формы, укупорочных средств (пробка, крышка). Изображение с металлической формы переносится на упаковку с помощью эластичного тампона (груши).

Этот способ печати имеет ограниченное применение, прежде всего, из-за небольшой производительности и высокой стоимости печатных форм. С другой стороны, есть упаковка и вспомогательные упаковочные средства, художественное оформление которых можно выполнить исключительно способом тампопечати.

Другие способы печати реже применяются для художественного оформления упаковки, однако для нанесения маркировочных знаков, символов, даты изготовления продукции, номера ее партии, кода производителя, номера стандарта применяются способы структурной и лазерной печати. Цифровая печать применяется для упаковки, которая изготавливается малыми тиражами, для ее нумерования с персонализацией, для подарочной и коллекционной продукции.

Окрашивание упаковки, лакирование ее поверхности является эффективным способом ее художественного оформления. При этом цвет, его тон, насыщенность используются для того, что бы привлечь внимание потребителя, предостеречь его от опасности, успокоить, повысить настроение или расслабить, активизировать и сосредоточить внимание или просто вызвать ассоциации, связанные с продукцией, чтобы обеспечить ее узнаваемость. Окрашивание полимерного упаковочного материала, как правило, производится в массе при его изготовлении, в других случаях используется распыление в специальных камерах или окрашивание и лакирование с помощью офсетных машин.

Тиснение как способ художественного оформления упаковки предусматривает поверхностную деформацию материала упаковки с созданием рельефного (конгрев) или плоского (блинт) изображения. Тиснения может быть бесцветным, одно- или многоцветным с использованием переводной фольги или многокрасочного оттиска со специальной подложки (деколя). Блинтовое тиснение производится плоским штампом и, как правило, является бесцветным. Конгревное тиснение в случае художественного оформления полимерной упаковки производится в процессе ее изготовления или, как и упаковки из картона, с помощью нагретого пуансона и матрицы.

Металлизация как способ художественного оформления упаковки состоит в напылении на поверхность упаковочного материала или упаковки слоя металла (чаще всего, алюминия) в вакуумных камерах периодического или непрерывного действия. С помощью раскаленной спирали металл испаряется в вакууме и оседает на поверхности материала или упаковки в виде металлического покрытия. К сожалению, высокая стоимость процесса, сложность оборудования и низкая его производительность настолько увеличивают стоимость упаковки, что достигнутый декоративный эффект не стоит этого. Именно это и сдерживает широкое применение этого способа художественного оформления упаковки, оставляя его приоритетным для подарочной и эксклюзивной упаковки.

Два других побочных способа: тиснение фольгой и декалькомания имеют ограниченное применение.Тиснение фольгой применяется для художественного оформления упаковки для подарков, сувениров, парфюмерных и косметических товаров, ювелирных изделий, часов. Фольга прижимается к упаковке горячим штампом с рельефным изображением. Под действием тепла и давления металлизированный или красочный слой фольги отслаивается и закрепляется на поверхности упаковки. Способ отличается простотой, быстрым переходом на другой вид фольги, другой вид упаковки. К недостаткам следует отнести невозможность воспроизведения элементов оформления малых размеров, высокую стоимость штампа и большие отходы фольги.

Декалькомания как способ художественного оформления упаковки применяется, как правило, для разных видов транспортной тары. В случае простой декалькомании клеевой слой деколя растворяется или размягчается в горячей воде, после чего оттенок переносится на поверхность упаковки. В случае горячей декалькомании деколь нагревается и прижимается валком поверхности упаковки. Переход изображения происходит под действием давления и тепла. Низкая производительность, сложность механизации и автоматизации этого способа оправдываются его простотой, низкой стоимостью и безопасностью.

3. Классическое и современное искусство в графическом дизайне

Самые лучшие, образцовые произведения искусства, которые становятся эталонами стиля, во все времена принято называть «классикой». В процессе развития искусства классические образцы стиля, господствовавшего в ту или иную эпоху обязательно сменяются образцами стиля другого, нового, нередко полностью переосмысливающего и отрицающего предыдущий. Однако со временем, отпочковавшись от прародителей и полностью выделившись в отдельное направление, новый стиль утрачивает энергию отрицания и занимает подобающее ему место в ряду других. Характерные черты классического стиля - соразмерность и симметричность, четкие и правильные геометрические формы объемов, торжественность и монументальность. Особенность классического стиля состоит также в том, что он позволяет комбинировать его с элементами других стилей.

Само понятие "классический" подразумевает органическое целое, к которому ничто внешнее нельзя прибавить и от которого ничего нельзя убрать, не нарушив при этом целостность и законченность. Классические принципы дизайна и декорации распространяются на все стороны изобразительных искусств. Начиная с эпохи Возрождения всякий художественный стиль вплоть до нашего столетия оценивался по степени его близости и приверженности абсолютным ценностям классической древности.В живописи классицизма основными элементами моделирования формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины, ставши общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне _французской культуры под сильнейшим влиянием идей Просвещения.

Современный графический дизайн -- динамично развивающаяся область профессиональной деятельности, к которой неизменно растет интерес молодежи из года в год. Цель этой статьи - дать краткое описание этой деятельности, ее особенностей и направлений.Графический дизайн - это творческая проектная деятельность, основным средством которой служит графика. Собственно, работать с графикой во всех ее проявлениях и является основной задачей графического дизайнера. Причем, главным является не качество исполнения, соответствующее неким «академическим» стандартам, а соответствие выбранного стилистического решения конкретному проекту.

Целью графического дизайна является визуализация информации, предназначенной для массового распространения посредством полиграфии, кино, телевидения, а также создание графических элементов предметной среды и изделий. Нагляднее всего о профессии графического дизайнера говорят те примеры и области, в которых востребованы и применяются его работы.

В зависимости от объекта различаются следующие виды графического дизайна:

- книжная и газетно-журнальная графика;

- рекламная графика и плакат;

- промышленная графика (товарные и фирменные знаки, упаковка и пр.);

- системы визуальной коммуникации;

- анимационная, видео и телевизионная графика

- суперграфика (крупномасштабные графические элементы городской среды) и др.

Способы визуализации информации могут быть различными - от узнаваемого отображения объектов до шрифтовых композиций, где смысл несет не только слово, но и его начертание.

В графическом дизайне применяются:

- фотографика;

- монтаж;

- аппликация;

- типографика;

- компьютерная графика и веб-дизайн и др.

В современном графическом дизайне особое значение имеет серийность.

Серией является содержательно целостная совокупность аналогичных по форме нескольких визуальных объектов, предназначенных для решения одной практической задачи.Серийными могут быть:

- плакаты;

- упаковка;

- оформление выставок;

- системы знаков;

- открытки;

- фотографии;

- полиграфическая продукция

Сложную серию представляет собой фирменный стиль.

Серийность характерна для современного графического дизайна в связи с распространением комплексного проектирования.

Основными средствами дизайн-графики являются: шрифты, знаки и символы, которые могут быть, как стандартизированы, так и индивидуально формируемыми дизайнером. Она иногда связана с устройствами (например, на мониторах компьютеров, электронных панно), в которых передача информации осуществляется с помощью специальных технических средств, что предопределяет ее форму.

К проектированию дизайн-графики относится:

- промышленная (прикладная) графика;

- конструирование упаковки широкого спектра изделий;

- оформление изделий и среды;

- визуальная коммуникация и т. д.

К основному принципу работы можно отнести последовательную, постадийную разработку проекта -- от стадии эскиза до оригинал-макета.

На пример - разработка знаковой формы выполняется по следующим этапам:

В начале работы определяются: тематика, функциональность знака, присутствие графических или шрифтовых элементов, возможное цветовое решение.

При непосредственной разработке знака - подробные зарисовки в различных статических и динамических решениях.

Следующая стадия - упрощение изображения, объединение отдельных дробных элементов в единые конструктивные узлы и трансформирование изображения в знаковое.

При необходимости - разработка шрифтовой группы для полученного изображения и доработка законченной композиции.

В конце - отрисовка целостного изображения по модульной сетке.

Современный графический дизайн строится на основе визуально-графического языка. Это система условных графических изображений, знаков и символов, предназначенная для передачи специальной информации -- сигналов опасности, ориентации, рекламы и др. В основе -- графические символы и знаки, которые могут быть: изобразительными, словесными и комбинированными.

Многие знаки-символы, сопровождающие жизнедеятельность человека, являются общегосударственными и международными.

Заказчиками дизайн-графики могут быть различные компании, фирмы, устроители мероприятий разного уровня (выставок, ярмарок, фестивалей и пр.), государственные и международные организации.

Графический дизайн активно влияет на стиль промышленных изделий и предметной среды в целом. Грамотно спроектированная визуальная информация в определенной степени формирует культурную среду жизнедеятельности человека.



Билет № 3

1. Искусство Возрождения. Этапы развития. Живопись. Архитектура. Костюм

Эпоха Возрождения - это время расцвета всех искусств, в том числе и театра, и литературы, и музыки, но, несомненно, главным среди них, наиболее полно выразившим дух своего времени, было изобразительное искусство. Неслучайно существует теория, что Возрождение началось с того, что художники перестали удовлетворяться рамками господствовавшего «византийского» стиля и в поисках образцов для своего творчества первыми обратились к античности.

Основные этапы развития искусства Возрождения

Раннее Возрождение

Эап Раннего Возрождения (XV в.) явился необычайно плодотворным для развития всего мирового, а не только итальянского искусства. Раннее Возрождение (Кватроченто) знаменовало собой появление и расцвет множества индивидуальностей практически во всех видах искусства и художественной деятельности. Вера гуманистов в разум и безграничные человеческие возможности принесли свои плоды. Художников высоко ценили и уважали. Приглашали к своему двору римские папы, герцоги и короли. Однако их искусство не становилось при этом придворным. Высоко ценилась личная свобода художника. О свободе человека и его месте в мире великий гуманист П. Мирандолла писал: «В конце дней творения создал Бог человека, чтобы он познал законы вселенной, научился любить ее красоту, дивиться ее величию. Я, - говорил творец Адаму, - не прикрепил темя к определенному месту, не обязал определенным делом, не сковал необходимостью, чтобы ты сам, по собственному желанию, избрал место, дело и цель, какие ты свободно пожелаешь, и владел ими… Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты…сам себе сделался творцом и сам выковывал окончательно свой образ. Тебе дана возможность пасть на степень животного, но также и возможность подняться до степени существа богоподобного - исключительно благодаря твоей внутренней воле».

Основателями изобразительного искусства раннего Возрождения по праву считаются художник Мазаччо, скульптор Донателло, а также архитектор и скульптор Брунеллески. Все они работали во Флоренции в первой пол. XV в., но их творчество оказало заметное влияние на художественную жизнь всего Возрождения. Художником «мужественного стиля» называли Мазаччо, поскольку он сумел создать в живописи объемные «скульптурные» образы, используя трехмерную пространственную глубину полотна. Он по-новому увидел действительный мир и по-новому запечатлел его средствами живописи, что неизбежно привело к изменению не только художественного языка, но и пространственно-художественного мышления в целом. Донателло принадлежала заслуга в создании школы рельефного искусства, а также круглых статуй, свободно существующих вне архитектурного целого. Брунеллески удалось создать светскую по духа, изящную и легкую архитектуру, возродив традиции античности на новой почве, доведя рационализм и гармонию до своего совершенства. Унаследованный от греков и основанный на рационализме художественный метод зажил в эпоху Возрождения новой жизнью.

Художник позднего Кватроченто Сандро Боттичелли в своих произведениях создал удивительно одухотворенные и прекрасные женские образы («Весна» и «Рождение Венеры») и другие. С. Боттичелли обладал редким даром соединять в своем искусстве черты античной и христианской мифологии. Другой особенностью его манеры являлось тяготение к готике. Сквозь умело построенные ритмические композиции и использование волнистых линий просвечивает неземная красота земных женщин, скрытая под покровом легкой вуали. Присутствие ореола таинственности и нежности способствовало созданию необыкновенно легких и совершенных женских образов, вошедших в сокровищницу мирового искусства.

Высокое Возрождение

Искуссво Ренессанса не стояло на месте: если для Раннего Возрождения были характерны поиски и стремление создать новое, то Высокое Возрождение отличала зрелость и мудрость, сосредоточенность на главном. Именно в то время были рождены шедевры, ставшие символами не только всей эпохи, но также шедеврами мировой культуры всех времен и народов.

Главной фигурой в культуре этого периода, безусловно, являлся Леонардо да Винчи, чей талант отличался разносторонностью. Вершиной творчества Великого Леонардо по праву считается создание образа Моны Лизы (Джоконды), тайна которой до сих пор остается неразгаданной и она ушла вместе с ее автором. Величие и спокойствие, горделивая осанка и отсутствие надменности и фальши, гениально и просто подчеркивают истинный облик вечной женственности, парящий над всем лживым, неистинным, сиюминутным и недостойным внимания. Созданный Леонардо на все века образ прекрасной женщины предстает перед зрителем на фоне достаточно абстрактного пейзажа, который мало занимал внимания у художников Возрождения. Пейзаж также подчеркивал обобщенность и символичность образа, его вневременность. «Джоконде» удалось затмить многие шедевры мирового искусства, созданные как самим Леонардо, так и другими художниками.

Позднее Возрождение

Поднее Возрождение со всей очевидностью обнаружило кризис гуманизма, который сумел гениально отразить в своем творчестве В. Шекспир. Образ Гамлета стал во многом символичным. В нем наилучшим образом выражено стремление осуществить свой жизненный выбор, согласующийся с законами совести. «Быть или не быть?» поистине стал вопросом всех вопросов, которые когда-либо волновали человечество и отдельную личность. Поиски собственного пути и смысла жизни, а также намерение осуществить правильный выбор сегодня актуальны как никогда. Величие и масштабность шекспировского героя свидетельствуют о гениальности его создателя, вошедшего в плеяду «титанов» эпохи Возрождения.

С конца XV в. назревает кризис гуманизма, вызванный во многом политическим и экономическим ослаблением Италии. В связи с открытием Америки (1494 г.) торговля с Северной Италией и ее экономическое могущество идет на убыль, она подвергается военному разорению и теряет независимость. Неустойчивость миропорядка, его ценностей и как следствие этих процессов кризис идеалов, которыми жило не одно поколение гуманистов.

Со всей очевидностью черты кризиса гуманизма отразились в творчестве литературных гениев позднего Возрождения - Шекспира и Сервантеса. Не случайно мир представлялся Гамлету «садом, поросшим сорняками». Весь мир для него - «тюрьма с множеством затворов, темниц и подземелий, причем Дания - одна из худших». Эгоистическая воля отдельных людей все больше препятствовала свободному развитию человеческой личности. Гамлетовский вопрос «быть или не быть?» заключал в себе всю противоречивость эпохи позднего Возрождения, а также трагизм человеческой личности в ее стремлении быть свободным в несвободном мире.

В отличие от Шекспира, Сервантесу удалось показать те же процессы, происходящие с миром и отдельным человеком, но уже в комической форме. Созданный им образ Дон-Кихота - идеального героя, живущего по своим собственным законам, согласующимся с общими представлениям о добре и зле, также стал нарицательным. Однако идеальные герои могли существовать только в мире искусства, а реальный мир продолжал жить по своим жестким законам зарождающегося капитализма, который диктовал свои устои человеческого общежития. Неизбежно, что борьба героя Сервантеса с ветряными мельницами не могла закончиться удачно, а у расчетливого и бережливого новоявленного буржуа вызывала только смех и ничего, кроме смеха.

Северное Возрождение

Благодаря бурно развивающимся экономическим и культурным связям, возросшему интересу к образованию, а также общности тенденции в развитии истории европейских народов и становлении их государств, идеи и эстетические идеалы итальянского возрождения распространились по всему европейскому континенту севернее Италии. При этом, Северное Возрождение не стало копировать достигнутое, а внесло свой неповторимый вклад в эпоху Ренессанса и создало свои шедевры. В культуре XV-XVI вв. в Германии, Франции и Нидерландов еще сохранялось готическое искусство средневековья, однако все заметнее тенденции эволюции от религиозной схоластики в сторону создания светского искусства.

Заметный вклад в искусство Северного Возрождения внесли такие художники, как Питер Брейгель и Иероним Босх, творчество которых в течение нескольких столетий оказывалось в тени, но с конца ХХ в. вызывает все более пристальный интерес. Нидерландского художника П. Брейгеля называют «мужицким» и его картины нельзя спутать с другими ввиду искреннего интереса художника к быту простых крестьян. Брейгель как никто другой реалистически точно живописует не только сами образы, но и обстановку, в которой живут его герои, проявляя интерес к деталям крестьянского быта. Однако не только сюжеты из крестьянской жизни находятся в поле зрения художника, но и природа, подчеркивающая естественность жизни простолюдинов, которым чужды дворцы и красивая одежда, затейливые прически и наряды. Взгляд Брейгеля не беспристрастен: он останавливает свое внимание на житейских ситуациях, в которых проявляются характеры обыкновенных и во многом несовершенных людей, к которым художник проявляет искренний интерес и относится с теплотой и пониманием, а нередко и с иронией (как, например, в картинах «Страна лентяев» или «Крестьянский танец»). Брейгель демонстрирует свое мастерство не только в умении создавать образы своих современников, лица которых «не обезображены интеллектом», но и использует сочный и теплый колорит, подчеркивающий отношение к своим героям. Помимо жанровых полотен, Брейгель подарил миру прекрасный зимний пейзаж «Охотники на снегу», ставший шедевром мирового искусства пейзажа. А его известная картина «Слепые» достигает символической обобщенности и глубины в трактовке образов, обращая внимание на то, что именно несовершенство рода человеческого, его слепота и безверие среди прочих недостатков ведут к гибели. И как важно, кто является поводырем человека, кто ведет его по жизненному пути - такие же, как он - слепцы и убогие, или более совершенные?

Символические образы искусства требуют разгадки, вдумчивого знакомства с творениями великих художников, их биографией, эстетическими традициями и исторической обстановкой, в которой создавались произведения. К созданию символических образов прибегают далеко не все художники, а лучшие из лучших. Символизация образов была присуща также другим выдающимся мастерам Северного Возрождения - например, И. Босху и А. Дюреру.

Отличительной чертой живописи Северного Возрождения, по сравнению с итальянским, явилось создание прекрасных реалистических портретов, принадлежащих кисти Ян Ван Эйка, Ганса Гольбейна Младшего, Лукаса Кранаха и других мастеров живописи. Образ человека в портретах этих художников заметно интеллектуализируется и все более приобретает индивидуальные черты. Внимание художников все чаще сосредоточивается на деталях: становятся важными и представляющими интерес и обстановка (интерьер дома), и одежда, и позы, и прически и т.д. Уточняются и детализируются пейзаж и жанровые сцена из повседневного быта. Изобразительное искусство отразило тенденции, которые появились в жизни отдельного человека того времени, интересы своих современников, потребности которых все более приземлялись и уже не столь часто их взор был обращен с грешной земли на небо.

Античный идеал гармоничного и совершенного душой и телом человека оказался для эпохи Возрождения во многом недосягаемым, в то же время оставаясь весьма притягательным. Одним из парадоксов и противоречий культуры этой эпохи явилось то, что с одной стороны, - оно стремилось полностью отказаться от предшествовавшей ей религиозной культуры средневековья, а с другой, - вновь обратиться к религии, реформируя ее в соответствии с новыми общественными потребностями, новыми идеалами нарождающегося класса буржуа. Искусство не могло не отразить это противоречие.

Несмотря на новизну художественных средств (прямая перспектива, позволяющая передавать объем на плоскости, умелое использование светотени, локальных цветов, появление все еще условного, но уже более реалистического пейзажа и т. д.), художники Ренессанса продолжали использовать традиционные мифологические сюжеты. Однако Мадонны с младенцами лишь отдаленно напоминали изображение Богоматери. Лица молодых итальянок уже не отличались просветленностью, не были обращены к поднебесью, а были вполне реальны и полны жизни. И хотя религиозные сюжеты и образы еще являлись предметом искусства, однако они все более становились лишь объектом эстетического созерцания, воспринимались современными «телесными очами». Живопись на религиозные сюжеты уже не взывала к молитвенному сосредоточению и горению, как икона, а лишь напоминала о священной истории, канувшей в лету.

Культура Ренессанса явилась во многом переломным этапом всей европейской культуры. С этого времени и искусство и, в целом, вся духовная культура пойдут по пути своей десакрализации, ставя и решая совсем иные задачи, чем в предшествующие эпохи. Это приведет к тому, что советское искусство и наука со временем утратят полноту духовного опыта, которым они обладали ранее.

Начало эпохи Возрождения идёт из Италии. Возникновение её началось с XIII , XIV столетия, однако твёрдо она наступила в 20-х годах XV века. В XVI столетии наступает упадок идей Возрождения, в результате чего возникают маньеризм, а так же барокко. Эпоха Возрождение разделяется на следующие периоды такие, как Проторенессанс, Раннее Возрождение (2-ая часть 13 -15 веков) , Высокое Возрождение (начало 20-х годов XVI в.), Позднее Возрождение, Проторенессанс (30-- 90годы XVI в.) . Время "Раннего Возрождения" продолжалось в Италии с 1420 - 1500 год. В этот восьмидесятилетний период изобразительное искусство ещё не вполне отходит от идей недалёкого прошлого, но пробует соединять их с элементами классической древности. Лишь в будущем, понемногу, под влиянием изменений в жизни и культуре, живописцы полностью бросают средневековые основы и в своих картинах широко используют примеры античного искусства как основу в своих работах. Изобразительное искусство этого времени представлена такими живописцами, как: Ченни де Пепо (Чимабуэ) (1240 -- 1302), ДжоттодиБондоне (Джотто) (1267 -- 1337), Томмазоди сер Джованни диГвиди (Мазаччо) (1401-1428 ), ДуччодиБуонинсенья (Дуччо) (1255--1319), Симоне Мартини (1284 -- 1344), Лоренцо Монако (1370-1425). После периода "Раннего Возрождения" наступает следующая эпоха-- период самой пышной эпохи -- время "Высокого Возрождения". Этот период развития итальянской живописи продолжался с 1500 - 80 г. В эти годы основы итальянской живописи перемещаются в Рим из Флоренции. Так как на Папский престол заступил Юлий II. Этот Папа был человеком честолюбивым, смелым и предприимчивым. Юлий II привлекал к своему двору самых лучших художников Италии, которые своими творениями давали пример другим художникам. При нём, а так же при последующих Папах , Рим превращается как будто в новые Афины периода Перикла: в Риме создаётся масса монументальных архитектурных сооружений, великолепных скульптур, а фрески, полотна , создаваемые в этот до сих пор явлются лучшими образцами живописи, т.к. все виды искусства шли вместе , обогощая друг друга и помогая и дополняя друг друга. Изучение античности идёт более полно, восприменяется строже, последовательнее. Наследие средневековой эпохи пропадает , а на его место - на все создания искусства ложится классический отпечаток. Подражая античности художники не теряли своей индивидуальности, они ещё с большим старанием, изощрённостью, перерабатывали, применяли в живописи , что сами считали нужным взять из греко-римского искусства. Мастерами этой поры являлись : Джованни Беллини (1430-1516), Андреа Верроккьо (1435-88), Сандро Боттичелли (1445-1510), Доменико Гирландайо (1449-94),Леонардо да Винчи (1452-1519), Пинтуриккио (1454-1513), Микеланджело Буонорротти (1475-1564), Джорджо Барбарелли (Джорджоне) (1477-1510), Рафаэль Санти (1483-1520), Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Позднее Возрождение или маньеризм связан с упадком Ренесанса. Художники, писавшие картины в этом стиле, хотели взять для себя только "школу" знаменитых живописцев прошлого периода. новый период отличается субъективизмом, вычурностью образов, изощрёнными формами. В этот период прославились такие художники, как :ФранческоМельци (1491-1570), ЯкоппоКарруччи (Понтормо) (1494-1557), АньолоБронзино (1503-1572).

Архитектура Возрождения -- период развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в Истории Архитектуры, в особенности по отношению к предшествующемуархитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства.

Особенное значение в этом направлении придаётся формам античной архитектуры: симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы. Архитектура снова становится ордерной.

...