Искусствоведческий анализ направлений модернизма и постмодернизма

Размещено на http://www.allbest.ru/

1

Оглавление

Введение

Глава I. Искусствоведческо-аналитический анализ направлений Модернизм и Постмодернизм

Глава II. Модернизм

§ 1. Авангард

§ 2. Кубизм

§ 3. Фовизм

§ 4. Абстракционизм

§ 5. Неоклассицизм

§ 6. Футуризм

§ 7. Сюрреализм

§ 8. Экспрессионизм

§ 9. Супрематизм

Глава III. Постмодернизм

§ 1. Абстрактный импрессионизм

§ 2. Оптическое искусство

§ 3. Реди-Мейд

§ 4. Поп-Арт

§ 5. Гиперреализм

§ 6. Примитивизм

§ 7. Граффити

§ 8. Ленд-Арт

§ 9. Минимализм

§ 10. Нет-Арт

Заключение

Список используемых источников и литературы

Приложения

Введение

Шагнув в ХХI в., хочется оглянуться назад и попытаться охватить единым взором культуру ХХ столетия - периода великих событий и потрясений, очередного кардинального переосмысления человечеством своей роли и места в картине мироздания. Отсутствие сколько-нибудь определенной и целостной концепции бытия - «картины мира» - повлекло за собой интенсификацию интереса человека к самому себе, пересмотру своих границ, возможностей, целей и смысла существования.

XX век - это век победоносных пролетарских революций, распада колониальной системы, образования первого социалистического государства, а затем и могучей системы социалистических стран. Эта грандиознейшая, совершенно необычная по насыщенности событиями эпоха. С ее экономическими прорывами и научно-техническими изменениями, мировыми войнами, борьбой различных систем, кризисами и взлетами, победами и поражениями. Это эпоха великих свершений, огромных достижений, творческого обновления и переделки мира в культурной, социально-политической и духовной областях. Все события ХХ века получили свое отражение в искусстве, философии и литературе. Их характерные черты получают наиболее зримое воплощение в модернистском и постмодернистском искусстве. Среди множества тенденций и течений этого времени прочерчивается несколько основных, прежде всего модернизм - течение объявившее себя современным искусством. И постмодернизм - новый феномен культуры и новое отношение к действительности, сложившиеся в 60-е годы XX века, как реакция на глобальные потрясения новейшего времени. Споры о постмодернизме начались с момента его возникновения и продолжаются до сих пор. Сложность и неоднозначность этого феномена порождает весьма широкий спектр его оценок - от признания постмодернизма самой актуальной и "продвинутой" частью современной культуры до его полного неприятия и интерпретации как вируса, разлагающего современную культуру. Целью настоящей работы является исследование постмодернизма как направления, феномена культуры, определения места постмодернизма в искусстве. Установить причины и предпосылки его происхождения, рассмотреть постмодернизм в сравнении с модернизмом, а также раскрыть особенности данного явления в современном обществе.

Глава I. Искусствоведческо-аналитический анализ направлений Модернизм и Постмодернизм

постмодернизм модернизм культура феномен

Рассмотрим культурную ситуацию первой половины XX века, которая складывалась под знаком модернизма. Модернизм искусствоведы понимают двояко - в широком и узком смысле. В первом он обозначает всю совокупность художественных течений, школ и направлений начала XX века, выразивших отход от культурных ценностей XVIII-XIX веков и провозгласивших новые подходы и ценности. Фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм - таков далеко неполный список направлений художественного поиска в начале XX века. В узком смысле модерн обозначает только одно направление в искусстве. В таком случае его название берут в кавычки. «Модерн» (фр. moderne -новейший, современный, ар нуво, югендстиль) - стилевое направление в европейском и американском искусстве конца XIX - начала XX века. Новое направление распространилось по всей Европе и в первую очередь затронуло архитектуру и декоративное искусство. Когда говорят о широком значении модернизма, то употребляют также термин «авангардизм» Иными словами, упомянутые течения можно именовать либо модернистскими, либо авангардистскими. Модернизм связан с отходом культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности. Выступления художников-модернистов принимали зачастую форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов в искусстве. Авангард обозначал идущих впереди всех, т. е. экспериментирующих с художественным материалом, создающих новые, ни на что не похожие стиль, язык, содержание в изобразительном искусстве. Революции и войны, в которые втягивается весь мир, не препятствуют экспериментам и поискам нового. Происходит пересмотр прежних представлений о красоте, цвете и пространстве. Париж становится местом паломничества для художников со всего мира. Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.

Однако в 80-е годы XX века появился новый термин - постмодернизм. Постмодернизм означает «после модернизма», т. е. показывает преемственность и вполне определенное отношение к модернистским тенденциям в культуре. Течение постмодернизма складывалось в конце 1960-х годов, в эпоху культурного кризиса в США. В целом, постмодернизм - это выражение мировоззрения, переход к новому витку в развитии культуры, размывание границ, рамок между формами культурной деятельности. В эпоху постмодернизма происходит эклектическая интеграция не видов искусства, а искусства и науки, философии, религии. Поверхностное, но синтетическое отражение мира, сути человеческого сознания. Мир нужно не понимать, а принимать. Весь слой культуры в концепции постмодернизма становится достоянием рефлексирующего ума. Подлинный мир постмодернизма - лабиринт и полумрак, простота, не имеющая смысла. Однако, на протяжении последних двух десятилетий постмодернизм, приобретающий все большую респектабельность в глазах специалистов и широкой публики, тяготеет к эпичности, монументальности. Интерес к классической античности стимулирует поиски гармонии, совершенства, симметрии в современной художественной жизни. Становится очевидно, что постмодернистские тенденции в искусстве различаются с философско-мировоззренческими тенденциями этого сложного и неоднородного течения. Искусство постмодерна скорее дополняет классические традиции модернизма, добавляя то, что раньше находилось под запретом, было обойдено вниманием, заключалось в жесткие рамки. Это создает опасность нарушения ряда этических и нравственных норм, но допускает большую, нежели модернизм, свободу выражения человеческой индивидуальности. Модернизм характеризует преимущественно культуру первой половины XX века, зрелое индустриальное общество, где главенствуют рационализм, урбанизация, «искусство для искусства», а постмодернизм обозначает совершенно новую культурную ситуацию, сложившуюся во второй половине и в конце XX столетия в постиндустриальных странах. Ей присущи такие черты, как отход от рационалистических схем, отказ от догмы единого для всех стран капиталистического пути развития, разнообразия культур, единение с природой и защита окружающей среды, планетарное мышление и тому подобное. Из вышеизложенного становиться понятно, что Постмодернизм - не «жанр», не «стиль» и, тем более, не «школа», к которой можно «принадлежать». Постмодернизм - это ситуация. Своего рода культурное «бытие», которое действительно «определяет сознание». По крайней мере, сознание художника, помещенного в ситуацию постмодернизма. Поэтому, рассуждая о постмодернизме, следует иметь в виду, что речь идет не о «жанровых канонах» и не об «особенностях стиля», а о некоторых аспектах творческого поведения. Постмодернизм означает многомерное теоретическое отражение духовного поворота в самосознании цивилизации, особенно в сфере искусства и философии, и лишь потом обнаружившее себя в различных сферах человеческой деятельности. В настоящее время существует ряд взаимодополняемых концепций постмодернизма как феномена культуры. Постмодернизм в искусстве сопряжен с возрождением интереса к проблемам гуманизма, пристальному вниманию к содержательным моментам творчества и его эмоциональным аспектам. Постмодернизм в искусстве не претендует на борьбу с модернизмом, он скорее позиционируется как «трансмодернизм».

Глава II. Модернизм

Модернизм - совокупность художественных направлений в искусстве со второй половины девятнадцатого до середины двадцатого столетия. В узком смысле модернизм рассматривается как начало пересмотра классических традиций, где возобладало уже не столько следование духу природы и традиции, сколько свободный взгляд мастера, вольного изменять видимый мир по своему усмотрению, следуя личному впечатлению, внутренней идее или мистической грезе. Другими словами Модернизм связан с отходом культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности. Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год - год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников. Модернистскими тенденциями были авангард, кубизм, футуризм, фовизм, супрематизм, экспрессионизм, абстрактное искусство, сюрреализм и др. Рассмотрим некоторые из них.

§ 1. Авангард

Русский авангард 1910-хгодов представляет довольно сложную картину. Он характерен стремительной сменой стилей и направлений, изобилием групп и объединений художников, каждое из которых провозглашало свою концепцию творчества. Нечто аналогичное происходило и в европейской живописи в начале века. Однако, смешение стилей, «неразбериха» течений и направлений были неведомы Западу, где движение к новым формам было более последовательным. Многие мастера молодого поколения с необычайной стремительностью переходили от стиля к стилю, от этапа к этапу, от импрессионизма к модерну, затем к примитивизму, кубизму или экспрессионизму, проходя множество ступеней, что было совершенно нетипично для мастеров французской или немецкой живописи. Ситуация, которая сложилась в русской живописи во многом была обусловлена предреволюционной атмосферой в стране. Она усугубила многие из тех противоречий, которые были присущи всему европейскому искусству в целом, т.к. русские художники учились на европейских образцах, были хорошо знакомы с различными школами и живописными течениями. Своеобразный русский «взрыв» в художественной жизни сыграл таким образом историческую роль. К 1913 году именно русское искусство вышло к новым рубежам и горизонтам. Появилось совершенно новое явление беспредметности - черта, за которую не решились перейти французские кубисты. Один за другим переходят эту черту: Кандинский В.В., Ларионов М.Ф., Малевич К.С., Филонов П.Н., Татлин В.Е. Свои силы испытали: Альтман Н.И., Глебова Т., Гончарова Н.С., Кончаловский П.П., Куприн А., Лентулов А.В., Машков И.И., Пуни И.А., Родченко А.М., Розанова О.В., Фальк Р.Р., Шагал М.З., Экстер А.А. Через несколько лет в творчестве Татлина сомкнутся воедино техника и искусство, искусство и наука. Он скажет: «...Наиболее эстетические формы и есть наиболее экономические. Работа над оформлением материала в этом направлении и есть наиболее искусство». Это будет в 1932 году, когда новые эстетические принципы сформируются на основании творчества многих художников авангардного направления.

§ 2. Кубизм

Кyбизм - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) это нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, т.е. плacтичecкoм cдвигe фopмы. Mнoгиe pyccкиe xyдoжники пpoшли чepeз yвлeчeниe кyбизмoм, чacтo coeдиняя eгo пpинципы c пpиeмaми дpyгиx coвpeмeнныx xyдoжecтвeнныx нaпpaвлeний - фyтypизмa и пpимитивизмa. Cпeцифичecким вapиaнтoм интepпpeтaции кyбизмa нa pyccкoй пoчвe cтaл кyбoфyтypизм. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года - канун первой мировой войны. Новоявленное течение в модернистском искусстве вызвало естественное бешенство среди мещан. За кубизмом в изобразительном искусстве в свое время стоял круг поэтов и критиков, условно именовавшихся кубистами. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г. Аполлинер. Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства. Американский искусствовед Дж. Голдинг писал, что кубизм - «самая полная и радикальная художественная революция со времен Ренессанса». Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. И если в кубизме эта тенденция присутствовала в зачаточном состоянии, то в искусстве постмодернизма она становится довлеющей. Отцами кубизма считают Ж. Брака и П. Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернана Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. Существует легенда о возникновении слова «кубизм». Как то Матис увидев картину Брака «Дома в Эстаке», сказал, что она напоминает ему изображение кубиков. В том же году в журнале «Жиль Блаза» критик Луи Воксель пишет о живописи Брака, как о сводящейся к изображению кубов. Так насмешливая шутка Матиса переросла в название новой школы. Период 1907-1912годов называют периодом аналитического (также стереометрического или объемного) кубизма. В это время происходит сенсационное преобразование художественной реальности, невиданное ранее - это разложение формы, в данном случае на кубы. Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе. В 1908-1909 годах и Брак и Пикассо ищут приемы за пределами кубизма. После 1912 года начинается период так называемого «синтетического» кубизма, именуемого также «кубизмом представления». Принцип создания художественного пространства заключался в наполнении изобразительной плоскости элементами расчлененного предмета, которые с треском сталкиваются между собой, ложатся рядом, перекрывают или проникают друг в друга. Таким образом, картина создается как нарисованный коллаж из отдельных аспектов формы, как бы разрезанный на мелкие части. Форма у кубистов предстает в виде плоского отпечатка, одновременно с разных сторон.

§ 3. Фовизм

Локальное направление в живописи начала 20 века получил фовизм (от фр. les fauves - дикие (звери). Название «фовизм» было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников (А. Матисс, А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, Э.О. Фриез, Ж. Брак, А.Ш. Манген, К. ван Донген), совместно участвовавших в ряде выставок 1905-1907 гг. После их первой выставки 1905 г. Название было принято самой группой и прочно утвердилось за ней. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго, оставив, однако, заметный след в истории искусства. Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Фовисты стремились к максимальному использованию колористических возможностей живописи. Природа, пейзаж служили им не столько объектом изображения, сколько поводом для создания экспрессивных, напряженных цветовых симфоний, не порывающих, однако, связей с увиденной действительностью. Основные цветовые отношения и мотивы фовисты брали из природы, но предельно усиливали и обостряли их, нередко использовали цветной контур для отделения пятен цвета друг от друга. Выразительность цвета и отсутствие традиционной светотеневой моделировки, организация пространства только с помощью цвета - характерные черты Фовизма. От Фовизма оставался один шаг до абстрактного искусства, но ни один из его представителей не сделал этот шаг. Все они после 1907 г. пошли своими путями в искусстве, используя Фовизм как некий этап на пути экспериментальных поисков в области живописных средств. Выразительные возможности цвета, выявленные фовистами, активно использовались многими живописцами XX в., начиная с экспрессионистов, абстракционистов и кончая появившимся в 50- 60-е гг. движением «Новые дикие».

§ 4. Абстракционизм

Еще одно художественное направление сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века и просуществовавшее до 1960-х годов того же века - это абстракционизм. Можно назвать это направление - искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство. Это полный отказ от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще древнегреческим философом Платоном. В своем позднем произведении «Филеб» Платон писал о красоте самих по себе линий, поверхностей и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер. После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях художников. В начале 30-х годов стали образовываться группы (главным образом во Франции) художников приверженцев данного направления. Это были группы объединившихся художников различных национальностей и направлений. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939-45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), которая после войны развивалась во многих странах под названием «ташизм» или «бесформенное искусство». Это течение провозгласило своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний. В 60-х гг. как один из вариантов абстрактного искусства развивался оп-арт. Вместе с тем в этот период абстрактное искусство как течение теряет свои позиции и вытесняется различными направлениями.

§ 5. Неопластицизм

Неопластицизм - одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение «Стиль». Для неопластицизма, по словам его создателей, характерно стремление к «универсальной гармонии», выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов). Термин «неопластицизм» появился в Голландии в XX веке. Пит Мондриан определил этим термином свои пластические концепции возведенные в систему и защищаемые журналом «Стиль» («De Sti- ji») основанным в Лейдене в 1917г.. Главной чертой неопластицизма было строгое использование выразительных средств. Для построения формы неопластицизм допускает лишь горизонтальные и вертикальные линии. Пересечение линий под прямым углом - первый принцип. Около 1920г. к прямому углу добавился второй который убирая мазок и подчеркивая плоскость ограничивает цвета красным синим и желтым т.е. тремя чистыми основными цветами к которым можно добавить только белый и черный. С помощью этой строгости неопластицизм предполагал выйти за рамки индивидуальности чтобы достигнуть универсализма и создать таким образом новую картину мира. Теории неопластицизма и его цели были сформулированы в журнале «Стиль». В 1920 г. Мондриан выпустил брошюру «Неопластицизм» изданную в Париже галереей Эффор модерн. Некоторые письменные работы художника были собраны в книгу и опубликованы в 1925г. издательством Баухауза под названием Neue Gestaltung . Концепцию пересекающихся под прямым углом линий приняли художники группы «Стиль». Под их влиянием Мондриан высказался за использование только основных цветов. Исторический вклад неопластицизма в живописи связан с творчеством Мондриана в области же практики - с распространением влияния группы «Стиль».

§ 6. Футуризм

В 1910-х годах возникает еще одно литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe - Фyтypизм. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв, взамен пpeдложив обратить свой взор на тexнику и ypбaнизм, кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa. Используя пересечения, сдвиги, наезды и наплывы форм художники пытались выразить дробящуюся множественость впечатлений современного человека, городского жителя. Футуризм зародился в Италии. Лидером и идеологом движения был литератор Филиппо Маринетти, скульптор и живописец Уго Боччони, живописцы Карло Карра, Джино Северини, Джакомо Балла. Точка зрения западноевропейских футуристов легла в основу

футуристического манифеста «Искусство механизмов». В нем говорится о двух ипостасях идеала нового человека. Это либо человек - робот, безликий винтик в механизме окружающего его мира и общества, либо личность, воплощающая идею сверхчеловека. Русский футуризм весьма отличался от своего западного варианта, унаследовав лишь заглавный пафос строителей «искусства будущего», противопоставляющих его искусству и культуре прошлого. Он существовал в рамках модернистского направления в русском искусстве, представлял собой сочетание различных группировок. Футуристами называли себя члены петербургского «Союза молодежи» В.Е. Татлин, П.Н. Филонов, М.З. Шагал, А.А. Экстер; участники выставок «Ослиный хвост», «Мишень», «Трамвай Б» М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, К.С. Малевич, К.М. Зданевич и др., члены группы «Гилея» В. Маяковский, Д.Д. Бурлюк.

§ 7. Сюрреализм

Серреализм - космополитичное течение в литературе, живописи и кинематографе. В 1924г в Париже сюрреализм, как школа в изобразительном искусстве начал свое существование. Главные деятели движения:

- Андре Бретон - писатель, лидер и идейный вдохновитель течения,

- Луи Арагон - один из основателей сюрреализма, причудливым образом трансформировавшийся впоследствии в певца коммунизма,

- Сальвадор Дали - художник, теоретик, поэт, сценарист, определивший суть течения словами: «Сюрреализм - это я!»,

- в высшей степени сюрреалистический кинематографист - Луис Бунюэль,

- художник Хуан Миро - Как говорил про него А.Бретон - «самое красивое перо на шляпе сюрреализма», и многие другие художники всего мира.

Сюрреализм возник как литературное течение, но вскоре приобрел статус художественного явления в современном мировом искусстве. Сюрреалисты не ставили своей целью создание школы или художественного течения, продолжающего линию романтизм - реализм -...- футуризм, их планы были более глобальны, а амбиции непомерны. Новое искусство - по мнению Бретона должно было выражать потаенные желания и потребности всех людей. Для постижения этого искусства достаточно было восприимчивости и детской непосредственности. На возникновении сюрреализма повлияла теория психоанализа Зигмунда Фрейда. Принятие сюрреалистами первого фрейдистского положения (об отсутствии принципиального различия между здоровыми и психическими больными) привело к признанию сумасшествия состоянием, наиболее благоприятным для сюрреалистического художественного творчества, ввиду полного отсутствия в этом состоянии контроля со стороны разума. Пользуясь аналогией, проведенной Фрейдом между сновидениями и искусством, сюрреалисты применили к искусству такие стороны психоанализа, которые сам Фрейд никогда к художественному творчеству не относил. Образы, мысли, затаенные желания и воспоминания проникают в сновидения, утверждал Фрейд, из подсознания человека. Научно установлено (еще во времена Фрейда), что возникновение сновидений является результатом ослабленной работы т.е. неполным отключением во время сна отдельных мозговых центров. Именно этот мир «Фрейдовских сновидений», лишенный логики и смысла, сюрреалисты и сделали предметом своего искусства. Попытавшись стать «над» реализмом, сюрреалисты практически «зарывшись в дебри подсознательного», создавали аналогичные и необъяснимые произведения, которые возводили в ранг сюрреалистического художественного творчества. Сюрреалисты выражают недовольство существующей действительностью. Они объявляют ее источником всех зол. Они выступают против абстрактного мира цивилизации. Никакой социальной революции не нужно считают они, нужно только отказаться от разума, логики, от привычного восприятия вещей, от абсурдного, с точки зрения их понимания, разграничения прекрасного и уродливого, правдивого и ложного, хорошего и плохого. Нужно отказаться от всех традиций, уничтожить все привычные представления о нормах человеческих взаимоотношений. Иначе говоря, предполагаемая сюрреалистами революция должна заключаться в освобождении человека от чувств и обязанностей семейных, гражданских, классовых, от чувств справедливости, верности, долга. Произведения сюрреалистического искусства, созданные из выявленных инстинктов, должны отражать все худшее, что есть в человеке, все запретные и темные закоулки человеческого подсознания. Конфликт между разумом и «темными силами», провозглашенный сюрреалистами основой искусства, нашел свое четкое и наглядное выражение в сценах жестокости, которые изобилуют все виды сюрреалистического искусства. Oсновной областью художественной практики сюрреализма стало изобразительное искусство. В эту область сюрреалисты включают не только живопись и скульптуру, но и сравнительно недавние «нововведения» кубистов, футуристов и дадаистов - коллажи, реди - мейд, фроттажи, рейографы и т.д. В 1969 году, сюреализм официально завершил свое существование.

§ 8. Экспрессионизм

Экспрессионизм (от фр. expression - выразительность) - модернистское течение в западноевропейском искусстве, главным образом в Германии, первой трети 20 века, сложившееся в определенный исторический период - в преддверие первой мировой войны. Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм. Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций. Предшественниками экспрессионизма считаются:

- Венсент Ван Гог - голландец, развивший свою особую художественную манеру на почве французской школы, постимпрессионист

- Джеймс Энсор - бельгийский художник

-Эдвард Мунк - норвежский художник - символист, чье творчество некоторые исследователи склонны относить к экспрессионистскому течению.

В экспрессионизме выделяют два периода: до первой мировой войны и после. Ранний экспресионизм зарождался в Германии художниками обеднения «Мост» (1905-1912гг.). Это студенты архитектурного факультета города Дрездена: Эрнст Людвиг Кирхнер , Фриц Блейль, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуфф. Они сознательно противопоставляли себя реализму, импрессионизму и стилю «модерн». Впоследствии к ним присоединились Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, швейцарец Куно Амье, финн Аксель Галлен - Калола и другие. Первая выставка «Моста» состоялась в 1906 году в Дрездене, в магазине ламп, но вопреки обилию вокруг осветительных приборов оказалась замеченной. Скандал разгорелся через шесть лет на большой выставке «Моста» в Кельне, когда новое течение отвергли и академические художники и импрессионисты. Художественный язык был обусловлен установкой на своеобразную интуитивную «варварскую» непосредственность: тяжелые массы пастозных мазков, положенные на крупнозернистые холсты в черных рамах. В картинах выражено предчувствие какого-то ужаса через деформацию предметов, природных форм, как бы разрушается и дискредитируется все, что казалось незыблемым. Художники обращаются к литературным темам, иллюстрируют романы Ф.М. Достоевского. ( Э.Хеккель «Двое мужчин за столом», 1912г. Литературная подоснова: «Идиот», сцена первого визита князя Мышкина в дом Рогожина.)

Примерно в это же время (1910 г.) В.Кандинский и Франц Марк основывают альмонах «Синий всадник». В одном из интервью 1930 года Кандинский рассказал навязчивому журналисту, почему возникло такое название: оба основателя любили синий цвет, кроме того, Марк любил лошадей, а Кандинский всадников. В конце 1911 года редакция альманаха открыла в одной из галерей выставку картин В. Кандинского, Ф.Марка, А. Макке и др., которая положила начало объединению «Синий всадник». Для «Синего всадника», в противоположность объединению «Мост», было характерно тяготение к абстрактному искусству, к отказу от передачи видимого окружающего мира. Их творчество было призвано выражать чувства, раскрывая сущность вещей.

К периоду первой мировой войны объединения «Мост» и «Синий всадник» распались. В годы войны погибли Франц Марк и Август Макке. Герман Бар писал об этом периоде: «Вопль искусства в темноту, оно вопит о помощи, зовет дух: это экспрессионизм». Экспрессионистические тенденции этого периода выразились в творчестве Макса Бекмана ( офорты «Ночь», «Морг» и др.), Карла Хофера и Отто Дикса.

§ 9. Супрематизм

Высший, высочайший; первейший, Супрематизм так переводится с латинского слово supremus. Оно и дало название направлению авангардного искусства первой трети 20 в.. Создателем, главным представителем и теоретиком которого был русский художник Казимир Малевич. Тем не менее термин никак не отражает сущности супрематизма. Фактически, в понимании Малевича, это оценочная характеристика. Супрематизм - высшая ступень развития искусства на пути освобождения от всего внехудожественного, на пути предельного выявления беспредметного, как сущности любого искусства. В этом смысле Малевич и первобытное орнаментальное искусство считал супрематическим (или «супремовидным»). Впервые он применил этот термин к большой группе своих картин (39 или больше) с изображением геометрических абстракций, включая знаменитый «Черный квадрат» на белом фоне, «Черный крест» и др., выставленных на петроградской футуристической выставке «ноль-десять» в 1915 г. Именно за этими и подобными им геометрическими абстракциями и закрепилось название Супрематизм. Теоретические разработки Малевича не дают оснований сводить супрематизм только к геометрическим абстракциям, хотя они, конечно, составляют его ядро, сущность и даже подводят живопись к «живописному нулю», за которым уже нет собственно живописи. Этот путь во второй половине века и продолжили многочисленные направления в арт-деятельности, отказавшиеся от кистей, красок, холста. Многие создатели новейших направлений в искусстве, современных артефактов чтят Малевича (за его Супрематизм) своим духовным отцом. Быстро пройдя в своем супрематическом творчестве три основных этапа с 1913 по 1918 г., К.Малевич пытался осмыслить суть открытого им пути и направления. Супрематические знаковые конструкции, заменившие, как утверждал Малевич, символы традиционного искусства, превратились вдруг для него в самостоятельные «живые миры, готовые улететь в пространство» и занять там особое место наряду с другими космическими мирами. Увлеченный этими перспективами, Малевич начинает конструировать пространственные «супремусы» - архитектоны и планиты, как прообразы будущих космических станций, аппаратов, жилищ и т. п. Главный элемент супрематических работ Малевича - квадрат. Затем будут комбинации квадратов, кресты, круги, прямоугольники, реже - треугольники, трапецоиды, эллипсоиды. Квадрат, однако, - основа геометрического К. Малевича. Именно в квадрате усматривал он и некие сущностные знаки бытия человеческого: черный квадрат - «знак экономии»; красный - «сигнал революции»; белый - «чистое действие», «знак чистоты человеческой творческой жизни». Сведя к минимуму вещность, телесность, изобразительный образ в живописи, Малевич оставляет лишь некий пустой элемент - собственно пустоту (черную или белую) как знак-приглашение к бесконечному углублению в нее - в Нуль, в Ничто; или - в себя. Он убежден, что не следует искать ничего ценностного во внешнем мире, ибо его там нет. Все благое - внутри нас. Квадрат стал для Малевича тем элементом, с помощью которого он получил возможность выражать самые разные ощущения - покоя, динамики, мистические, готические и т. п. Исследователи усматривают прямое влияние Малевича на весь европейский конструктивизм.

Глава III. Постмодернизм

Постмодернимзм (от французского - postmodernisme - после модернизма) - термин, обозначающий состояние культуры конца ХХ века, включающий в себя своеобразную философскую позицию, а также массовую культуру этой эпохи. Окончательное свое слово постмодернизм еще не сказал. Определений постмодернизма предложено много, и они разные. Некоторые авторы представляют постмодернизм в качестве последней стадии модернизма или, по примеру американского литературного критика и теоретика Ф. Джеймсона, как «логику культуры позднего капитализма». Другие считают что постмодернизм - это резко негативное отношение к модернизму. Исследователи отмечают двойственность постмодернистского искусства: утрату наследия европейских художественных традиций и чрезмерную зависимость от культуры кино, моды и коммерческой графики с одной стороны, а с другой стороны, постмодернистское искусство провоцирует острые вопросы, требуя не менее острых ответов. Затрагивает самые насущные проблемы морали, что полностью совпадает с исконной миссией искусства как такового. Приведу примеры некоторых течений постмодернизма.

§ 1. Абстрактный Экспрессионизм

Абстрактный экспрессионизм - это послевоенный этап (кон. 40-х - 50-е гг. XX в.) развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е года ввел немецкий искусствовед Э. фон Зюдов для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 г американец Барр применил его для характеристики ранних работ Кандинского, а в 1947 г. назвал «абстрактно-экспрессионистскими» работы Виллема де Кунинга и Поллока. С тех пор понятие абстрактного экспрессионизма укрепилось за достаточно широким, стилистически и технически пестрым полем абстрактной живописи (а позже и скульптуры), получившей бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире. Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются ранние работы Кандинского. Девизом абстрактных экспрессионистов стала формула выведенная Карлом Рурбергом: «Освобождение от правил, освобождение от формализма, от господства линейки и циркуля, но в первую очередь - освобождение свободно струящегося цвета от законов формы». Главным творческим принципом художников абстрактного экспрессионизма стало спонтанное, автоматическое нанесение красок на холст исключительно под влиянием субъективных настроений и эмоциональных состояний. Радость, гнев, страсть, страх, страдание в буквальном смысле слова выплескиваются абстрактными экспрессионистами потоками красок на полотна. Манеры письма самые разные - от традиционной работы кистью до нанесения красок только шпателем, разливания их из банок, выдавливания из тюбиков, разбрызгивания из пульверизатора и т. п. Соответственно многообразны и возникающие цветовые структуры и по форме, и по цвету (от монохромных до резкого, бьющего по нервам буйства красок, не имеющего никаких аналогов в природе или в традиционной живописи. Разнообразен и спектр воздействия работ абстрактных экспрессионистов - от черных символических иероглифов Пьера Сулажа и медитативных огромных почти монохромных полотен Марка Ротко до шокирующих глаз и психику зрителя «диких» по яркости, пластике и синтаксису полотен голландца Карела Аппеля. Главными центрами зарождения Абстрактного экспрессионизма были Париж, где после войны собралось большое количество художников со всего мира, и США. Среди ведущих фигур Абстрактного экспрессионизма в Европе можно назвать Пьера Сулажа, Ганса Гартунга, Николая Де Сталя (Nicolas de Stael), представителей группы «Кобра» ( А. Ерн (Asger Jorn), П.Алехински, К. Аппель). В США- это Аршил Горки, Уильям де Кунинг, Адольф Готтлиб, Барнет Нойман, Джексон Поллок, Марк Ротко. Наряду с группой «Кобра», участники которой нередко вводили в свои картины элементы видимой действительности и использовали предельно яркие кричащие цвета и их сочетания (особенно К. Аппель). С середины 50-х гг. Абстрактный экспрессионизм стал мощным международным движением в искусстве, захватив практически все континенты. Послевоенный абстракционизм прямо не связывал себя с геометрической традицией абстракционизма (К. Малевич, П. Мондриан). Живопись действия выросла, опираясь на основы сюрреализма. Единственная функция искусства - действие, которое выполняет сам художник. Живопись Джексона Полока поддерживается проекцией действия. Наиболее важное в творчестве: автоматизм - творческий процесс, а не получаемый результат. Этот метод творчества кажется простым, но вместе с тем и сложным. Создавая композицию, художник свободно льёт, наливает краски на полотно. Эти работы очень экспрессивные и очень оживлённые. Основная проблема, которую решают эти художники - отношение цветов. Другим знаменитым европейским представителем «живописи действия» был Жорж Матье, приблизивший технику к спектаклю. Он устраивал свои сеансы живописи в присутствии публики, на глазах которой испещрял полотно закорючками, запятыми и точками. Во время своих шоу, сопровождавшихся музыкой, он был облачен в средневековый костюм.

§ 2. Оптическое искусство

ОП-АРТ (англ. Op-art - сокращенный вариант optical art - оптическое искусство) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (одно из течений модернизма). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели (с 1930г. по 1997г. работал во Франции) - основоположник оп-арта. Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве. Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, хотя на сей раз иной его разновидности - геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. XX в. Первые опыты в области Оп-арта относятся к концу XIX в. Уже в 1889 г. в ежегоднике «Das neue Universum» появилась статья об оптических иллюзиях немецкого профессора Томпсона (Thompson), который используя чёрно-белые коцентрические окружности создавал впечатление движения на плоскости: колёса на рисунках Томпсона «вращаются» и круги «переливаются». Но это было более научное исследование особенностей зрения, нежели искусство. Всемирную известность оп-арт получил в 1965 г. после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» (The Responsive Eye) в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления - Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта. Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическое искусство - искусство оптических иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия. Восприятие рисунка основано на оптической иллюзии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в голове зрителя. Задача оп-арта - обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ «несуществующий». В работе Вазарели - «Сверхновые» (1959 - 1961) - две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд.

«Группа исследований визуального искусства» (объединение художников оптического и кинетического искусства) в 1961 г. писала в своем манифесте: «Довольно мистификаций. Больше не должно быть произведений исключительно для: культурного глаза, чувствительного глаза, интеллектуального глаза, эстетского глаза, любительского глаза. Человеческий глаз является нашей исходной точкой». Под «человеческим глазом» имеются в виду типовые реакции психики, на основе которых возникают иллюзии. Такие иллюзии действительно имеют всеобщий характер и не зависят от индивидуального сознания, культуры, убеждений и вкусов личности. В этом смысле создания оп-арта общедоступны. Кроме того, многие произведения этого направления вследствие элементарности формы и дешевизны материалов (бумага, различные виды пластмасс) легко воспроизводимы в промышленности. На этих основаниях художники гордились демократизмом своего искусства. Вазарели был самым ярким представителем оп-арта благодаря как размаху своего творчества так и логической завершенности своего метода. Он исследовал воздействие этого искусства и его применение в архитектуре и дизайне что привело к расцвету оп-арта в рекламе и дизайне до такой степени, что даже возникла опасность превращения его в прикладное искусство. Чтобы достичь внешних оптических эффектов оп-артисты используют материалы не относящиеся к живописи (металл стекло пластик) но имеющие отражающую поверхность.

В качестве средств образной выразительности здесь фигурируют цвет, контрастный или мягкий, тающий в полутонах, и геометризированный рисунок в виде точек, линий, кривых, спиралей, усложнённых наложением или совмещением разных орнаментов, вызывающий эффект «вторичных образов», пляску непрерывно движущихся, оспаривающих друг друга узоров и дополнительных цветов (например: В. Вазарели «Лошадь» и «Арлекин»). Если в природе мы видим красоту даже там, где царит хаос и отсутствует ритм, то оп-арт, как и человек, стремящийся преобразовать природу, ищет красоту и выразительность в чётком, но сложном для нашего восприятия геометрическом рисунке, внося хаос в наше ощущение формы и пространства и таким образом добиваясь определённого эффекта.

§ 3. Реди-Мейд

Еще одно из направлений постмодернизма - Реди-мейд (от англ. ready-made - готовый). Термин впервые введенный в искусствоведческий лексикон художником Марселем Дюшаном для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Реди-Мейд течение утверждающее новый взгляд на вещь и вещность. Предмет, переставший выполнять свои утилитарные функции и включенный в контекст пространства искусства, то есть ставший объектом неутилитарного созерцания, начинал выявлять какие-то новые смыслы и ассоциативные ходы, неизвестные ни традиционному искусству, ни обиходно-утилитарной сфере бытия. Первые Реди-Мейд Дюшан выставил в Нью-Йорке в 1913 г. Наиболее скандально известными из его Реди-Мейд стали «Колесо от велосипеда» (1913г.), «Сушилка для бутылок» (1914г.), "Фонтан«(1917г.) - так был обозначен обычный писсуар. Своими Реди-Мейд Дюшан достиг (осознанно или нет) главной цели - была разрушена граница между искусством и видимой действительностью, сведены на нет все эстетические принципы традиционного классического искусства. В Реди-Мейде предметы помещались в пространство художественной экспозиции не из-за их какой-то особо значимой эстетической формы или других выдающихся качеств, «художественность» любой формы или предмета теперь зависела не от их характеристик, а исключительно от внешних «правил игры», устанавливаемых практически произвольно или самим художником (как это было в случае с Дюшаном), или арт-критиками и галеристами, или руководителями арт-рынка. Реди-Мейд знаменовали наступление радикального переворота в искусстве. Именно с них начался четко обозначенный водораздел между Культурой и ПОСТ-культурой. Не случайно Реди-Мейд вошли в качестве главных и полноправных членов и элементов в произведения практически всех направлений визуальных искусств второй половины нашего столетия. Они стали составной и неотъемлемой частью ассамбляжей, инсталляций, объектов, акций, перформансов, и множества других самых разнообразных арт-практик. Новшества Дюшана перевернули представления кубистов об истинном предназначении предметов и дали толчок стремительному развитию этого нового художественного направления. Через 50 лет подобная ситуация привела к рождению поп-арта.

§ 4. ПопАрт

После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусство (поп-арт) обязательно использует стереотипы и символы, оно воплотило в себе творческие искания новых американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол, и другие. Поп исскуство получает значение массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало течением исскуства в Америке. Поп исскуству свойственно -произведение как иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Пример: Р.Раушенберг приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ -чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал фотографии Кенеди. Можно считать, что произведения Р. Раушенберга довольно политизированы, но это не меняет их значения. Его исскуство очень внушительное. Д. Джонс, один из первых художников использовавший для сюжета картины Государственный символ - флаг, работа «Флаг». На ней точно изображён флаг США и только. Позже создал работу «три флага» здесь изображенны три флага США, находящиеся один на другом. Один из «весёлых художников» - Р. Лихтенштейн. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Интересно работал Е. Вархол, в его композициях многочисленные повторения изображений жестяных бутылок COCA COLA, портреты Элвиса Пресли. Таким образом, он обратил внимание на сформировавшиеся стреотипы и символы. В своих произведения он использует символ демократии - Coca cola или М. Монро - символ сексуальности и красоты. Такие работы выполненные в стиле поп искусства, понятны людям. Поп исскуство балансирует на грани обсурда и иронии. Сформировавшаяся ветвь поп искусства: гиперреализм - направление постмодернизма, целенаправленно на фотогрофическое воспроизведение банальной ежедневности.

§ 5. Гиперреализм

Гиперреализм или фотореализм - художественное течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности. И в своей практике, и в эстетических ориентациях гиперреализм близок к поп-арту. Их прежде всего объединяет возврат к фигуративности. Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной фиксации, документализм. Гиперреализм акцентирует механический, (технологический) характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий. При этом цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма - реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, портрет «человека с улицы», создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности. Вместе с тем, наряду с тенденциями искусства, в гиперреализме присутствует и поисковый, экспериментальный пласт, связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план, детализация, оптические эффекты, монтаж, авторская раскадровка, съемка с высокой точки и т.д.

Гиперреализм возник в США во второй половине 60-х гг. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно определенной тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттин-гэм), брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн). Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов - Д. де Эндреа, чьи выполненные в натуральную величину работы отмечены ироничным отчуждением. Художественный опыт гиперреализма явился предтечей постмодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органичной частью постмодернистского художественного языка. Так, «навязчивый реализм» сочетает традиционную натуралистическую технику с современными кино-, фото-, видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности.

§ 6. Примитивизм

Наивное искусство. Это понятие используется в нескольких смыслах и фактически тождественно понятию «примитивное искусство» . В различных языках и разными учеными эти понятия используются чаще всего для обозначения одного и того же круга явлений в художественной культуре. В русском языке (как и в некоторых других) термин «примитивный» имеет несколько негативный смысл. Поэтому уместнее остановиться на понятии Наивное искусство. В самом широком смысле так обозначается изобразительное искусство, отличающееся простотой (или упрощенностью) и ясностью. Понятие появилось в новоевропейской культуре последних столетий, поэтому отражает профессиональные позиции и представления этой культуры, считавшей себя высшей ступенью развития. С этих позиций под Наивным искусством понимается и архаичное искусство древних народов (до египетской или до древнегреческой цивилизаций), например, первобытное искусство; искусство народов, задержавшихся в своем культурно-цивилизационном развитии (коренного населения Африки, Океании, индейцев Америки); любительское и непрофессиональное искусство в самых широких масштабах (например, знаменитые средневековые фрески Каталонии или непрофессиональное искусство первых американских переселенцев из Европы); ну и наконец, искусство талантливых художников-примитивистов XX в., не получивших профессионального художественного образования, но ощутивших в себе дар художественного творчества и посвятивших себя самостоятельной его реализации в искусстве. Например: французы А. Руссо и К. Бомбуа, грузин Н. Пиросманишвили, хорват И. Генералич, американка А.М. Робертсон и др. Они создали истинные художественные шедевры, вошедшие в сокровищницу мирового искусства. Наивное искусство по видению мира и способам его художественной презентации в чем-то приближается к искусству детей, с одной стороны, и к творчеству душевнобольных - с другой. Однако в сущности своей отличается и от того, и от другого. Ближе всего по мировосприятию к детскому искусству стоит Наивное искусство аборигенов Океании и Африки. Произведения Наивного искусства крайне разнообразны по форме и индивидуальной стилистике, однако для многих из них характерны отсутствие линейной перспективы, плоскостность, повышенная значимость контура, простота технических приемов. Сюжеты художники Наивного искусства чаще всего берут из окружающей их жизни, фольклора, религиозной мифологии или собственной фантазии. Им легче, чем многим художникам-профессионалам удается спонтанное, интуитивное, не затрудненное культурно-социальными правилами и запретами творчество. В результате чего возникают оригинальные, удивительно чистые, поэтичные и возвышенные художественные миры, в которых господствует некая идеальная наивная гармония между природой и человеком. Именно эти качества Наивного искусства привлекали к нему внимание многих мастеров искусства XX в.. Те или иные приемы и элементы языка примитивистов использовали в своем творчестве многие крупные художники XX в. (экспрессионисты: П. Клее, М. Шагал, Х. Миро, П. Пикассо и др.). В Наивном искусстве многие представители культуры стремятся усмотреть пути выхода художественной культуры из цивилизационных тупиков. В России примитивизм наиболее ярко представлен именами Н.С. Гончаровой, М.Ф. Ларионова, К.С. Малевича. Источником вдохновения для неопримитивистов становится искусство Востока, а также лубок, провинциальные вывески, детское творчество, народная игрушка, искусство примитивных культур.