Искусствоведческий анализ направлений модернизма и постмодернизма

§ 7. Граффити

Граффити (graffiti - этот термин в археологии обозначает любые процарапанные на какой-либо поверхности рисунки или буквы, от итал. graffiare - царапать). Так обозначаются произведения представляющие собой в основном крупноформатные изображения на стенах общественных зданий, сооружений, транспорта, выполненные с помощью разного рода пульверизаторов, аэрозольных баллончиков с краской. Отсюда другое название «пульверизаторное искусство» - Spray-art. Его происхождение связывают с массовым появлением граффити в 70-е годы на вагонах нью-йоркского метро, а затем и на стенах общественных зданий, магазинных жалюзи. Первыми авторами граффити были в основном молодые безработные художники этнических меньшинств, прежде всего пуэрториканцы, поэтому в первых Граффити проявились некоторые стилистические черты латиноамериканского народного искусства, а самим фактом появления на поверхностях, не предназначенных для этого, их авторы выражали протест против своего бесправного положения. К началу 80-х гг. сформировалось целое направление почти профессиональных мастеров Граффити. Стали известны их настоящие имена, до этого скрытые под псевдонимами (CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Некоторые из них перенесли свою технику на холст и стали выставляться в галереях Нью-Йорка, а вскоре граффити появились и в Европе. Многокилометровый выставочный зал граффити представляла собой Берлинская стена со стороны Западного Берлина. После ее разрушения сохраненные остатки стены стали расписаны граффити теперь уже с обеих сторон. Это сюжетные, нередко плакатного типа, карикатурные или наивные изображения и надписи, имеющие специфическую стилистику, определяющуюся техникой изображения: спонтанность, скорость, невозможность исправлений, определенный цветовой строй. Многие мастера граффити выявляют высокий уровень фантазии их авторов. Тематика изображений бывает социально заостренной, но чаще повседневной. Нередко авторы Граффити просто стремятся проявить свое «Я», показать техническое умение изображать. Сюжеты поэтому самые разные, но, как правило, из сферы массовой культуры: изображения автомобилей, самолетов, фрагментов фильмов, телесериалов, комиксов, сюжеты из повседневной жизни города. В 90-е гг. мелкие торговцы «цветных» районов Нью-Йорка (особенно распространено в Ист-Виллидже) стали привлекать мастеров граффити для создания реклам своих магазинчиков, лавок, кафе на жалюзи и внешних стенах. В конце 70-х гг. в Цюрихе «прославился» местный мастер граффити Харольд Нэгели. Граффити фактически стали элементом стихийного художественного оформления городской среды, жестом самодеятельной творческой стихии.

§ 8. Ленд-Арт

Лэнд-арт (от англ. land art - земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места - первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Благодаря своему «первобытному» облику многие акции и объекты такого рода сближаются с археологией, а также с фото-артом, поскольку большинство публики может созерцать их лишь в сериях фотографий. Это течение, как стремление заново пересмотреть отношения с нашей средой. Термин лэнд-арт используется, чтобы охватить огромный диапазон худпроектов, называя одним словом разных людей с разными взглядами на искусство. Например, английский художник Ричард Лонг с помощью бульдозеров воплощал в жизнь крупномасштабные проекты, цель которых - увековечить в природе какой-нибудь грандиозный памятник. Другие представители лэнд-арта просто путешествовали по миру пешком, создавая на своём пути эфемерные скульптуры, сделанные из подножного материала - камней, грязи, растений и воды. Единственной памятью о таких походах остаются фотографии тех работ, которые, возможно, попадутся на глаза случайным посетителям леса, а может, растают под мокрым октябрьским дождём, так никем и не увиденные. Поразительно разнообразие ресурсов, используемых этими художниками. Например Роберт Смитсон на Большом Солёном озере в штате Юта (США) возвёл из чёрных камней, земли и соли насыпь-мол в виде спирали длиной 1500 футов. Природа сама раскрасила его в голубые и розовые цвета (голубые - соли меди, выпавшие в осадок на камни, розовые - микроорганизмы, населившие залив). Так земля стала объектом и субъектом искусства. Или еще пример: на недавней выставке в ЦДХ «Арт-Москва» можно было полюбоваться на нижегородский лэнд-арт - зиккурат из соломы. Это такая культовая башня с несколькими ярусами по типу тех, что строили в архитектуре Древней Месопотамии из кирпича-сырца. Некоторые художники использовали землю в прямом смысле. Вальтер де Марина засыпал пол галереи Хайнера Фридриха слоем влажного чернозёма 60 см толщиной. В стерильном пространстве галереи с белыми стенами это выглядело занятно. От искусства создания ландшафтных парков лэнд-арт отличался своей бесполезностью с практической точки зрения. Тот же самый Вальтер де Марина выбрал участок в мексиканской пустыне, над которым часто гремят грозы. Людям в этом месте делать совершенно нечего, его произведением любуются животные. Он установил 400 шестов из нержавеющей стали, примерно шесть метров высотой каждый, причём вершины всех находились на одном и том же уровне над морем. Если везёт с погодой, зрители приезжают сюда смотреть «небесный спектакль». По словам очевидцев, что-то поистине вагнеровское есть в зрелище чёрных грозовых туч и сверкающих ровных шестов, расставленных квадратами в строгом порядке, в которые непрерывно ударяют молнии. Лэнд-арт показывает нам, что в искусстве всё ещё скрыты неизвестные силы, которые дают возможность нестандартно самовыражаться. Нет никакой теории, дающей полный анализ методов этого направления. Наоборот, стиль поощряет постоянное творческое движение, самобытность. Далёкие от желания останавливать ход времени, художники лэнд-арта показывают нам, насколько далеко ушли мы от природы. Это влечёт за собой только разрушение и уничтожение всего живого на земле.

§ 9. Минимализм

Минимализм (minimal art - англ.: минимальное искусство) - художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческие самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы творчества и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм, нейтральных цветов (черный, серый) и малых объемов. Применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Получив наиболее полное развитие в живописи и скульптуре, минимализма, интерпретируемый в широком смысле как экономия художественных средств, нашел свое применение и в других видах искусства, прежде всего театре, кинематографе. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Его истоки - в конструктивизме, супрематизме, абстракционизме, поп-арте. Непосредственным предшественником минимализма является американский художник Ф. Стелла, представивший в 1959-60 серию «Черных картин», где превалировали упорядоченные прямые линии. Первые минималистские произведения появляются в 1962-63 годах. Термин «минимализм» принадлежит Р. Уолхейму, вводящему его применительно к анализу творчества М. Дюшана и художников поп-арта, сводящих к минимуму вмешательство художника в окружающую среду. Среди наиболее известных минималистов - К. Андре, М. Бочнер, У. Де Ма-риа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Д. Жад определяет такое стремление как «специфический объект», отличный от классических произведений пластических искусств. Самостоятельную роль играет освещение, как способ создания минималистских художественных ситуаций, оригинальных пространственных решений. Используются компьютерные способы создания произведений. Художники США углубляясь больше в трехмерное, а не в двухмерное пространство, помогли минимализму стать основным и влиятельным течением нового искусства. Минималистические объекты: трубы, монолиты - ничего не означают, ничего не символизируют, кроме себя. Это мнимые произведения, которые должны возбудить скуку у зрителя. Наиболее яркий представитель этого направления - Тони Смит. Минимализм ограничивает пластическое выражение до самых элементарных структур. Множество скульптур Смита составлены из собранных вместе кубических коробок. Всемирно прославился британец Антон Церо, использовавший в своих произведениях готовые балки. Смиту больше нравилось показывать свои работы под открытым небом, Царо - напротив, с удовольствием создавал закрытые пространства.

§ 10. Нет-Арт

Нет-арт (Net Art - от англ. net - сеть, art - искусство) Новейший вид искусства, современных арт-практик, развивающийся в компьютерных сетях, в частности, в сети Интернет. Его исследователи в России, вносящие вклад и в его развитие, О.Лялина, А.Шульгин считают, что суть Нет-арт сводится к созданию коммуникационных и креативных пространств в Сети, предоставляющих полную свободу сетевого бытия всем желающим. Поэтому суть Нет-арта - коммуникация, и своеобразной арт-единицей его является электронное послание. Различают по крайней мере три этапа развития Нет-арта., возникшего в 80-е - 90-е гг. XX в. Первый, когда начинающие художники Сети создавали картинки из букв и значков, имеющихся на клавиатуре компьютера. Второй начался, когда в Интернет пришли художники андеграунда да и просто все желающие показать нечто из своего творчества. Появилась масса электронных галерей, салонов, кинотеатров. Следующий этап состоял в освоении специальными сетевыми художниками собственно выразительных возможностей Сети, как некоего электронного пространства или виртуальной реальности, внутри которых необходимо творить так, как невозможно работать в реальном мире. Компьютерные игры также представляют собой один из аспектов Нет-арта. Главной особенностью Нет-арта на сегодня, как и ПОСТ-культуры в целом, является принципиальное отсутствие четкого разграничения искусства и неискусства. Основными характеристиками его являются прямой контакт между художником и зрителем, интерактивность, свобода бытия в киберпространстве, комуникационность. Представляется, что Нет-арт имеет большое будущее.

Заключение

Искусство возникает из мифологии. Более тысячелетия оно живет в теснейшей связи с христианской религией, против которой в Новое время нередко оборачивается бунтом. Уже одно это определяет решительную границу между периодом средневековья и Нового времени. Однако даже эта грань не лишает различные этапы, искусства их взаимосвязи и взаимозависимости. Каждый из них рожден на почве прошедшего и оставляет часть себя будущему. Эта непрерывность развития не означает, однако, равномерного поступательного движения во всем творческом процессе. Слово «прогресс» вообще вряд ли применимо к культуре, скорее уж можно говорить о «накоплении». Художественное развитие всегда неравномерно, одни виды искусства на определенных этапах выдвигаются вперед, другие отстают, творчество складывается из блистательных взлетов и неизбежных падений, из потерь и находок. Оно знает эпохи бурного развития и временного затишья. История искусства - это постоянное взаимодействие, столкновение, иногда острая борьба различных школ, стилей и направлений. Творящий эту сложную ткань искусства художник исходит не только из своих собственных наблюдений, он опирается на богатые национальные традиции, на многовековой опыт культуры всего человечества. Но на всех этапах развития подлинное искусство отражает время, выражает идеалы эпохи, являя - в лучших своих произведениях - красоту и истину. Формы изображения могут быть разными, но в своих высоких художественных достижениях искусство так или иначе выражает проблемы и идеи своего времени, помогает познать человеку самого себя и свое место в системе мироздания. Пока существует человечество, существует искусство в разных своих проявлениях.

Искусство XX века знает пока только один, начальный рубеж своей истории. По сей день, многие художественные процессы не завершены, и даже смысл некоторых из них не определился достаточно ясно в самой жизни искусства. И это очевидно, так как искусство XX века не существует еще как историко-художественное явление, исчерпавшее свое развитие и полностью раскрывшее себя в законченном виде. Постмодернизм полон противоречий и неопределенностей. Уходя от многих крайностей прежней культуры, он приходит к новым. Например, вместо авангардистского футуризма исповедуется пассеизм, отвергается поиск нового и культ эксперимента, а предпочтение отдается произвольным смешениям стилей прошлого. Возможно, пройдя через постмодернизм, человечество научится, наконец, устанавливать равновесие между ценностями прошлого, настоящего и будущего.

Список используемых источников и литературы

1. Маньковская Н.Б. Эстетика постмодернизма. СПб.; Алетейя, 2000 г.

2. Ильин И.П. Постмодернизм от истоков до конца столетия: эволюция научного мифа. М.; Интрада, 1998 г.

3. Малюга Ю.А. Культурология: учебное пособие для вузов. М.; ИНФРА-М, 1998 г.

4. Скляренко В. М., Иовлева Т. В., Рудычева И. А. 100 знаменитых художников XIX - XX вв. Харьков; Фолио, 2004 г.

5. Можейко М. А. Постмодернизм. Энциклопедия. Мн.; Интерпрессервис; 2001 г.

6. Липоветский М. Постмодернизм сегодня. М.; Знамя №5, 2002 г.

7. Знание. Понимание. Умение [Электронный ресурс]; Электронный журнал; Постмодернизм как феномен культуры конца ХХ века; Культурология. Ермилова Г. И.; №4, 2008 г.

8. Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. М.; Аванта+, 2001 г.

Размещено на Allbest.ru