Японские гравюры и живопись

Размещено на http://www.allbest.ru/

1. Китидзан Минтё. 1352--1431 гг. Мастер дзэнга

художник пейзажный тушь кано

Китидзан Минтё, настоящее имя которого Хо Дэнсу, родился на острове Авадзи, расположенном в восточной части Японского моря и входящем в состав провинции Хёго. В юности он ушел в монастырь, где принял учение Дзэн. Дзэн-буддизм, проникший в страну из Китая, начал утверждаться в Японии еще во времена Камакурского сёгуната, а в XIV веке получил статус официальной идеологии. Идеи Дзэн охватили почти все области деятельности -- боевые искусства, театр, архитектуру, чайную церемонию и, особенно, живопись Японии. Центрами распространения нового учения стали монастыри, а проживавшие в них монахи -- хранителями знаний и создателями дзэн-буддийской культуры. Первое время дзэн-буддизм в Японии находился под сильным китайским влиянием.

Первые японские дзэнские художники, к которым относился и Минтё, изображали патриархов школы, буддийских святых, символических животных и растения, в подражание китайским образцам исполненных на свитках. Вся творческая жизнь Минтё прошла в монастыре Тофукудзи в Киото, входившем в так называемую систему «пяти храмов» (годзан), проповедовавшую китайскую культуру. Среди немногих сохранившихся работ художника -- портрет священника Сойти, основателя этого монастыря, отличающийся высокой драматичностью и реалистичностью изображения. Однако главным в творчестве мастера стали пейзажи, выполненные в монохромной технике суйбокуга («живопись тушью и водой»).

«Хижина отшельника у горного ручья». Минтё К. Период Муромати (датировано 1413). Вертикальный свиток тушь по бумаге. Киото монастырь Конти ин. Китайский концептуальный пейзаж сан суй носил созерцательно-философский характер, его образный строй основывался на передаче в живописи идеи беспредельности пространства, в котором жизнь природы и человека сливалась в единое целое. Такой взгляд отвечал главной мысли дзэн-буддизма, рассматривавшего природу как высшее проявление истины, гармонии и красоты, а сам пейзаж представал больше культовой и философской, нежели эстетической, категорией.

Созерцание пейзажного свитка уподоблялось таинству, в результате которого человек проникался неким духом, нравственно совершенствовался. Поэтому подобные изображения выполняли именно религиозные функции -- функции очищения и просветления. Если в первых буддийских пейзажах во множестве изображались горы, кущи и человеческие фигуры, то в более поздних появились простота и лаконизм. В их основе лежала идея Пустоты. Большая часть пространства картины оставалась незаполненной, «пустой», а предстающие зрителю еле различимые вершины гор и пагод, человеческие фигуры, почти скрытые деревьями или камнями, как бы окутаны туманом. В картинах появляются ученые или монахи, созерцающие водопад либо плывущие в лодке, поэт, сочиняющий стихи, жилище отшельника, затерянное в горах. Таких героев называли «уединенным человеком, вольным мужем», который наслаждался покоем и созерцательностью одинокой жизни в горах, предавался беседам с друзьями и размышлениям о природе. В произведении Минтё присутствуют все основные элементы «идеального пейзажа»: небольшая хижина с фигуркой человека, камни, омываемые горным ручьем, и проступающие сквозь туманную дымку вершины гор. Написанный быстрой, легкой кистью, мало похожий на реальный, пейзаж создает особую поэтическую атмосферу, которую развивают каллиграфические надписи в верхней части свитка. Картина относится к жанру сигадзику. Этот синтетический вид искусства соединял в себе живопись, поэзию и каллиграфию, где все составляющие были равнозначны.

2. Дзёсэцу. Годы творчества: 1405--1423 гг.

Выходец из Китая, в конце XIV века обосновавшийся в Японии, Дзёсэцу был священником школы Дзэн из киотоского монастыря Сёкокудзи. Настоящее имя его неизвестно, а прозвище «Дзёсэцу» («неуклюже подобный») он получил от своего собрата, монаха Дзэккая Тюсина: он переиначил выражение из «Дао дэ цзин» («Книга Пути и Благодати») -- «Самый большой навык подобен неуклюжести», тем самым, подчеркивая не мастерство, а искренность выражения художника.

Дзёсэцу -- один из первых японских мастеров, работавших в стиле суйбокуга (живопись тушью). Этот китайский стиль был заимствован японскими художниками в XIV веке и постепенно, адаптируясь к местным вкусам, превратился в основное направление японской живописи, особо почитаемое художниками-монахами. Монастыри были главными очагами культуры в средневековой Японии. Храм Сёкокудзи, построенный в 1392 году сегуном Асикага Ёсимицу, был верховным центром разветвленной сети дзэнских монастырей, при нем находилась известная в стране художественная академия, в которой обучались многие знаменитые мастера живописи. Монастырь Сёкокудзи относился к школе Риндзаи-дзэн, известной также под названием «школа внезапного просветления».

В основу Риндзаи положена динамическая медитация, т. е. особая медитация, в которой познается сильная, динамическая активность сознания. Поэтому основными способами достижения просветления в Риндзаи считались коаны -- притчи, короткие повествования, не имеющие логической подоплёки, содержащие алогизмы и парадоксы. Часто коаны визуализировались в произведениях художников-монахов, что видно на примере работы Дзёсэцу.

Темой для живописного свитка «Ловля сома тыквой-горлянкой» послужила дзэнская загадка (коан) о том, как поймать скользкого сома при помощи отполированной тыквы-горлянки. Ее придумал Асикага Ёсимицу и приказал художнику выполнить для него ширму с данным сюжетом. Впоследствии ширма была переведена в формат вертикального свитка, в каком виде и дошла до наших дней. На свитке изображен рыболов, стоящий на берегу реки и пытающийся поймать сома. Произведение Дзёсэцу выполнено в монохромных тонах, с несколькими акцентами красной краски (на тыкве-горлянке). В работе ощутимо влияние китайского мастера Лян Кая, для которого характерна крючковатая и угловатая штриховка, прослеживающаяся в фигуре задумавшегося рыбака и густых зарослях тростника. Однако эта напряженность уравновешивается мягкими изгибами берега, бамбука, текущей воды, силуэтами сома и тыквы. Верхняя часть свитка покрыта каллиграфическими надписями, большей частью поэтическими. Они указывают на то, что это произведение относится к синтетическому виду искусства -- сигадзику («стихоживопись»), объединившему в себе живопись, каллиграфию и поэзию.

Сочетая изображение и стихи, эта картина в той же степени является произведением литературы, что и произведением живописи. Жанр «стихоживописи» пользовался большой популярностью среди монахов школы Дзэн и среди художников и поэтов, связанных с дзэнским учением. Органичный синтез поэзии-каллиграфии-живописи в данном изображении Дзёсэцу проявился, пожалуй, в большей степени, чем в других его композициях.

3. Кано Мотонобу. 1476--1559 гг. Основатель школы Кано

Кано Мотонобу -- известный мастер японской средневековой живописи, основатель художественной школы Кано. Его отец, Кано Масанобу, происходил из военного класса и был придворным живописцем сегуна Аси-кага Как художник, обслуживающий аристократические кланы, Масанобу был приверженцем китаизированного направления (канга) в искусстве. Его настенные росписи походили на огромные пейзажные свитки, где пространство уходило в глубину, а законы воздушной перспективы строились с помощью традиционной техники размывов туши с ее тональными переходами. Несомненной находкой Кано Масанобу стало соединение в рамках одного произведения элементов двух классических жанров -- пейзажа и катёга («цветы-птицы»). Восприняв идеи отца, Кано Мотонобу пошел дальше, предприняв попытку соединения уже двух художественных систем -- китайской и японской. Этому способствовал и то, что его дочь была замужем за Тоса Мицунобу, основателем школы Тоса, развивавшей национальный стиль ямато-э в живописи.

Подобный шаг привел к усилению декоративных свойств с сочетанием детально и точно переданной натуры в живописных композициях. Работы Мотонобу, а за ним и последующих мастеров Кано, стали отличаться невиданным прежде многообразием сюжетных мотивов. В своих росписях художник нанизывал сюжеты один на другой, при этом, трактуя каждый элемент как самостоятельный. Яркий пример -- панно «Цветы и птицы», состоящее из сорока девяти свитков. Стремление к всеобъемлемости так и не позволило художнику придти к целостности композиции, отчего возникло ощущение искусственности, эклектичности, характерное для многих произведений Кано Мотонобу.

Буддийские сюжеты были одной из важных составляющих китайской живописи, хотя сам Кано Мотонобу редко обращался к этой теме. Свиток «Патриархи дзэн-буддизма» представляет собой групповой портрет основоположников Дзэн (всего их 6) в окружении учеников и на фоне канонического китайского пейзажа сан суй («горы-воды»). Принципы китайской живописи прослеживаются и в композиционном построении. Если в европейском понимании, первейшая задача композиции состояла в том, как соединить несколько частей в группу, то в восточной традиции, скорее - как разъединить группу на отдельные, легко доступные восприятию части. Китайские мастера придерживались принципа: разнообразие -- закон природы, но не композиции. Исходя из этого постулата, они изображали не более пяти фигур в одном месте, остальные же располагались в других местах. Поэтому у европейского зрителя, привычного к многофигурным полотнам, часто складывалось мнение о бедности композиции китайских картин. Восточные мастера намеренно изолировали один персонаж от другого (что видно в работе Кано Мотонобу), вводили между ними интервалы, считая, что формы (персонажи) нужно связывать не столько зрительно, сколько мысленно. К тому же, китайские и японские буддийские свитки были не просто живописными картинами, а объектами медитации, длительного созерцания, с помощью которых монах или самурай постигали учение Дзэн.

4. Сэссон Сукэй

Сэссон Сукэй родился в отдаленной японской провинции Хитати, и по рождению носил имя Сатакэ Хэйдзо. Сукэй происходил из влиятельного и могущественного самурайского рода, но после того, как отец назначил наследником сводного брата Сэссона, ушел послушником в монастырь, где изучал живопись и философию. Утвердившись духовно, и освоив ремесло, он стал вести жизнь странствующего художника в монашеской рясе, зарабатывая на жизнь росписью вееров. Он переходил из города в город и довольно быстро получил известность в округе. Сэссона не раз приглашали к себе на службу сильные мира сего: он давал уроки живописи главе клана Асино из Аидзу, преподавал дзэнское учение даймё Ходзе Удзимаса из Одавара. Однако, сам художник не стремился быть в центре событий и слыл отшельником. Вся его сознательная жизнь была посвящена живописи, где он следовал великому мастеру Сэссю. Чтобы выразить духовную преемственность с ним, художник взял себе творческий псевдоним, в котором использовал иероглиф «сэ».

Как и его учитель, Сэссон писал в основном пейзажи, используя традиционные мотивы: величественные горы, покрытые облаками, спокойную гладь реки, одинокого рыбака в лодке, или странника, остановившегося на мосту. Его художественная манера была близка провинциальному стилю японской живописи, не столь яркому и декоративному, как столичный. Мастер остался верен традициям китайских художников сунского периода. В молодости Сэссон даже написал небольшой трактат о живописи, в котором подчеркивал важность копирования старых мастеров, а также необходимость непрестанного изучения натуры. Художник прожил 85 лет, в последние годы он подписывал свои работы «Какусэн Родзин» («Журавлиный святой-старец»), веря, что эта священная птица унесет его после смерти в страну вечной жизни.

Пейзаж «Буря» -- характерный пример позднего стиля живописи Сэссон Сукэй. Это - картина мира, охваченного хаосом: контур берега, очерченный сильной, экспрессивной линией, гнущаяся под порывом ветра сосна, намеченная мелкими штрихами морская волна и стремительно несущееся к берегу маленькое рыбачье судно, в изгибе паруса которого повторяется наклон сосны. Пейзаж, как и в другие работы Сэссона, характеризуют: возвышенность и лаконизм, в сочетании с контрастной выразительностью форм неподвижности и движения. Для усиления драматического эффекта, художник использовал один единственный прием -- он сместил изображение поросшего деревьями берега в левый нижний угол композиции. В результате - основное пространство картины осталось пустым, в нем виден лишь силуэт маленькой рыбачьей лодки. Произведения Сэссона Сукэя динамичны и экспрессивны, однако в них уже нет той глубокой содержательности, которая отличала творения его духовного учителя Сэссю. Вероятно поэтому, художник искал значительности образа во внешне необычной выразительной ситуации.

5. Кано Сёэй

Кано Сёэй родился в Киото в семье Кано Мотонобу, основателя японской живописной школы. Настоящее имя -- Гэнси-ти, псевдоним Сёэй принял позже. Первой известной его работой стали свитки, выполненные совместно с отцом в 1553 году для храма Исияма Хонгандзи в Осака Незадолго до смерти отца они выполнили росписи в монастыре Дзюко-ин в Дайтокудзи, расположенном в Киото. С этим храмом у Кано Сёэя будет связано еще несколько работ в дальнейшем.

После смерти отца в 1559 году он возглавил школу и продолжил развитие ее живописных традиций. В 1563 году Сёэй исполнил для храма Дзюкоин работу «Смерть Будды», единственную известную его картину на буддийскую тему. А уже через три года там же вместе со своим сыном Кано Эйтоку он исполнил цикл росписей. Считается, что большую часть настенных росписей выполнил Кано Эйтоку. Это одна из ранних его работ, однако, уже в ней ощущается его энергичный темперамент и яркий живописный талант. Но, несколько творений, несомненно, принадлежат кисти Кано Сёэя, как «Восемь видов рек Сяо и Сян» в юго-западной комнате, «Обезьяны», «Тигры и леопард» в северо-западной, «Рыба, птицы и лотос» в алтарной части. Этим работам присущ мягкий, расплывчатый тушевой стиль «гётай» («бегущая форма»), приверженцем которого был Кано Сёэй.

Роспись вееров была традиционной техникой живописи Японии в средние века. Этому способствовало и то, что веер был непременной деталью японского костюма, как женского, так и мужского, и то, что его использовали в декоративных целях для украшения домов и дворцов. Широкий спектр применения предполагал и большой диапазон сюжетов в росписи вееров. В XVI столетии на первый план выходит жанровая живопись (фудзоку-га). Ее ведущим направлением становится изображение городской жизни, видов столицы (Киото) и ее окрестностей («Ракутю ракугай дзу»). Подобными изображениями расписывали ширмы, а Кано Сёэй перенес эту тему на веера (10 штук), создав единую композиционную систему.

Как правило, композиции с видами столицы строились по одному принципу: основная тема -- центральная часть города, вокруг которой размещаются окружающие холмы, храмы, загородные резиденции, населенные человеческими фигурками и отличающиеся тщательно выписанными деталями. Среди достопримечательностей Киото самыми популярными были императорский дворец Госё, храм Киёмидзу-дера, Золотой и Серебряный павильоны. Кано Сёэй использовал в работе традиционный для японской живописи способ изображения «с высоты птичьего полета» -- издалека и сверху. На картинах художника предстает пространство, переданное приемами рассеянной перспективы, которое, разворачиваясь, уходит в бесконечность. Отдельные части (веера) объединяются с помощью золотых декоративных облаков (касуми) -- еще одного традиционного мотива для японской живописи. Это было необходимо еще и потому, что часто на подобных изображениях совмещались разные времена года, что приводило к совмещению в одной композиции разновременных событий, например, храмовых и календарных праздников.

6. Кайхо Юсё

Кайхо Юсё, выдающийся мастер живописи Японии периода Момояма, был пятым сыном Кайхо Цунатика из клана Асаи, владевшего областью Оми. В юности Юсё ушел в монастырь Тофукудзи, один из главных дзэн-буддийских храмов Киото. Вначале был послушником, позднее, по некоторым сведениям, даже стал священником. Это обстоятельство спасло Кайхо Юсё жизнь, потому что в 1573 году клан Асаи был полностью уничтожен Ода Нобунага. К живописи он обратился довольно поздно, считается, что его учителем был Кано Эйтоку.

Юсё выработал собственный оригинальный стиль, в котором соединил различные японские и китайские традиции. Он был искусен в росписях ширм и раздвижных перегородок (фусума). Росписи выполнялись как в яркой живописной манере Кано Эйтоку, так и в монохромной технике письма тушью дзэнских художников-монахов, в частности китайского художника XIII столетия Лян Кая. Слава живописца сопровождала Кайхо до конца жизни, несмотря на то, что на некоторое время он отошел от живописи и занялся военной карьерой, пытаясь вернуть былое могущество своего рода. Его покровителями были и военный диктатор Тоётоми Хидэёси, и император Го-Едзей. Многочисленные работы Кайхо Юсё оказали серьезное влияние на последующие поколения японских живописцев.

«Сосна и камелии» -- образец позднего стиля Кайхо Юсё, и оригинальный живописный шедевр. Долгое время японская монохромная живопись находилась под китайским художественным влиянием, однако, в период Муромати японские мастера все же сумели выработать собственный стиль. И первым по этому пути пошел Кайхо Юсё. Как и китайская, японская живопись наполнена символами и метафорами. Особенно ярко это проявилось в жанре катёга («цветы-птицы»), где цветы и птицы -- не просто объекты любования, но и аллегорические символы. Поэтому, каждый цветок или растение, изображенное на картине, несет определенный смысл. Исходя из древних натурфилософских построений, цветы, птицы, деревья считались объектами, воплощавшими духовное начало человека, и одновременно, связанные с временами года, передавали идею движения времени.

Особой популярностью среди китайских и японских живописцев пользовалась сосна. Это величественное вечнозеленое дерево выступало символом долголетия и высокой нравственной чистоты, олицетворением конфуцианской сдержанности и стойкости. Изображение сосны использовалось как аллегория таких свойств, как непоколебимость и стойкость в трудных условиях. Еще одним символом стойкости, часто изображаемой японскими мастерами, была камелия, которая цветет всю зиму -- с конца ноября до марта. Изображение сосны и камелии вместе указывает на долгую жизнь и большие личные достижения. Пейзаж Кайхо Юсё минималистичен, это - плод самосозерцания. Добиться совершенства в изображении красоты художник пытался самыми лаконичными средствами, используя лишь минимум деталей.

7. Хасэгава Тохаку

Один из японских мастеров периода Момояма, Хасэгава Тохаку, чье настоящее имя Окумура, родился в семье, состоящей на службе у клана Хатакэяма, владельца замка Нанао. Вероятно, в детстве он остался сиротой, и мальчика приняли в семью Хасэгава, занимавшуюся живописным ремеслом. Большая часть сохранившихся до наших дней работ Тохаку написана цветными красками на золотом фоне в традициях школы Кано. Это и немудрено, ведь его учителем был известный мастер Кано Сёэй. Но, в зрелые годы Тохаку отошел от традиции Кано. Его живописные фусума (раздвижные перегородки) в храме Тисякуин, выполненные в 1592 году, положили начало целому направлению -- «живописи кленов и вишен». Помимо Кано, художник учился у малоизвестного мастера Сога Сёсё, связанного с живописными традициями монастыря Дайтокудзи.

Долгое время Тохаку выполнял заказы столичного монастыря Хомподзи, создавая большие композиции буддийского содержания. Однако главным своим учителем он считал выдающегося мастера туши Сэссю и называл себя его наследником в пятом поколении. По этому поводу, даже вышел спор между Тохаку и Ункоку Тоганом, тоже считавшем себя последователем Сэссю. Тохаку проиграл, но остался верен монохромной живописи тушью. Он писал свитки с изображением обезьян, журавлей, драконов и тигров, сосен, в которых демонстрировал умелое пользование многотональными оттенками туши.

Вершиной его виртуозного мастерства стали росписи парных шестистворчатых ширм (мобильных перегородок) «Сосновая роща», ставшей настоящей монохроматической симфонией. На поверхности огромных ширм изображены лишь несколько сосен, наполовину скрытых туманом, а большая часть живописной плоскости оставлена пустой. Быстрыми уверенными движениями мазки нанесены на бумагу. Тон туши варьируется от бледного до темного. Эта композиция, сильно контрастирующая с броским великолепием произведений Кано и Тоса, стала примером прекрасного синтеза китайской техники и японских мотивов, надолго определившего пути развития живописи суйбокуга.

В основу сюжета ширм положены поэтические строки, написанные китайским монахом XIII столетия My Ки: «Когда дракон поднимается, на небе облака появляются «Когда тигр ревет, взрывы ветра -- вперед». Несмотря на свой зловещий вид, на Востоке дракон является позитивной и созидательной силой, он обладает космической, сверхъестественной энергией и повелевает силами природы: землей, воздухом, водой и огнем. В старину люди верили, что драконы наделены огромными знаниями и мудростью, это - самые могущественные существа на планете.

Существовало несколько разновидностей драконов: драконы, охраняющие землю, обитающие под водой и в глубоких пещерах, небесные драконы, один из которых изображен на ширме Хасэгава Тохаку. В Японии дракон с тремя когтями считался символом дождя, повелителем морей и рек. Все грозные явления природы люди объясняли как последствия битв драконов между собой или с врагами, желающими завладеть небесными сокровищами. Чаще всего, драконы вступали в схватку с тиграми. Эти лютые животные олицетворяли силу, отвагу, свирепость. В Китае и Японии дракон был символом императора, Сына небес, а в Корее тигр воплощал боевой дух. Его изображение встречалось преимущественно на знаменах и значках корейских войск, которым, как считалось, он покровительствует.

Сюжет «дракон, борющийся с тигром» имел двойное толкование. В первом, философском, он представлял собой знак «инь-ян» -- двойственность всего сущего, символ взаимодействия крайних противоположностей (света и тьмы, жизни и смерти, неба и земли). Во втором содержалась скрытая аллегория: Япония -- это могущественный и неустрашимый дракон, который всегда побеждает своих врагов, даже столь сильных как Корея (тигр).

8. Ункоку Тоган

Ункоку Тоган, чье настоящее имя Хара Дзихэй, родился в провинции Нидзен (совр. префектура Нагасаки). Он происходил из знатного самурайского рода, его отец Хара Наойе, был владельцем большого замка Нокоми. О жизни художника сохранилось мало сведений. В юности, будущий художник сделал блестящую военную карьеру, но в 1584 году со смертью отца его жизнь изменилась: он потерял политическое и материальное (так как был вторым сыном) положение и, вероятно, начал заниматься живописью. Кто были его учителя, до конца не известно: он учился у мастеров школы Кано, возможно, у Кано Сёэя или его сына Эйтоку. Однако знакомство с работами мастера XV столетия Сэссю Тойо обратило художника к монохромной живописи суйбокуга («живопись тушью»).

Приверженность стилю Сэссю прослеживается во всем: художник даже взял псевдоним «Ункоку» по названию созданной учителем студии -- Ункоку-ан. Свои работы он подписывал «писано Ункоку, потомком Сэссю». К тому же, когда даймё Мори Тэрумото (1553--1625) заказал художнику копию «Длинного пейзажного свитка» Сэссю, он с блеском выполнил работу, поставившую точку в давнем споре между Ункоку Тоганом и Хасэгава Тохаку. С этого времени Ункоку получил право называть себя «последователем Сэссю в пятом поколении». Но это были лишь внешние атрибуты, потому что в живописи ученик так и не смог достичь высот своего великого учителя. Среди самых известных работ Ункоку -- ширмы с изображением оленей и горы Ёсино, славящейся великолепными видами цветущей сакуры, которые хранятся в монастыре Дайтокудзи в Киото.

Сюжеты ширм взяты из китайской истории. В основе первой картины -- эпизод из жизни Су Ши (1036--1101), великого китайского поэта северосунской эпохи. Он был не только литератором, живописцем, каллиграфом, но и государственным чиновником, выступавшим против проводимых первым министром Ван Ань-ши реформ в стране, за что Су Ши назначали на административные должности в провинциальные районы Китая. По названию места одной из служб он взял себе литературный псевдоним Дун-по-сюйши (или Су Дунпо), который означал «Ученый, проживающий у Восточного склона». В конце жизни Су Ши был ложно обвинен, лишен всех должностей и сослан в отдаленную провинцию Гуандун. Китайские и японские художники часто изображали поэта, находящегося в ссылке или объезжающего с инспекцией вверенные ему территории (как на картине Ункоку Тогана).

Во второй картине рассказывается об отшельнике по имени Хан-рю. Он служил конюхом у императора Му-вана из династии Цу (1023--957 г. до н. э.). У Му-вана была великолепная восьмерка породистых коней, которой он необычайно гордился. Однажды Ханрю позволил себе неподобающе высказаться о лошадях, император пришел в ярость и сослал его в провинцию Шаньси. Там находилась гора Хэншань, одна из пяти священных вершин даосизма, которые считались местом обитания даосских святых и бессмертных. Правда, император довольно быстро одумался и простил своего слугу. Ункоку Тоган изобразил на ширме (мобильной перегородке) момент возвращения Ханрю домой. Он едет на муле, но задом наперед, не в силах оторваться от великолепного вида горы. В картине есть несомненный посыл к образу одного из «Восьми Бессмертных», сэннина Чжан Голао, который всегда ездил на муле задом наперед, чтобы смотреть не вперед, а назад.

9. Хоньами Коэцу

Хоньами Коэцу происходил из прославленной семьи оружейников, известной со времен первых сегунов Асикаги. Как и его предки, Коэцу тоже занимался полировкой и оценкой мечей, но был славен не только этим. Он писал картины, занимался керамикой и лаковой росписью, считался знатоком искусств, но особо выделял среди своих талантов каллиграфию. В искусстве каллиграфии Коэцу не уступал признанным авторитетам -- Сёкадо Сёдзё и Коноэ Нобутаде. Последний был создателем известного стиля «саммякуин», который снискал необычайную популярность. Все трое были известны как «Три кисти эры Канъэй». В 1615 году сёгун Токугава Иэясу выделил мастеру земельное владение в Такагаминэ, расположенное вблизи Осака. На этой земле Коэцу построил поселок художников, названный Коэцу-мура. Здесь появилось на свет немало шедевров изобразительного и прикладного искусства, среди которых поэтические свитки, созданные благодаря содружеству талантов Коэцу Хонъами и его друга, выдающегося живописца Таварая Сотацу. Сотацу разрисовывал бумагу изображениями цветов, трав, птиц и животных, а Коэцу каллиграфической вязью выписывал стихи из знаменитых поэтических антологий «Кокинвакасю» («Собрание старых и новых песен Японии») и «Синкокинвакасю» («Сто стихотворений ста поэтов»). Затем, такие свитки размножали ксилографическим способом. У Хонъами был большой опыт в этом деле: начиная с 1604 года, он сотрудничал с купцом из Киото Суминокура Соаном. Совместно они выпускали книги с пьесами для театра Но и избранными отрывками из классической литературы.

Говорят, что Хонъами Коэцу был удивительно честолюбив, об этом его недостатке ходили легенды. Одна из них рассказывает о том, что однажды художник находился в гостях у Коноэ Нобутады. Речь зашла о каллиграфии, и любопытный хозяин попросил Коэцу назвать трех крупнейших каллиграфов страны. Гость, не колеблясь, ответил: «Второй -- это вы, третий -- Сёкадо Сёдзё». «А кто же первый?», -- спросил озадаченный Нобутада. «Разумеется, я», -- без улыбки отозвался Коэцу, глядя в глаза недогадливому хозяину. В Японии, как и в других странах дальневосточного региона, каллиграфия (седо) считалась одним из видов изящных искусств. В Китае, вместе с поэзией и живописью, она входила в понятие «Три совершенства», что рассматривалось непременным знанием и умением каждого образованного человека, по качеству почерка определяли характер пишущего. Благоговейное отношение к каллиграфии сохранилось и в Японии. Коэцу был хорошо знаком и с придворным искусством, ориентирующимся на идеалы эпохи Хэй-ан, он изучал каллиграфию начала XIV века в стиле императора Сёрэнина, и стиль китайского каллиграфа IV века аристократа Ван Сичжу. Он получил звание лучшего каллиграфа своего времени, удивив общество в Киото публикацией произведений «Исэ моногатари» («Повесть об Исэ») и «Ходзёки» («Записки из кельи»), каллиграфически написав их на специально созданной бумаге и украсив рисунками в стиле эпохи Хэйан.

Данная работа создана по мотивам стихотворения Какиномото Хитомаро, поэта VI века, чьи произведения вошли в поэтическую антологию «Манъёсю» («Собрание мириад листьев»):

Бухта Акаси…

Утренний туман,

Челн уплывает вдаль,

Едва мелькая меж островов,

И мысль меня уносит вслед…

10. Кано Санраку

Кано Санраку происходил из японского самурайского рода и по рождению носил имя Кимура Хэйдзё. В 1570-х годах он поступил на службу к сегуну Тоётоми Хидэёси, отметившему несомненный художественный талант юноши и определившему его в ученики к Кано Эйтоку. Постепенно, он становится любимым учеником мастера, а после его смерти -- ведущим живописцем школы Кано. Деятельность Санраку имела чрезвычайно большое значение для формирования декоративного стиля школы Кано: в первую очередь это относится к введению им в традиционную схему монохромного пейзажа красочного строя, свойственного живописи ямато-э, или Тоса. Среди произведении Кано Санраку наиболее известны росписи в Дайкакудзи в Киото, выполненные в начале XVII века, а среди них -- безусловный шедевр «Пионы». В этом цикле условность декоративной композиции сочеталась с детально и точно переданной натурой. В отличие от художников школы Сэссю, Санраку интересовала прежде всего передача внешних свойств предмета: изогнутый ствол дерева, бурный ниспадающий поток воды, фениксы и павлины с тщательно выписанным оперением приобрели в картинах художника самостоятельную эстетическую ценность. Статичность, характерная для многих его произведений, обусловила чисто формальную связь предметов и отдельных планов его пейзажей. Несомненной удачей художника стало введение в контекст картины исторических объектов -- персонажей из китайской книги «Иллюстрации образцовых императоров»1606 г.

«Император Сюаньцзун, бьющий в барабан, чтобы вызвать цветение растений». Кано Санраку. Мобильные перегородки (ширмы). Император Сюаньцзун из династии Танг правил в Китае на рубеже VII--VIII веков. Он прослыл решительным и энергичным правителем, покровителем искусств, при дворе которого работали лучшие в стране поэты, зодчие, художники. Император собрал прекрасную библиотеку, в которой хранились тысячи книг-свитков. Но китайцы помнят его не по благим делам, а по истории любви. Стареющий император влюбился в жену своего сына красавицу Ян Гуйфэй. Он отослал девушку в монастырь, что считалось, по китайским обычаям, равносильным разводу, а по прошествии пяти лет ввел Ян Гуйфэй во дворец и объявил своей наложницей. Император был настолько увлечен красавицей, что совсем забросил государственные дела.

К тому же Гуйфэй оказалась коварной интриганкой, добиваясь для своих родственников высоких постов в правительстве. Страна стала медленно погружаться в хаос Воспользовавшись создавшимся положением, враги императора подняли мятеж. Сюаньцзун с Гуйфэй и свитой бежал на юг, но был схвачен. Восставшие потребовали выдачу фаворитки, она была убита, а император до конца жизни остался безутешен. Со временем, история придворной красавицы превратилась в историю бессмертной любви, она обросла новыми легендами, о ней слагали стихи и песни. До сих пор на гробницу Ян Гуйфэй, воздвигнутую в Сиане, приходят молодые люди, чтобы поклясться друг другу в вечной любви.

11. Кано Хидэёри

Кано Хидэёри принадлежал ко второму поколению мастеров школы Кано. Исследователи японского искусства пока и не пришли к единому мнению, кем же он приходился Кано Мотонобу -- сыном или внуком. Хотя большинство соглашаются, что Кано Хидэёри был вторым сыном основателя школы и носил имя Дзёсин. Его творчество развивалось в русле традиций Кано, но несомненной заслугой художника стало создание одного из первых произведений жанровой живописи «Любование клёнами на горе Такао», исполненного в 1550--1555 годах. Формирование городской культуры, изменившей мироощущение средневекового человека, дало сильный толчок в XVI веке к развитию жанровой живописи фудзоку-га («картины нравов и обычаев»), которая стала демонстрировать не отвлеченно-метафорическое видение жизни, а вполне адекватное действительности. Работа Хидэёри была первым шагом в этом направлении.

В основу двух мобильных перегородок (ширм), одна из которых утрачена, художник положил традиционный мотив «четырех сезонов» (сики-э), но перенес акцент с природной среды как таковой на событие реальной жизни -- пикник, маленький праздник, развлечение горожан. В самом сюжете «любование кленами» содержится еще отголосок средневекового стремления человека к единению с природой, но уже не столь возвышенный, как ранее. Он как бы «гасится» будничностью обстановки, обыденностью жизни героев, каждый из которых занят своим делом. Созерцание природы воспринимается не как акт приобщения к тайнам мироздания, а одно из многих занятий, эпизод из повседневной жизни.

Одно из ранних произведений Кано Хидэёри «Летний пейзаж» входило в цикл «Времена года», состоящий из четырех свитков (один из которых позднее был утерян). Хотя работа еще несет в своем образном строе и композиционном построении традиции картин «четырех сезонов», распространенном жанре китайской и японской живописи, у Хидэёри пейзаж находит новое осмысление. Это еще не конкретное изображение родной природы, но уже и не отвлеченный образ в китайском стиле. Всего лишь маленькая деталь меняет традиционные каноны -- фигурки людей, идущих и скачущих по дороге. Лето -- жаркая пора, сезон сбора урожая, а потому - не самое лучшее время для странствий. Да и путешественников не много: двое всадников, торопящихся куда-то, да редкие пешеходы. Дорога тяжела: горные кручи да широкий водный поток, и ни одного деревца, чтобы спрятаться от солнца. Одно хорошо -- не ярко светит, потому что лето идет на убыль, и птицы улетают в теплые края. Кано Хидэёри был мастером в изображении пейзажей и как никто другой умел передавать рисунком настроение. Большую часть своей жизни он провёл в дороге, путешествовал, чтобы уловить и запечатлеть наиболее живописные виды.

12. Матабэй Иваса. Основатель жанра «укиё-э»

Матабэй Иваса родился в Осака и по рождению носил имя Араки Кацумоти. Его отец, известный самурай Араки Мурасигэ, владелец замка Сэтцу итан-дзё, служил полководцу Нобунага Оде. Обвиненный своим сюзереном в измене, он год держал осаду замка, прежде чем тот пал, бежал, и о дальнейшей его жизни ничего неизвестно. Вся семья Мурасигэ была казнена, лишь маленький Кацумоти чудом спасся, укрывшись со своей няней в монастыре Хон-гандзи в Киото. Позднее художник взял материнскую фамилию -- Иваса, под которой и прославился. Монахи стали первыми наставниками Матабэя в живописи, хотя он считается последователем школы Тоса. Возможно, его учителем был Тоса Мицунори (1583--1638), в память о котором мастер подписал свой знаменитый свиток «36 кудесников поэзии» (1640) -- «потомок Тоса Мицунори».

С именем Матабэя Иваса связано зарождение в японском искусстве стиля укиё-э. Вот что писал о нем художник XIX века Кэйсай Эйсэн: «Мастером укиё-э в старое время назвали старшего ученика из шкоды Тоса -- Иваса Матабэй, по прозвищу -- Тоса Матабэй… Он был очень искусен в изображении людей этого мира, потому получил прозвище Укиё-э Матабэй и оставил после себя славу как мастер укиё-э». Следуя традиции, мастер писал жанровые картины и портреты, сцены исторических сражений, иллюстрировал произведения классической литературы, записки знаменитых путешественников. Исследователи отмечают, что, свободно применяя стили разных школ, художник создал свой живописный парафраз, прекрасную стилизацию под классические образцы, привнеся в нее современную жизнь, яркость и естественность чувств. Матабэй Иваса первым стал изображать людей в моменты эмоционального напряжения, показывать разнообразие человеческих отношений и чувств. Это отразилось и в выборе тем. Сюжеты из «Гэндзи моногатари» («Повесть о Гэндзи»), «Хориэ моногатари» («Повесть о Хориэ») несли на себе печать тонкого психологизма, несомненно, обусловленного невзгодами, перенесенными Матабэем в детские годы, а сцены народных празднеств и гуляний -- поэтичности, безудержного веселья и юмора.

«Развлечения женщин». Иваса Матабэй. (ширмы). Это -- одна из ранних работ Матабэя, представляют собой необычайно красивое зрелище, впечатляющее декоративным даром мастера. На них изображены десять (на одной) и восемь (на другой) сидящих и стоящих женщин в различных позах. Фигуры очень большого размера (до130 см в высоту) расположены в пустом пространстве золотого поля. Лица женщин довольно единообразны, они практически теряются на фоне ярких, красочных одежд, на изображении которых художник сосредоточил основное внимание. Подобный прием придает мобильным перегородкам (ширмам) необычайную живописность, «праздничность», а схематичная и упрощенная трактовка образов лишь подчеркивает идею, что главные средства выразительности в картинах -- силуэт и цветовое пятно.

На примере ширм Иваса Матабэя можно проследить процесс изменения стилистики произведений XVII века по сравнению с жанровой живописью XVI столетия. Фактически, была сокращена до минимума роль сюжета, на смену старого героя (охваченной безудержным весельем толпы) приходит новый (индивидуальная человеческая личность). Несмотря на то, что представленные образы еще достаточно стереотипны, художник путем построения мизансцен, изображения различных ракурсов, поз и жестов пытается найти способы для более индивидуальной характеристики своих героев, делая попытку передать общее настроение и состояние в картине посредством внешних атрибутов. В дальнейшем, мобильные перегородки (ширмы) с крупномасштабными изображениями на золотом фоне положили начало нового жанра, одного из главных в искусстве укиё-э -- бидзинга («живопись красавиц»).

13. Сёкадо Сёдзё (1584-1639 гг.) - живописец и каллиграф

Сёкадо Сёдзё родился в небольшом японском городке Сакаи в провинции Ямато и по рождению носил имя Наканума Сикибу. Человек разносторонних способностей, он прославился как живописец и каллиграф, поэт и мастер чайной церемонии. В семнадцать лет он постригся в монахи. Большая часть жизни Сёдзё прошла в святилище Ивасимидзу Хатимангу, расположенном на горе Отоко вблизи Киото, настоятелем которого он стал в 1628 году. Этот храм относился к школе Сингон (Истинное Слово, или Мантра), ответвлению в буддизме. Основателем ее был мастер Кукай, выдающийся каллиграф и изобретатель слоговой азбуки (774--835), получивший после смерти титул-псевдоним Кобо Дайси («Великий учитель -- распространитель Дхармы»). Идя по стопам учителя, Сёдзё добился больших успехов в каллиграфии и даже открыл собственную школу. В 1634 году художник неожиданно покинул монастырь и отправился в странствия.

Говорят, что именно Сёдзё придумал контейнер для хранения и переноски еды (бэнто), без которого и сегодня не может обойтись, вероятно, ни один японец. В 1637 году мастер поселился в деревушке Сёкадо («Прибежище цветов и сосен»), недалеко от храма Такимонотобо. Его дом стал местом паломничества, где собирались поэты, художники, философы для ведения неторопливых бесед. В живописи Сёдзё был последователем китайских традиций. Его работы, несомненно, были вдохновлены китайскими мастерами Ми Цу и Лян Каем, а все его творчество можно расценивать как японский образец южно-сунской китайской живописи. Любимыми сюжетами художника были изображение цветов и птиц на свитках и ширмах с поэтическими надписями, исполненными великолепной каллиграфией.

Альбом «Тридцать шесть кудесников поэзии» стоит особняком в творчестве Сёдзё. И не потому, что художник обратился к жанру портрета Герои -- мудрецы, художники, литераторы и поэты, монахи, святые, создававшие гуманитарную культуру средневековой Японии, были частыми персонажами на его картинах. А из-за особенного стиля, в котором сила выражения слилась с изысканностью исполнения. В эпоху Хэйан, во времена которой жили многие поэты, портрет представлял собой некий идеал, набор добродетелей и особенностей натуры, приписываемый конкретному человеку.

Первым, кто попытался создать индивидуализированные изображения «кудесников поэзии», был живописец Фудзивара Нобунадзэ. Сёдзё, во многом повторив портреты Нобунадзэ, пошел дальше. Он укрупнил фигуры и тонко выписал лица персонажей, тщательно прорисовав глаза, брови, рот, которые в ранних вариантах исполнялись в технике хикимэ кагиха-на («глаз-линия, нос-крючок»). Образы выведены сильной контурной линией, указывающей на несомненное влияние каллиграфии, большая четкость наблюдается и в соотношении цветовых зон.

Сосэй-хоси, один из величайших японских поэтов, жил в X веке (скончался предположительно в 909 году). Он был священником храма Урин-ин и назначенным мастером изящных искусств. Художник изобразил поэта сидящим по японскому обычаю на полу. Он одет в кимоно белого цвета (символ чистоты) и цветные хакама (штаны), покрытые живописным орнаментом из листьев, в руках Сосэй держит четки. Сосэй-хоси представлен в момент сосредоточения, возможно, сочинения поэтических строк.

14. Кано Сансэцу (1590-1651 гг.) - живописец, школа Кано

Кано Сансэцу принадлежал к четвертому поколению мастеров школы Кано. Он родился в провинции Хидзэн, расположенной на острове Кюсю. После смерти отца в 1605 году Сэнга Хата (так звали мальчика) приняли в семью живописцев Кано, и Кано Санраку, тогдашний глава школы, взял его к себе в ученики. В 1619 году юноша женился на дочери своего учителя и принял художественное имя Кано Хэйсиро. Однако вскоре ему пришлось изменить имя: неожиданно умер старший сын Санраку, Кано Митцунори, и учитель, следуя традиции, назвал Хэйсиро как старшего своим преемником в качестве главы школы. Художник взял новый псевдоним, производный от первого иероглифа имени наставника -- Сансэцу. Однако, даже положение главы школы Кано не вывело Сансэцу в ряды первых живописцев. Он так и не сумел достичь уровня работ своих учителей, а потому, в отличие от них почти не писал деревья, цветы, птиц и животных, а больше увлекался буддийскими и конфуцианскими сюжетами, талантливо написанными, но лишенными духовной полноты работ дзэнских монахов-художников.

Лао-цзы -- легендарная фигура в истории Китая. Философ, один из основателей даосизма, автор знаменитого трактата «Дао дэ цзин» («Книга Пути и Благодати»), он жил в VI--V веках до н.э. Многие, правда, ставят под сомнение сам факт существования Лао-цзы. О его жизни ходили легенды. Одна из них рассказывала о том, что мать носила его в чреве шестьдесят два года и родила седовласым стариком с длинной бородой и вытянутыми мочками ушей, что было признаком мудрости и долголетия. Отсюда и происхождение имени мудреца Лао-цзы, что значит «Старый Младенец». Была у философа и официальная биография. Он родился в царстве Чу на юге Китая, служил хранителем царской библиотеки, где встречался с Конфуцием. В преклонном возрасте он удалился от дел и поселился в пещере отшельником Он много странствовал, и однажды начальник одной пограничной заставы Инь Си, узнав Лао-цзы, попросил мудреца рассказать о своём учении. Лао-цзы исполнил его просьбу и написал «Дао дэ цзин».

Сюжет ширмы рассказывает об одной из встреч двух величайших философов -- Лао-цзы и Конфуция. Неизвестно, происходили ли подобные встречи в действительности, но китайские и японские художники часто обращались к этому сюжету. В центре картины -- фигура Конфуция. Он встречает своего гостя. Лао-цзы только что приехал (бричка со стоящим рядом возницей видны в левом углу картины). Старец медленно, поддерживаемый под руку учеником, идет к дому Конфуция, на его лице, в преддверии возможных философских споров, блуждает улыбка.

15. Таварая Сотацу. Годы творчества 1600-1643. Живописец, школа Римпа

Таварая Сотацу происходил из семьи ремесленников, так называемых матисю, его родители занимались изготовлением и продажей вееров в Киото. Он получил хорошее образование, учился живописи, каллиграфии, стихосложению, знал керамическое и лаковое искусства. Сотацу был выдающимся самобытным художником, почитавшим национальную культуру прошлого и черпавшим вдохновение в классической литературе, поэзии и театре. Среди наиболее известных работ художника -- ширмы со сценами из классического романа «Гэндзи моногатари» («Повесть о принце Гэндзи»), «Придворные танцы бугаку», «Боги ветра и грома». Возрождая и интерпретируя мотивы искусства прошлого, любимой Хэйанской эпохи, Сотацу пришел к созданию нового образного строя, заложившего основы стиля Римпа. Важную роль в этом сыграло и сотрудничество с талантливым художником и каллиграфом Хонъами Коэцу, большим ценителем хэйанской культуры. Вместе они создавали поэтические свитки с классическими текстами, где Сотацу выступал как живописец, а Коэцу как каллиграф. Сотацу постоянно экспериментировал, используя разную технику и формы, он расписывал свитки, ширмы и складные веера, применял водяные краски, присыпку золотом и серебром. Художник изобрел новую технику письма «тарасикоми», создававшую своеобразный «капельный эффект». Эффект возникал из-за того, что поверх непросохшей туши наносился еще слой туши или цветового пигмента, в результате чего появлялась выразительная живописная фактура.

«Знать, рассматривающая водопад в Нунобики» является иллюстрацией к «Исэ-моногатари» («Повесть об Исэ»), известному литературному памятнику IX--X веков. Считалось, что ее автором был знаменитый поэт, один из «шести кудесников поэзии» -- Ариварано Нарихира (825--880). Созданное в период расцвета хэйанской культуры, это произведение рассказывало о жизни придворной аристократии, проводящей время в любовных утехах и утонченных наслаждениях -- любовании природой, стихосложении, занятиях музыкой. «Исэ-моногатари» состоит из 125 отдельных, вполне самостоятельных, законченных миниатюр. На первый взгляд кажется, что они ничем не связаны друг с другом, но через всю «Повесть» проходит история любовных похождений некого кавалера, в образе которого автор вывел, по всей вероятности, себя. Его герой -- галантный кавалер, красавец, поэт, автор множества лирических танка. Нарихира тоже был известен в придворных кругах как образец галантности и мужской красоты. Эта картина иллюстрирует эпизод, когда несколько кавалеров вместе с главным героем пришли полюбоваться на знаменитый водопад Нунобики, который имел еще одно название -- «Холст распростертый». Водопад был «высотою в двадцать саженей, а в ширину на целых пять саженей была скала, и сверх нее, как будто, белый холст ту скалу обволакивал». Под впечатлением увиденного пейзажа, кавалеры начали слагать стихи, и лучшим оказалась танка главного героя, которую Сотацу каллиграфической вязью и вывел на листе.

16. Судзуки Харунобу. 1724-1770 гг. Мастер укиё-э, школа Нисимура (Исикава)

Харунобу Судзуки -- выдающийся японский художник, чье творчество совершило целый переворот в искусстве укиё-э. Ходзуми Дзиробэй (таково его настоящее имя) происходил из торгового сословия. Он родился в Эдо, вероятно, в юности учился живописи в школе Кано, однако под влиянием работ Окумура Масанобу и Нисикава Сукэнобу увлекся укиё-э. Собственный стиль у художника сформировался довольно поздно, но за оставшийся короткий период (около 6 лет) он создал более восьмисот работ и около 20 иллюстрированных книг. Основной темой творчества Харонобу стал образ хрупкой изящной молодой женщины. Его героини -- куртизанки, танцовщицы, простые горожанки, дочери торговцев, прославившиеся своей красотой. Несмотря на то, что художник изображал реально существовавших женщин, он не стремился передать их индивидуальный облик. Даже мужчины на его гравюрах мало чем отличались от женщин (их можно было определить лишь по самурайскому мечу).

Харунобу не интересовала реальность, его миром был мир чувств и переживаний. Художник создавал идеальный образ, который стал обобщенным выражением одухотворенной красоты. С именем художника связано введение в ксилографию полихромного изображения. Технология изготовления гравюр в два-три цвета существовала уже с начала XVIII века. Увлеченный возможностями цветного изображения Харунобу начал печатать девятицветные гравюры с трех досок, комбинируя три основных цвета -- красный, синий и желтый, а потом увеличил количество досок до десяти, что позволило применить богатейшую цветовую гамму. Появившись вначале в суримоно (открытки к праздникам) и э-гоёми (иллюстрированные календари) техника полихромной печати быстро завоевала и станковую гравюру, которая получила название нисики-э («парчовая гравюра»).

Одним из любимых жанров Судзуки Харонобу были гравюры митатэ-э («картинки-подмены»), своеобразный вид пародии, когда фигуры современников вставлялись в рамки классических литературных мотивов. Подобные аллюзии не только подтверждали неразрывную связь с искусством прошлого, но и намекали на что-то, о чем нельзя было говорить открыто, вносили в сюжет долю иронии и сатиры. Одна из митатэ-э -- гравюра «Бамбук, растущий под снегом» из серии «24 образца сыновней почтительности», которые лежат в основе учения сяо. Согласно Конфуцию, сяо -- основа гуманности. Быть почтительным сыном обязан каждый, а особенно -- человек благородный, образованный, стремящийся к идеалу цзюнь-цзы.

Смысл сяо заключался в служении родителям по правилам ли, согласно которым почтительный сын должен всю жизнь преданно заботиться о родителях, прислуживать и угождать им, быть готовым на все во имя их здоровья и блага, чтить их при любых обстоятельствах. Даже если отец недобродетелен, если он злодей или вор, почтительный сын обязан лишь смиренно увещевать родителя, униженно просить его вернуться на стезю добродетели. В китайской, а за ней в японской живописи имелась целая серия из 24 образцов сыновней почтительности, в которой изображались морализаторские истории о детях, отличившихся самоотверженным служением родителям. Одна история рассказывала о некоем Мэн Цзуне, жившем в III веке. Однажды его мать захотела поесть бамбуковых побегов, однако стояла зима, и достать их было негде. Тогда Мэн Цзун пошел бродить по лесу, досадуя, что не может доставить матери удовольствие, как вдруг вокруг него стал расти бамбук. На гравюре Харунобу изобразил вместо почтительного сына дочь, прекрасную куртизанку. В теплой одежде, с покрытой головой, но босая, она выкапывает мотыгой из-под снега молодые побеги бамбука.