Импрессионизм в живописи и музыке

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

Введение

1. История становления импрессионизма в живописи и музыке

1.1 Импрессионизм во французской живописи

1.2 Русский импрессионизм

1.3 Музыкальный импрессионизм

2. Теоретические основы взаимосвязи видов искусств на уроке музыки в общеобразовательной школе

2.1 Сущность понятия «интеграция»

2.2 Методы и приёмы интеграции на уроке музыки

2.3 Методическая разработка урока музыки по теме «Импрессионизм в музыке и живописи»

Заключение

Список использованных источников



Введение

В наше время у людей появился сильный интерес к живописи импрессионистов, репродукции их картин служат для декорирования в одежде, изделиях быта, сувенирной продукции. В некоторых городах существуют сети магазинов, названные именем одного из художников этого течения.

Красочность этих картин пробуждает в людях положительные эмоции. Каждый, кто знаком с творчеством художников-импрессионистов, хочет принести частичку их работ в свой дом.

У детей картины импрессионистов могут оставить самые приятные впечатления, из-за их светлого, яркого колорита, солнечного настроения, изысканных элегантных образов природы, бытовых сцен, портретов.

Изучение искусства позволяет учащимся прикоснуться к миру прекрасного, к выдающимся образцам живописи и музыки, расширяет их кругозор и способствует формированию высокохудожественного вкуса.

Подобными качествами обладает и музыка Дебюсси с ее образами природы - ветра и облаков, дождя и лунного света… Она отмечена изысканностью и элегантностью, созерцательностью, красочностью, воздушностью мелодических линий и необычностью гармоний. Наличие визуальных образов позволяет сделать его пьесы привлекательными для детей и способствует развитию наглядно-образного мышления и установлению ассоциативных связей.

В современном мире технические возможности позволяют по-новому взглянуть на творчество художников и музыкантов. В музейной практике набирает популярность проект «Живые полотна», где одновременно с музыкальным сопровождением идет визуальный ряд картин. В связи с открытием музея русского импрессионизма в Москве разрабатываются проекты, освещающие распространение импрессионизма за пределами Франции.

Импрессионизм - направление в искусстве конца XIX века, изначально возникшее во французской живописи. Выставка 1874 года была открытием импрессионизма в живописи и началом новой эпохи в искусстве. Особенностью импрессионизма были: работа на пленэре, использование цветовой гаммы без добавления черного цвета, особая техника мазков, которая создает объем и форму изображаемых объектов.

Основными представителями импрессионизма считаются Эдуард Мане, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Пьер Огюст Ренуар и др.

Позже некоторые черты импрессионизма отразились в музыке. Некоторые исследователи отмечают близость музыкального импрессионизма с символизмом, появившимся в литературе.

Его представителями традиционно считаются Клод Дебюсси (1862-1918) и Морис Равель (1875-1937). Первое упоминание импрессионизма применительно к музыке Дебюсси было сделано весной 1887 года. Речь шла о сюите «Весна» в двух частях для женского хора с оркестром.

Термин «импрессионизм», применявшийся музыкальными критиками конца XIX в. в осуждающем или ироническом смысле, позднее стал общепринятым определением, охватывающим широкий круг музыкальных явлений рубежа XIX-XX вв. как во Франции, так и в др. странах Европы.

Актуальность предлагаемой работы заключается в том, что в современной общеобразовательной школе предполагается изучение искусства импрессионизма, и разработка методических рекомендаций на эту тему, адресованных учителю музыки, представляется весьма целесообразной.

Объект исследования: импрессионизм в музыке и живописи.

Предмет: взаимосвязи видов искусств на уроке музыки на примере творчества К. Дебюсси и М. Равеля и художников-импрессионистов.

Цель: изучить импрессионизм в живописи и в музыке и возможности его изучения на уроках музыки в общеобразовательной школе.

Задачи:

1. Изучить историю развития импрессионизма;

2. Выявить основных представителей импрессионизма в живописи и музыке;

3. Проанализировать художественные образы и стилевые черты в живописи и музыке импрессионизма;

4. Рассмотреть, как результаты ВКР могут быть применены на уроках музыки и уроках искусства в общеобразовательной школе.

Методологической основой ВКР стали труды:

- в области методологии образования: Ю. Б. Алиева, Л. Г. Дмитриевой Л. А. Безбородовой, В. В. Серикова;

- в области искусствоведения и музыковедения: О. Б. Красновой, Н. Н. Калитиной, В. Н. Холоповой, Г. Н. Шнеерсона, Г. А. Соловьевой, Ст. Яроциньского;

- в области методики музыкального образования: Е. Д. Критской, Л. В. Школяр, А. Д. Науменко.

Новизна данной работы заключается в разработке конкретных рекомендаций по изучению импрессионизма в школе.

Апробация работы. Отдельные положения представленной ВКР были отражены ее автором в докладах на двух проходивших в Вологодском государственном университете в 2016 году научных конференциях, в том числе, на Студенческой научно-практической конференции ВоГУ и Молодежном научном форуме «Молодые исследователи - регионам»; на них автор ВКР стал обладателем дипломов I и III степеней.

Практическая значимость работы заключается в возможности использования ее результатов на уроках музыки и искусства в общеобразовательной школе, а также на уроках музыкальной литературы в ДМШ и ДМИ, занятиях по истории зарубежной музыки в вузе.

Работа состоит из введения, двух глав, заключения и приложений.

В первой главе ВКР раскрыта история становления импрессионизма в живописи и музыке. Первый параграф посвящен истории живописи, в нем приводятся факты из жизни художников, и характеризуется их вклад в развитие импрессионизма. Во втором параграфе мы коснулись такого предмета как русский импрессионизм. Рассмотрели исторический контекст и выявили двух наиболее ярких представителей - В.А. Серов и К.А. Коровин.

Некоторые исследователи считают, причиной непопулярности импрессионизма в России, стал появившийся в это же время авангард в живописи.

В третьем параграфе мы рассмотрели историю становление музыкального импрессионизма.

Во второй главе рассмотрено понятие интеграции на уроках в общеобразовательной школе, образовательные тенденции и отражение по темы «Импрессионизм» в программах общеобразовательных школ, выявлены методические рекомендации, составлена технологическая карта урока на данную тему.

Первый параграф второй главы раскрывает понятие «интеграция». Во втором параграфе говорится о методах и приёмах интеграции на уроке музыки. Третий параграф посвящен разработке методических рекомендаций и содержит технологическую карту урока по теме «Импрессионизм в живописи и музыке» по программе Е.Д. Критской и Г. П. Сергеевой «Музыка».



1. История становления импрессионизма в живописи и музыке

1.1 Импрессионизм в живописи

Импрессионизм - это художественное течение, возникшее в 70-х годах. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре.

Импрессионизм в живописи начал складываться задолго до известной выставки 1874 года. Родоначальником импрессионистов традиционно считается Эдуард Мане. Он был очень вдохновлен классическими работами Тициана, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса. Свое видение изображений Мане выражал на своих полотнах, добавляя «вибрирующие» мазки, создававшие эффект незаконченности. В 1863 году Мане создал «Олимпию», которая вызвала большой скандал в культурном обществе.

На первый взгляд, картина выполнена в русле традиционных канонах, но при этом она уже несла и новаторские веяния. В различных парижских изданиях по поводу «Олимпии» было написано около 87 отзывов. На нее обрушилась масса негативной критики - художника обвиняли в вульгарности. И лишь несколько статей можно было назвать благожелательными.

Мане в своей работе использовал технику наложения однослойной краски, что создавало эффект пятен. Впоследствии этот прием наложения красок был перенят художниками-импрессионистами в качестве основы для изображений на живописных полотнах.

Отличительная черта импрессионизма заключалась в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов.

Любопытно, что в начале своих поисков художники использовали цианометр - инструмент для определения синевы неба. Черный цвет исключался из палитры, его заменяли другими цветовыми оттенками, что позволяло не испортить солнечное настроение картин.

Импрессионисты ориентировались на новейшие научные открытия своего времени. Теория цвета Шевреля и Гельмгольца сводится к следующему: солнечный луч расщепляется на составляющие цвета, и, соответственно, две положенные на холсте краски усиливают живописный эффект, а при смешивании краски теряют интенсивность.

Эстетика импрессионизма складывалась, отчасти, как попытка решительно освободиться от условности классицизма в искусстве, а также от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей всем видеть зашифрованные замыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждал не просто красоту повседневной действительности, а фиксацию красочной атмосферы, не детализируя и не растолковывая, изображая мир как вечно меняющееся оптическое явление.

Художники-импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Предшественниками этой стилистической особенности были художники-пейзажисты, выходцы из барбизонской школы, основными представителями которой были Камиль Коро и Джон Констебл.

Работа на открытом пространстве давала больше возможности запечатлевать малейшие цветовые изменения в разное время суток.

Клодом Моне были созданы несколько серий картин на один и тот же сюжет, например, «Руанский собор» (серия из 50 картин), «Стога» (серия из 15 картин), «Пруд с водяными лилиями» и др. Главным показателем этих серий было изменение света и цветовой гаммы в изображении одного и того же объекта, написанного в разное время суток.

Еще одним достижением импрессионизма считается разработка оригинальной живописной системы, где сложные тона разлагаются на чистые цвета, передаваемые отдельными мазками. Художники не смешивали цвета на палитре, а предпочитали накладывать мазки непосредственно на полотно. Такой прием придавал картинам особую трепетность, изменчивость и рельефность. Работы художников наполнились цветом и светом.

Выставка 15 апреля 1874 года в Париже была итогом периода становления и представления широкой публике нового течения. Экспозиция была развёрнута в студии фотографа Феликса Надара на бульваре Капуцинок.

Название «Импрессионизм» возникло после выставки, на которой была экспонировалась картина Моне «Впечатление. Восход солнца». Критик Л. Леруа в своем обзоре в издании «Сharivari» дал шутливую характеристику выставке 1874 года, приведя в пример работу Моне. Другой критик, Морис Дени, упрекал импрессионистов в отсутствии индивидуальности, чувства, поэзии.

На первой выставке свои работы демонстрировали порядка 30 художников. Это было самое большое количество, в сравнении с последующими выставками вплоть до 1886 года.

Нельзя не сказать о положительных отзывах со стороны русского общества. Русские художники и критики-демократы, всегда живо интересовавшиеся художественной жизнью Франции - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - высоко оценивали достижения импрессионистов с самой первой выставки.

Новый этап истории искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций - он явился кульминацией медленного и последовательного развития.

При всем том, что все великие мастера прошлого сделали свой вклад в развитие принципов импрессионизма, непосредственные корни течения можно наиболее легко обнаружить в двадцатилетии, предшествующем исторической выставке.

Параллельно выставкам в Салоне, набирали свои обороты выставки импрессионистов. В их работах демонстрировались новые тенденции в живописи. Это было упреком салонной культуре и выставочным традициям. В дальнейшем художникам-импрессионистам удалось привлекать на свою сторону почитателей новых веяний в искусстве.

Теоретические знания и формулировки импрессионизма стали складываться достаточно поздно. Художники предпочитали больше практики и собственных экспериментов над светом и цветом. В импрессионизме, прежде всего живописном, прослеживается наследие реализма, в нем ярко выражается антиакадемическая, антисалонная направленность и установка изображения окружающей действительности того времени. Некоторые исследователи отмечают, что импрессионизм стал особым ответвлением реализма.

Бесспорно, в импрессионистическом искусстве, как в каждом художественном течении, возникающем в период перелома и кризиса старых традиций, были сплетены, при всей его внешней цельности, различные и даже противоречивые тенденции.

Принципиальные особенности заключались в тематике работ художников, в средствах художественной выразительности. Книга Ирины Владимировой об импрессионистах включает несколько глав: «Пейзаж, природа, впечатления», «Город, места встреч и расставаний», «Увлечения, как образ жизни», «Люди и характеры», «Портреты и автопортреты», «Натюрморт». В ней также описываются история создания и местонахождение каждой работы.

В период расцвета импрессионизма художники находили гармоническое равновесие между объективной действительностью и ее восприятием. Художники старались запечатлеть каждый лучик света, движение ветерка, переменчивость природы. Для сохранения свежести картин импрессионисты создали оригинальную живописную систему, которая впоследствии оказалась очень важной для развития искусства в дальнейшем. Несмотря на общие тенденции направлений живописи, каждый художник нашёл свой творческий путь и основные жанры в живописи.

Классический импрессионизм представлен такими художниками как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Жан Фредерик Базиль, Берта Моризо, Эдгар Дега.

Рассмотрим вклад некоторых художников в становление импрессионизма.

Эдуард Мане (1832-1883)

Первые уроки живописи Мане получил от Т. Кутюры, благодаря этому будущий художник приобрел массу необходимых профессиональных навыков. Из-за отсутствия должного внимания учителя к своим ученикам Мане покидает ателье мастера и занимается самообразованием. Он посещает выставки в музеях, на его творческое формирование большое влияние оказали старые мастера, особенно испанские.

В 1860-е Мане пишет две работы, в которых просматриваются основные принципы его художественного подчерка. «Лола из Валенсии» (1862) и «Флейтист» (1866) показывают Мане как художника, который раскрывает характер модели через передачу цвета.

Его идеи по технике нанесения мазков и отношение к цвету были приняты другими художниками-импрессионистами. В 1870-е Мане сближается со своими последователями и работает на пленэре без черного цвета на палитре. Приход к импрессионизму был результатом творческой эволюции самого Мане. Наиболее импрессионистическими картинами Мане считаются «В лодке» (1874) и «Клод Моне в лодке» (1874).

Мане также писал множество портретов разных светских дам, актрис, натурщиц, красивых женщин. В каждом портрете была передана неповторимость и индивидуальность модели.

Незадолго до своей смерти Мане пишет один из своих шедевров - «Бар Фоли-Бержер» (1881-1882). В этой картине сочетается сразу несколько жанров: портрет, натюрморт, бытовая сцена.

Н. Н. Калитина пишет: «Магия искусства Мане такова, что девушка и противостоит окружающему, благодаря чему столь четко раскрывается её настроение, и одновременно является частью, ибо весь задний план, смутно угадывающийся, неопределенный, волнующийся, также решен в сине-черных, голубовато-белых, желтых тонах».

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне являлся несомненным лидером и основателем классического импрессионизма. Основным жанром его живописи был пейзаж.

В юности Моне увлекался карикатурой и шаржем. Первыми моделями для своих работ были его учителя, товарищи. Для образца он использовал карикатуры в газетах и журналах. Он копировал рисунки в «Голуа» Э. Каржа, поэта и карикатуриста, друга Гюстава Кубре.

В колледже живопись Моне преподавал Жак-Франсуа Ошара. Но справедливо заметить влияние на Моне Будена, который поддерживал художника, давал ему советы, мотивировал на продолжение творчества.

В ноябре 1862 года в Париже Моне продолжил свое обучение в Париже у Глейра. Благодаря этому Моне познакомился у него в мастерской с Базилем, Ренуаром, Сислеем. Молодые художники готовились к поступлению в Школу изящных искусств, уважая своего учителя, который за свои уроки брал мало и в мягкой форме давал советы.

Моне создавал свои картины не как рассказ, не как иллюстрацию идеи или темы. Его живопись, подобно жизни, не имела четких целей. Он видел мир, не сосредоточиваясь на деталях, на каких-то принципах, он шел к «пейзажному видению» (термин историка искусства А. А. Федорова-Давыдова). Моне стремился к бессюжетности, слиянию жанров на полотне. Средством воплощения его нововведений были этюды, которым предполагалось стать законченными картинами. Все этюды рисовались с натуры.

Он писал и луга, и холмы, и цветы, и скалы, и сады, и деревенские улочки, и море, пляжи и многое другое, он обращался к изображению природы в разное время суток. Часто он писал одно и то же место в разное время, тем самым создавая целые циклы из своих работ. Принципом его работы было не изображение объектов на картине, а точная передача света.

Приведем несколько примеров работ художника - «Поле маков у Аржантёя» (1873), «Лягушатник» (1869), «Пруд с кувшинками» (1899), «Пшеничные стога»(1891).

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

Ренуар относится к выдающимся мастерам светского портрета, кроме этого, он работал в жанрах пейзажа, бытовой сцены, натюрморта.

Особенность его творчества - интерес к личности человека, раскрытию его характера и души. В своих полотнах Ренуар пытается подчеркнуть ощущение полноты бытия. Художника привлекают развлечения и праздники, он пишет балы, прогулки с их движением и разнообразием персонажей, танцы.

Самые известные работы художника - «Портрет актрисы Жанны Самари», «Зонтики», «Купание на Сене» и др.

Интересен, что Ренуар отличался музыкальностью и в детстве пел в церковном хоре под руководством выдающего композитора и педагога Шарля Гуно в Париже в соборе Сен-Эсташ. Ш. Гуно настоятельно рекомендовал мальчику заниматься музыкой. Но в то же время Ренуар открыл в себе художественный талант - с 13 лет он уже научился расписывать фарфоровую посуду.

Занятия музыкой повлияли на становление личности художника. Целый ряд его работ связан с музыкальной тематикой. В них нашла свое отражение игра на фортепиано, гитаре, мандолине. Это картины «Урок игры на гитаре», «Молодая испанская женщина с гитарой», «Молодая дама за фортепиано», «Женщина, играющая на гитаре», «Урок фортепиано» и др.

Жан Фредерик Базиль (1841-1870)

По мнению его друзей-художников, Базиль был самым перспективным и выдающимся импрессионистом.

Его работы отличаются яркой цветовой гаммой и одухотворенностью образов. Большое влияние на его творческий путь оказали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Клод Моне. Квартира Жана Фредерика для начинающих живописцев была своеобразной студией и жильем.

Базиль преимущественно писал на пленэре. Основной идеей его творчества было изображение человека на фоне природы. Первыми его героями на картинах были его друзья-художники; многие импрессионисты очень любили рисовать друг друга в своих работах.

Фредерик Базиль в совсем творчестве обозначил течение реалистического импрессионизма. Самая известная его картина - «Семейное воссоединение» (1867) - автобиографична. Художник изображает на ней членов своей семьи. Эта работа была представлена в Салоне и получила одобрительную оценку публики.

В 1870 году художник погиб в прусско-французской войне. Уже после смерти художника его друзья-художники организовали третью выставку импрессионистов, где были выставлены и его полотна.

Камиль Писсарро (1830-1903)

Камиль Писсарро - один из крупнейших представителей художников-пейзажистов после К. Моне. Его работы постоянно выставлялись в экспозициях импрессионистов. В своих работах Писсарро предпочитал изображать вспаханные поля, крестьянский быт и труд. Его картины отличались структурностью форм и четкостью композиции.

Позже художник стал писать и картины на городские темы. Н. Н. Калитина в своей книге отмечает: «Он смотрит на городские улицы из окон верхних этажей или с балконов, не вводя их в композиции».

Под влиянием Жорж-Пьера Сёра художник занялся пуантилизмом. Данная техника подразумевает собой наложение каждого мазка отдельно, словно ставя точки. Но творческие перспективы в этой области не реализовались, и Писсарро вернулся к импрессионизму.

Самыми известными картинами Писсарро стали «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно», «Оперный проезд в Париже», «Площадь французского театра в Париже», «Сад в Понтуазе», «Жатва», «Сенокос» и др.

Альфред Сислей (1839-1899)

Основным жанром живописи Альфреда Сислея был пейзаж. В его ранних работах видно преимущественно влияние К. Коро. Постепенно в процессе совместной работы с К. Моне, Ж. Ф. Базилем, П. О. Ренуаром в его работах начинают появляться светлые тона.

Художника привлекает игра света, изменение состояния атмосферы. К одному и тому же пейзажу Сислей обращался несколько раз, запечатлевая его в разное время суток. Приоритет в своих работах художник отдавал изображению воды и неба, которые менялись ежесекундно. Художник сумел добиться совершенства с помощью цвета, каждый оттенок в его работах несет своеобразную символичность.

Самые известные его работы: «Сельская аллея» (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873), «Вид Монмартра с Цветочного острова» (1869), «Ранний снег в Лувесьенне» (1872), «Мост в Аржантее» (1872).

Эдгар Дега (1834-1917)

Эдгар Дега - это художник, начавший свой творческий путь с обучения в Школе изящных искусств. Он был вдохновлен художниками итальянского Возрождения, что оказало влияние на его творчество в целом. В начале Дега писал исторические картины, например, «Спартанские девушки вызывают на состязание спартанских юношей. (1860). Основным жанром его живописи является портрет. В своих работах художник опирается на классические традиции. Он создает произведения, отмеченные острым ощущением своего времени.

В отличие от своих коллег, Дега не разделяет радостный, открытый взгляд на жизнь и вещи, присущий импрессионизму. Художнику ближе критическая традиция искусства: сострадание судьбе простого человека, умение видеть души людей, их внутренний мир, противоречивость, трагедию.

Для Дега большую роль в создании портрета играют предметы и интерьер, окружающие человека. Приведем несколько работ в пример: «Дезире Дио с оркестром» (1868-1869), «Женский портрет» (1868), «Чета Морбилли»(1867) и др.

Принцип портретности в работах Дега прослеживается на протяжении всего его творческого пути. В 1870-е годы художник в полной красе изображает социум Франции, в частности Парижа в своих работах. В интересах художника - городская жизнь в движении. «Движение было для него одним из важнейших проявлений жизни, а способность искусства его передать - важнейшим завоеванием современной живописи», - пишет Н.Н. Калитина.

В этот период времени создаются такие картины как «Звезда» (1878), «Мисс Лола в цирке Фернандо», «Скачки в Эпсоме» и др.

Новым витком творчества Дега становится его интерес к балету. Он показывает закулисную жизнь балерин, рассказывает об их тяжелом труде и упорных тренировках. Но, несмотря на это, художнику удается найти воздушность и легкость в передаче их образов.

В балетной серии картин Дега видны достижения в области передачи искусственного света рампы, они говорят о колористическом даровании художника. Самые известные картины «Голубые танцовщицы» (1897), «Танцевальный класс» (1874), «Танцовщица с букетом» (1877), «Танцовщицы в розовом» (1885) и другие.

В конце жизни из-за ухудшения зрения Дега пробует свои силы в скульптуре. Его объектами становятся те же балерины, женщины, лошади. В скульптуре Дега старается передать движение, и для того чтобы оценить скульптуру, нужно рассмотреть её с разных сторон.



1.2 Русский импрессионизм

В России влияние французской культуры всегда был ярко выражен. Обмен культурными традициями в живописи и в музыке породил совершенно новые взгляды на создание образов в искусстве. В русской живописи не так ярко проявился импрессионизм, как это было во Франции, но всё же некоторые картины служат образцами русского импрессионизма.

Традиционно русскими импрессионистами считаются К. А. Коровин, В. А. Серов, С. А. Виноградов, Л. В. Туржанский, П. И. Петровичев, Ю. А. Пименов и др.

В отличие от своих французских коллег, русских художников отличает более реалистичное изображение и личное отношение к картине. Русские художники писали картины за один сеанс.

Самыми первыми художникам, попробовавшие свои силы в написании картин в стиле французского импрессионизма, были Илья Ефимович Репин и Василий Дмитриевич Поленов. В 1873 году оба художника находились во Франции и работали на пленэре, подражая своим коллегам. По возвращению в Россию И. Е. Репин создал картину «На дерновой скамье». В этой работе он синтезировал два жанра - бытовую сцену и групповой портрет.

Мы рассмотрим самых ярких представителей русского импрессионизма. Это Константин Алексеевич Коровин и Валентин Александрович Серов.

Константин Алексеевич Коровин (1861-1939)

С 14 лет Коровин учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его преподавателем сначала был А. К. Саврасов, а завершал он обучение у В. Д. Поленова.

Известность Коровину принес «Портрет хористки», написанный в 1883 году. Считается, что эта картина - одно из первых произведений русского импрессионизма. Свои работы художник выставлял на выставках передвижников, «Мира искусства», «Союза 36-ти».

Всю свою жизнь по приглашению С. И. Мамонтова Коровин писал декорации к постановкам опер, в том числе «Кармен», «Аида», «Лакме». Художник работал и со К. С. Станиславским, оформляя балеты и оперы. Особенно отличались своей красочностью постановки «Фауста» (1899), «Конька-Горбунка» (1901), «Садко» (1906).

К самым известным работам Коровина относят такие работы, как «Портрет артиста Федора Ивановича Шаляпина» (1911), «Северная идиллия» (1886), «Гурзуф» (1913), «В лодке» (1888) и др.

Валентин Александрович Серов (1865-1911)

Валентин Александрович Серов был учеником И. Е. Репина. С 1880 года он учился в Петербургской Академии художеств. Основными жанрами у Серова были портретная живопись, историческая живопись и пейзаж. Художник создал портреты многих известных людей, среди них Н. А. Римский-Корсаков, Ф. И. Шаляпин, М. А. Морозов, В. И. Качалов, М. Н. Ермолова, И. И. Левитан, Н. С. Лесков и др.

В начале 1900-х годов Серов сотрудничал с творческим объединением «Мир искусства». Нужно отметить интерес художника к исторической живописи. Он создал портреты таких исторических личностей как Петр I, Петр II и Елизавета Петровна, Николай II, Александр III и др.

Художник занимался и педагогической деятельностью в Московской школе живописи, ваяния и зодчества (с 1897 по 1909 годы).

Самая знаменитая работа Серова - «Девочка с персиками» - считается эталоном портрета в русском импрессионизме.

Закачивая разговор о живописном импрессионизме, следует сказать о том, что совсем недавно - 28 мая 2016 года - в Москве открылся музей русского импрессионизма. Коллекция картин была собрана из частных коллекций, многие работы привезены из Европы. Инициатива открытия музея принадлежит коллекционеру Борису Минцу. Большую часть экспонатов Б. Минц передал музею. Сейчас разрабатывается сайт музея и специальная литература.

Импрессионизм развивался не только в живописи и музыке, но и в хореографическом искусстве и театре. В хореографии импрессионизм проявился главным образом в так называемом свободном танце. Айседора Дункан отстаивала идею «раскрепощения тела» и интуитивного истолкования музыки - без каких-либо танцевальных норм. М. М. Фокин пытался сблизить импрессионизм, с балетной сценой прибегая к стилизации. В его постановках структура танца словно размывалась. Всё это привело к жанру миниатюры в танце. В результате следования принципам импрессионизма в танце происходило измельчение тематики, за счет погони за передачей мимолетных впечатлений и нарушение целостной драматургии.

1.3 Музыкальный импрессионизм

Музыкальный импрессионизм сложился на основе живописного течения импрессионизма. Традиционно представителями импрессионизма в музыке считаются Клод Дебюсси и Морис Равель.

В музыке композиторов-импрессионистов главным была передача настроений, приобретающих значение символов, фиксация едва уловимых психологических состояний, вызванных созерцанием внешнего мира. Музыкальный импрессионизм был близок и искусству поэтов-символистов с его культом «невыразимого».

Предшественником музыкального импрессионизма был поздний романтизм XIX века. Многие музыкальные находки композиторов-романтиков нашли свое отражение в музыке импрессионистов.

У композиторов-романтиков возрос интерес к поэтизации старины и далёких стран, к тембровой и гармонической красочности, воскрешению архаических ладовых систем, жанру миниатюры, колористическим находкам Э. Грига, Н. А. Римского-Корсакова, свободе голосоведения и стихийной импровизации М. П. Мусоргского.

Один из критиков писал: «Слушая импрессионистов-композиторов, вы по преимуществу вращаетесь в кругу туманных переливчатых звучаний, нежных и хрупких до того, что вот-вот музыка вдруг дематериализуется... лишь в душе вашей надолго оставив отзвуки и отблески упоительных бесплотных видений».

И. В. Нестьев в своей статье «Импрессионизм» пишет: «Музыкальный импрессионизм способствовал развитию многих музыкальных жанров, пришедших на смену романтизму. В симфонической музыке - это симфонические эскизы-зарисовки, в фортепианной - сжатые программные миниатюры, в вокальной музыке - вокальная миниатюра. В опере это привело к созданию музыкальных драм полулегендарного содержания, с чарующей деликатностью звуковой атмосферы, скупостью и естественностью вокальной декламации».

Музыкальные находки и импровизационность в музыке композиторов-импрессионистов открыли путь новым музыкальным средствам выразительности. Необычность гармонии, использование параллелизмов, сочетание сложных аккордовых комплексов ослабляло чёткость функциональной связи. Всё это позволяло импрессионистам насытить свои произведения необычными красками и созвучиями.

Первое упоминание импрессионизма применительно к музыке Дебюсси было сделано весной 1887 года, причем, термин был употреблен скорее в негативном контексте. Речь шла о сюите «Весна» в двух частях для женского хора с оркестром. Партитура этого сочинения до наших дней в ее первоначальном виде, к сожалению, не дошла, но известно, что её исполнение взволновало культурную общественность.

Критик в своем Отчете Непременного секретаря Академии изящных искусств пишет о Дебюсси: «Можно констатировать у него чувство музыкального колорита, однако, избыток этого чувства заставляет его легко забывать о значении точности рисунка и формы. Ему следовало бы весьма избегать сего неопределенного импрессионизма - одного из самых опасных врагов правды в произведениях искусства».

Сравнение музыки композитора с живописным течением навело критиков на анализ музыкальных нововведений в его творчестве. Еще один критик Камиль Моклер в своей статье «Музыкальная живопись и слияние искусств» в газете «Revue Blue» в 1902 году назвал музыку Дебюсси «импрессионизмом звуковых пятен».

Термин «импрессионизм», применявшийся музыкальными критиками конца ХIХ в. в осуждающем или ироническом смысле, позднее стал общепринятым определением и стал охватывать широкий круг музыкальных явлений рубежа ХIХ - ХХ вв. как во Франции, так и в других странах Европы.

Рассмотрим подробнее новаторские музыкальные находки композиторов-импрессионистов Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Клод-Ашиль Дебюсси (1862-1918)

Григорий Михайлович Шнеерсон в своей книге «Французская музыка XX века» называет Дебюсси «до мозга костей французским художником». Он пишет, что никакие зарубежные влияния не смогли изменить национальный творческий облик Дебюсси - этот композитор вывел французскую музыку на одно из лидирующих мест в мировой музыкальной культуре.

С 1872 года обучаясь в Парижской консерватории Дебюсси, очень выделялся среди своего класса как сформировавшаяся художественная индивидуальность. Класс фортепиано ему преподавал знаменитый пианист и педагог Антуан Мармонтель, по сольфеджио он занимался у Альберта Лавиньяка. Больше всего юному композитору не нравились занятия по гармонии и аккомпанементу у Эмиля Дюрана. Учитель воспитывал юношу в русле классических правил гармонии и не мог совладать с художественными порывами у своего ученика. Другой педагог О. Базиль поощрял свободу импровизации у будущего композитора. Композицию у Дебюсси с 1880 года вел Эрнест Гиро, тогда и стали появляться первые произведения композитора.

Немного раньше, путешествуя по Швейцарии и Италии, Дебюсси встретился с богатой русской меценаткой Надеждой Филаретовной фон Мекк, которая познакомила его с творчеством Петра Ильича Чайковского.

В своих письмах Петру Ильичу госпожа фон Мекк писала о Дебюсси так: «Это парижанин с головы до ног, типичный gamin (уличный мальчишка), очень остроумен, отличный подражатель, презабавно и совершенно характерно представляет Gounod Ambroise Thomas и прочих, всегда в духе, всегда и всем доволен и смешит всю публику невообразимо; премилый характер».

Нужно отметить, что в 1883 году Дебюсси получил вторую Римскую премию за кантату «Гладиатор». А год спустя французская Академия награждает композитора Большой Римской премией за кантату «Блудный сын».

С 1885 года Дебюсси начал поиски своего оригинального музыкального языка. Тогда он встал в оппозицию классическим традициям гармонии. В это время искусство Франции, при всем многообразии художественных направлений, испытывало застой академизма и добропорядочного консерватизма. Это приветствовалось официальными учреждениями - Академией изящных искусств, ежегодными выставками-салонами, консерваторией.

Молодое поколение художников, литераторов, музыкантов конца XIX века бросило вызов общепринятым нормам в искусстве и в своем творчестве открыло новые эстетические горизонты. На этом поприще возникло течение символизма во французской литературе, импрессионизма в живописи.

Стиль Дебюсси постепенно формировался с 1884 по 1889 годы. Композитор создал совершенно новый фортепианный язык. Его современники отмечали, что Дебюсси-пианист очень внимательно относился к нюансировке произведений, особое значение придавал педали, что создавало особую колористику и эффектность произведений. Вот некоторые высказывания музыковедов: «Дебюсси сделал для фортепианной литературы XX века то же, что Шопен для XIX века. Он открыл новое звучание фортепиано, совершил переворот в пианистической технике, расширив технические возможности инструмента».

При сочинении своих произведений композитор мог очень долго импровизировать за инструментом, и его композиторские поиски можно назвать «контролируемой импровизацией». Этот термин ввел в музыкальный обиход Ж. Барраке.

Учитель Р. Годе отмечал: «Дебюсси только тогда принимался записывать музыку, по крайней мере, чаще всего, когда проходил долгий инкубационный период. Тогда он писал словно под диктовку и почти без помарок».

В 1889 году Дебюсси поддался новым веяниям в искусстве, направленным против академизма, и изменил свой круг общения. Теперь композитора интересовала идеология символизма в литературе и импрессионизма в живописи. Он познакомился с поэтами С. Малларме, П. Верленом, П. Ренье, с художниками: К. Моне, О. Ренуаром, П. Сезанном, Э. Мане. Можно сказать, что все идеи символизма и импрессионизма Дебюсси смог обобщить и выразить в музыке.

В это же время композитор посетил Всемирную Парижскую выставку, где он услышал русскую музыку А. П. Бородина, Н. А. Римского-Корсакова, М. А. Балакирева и М. П. Мусоргского.

Еще одним значительным событием в жизни композитора стало его знакомство с культурой Востока. Дебюсси был одним из первых, кто обратился к теме Востока в своем творчестве. Находясь под сильным впечатлением от неё, Дебюсси пишет цикл «Эстампы». Входящая в цикл пьеса «Пагоды» является ярким отражением восточной культуры.

В течение всей жизни источниками вдохновения композитора были культурные события не только во Франции, но и во всем мире. Следует отметить, что взаимовлияние французской и русской музыкальных культур во многом осуществлялось за счет «Русских сезонов», организованных Сергеем Дягилевым.

Итоги музыкальных поисков Дебюсси дали сильный толчок для развития новых стилей в музыке. Главным принципиальным отличием музыкального языка Дебюсси стала свобода самовыражения и независимость от классических форм музыкальных произведений.

В фортепианном творчестве Дебюсси видны влияния романтизма, а также французского клавесинизма. Практически все произведения Дебюсси подчиняются такому принципу как «контролируемая импровизация».

В записи своих фортепианных произведений он первый из композиторов использует третью строчку в общей акколаде, вместо традиционных двух. Это один из способов передать соответствие зрительного образа слуховому. Впервые третья строчка была использована в пьесе «Вечер в Гренаде» и пьесе «Из тетради эскизов».

Новаторство фортепианного творчества Клода Дебюсси определяются расширением фортепианных возможностей инструмента и новой топографии нотного текста.

Морис Жозеф Равель (1875 -1937)

Равель был композитором, в творчестве которого сочетались две культуры - Испании и Франции. Его отец был французом, а мать испанкой. Всю сознательную жизнь Равель жил в Париже.

В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию. Его педагогами были: по классу фортепиано - Пессар, по классу контрапункта - Жедаль, по классу композиции выдающийся педагог Франции Габриель Форе. В годы учебы юный композитор выделялся из своих товарищей оригинальностью композиторского мышления. Его увлекал модернизм, творчество поэтов-символистов, таких как С. Малларме, Велье де Лиль Адан и др. Первые шаги на композиторском поприще давались Равелю нелегко.

Его дебют состоялся 1898 году с пьесой «Хабанера» для двух фортепиано. Позже Равель включил «Хабанеру» в качестве одной из частей в свою «Испанскую рапсодию». Но критика встретила нового композитора недоброжелательно. Неудачи на конкурсе в Академии искусств с 1901 по 1905 годы не приносят признания культурной общественности композиторского таланта Равеля.

После окончания консерватории Равель вошел в группу талантливых молодых литераторов, музыкантов, художников, где обрел верных товарищей и друзей. В этой группе главной идеей была борьба против рутины, за создание нового искусства. Эта группа с ироничным названием «апаши» включала в себя прекрасного пианиста Рикардо Виньеса, музыкальных критиков Эмиля Вийермоза и Михаила Кальвокоресси, поэта Леона Поля Фарга и Тристана Клингзора и др. Молодые люди не пропускали не одного музыкального концерта, выражали свое восхищение музыкой Дебюсси, вступали в схватки с музыкальными консерваторами.

Русская музыка была принята «апашами» восторженно и увлеченно. Тристан Клингзор пишет: «Мы все были увлечены русскими. Бородин, Мусоргский, Римский приводили нас в восторг…».

Ранние произведения Равеля «Павана на смерть инфанты», пьеса «Игра воды», вокальный цикл «Шехерезада» получили признание у его современников. Пьеса «Игра воды» была принята за образец произведений музыкального импрессионизма. Французская критика склонялась к тому, что Равель является продолжателем идей Дебюсси. Борясь с постоянным сравнением его музыки с музыкой Дебюсси, Равелю приходилось отстаивать свои авторские находки.

Позже это мнение стали считать ошибочным. В творчестве Равеля есть влияние его французского коллеги, но позже исследователи отметили и существенные различия музыкального языка Равеля и Дебюсси.

С 1905 по 1915 годы Равель написал Сонатину и цикл пьес для фортепиано «Отражения», вокальную сюиту «Естественные истории», «Испанскую рапсодию» для оркестра, оперу «Испанский час», балет «Дафнис и Хлоя» и др. В 1908 году «Испанская рапсодия» была горячо прията публикой и прессой. После этой премьеры в Париже к Равелю пришло признание в широких музыкальных кругах.

Равель активно сотрудничал «Русскими сезонами». По заказу Сергея Дягилева композитор написал балет «Дафнис и Хлоя». Вопреки ожиданиям, 8 июня 1912 года премьера балета состоялась с большим триумфом и сопровождалась чествованием композитора. Французская пресса, восторгаясь балетом, писала о невозможности исполнения этой музыки вне сцены. Один из критиков писал: «Без танца, без актеров, без света, без декораций “Дафнис” покажется невыносимо длинным…».

К счастью, мнение многих критиков оказалось ошибочным. Некоторые пьесы из этого балета до сих пор исполняются отдельно симфоническими оркестрами и входят в их постоянный репертуар.

В 1913 году Равель следует стилистическим тенденциям западноевропейской музыки. В его музыке прослеживается упрощение музыкальной фактуры, больше всего это касается области камерной музыки. На протяжении всей жизни Равель не отходил от классических форм в музыке, его произведения характеризуются протяжными мелодиями, соблюдением чёткости ритма и метра.

Музыкальный язык Равеля приоткрывает миру своеобразный «неоклассицизм». В военные годы Равель отказывается от идей импрессионизма, в его творчестве затрагиваются социальные проблемы, бытовые темы, его музыка наполняется философскими размышлениями.

Самое известное произведение Равеля - «Болеро». Изначально композитор задумывал спектакль, но его премьера была провальной. Публика не приняла новое произведение композитора, зато музыкальная тема «Болеро» была легко подхвачена.

Равель был одним из первых композиторов, принявший предложение написать музыку для кинофильма, - им стал «Дон-Кихот». Композитор написал три песни для русского баса Федора Шаляпина, эти песни образуют небольшой цикл, названный им «Дон-Кихот к Дульцинее».

А. А. Альшванг отмечает, что творчество Равеля способствовало определению основных тенденций западноевропейской музыкальной культуры. Главной чертой творчества Равеля было нахождение разнообразных гармонических музыкальных решений, использование более сложных созвучий, частое применение аккордов с задержанием, тем самым композитор обновил традиционно сложившуюся гармоническую систему.

Искусство Равеля, проникнутое гуманизмом, проникнуто национальным французским колоритом. Сергей Сергеевич Прокофьев верно определил место Равеля в истории мировой музыки. Он писал: «Одно время, после войны, во Франции появилась группа молодых музыкантов: Онеггер, Мийо, Пуленк и другие, которые в пылу молодого задора утверждали, что музыка Равеля отжила свой век, - пришли новые люди, пришел новый музыкальный язык. Но годы шли, упомянутая группа заняла свое надлежащее место во французской музыке, а Равель по-прежнему остается одним из крупнейших французских композиторов и одним из значительнейших музыкантов современности».



2. Теоретические основы взаимосвязи видов искусств на уроке музыки в общеобразовательной школе

2.1 Сущность понятия «интеграция»

Современное обучение невозможно представить без межпредметных связей. Эти связи возможны только тогда, когда у учащихся есть представление об одном и том же понятии с разных точек зрения. На уроке музыки перед учителем отрываются большие возможности для изучения взаимосвязей между живописью и музыкой, литературой и музыкой, установления отличий и сходств между ними, сравнения их стилистических особенностей. Прием установления взаимосвязей в педагогике называется интеграцией.

Интеграция (лат. integratio - восстановление, восполнение, от integer - целый) - сторона процесса развития, связанная с объединением в целое ранее разнородных частей и элементов.

В истории педагогики первые упоминания о межпредметных взаимосвязях сформулировал Я. А. Каменский. Он писал: «Всё, что находится во взаимной связи, должно преподаваться в такой же связи». Среди педагогов-новаторов, которые освещали в своих трудах о взаимосвязи, были Дж. Локк, И. Г. Песталоцци.

Наш соотечественник К. Д. Ушинский в своей книге «Человек как предмет воспитания» дал обоснование дидактической значимости межпредметных связей. В его теории межпредметная связь выступает как часть большой проблемы обучения.

В XIX веке в Европе, преимущественно в Германии, начали формироваться комплексные программы, где раскрывались понятия с разных подходов. Прежде всего, это касалось естественных наук.

В начале XX века в мировом искусстве открылась новая тенденция синтеза искусств. Некоторые композиторы считали возможным соединение визуального и не визуального образов в одно целое.

Один из русских композиторов, а именно А. Скрябин, пробовал экспериментировать со звуком и цветом, что привело к созданию цветомузыки. Идея цветомузыки состояла в том, что при прослушивании музыкального произведения у слушателей возникали цветные зрительные образы с определенной доминантой цвета. Кроме Скрябина, цветным слухом так же обладали Н. А. Римский-Корсаков, М. К. Чюрлёнис, музыковед и композитор Б. В. Асафьев. В одном из экспериментов было зафиксировано только одно совпадение по цветовому отношению в музыкальной тональности. Это тональность D-dur вызывала ассоциацию c желтым цветом. В науке таких людей называют синестетиками и отмечают их особенность слышать музыку и при этом видеть или воображать образы.

Стремление к визуализации дало толчок к развитию средств массовой информации. Новые технические средства повлияли на развитие театральных жанров. Синтез искусств ведет к тому, что музыка становится частью чего-то целого, например - балета, музыкального спектакля, оперы, мюзикла, сценической драмы.

В начале XX века в нашей отечественной педагогике появились идеи интегрирования благодаря педагогу-новатору Н. И. Поповой. Была выработана программа, которая демонстрировала полное объединение предметов в один общий курс. Выделялось два общих предмета в начальных классах: природоведение и обществоведение. В старших классах существовала идея ведения только одного предмета - «мироведение».

К сожалению, в 30-е годы методические поиски и педагогические открытия были прерваны, и в системе советского образования уверенно обосновалась традиционная педагогика.

Уже к концу XX века идеи интеграции заняли ведущее положение в развитии образования не только в нашем государстве, но и за рубежом.

Чаще всего школьная программа не предусматривает межпредметные связи в условиях обучения. Отдельные дисциплины могут освещать одно и то же понятие именно со своей стороны, не подключая взаимосвязи с другими предметами. В результате у школьников не формируется целостное представление о предмете или явлении. Однако сейчас школы стараются найти баланс между интеграцией предметов и дифференциацией, кроме того, интеграционная система не отрицает дифференциацию в обучении, наоборот способствует воспитанию разностороннего человека, обладающего целостным мировоззрением, способностью систематизировать имеющиеся знания и нетрадиционно подходить к решению проблем.

Интеграция рассматривается как цель и как средство обучения.

Интеграция как цель - это формирование у школьника целостного представления о предмете или явлении.

Интеграция как средство обучения - нахождение общего, для сближения предметных связей.

Интегрированные программы объединяют в целое отдельные образовательные области на основе того или иного единства; выявляют это единое основание в образовательной системе как ключевой момент оценки её содержания и эффективности функционирования.

В наше время разработаны интегрированные программы - такие как «Школа 2100» и «Школа России». Эти программы предполагают, что музыка, литература, ИЗО, технология, окружающий мир должны преподаваться на основе постоянных взаимосвязей между собой.

Ученые-методисты отмечают положительное влияние интеграции на формирование системы научных знаний и общее умственное развитие ученика. В процессе становления педагогики как науки разрабатывались различные методики скоординированного обучения различным учебным предметам, а также говорилось о подготовке педагогов к реализации межпредметных связей на практике.

С позиции философского анализа межпредметные связи выступают как дидактическая форма.

Эти связи можно разделить на 3 основные группы:

1. По видам знаний;

2. по видам умений;

3. по способу реализации в учебном процессе.

Прежде всего, реализация межпредметных связей зависит от содержания урока.

Высший уровень реализации интеграции подразумевает полное включение в структуру урока учебного материала из других предметов, без которых не может быть выстроен материал программы, требующий обобщения, синтеза знаний. Такие уроки чаще всего проводятся как итоговые обобщающие знания, полученные в течение четверти или учебного года.

Межпредметные связи - это один из важнейших процессов в обучении. С их помощью происходит «упрощение» понимания материала через обилие информации, используемой в учебном процессе.

В теорию интеграции в данном случае вкладывается понятие взаимосвязи, взаимообусловленности и взаимопроникновения двух или нескольких ведущих идей или объектов, что предполагает качественное, а возможно, и количественное изменение в параметрах новой идеи или нового объекта.

Исследователями выделяются положительные и негативные факторы использования интеграции в современном образовании.

К положительным факторам относятся:

1.Наличие возможностей развития интеллекта у школьников;

2.Широкие интеграционные возможности;

3.Преподавание большинства предметов в начальных и в средних классах одним учителем.

К негативным факторам относятся:

1.Ограниченное количество учебных предметов;

2.Необходимость формирования навыков чтения, письма и счета;

3.Трудность изложения интегрированных программ, так чтобы было интересно детям младшего школьного возраста.

Исследования интеграции позволили выявить основные содержательные цели занятий:

1. Формирование целостной картины мира (приоритетная цель);

2. Усиление деятельной основы усвоения содержания образования, стимулирование развития познавательной сферы (познавательной активности, потребностей, интересов и т.п.);

3. Обеспечение единства чувственного рационального в учебно-познавательной деятельности;

История знает массу примеров великих людей, которые были успешны в нескольких видах искусств. Художником и музыкантом одновременно был М. К. Чюрленис. Из истории музыки мы знаем о музыкальном таланте ученого-химика А. П. Бородина и литературном таланте П. И. Чайковского. Одним из самых ярких представителей синтеза искусств был С. Дали. Он сделал колоссальный шаг вперед в таких сферах как мода, фотография, живопись, дизайн, рекламный маркетинг, мультипликация.

...