Историческое развитие искусства

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

• Всеобщая история искусства
• Историческое развитие искусства
• Влияние технического прогресса на развитие искусства
• Мифы и искусство древней греции
• Поэзия, театр
• Архитектура, скульптура
• Шедевры античного искусства
• Художественная культура как понятие
• Синтез и взаимодействие искусств
• Основные стили и направления в мировой художественной культуре
• Древнерусское искусство (IX--XVII вв.)
• Русская культура конца XV--XVI вв.
• Художественная культура Индии, Китая и Японии
• Идеалы просвещения и их отражение в искусстве
• Искусство танца


Всеобщая история искусства

искусство культура художественный

Понятие «искусство» и его специфика. В «широком» смысле слова искусством можно назвать любое профессиональное мастерство. Искусством называют творческую деятельность художника, композитора, актера, где мастерство направлено на создание совершенной формы художественной произведений. В этом смысле, искусством называют процесс художественного творчества, произведения искусства, имеющие общественно значимый смысл.

Искусство возникло как способ постижения мира и форма его художественного отражения человеком. Его специфика отличается от других форм культуротворческой деятельности тем, что искусство отражает действительность в художественно-образной форме. Специфика видов искусства является результатом художественного опыта человечества. Произведение искусства может быть воплощено своим творцом в глине, краске, камне, звуках, цвете, слове.

Искусство, как форма культуротворческой деятельности, использует не только слово, но и невербальные языки (мимику, движение, цвет, звук и др.), которые получили выразительный смысл и эстетическое значение в культуре.

Искусство существует в различных видах и формах, развитие которых зависит как от историко-культурных факторов, так и удовлетворения художественных вкусов его создателей и потребителей.

Архитектура и прикладное искусство выражают свою видовую определенность через материальные конструкции и вещи, удовлетворяющие практические и духовно-эстетические интересы людей.

Изобразительное искусство (скульптура, живопись, графика) раскрывает видение мира с помощью пластических и колористических материалов (красок, мрамора, глины и др.);

Искусство слова включает в себя литературу, театр и другие формы словесного художественного творчества;

Музыкальное искусство отражает действительность в звуках: человеческим голосом, тембрами различных музыкальных инструментов и различными техническими возможностями их воспроизведения.

Художественный образ - сущность любого произведения искусства. Созданный художественный образ возникает у творца не столько как внешнее сходство с действительностью, а как эстетическое отношение к ней. Художественный образ - это чувственное отражение жизни с субъективных позиций автора. Стихотворение М. Лермонтова «Белеет парус одинокий» отражает не только зримую картину, но мысли и чувства автора.

Художественный образ воплощает культуру эпохи и стремлений человеческого духа в сюжете, композиции, он может стать архитектурной, скульптурной композицией, музыкальным произведением, картиной, художника, романом у литератора, фильмом, спектаклем и т. д. В творческом процессе художник синтезирует свои впечатления, события действительности, и создает новую реальность бытия - мир искусства.

Виды искусства - исторически сложившиеся и развивающиеся формы культуротворческой деятельности человека, различающиеся по способам его художественного воплощения. Система видов искусств функционируют в различных культурах по-разному.

В культурно-историческом процессе система видов и жанров искусства постоянно изменялась и изменяла свои границы.

- из древнего синкретического мифологически-обрядового «праискусства» произошла дифференциация различных его видов;

- в процессе исторического развития образовались синтетические виды искусства (театр и др.);

- влияние научно-технического прогресса стимулировало появление новых синкретических видов искусства (кинематограф, телевидение и др.).

При классификации видов искусств обычно выделяют:

- пространственные виды искусств (архитектура, изобразительное искусство и др.);

- временные (литература, музыка и др.);

- пространственно-временные (театр, кино и др.).

Возможны и другие классификации, например, выделяя зрелищные и незрелищные виды искусств, синтетические и синкретические виды и др.

В ХХ в. проблемы для «классификаторов» искусства создали фигурное катание, танцы на льду, художественная гимнастика, спортивные танцы, дизайн и др. Возникли и телевизионные формы искусства - телесериалы, теле-шоу и др.

Звукозапись, видеозапись, телевидение, студийные записи музыки, компьютерный монтаж фильмов и т. п. создали новые возможности для развития всей сферы искусства.

В современной культуре обозначились две тенденции взаимодействия видов искусств. Первая - сохранение самостоятельности каждого вида искусства; вторая - тяготение к синтезу различных искусств. Обе тенденции плодотворны, так как ведут не к поглощению одних видов искусства другими, а к взаимовлиянию и взаимообогащению художественной культуры.

Историческое развитие искусства

Художественная деятельность возникла в первобытной культуре вместе с развитием мифа, магии и обрядовой деятельности. Пещерная живопись (изображения животных) возникла 25-15 тыс. лет назад. Антропологи и языковеды считают, что в это время возникли и сами словесные названия животных. Каменные орудия охоты люди украшали магическими рисунками с изображением животных.

Но постепенно у людей появилось и осознание красоты, как таковой. Это связано с развитием ремесел, металлургии. Археологи часто находят бусы, подвески, кольца, браслеты, по которым определяют принадлежность к той или иной культуре. Украшения-обереги размещали на висках, шее, пояснице, бедрах, руках, ногах, плечах и с ними отправляли и в мир «иной». Символические изображения и орнаменты на одежде выполняли не только магические функции, но возникли так же из стремления к украшениям.

Из мифов и художественно-обрядового синкретизма, где слово, танец-пантомима и пение сливались воедино, постепенно выделились сказки, песни, танцы, игры, которые стали исполняться и вне обрядов, став формой проведения досуга - фольклором.

В Древней Греции слово «хор» («chorus») у древних греков означало поначалу хоровод с пением. Ведущим в художественном синкретизме народных «дионисийских» праздников был танец, неразрывно связанный с музыкой и словом. В классическую эпоху (V-IV вв.) возник театр (трагедия и комедия), процветала поэзия, музыка, изобразительное искусство и архитектура.

Слова «искусство» у древних греков не было, а «техне» означало и мастерство, и искусство, и знание. «Техне» древних греков известно по предметам гончарного, оружейного и ювелирного дела, храмам и скульптурам, парусным кораблям и пр. Греческий мастер выступал в роли творца идеи, художника, создающего в воображении образ предмета и ремесленника, воплощающего свой замысел в материале. Его результат оценивался по красоте, практичности и качеству создаваемых им вещей. Часто оставшись безымянными, они сохранили индивидуальность автора, стиля, композиции.

Древнегреческие философы обсуждали проблемы прекрасного, разрабатывали понятия «катарсис», «калокагатия» (синтез прекрасного и добра), «мимесис» (что поначалу означало подражание актера природе). В «Поэтике» Аристотель рассматривал понятие «катарсис», достижение которого считал одной из целей и следствий древнегреческой трагедии. Катарсис - это эмоциональная разгрузка, мистическое «очищение» души человека от «грязи» чувственности и телесности возбуждением сострадания и страха.

В средневековой Западной Европе искусство было дифференцировано на народные виды прикладного художественного творчества и фольклор, церковно-религиозное искусство (музыка, иконопись, архитектура и др.) и зарождающееся светское искусство рыцарских замков (поэзия бардов, баллады миннезингеров, рыцарский эпос и др.).

Эпоха Ренессанса сформировала новые художественные интересы и потребности масс, наполнила их духом гуманизма. Возник интерес к античному искусству, и в конце XVI в., как подражание древнегреческой трагедии, возникла опера.

Для западноевропейской культуры Нового времени характерно:

- повышение уровня грамотности, интерес массового читателя к светской литературе, появление романа.

- оформление стилей зданий особого функционального назначения - вокзал, биржа, музей, банк, выставочный зал, торговые ряды и пр.;

- градостроительство и архитектура - появление городских ансамблей;

- расцвет садово-паркового искусства;

- развитие жанров живописи: пейзаж, натюрморт, портрет, историческая картина;

- развитие искусства графики, особенно в связи с книгопечатанием;

- в музыкальном искусстве широко развивались такие светские жанры, как опера, балет, симфония, соната, появились концертирующие певцы, инструменталисты и др.

- появление художественных стилей: барокко, классицизма, романтизма, реализма, импрессионизма и др.

П. Сорокин («Социальная и культурная динамика») показал неуклонное снижение в Новое время доли религиозного и увеличение доли светского искусства (XVII в. - религиозное 50,2 %, светское 49,2 %; XIX в. - религиозное 24,1 %, светское 75,9 %; XIX в. - религиозное 10,0 %, светское 90,0 %).

Светское искусство утверждает ведущую роль личного начала, показывает интерес человека к окружающему миру - во всех его проявлениях - от быта до героики. В изобразительном искусстве это находит прямое выражение в развитии портрета и пейзажа, а также бытового и исторического жанров (с XVII по XIX вв. доля пейзажа возросла с 2,9 до 15,4 %; портрета-с 17,8 до 18,9 %; жанра-с 14,9 до 35,9 %).

В ХХ в. произошло расширение сферы искусства, возникли разнообразные направления: от абстракционизма до поп-арта.

Что такое поп-арт? В поп-арте объектом искусства становятся обычные бытовые предметы и их парадоксальные сочетания. Это:

- «хепенинг» («происшествие») - оригинальная идея художника выражается непосредственно в действии, игре;

- «концептуальное искусство» - создание художественных идей (концептов) в сознании зрителя с помощью надписей, схем, графиков и пр.

В ХХ веке произошло явное разделение искусства на «элитарное» и «массовое». Х. Ортега-и-Гассет писал: «Новое искусство» должно отчуждать людей от реальной жизни. Новое искусство разделяет общество на «элиту» - художников и тех, кто «обладает особым органом восприятия», понимает его, и «массу» - толпу, кому оно недоступно и не нужно» («Дегуманизация искусства», 1925 г.).

«Массовой» аудитории кинематограф и TW сегодня предлагают упрощенные, но профессионально «сработанные» жанры: детектив, вестерн, мелодрама, мюзикл, комикс, триллер и др. Стержнем развития сюжета в телесериалах становится «тайна».

В ХХ в. в культуре доминируют визуальные виды искусства, дизайн, по сравнению с «классикой», предельно возрос «удельный вес» прикладной музыки в рекламе, шоу-программах, кардинально изменилась бытовая танцевальная культура, связанная с афро-американским влиянием. Таким образом, произошли большие изменения в художественных вкусах массовой аудитории, как на Западе, так и в России.

Влияние технического прогресса на развитие искусства

В 1837-1839 гг. французы Ж. Ньепс и Л. Дагер изобрели фотографию. В 1891 г. Г. Лиман изобрел цветную фотографию. Развитие науки и техники привело от фотографии к изобретению движущегося изображения. В декабре 1896 г. братья Люмьер продемонстрировали в Париже черно-белое «немое» кино. Первые фильмы «Выход рабочих с фабрики», «Приближение поезда к вокзалу», кинокомедия «Политый поливальщик» были просто аттракционами.

Американские изобретатели осваивали запись и воспроизведение звука. В США Т. Эдисон изобрел фонограф (1877 г.), Э. Берлингер - граммофон (1888 г.). Вскоре, для его производства основана французская фирма «Пате» (отсюда - патефон).

Поначалу было непризнание за новшествами какой-либо художественной ценности, мнения о вытеснении ими того или иного вида искусства, критики спорили об их месте в искусстве. Но фотография не вытеснила живопись, кино не заменило театр, граммофон и радиопередачи не заменили концертов «живых» певцов и музыкантов. Технические средства не только успешно входили в мир искусства, но и изменяли систему его видов и жанров.

Русский инженер А. Попов (1895 г.), и итальянец Г. Маркони (1897 г.) изобрели радио. В Лос-Анджелосе (США) в 1908 г. был основан Голливуд (так начались натурные съемки фильма «Граф Монте-Кристо»). В 1906 г. англичанин Ю. Ласт запатентовал звуковое кино, но кино пока оставалось «немым». В 1920-30 гг. по миру началось победное шествие американского джаза и в 1927 г. в США был показан первый звуковой фильм «Певец джаза». В 1929 г. Американская Академия киноискусства учредила премию «Оскар».

В 1921 г. русский физик и музыкант Л.С. Термен изобрел «терменвокс», став родоначальником электронной музыки. В США, в 1965 г. - первое концертное использование электрогитары (Боб Дилан). Без электронных инструментов сегодня невозможно представить сферу шоу-искусства, рок-оперу и др.

В 1907 г. русский инженер Б. Л. Розинг впервые передал изображение на расстояние при помощи электронно-лучевой трубки. Идея была подхвачена на Западе. В 1928 г. с продажи в США первых телевизоров началась «эпоха» телевидения. В СССР экспериментальные передачи начались в 1932 г., с 1955 г. - ежедневные черно-белые передачи, с 1967 г. - появилось цветное телевидение.

В 1957 г. Национальная академия грамзаписи в США учредила премию «Грэмми» - самую престижную зарубежную награду в мире музыки. Электропроигрыватель и магнитофон в эти годы стали обычными в каждой квартире, как технические средства воспроизведения музыки. В США (1980 г.) появилось видео и видеокассеты.

Сейчас произведения искусства тиражируют и создают и с помощью компьютера. Через Интернет возможно распространение и трансляция произведений искусства, посещение музеев и библиотек. Под влиянием новых технических средств развитие искусства и его функции в культуре ХХ века существенно изменились.

Мифы и искусство Древней Греции

Античные мифы и исторические легенды, начиная с эпохи Ренессанса и на протяжении XVII-XIX веков, оказали существенное воздействие на формирование западноевропейского искусства.

Античная эпоха имела блестящую культуру -- философию, литературу, театр, архитектуру, скульптуру и др. Благодаря художественной обработке античных поэтов и драматургов: Гомера, Гесиода, Эсхила, Софокла, Еврипида и других, мы знаем хорошо античную мифологию.

Проблемы эстетики отражены у Платона, Аристотеля и др. Последним античным философом, известным и трактатом о музыке, был Боэций, живший на закате античного мира. Ставшее гос. религией христианство утверждало новые эстетические ценности.

С крушением Западной Римской империи (Византия как государство устояло) и распространением с 1-го в. н. э. христианства, принятия его гос. религией при Константине Великом (315 г. н.э.) прежние культурные ценности стали восприниматься массами как чуждые и потому изображения античных богов и посвященные им храмы уничтожались.

Но античное искусство и мифология пережили «темные века» средневекового забвения. Уже с конца XIII века в Италии начинает формироваться мировоззрение, характерное для новой эпохи -- Ренессанса (Возрождения). С этого времени искусство постепенно начинает утрачивать свою неразрывную связь с церковью. Даже картины на библейские темы стали носить более светский и свободный характер. Эпоха Ренессанса (14-16 века) наиболее ярко раскрылась в Италии. Это была эпоха возрождения античности с ее любовью к человеку, его красоте, мудрости и совершенству.

В 1506 г. в Риме была найдена скульптурная группа «Лаокоон» (в наст. время находиться в Ватикане). Существуют многочисленные повторения этой работы, созданные итальянскими мастерами. В Эрмитаже мы видим не только произведения античных мастеров, но и картины на античные темы, созданные в эпоху Возрождения: «Даная» Тициана, «Рождение Афины» и «Спор Афины с Посейдоном» А. Ломбардо и др.

К героическим образам и темам из античной истории обращались и художники эпохи классицизма. Слово «классицизм» образовано от лат. classicus -- «образцовый». Родина классицизма -- Франция XVII в. Среди произведений, экспонируемых в Эрмитаже, немало таких, темы которых заимствованы из древней истории (см. напр., картину П. Миньяра «Великодушие Александра Македонского»). Прежде в гимназиях всеобщую (мировую) историю в значительной степени изучали по искусству и произведениям греческих и латинских авторов. Тогда посетителям музеев было понятно, к каким эпизодам истории обращается художник, изображая героев античных мифов и легенд.

Наиболее известным исследователем античной эстетики является наш великий ученый А.Ф. Лосев, создавший большое количество трудов, изданных в основном в конце его длинной и многотрудной жизни (1990-е гг.).

Мифы о Богах и Героях были основной «почвой» античного искусства. Древние греки, писал Дж. Фрэзер («Золотая ветвь») с их «привычкой персонифицировать силы природы, расцвечивать холодные абстракции теплыми цветами воображения и покрывать голую прозу жизни роскошным покрывалом мифической фантазии». Так, причину Троянской войны, происходившую 3.200 лет назад, древние греки объясняли спором богинь Афродиты, Геры и Афины о том, кому достанется яблоко с надписью «наикрасивейшей». А смертный человек, троянский царевич Парис был судьей в этом споре.

Боги выступали олицетворением различных человеческих качеств: красоты (Афродита, у римлян - Венера), знания и культуры (Афина, у римлян - Минерва) и др. Боги, как простые смертные, могли совершать ошибки; жениться и ссориться, главное же, что отличало их от людей, была вечная жизнь, так как они на своих пирах пили амброзию (напиток бессмертия). Помогая своим избранникам, боги «усиливают» в них те или иные человеческие качества, доводя до степени совершенства.

Разработка математических основ искусства. Пифагор (ок. 570 - 500 гг. до н. э.) открыл математические закономерности в музыке; он - основоположник музыкальной акустики. Пифагор придавал мистический характер учению о числах: «все в мире есть число», писал о мировой гармонии (музыке небесных сфер). Пифагор и его ученики выделили 10 пар бинарных оппозиций (противоположных категорий), соединение которых определяет возникновение и поддержание гармонии и порядка в мире:

«предел - бесконечное», «одно - множество», «мужское - женское», «прямое - кривое», «доброе - злое», «нечетное - четное», «правое - левое», «покоящееся - движущееся», «свет - тьма», «квадратное - продоговатое - четырёхугольное.

Для измерения музыкальных интервалов (в связи с изучением «золотого сечения») Пифагор изобрел монохорд, по единственной струне которого ударяли молоточком. Монохорд явился далеким предвестником фортепиано.

Поэзия, театр

В IX до н.э. Гомер - певец-рапсод сочинил «Илиаду» на основе народных преданий о Троянской войне, и «Одиссею» - о странствованиях Одиссея после Троянской войны и его прибытии на о. Итака, где был царем. Они передавались устно и были записаны спустя 300 лет, когда у греков развилась письменность. Гесиод певец-рапсод VIII в. до н.э. - воспел радость мирного труда свободного землепашца в поэме «Труды и дни», в поэме «Теогония» упорядочил мифологическую генеалогию греческих богов.

Позднее появляется лирика. Особое место в искусстве поэзии занимала мелическая лирика (или мелика). Эти произведения - пение, сопровождаемое игрой на лире или кифаре. Возникновение мелики греки связывали с Аполлоном. Так, легендарный музыкант древности Орфей был сыном Аполлона и музы Каллиопы. По мифу, лира Орфея была выброшена морской волной на берег острова Лесбос, где и появились первые произведения мелической лирики (у Терпандра Лесбоского). Постепенно др. греческая лирика разделилась на два основных жанра:

1. Декламационная лирика (элегия, ямб). Поэты Солон, Архилох, Тиртей, Феогнид, Симонид.

2. Песенная лирика - мелос. Основателем считался Терпандр. Она разделилась на сольную лирику (Алкей, Ивик, Сапфо, Анакреонт, Стесихор) и хоровую лирику (Алкман, Пиндар, Симонид Кеосский).

Сафо - греческая поэтесса (6 в. до н.э.), жившая на острове Лесбос. Родоначальница любовной лирики. Полюбила юношу Феона, но, не встретив взаимности, бросилась со скалы в море.

Архитектура, скульптура

Развитие искусства скульптуры связано с политеизмом. Изображения богов были антропоморфны. Если божественное - жизнь, не подверженная смерти, то изображение бога - это идеальное, пропорциональное и гармоничное изображение человека, доведённое до совершенства. Скульпторы не стремились к передаче индивидуальности, а создавали обобщённый характер, симметрию, геометризм форм. Доминанта фронтального изображения, схематизм, исключавший всякую экспрессию, характерные черты ранней древнегреческой пластики (вплоть до V в. до н. э.). Индивидуализация характеров возникла позже, в светских скульптурных портретах у римлян.

К классическому периоду (с V в. до н. э.), в эпоху расцвета греческой демократии появилась почва для возникновения образа человека, совершенного и физически, и духовно, а представления о богах стало ассоциироваться с представлениями о гармоническом, идеально прекрасном человеке. Существовал культ красивого и здорового тела, что мы видим в скульптурных изображениях богов (Аполлон Бельведерский, Венера Мелосская и др.).

VIII - VI вв. до н.э. - время возникновения др. греческой архитектуры. Некоторые ее элементы были заимствованы из Египта (колонна, колоннада), другие - с севера Балкан - двускатная крыша храмов, но в целом античное зодчество оригинально. В VI в. до н. э. мрамор стал основным строительным материалом у др. греков. Планировка греческого города была проста: Акрополь («верхний, укреплённый город») - местонахождение храмов, общественных зданий и святилищ; агора - центр торговой и общественной жизни; aсту - нижний город, где проживали ремесленники, торговцы и крестьяне.

Храмы богов (особое распространение получил периптер -- храм, со всех окружённый колоннами), покрытые полихромной штукатуркой; Театры создавались под открытым небом, и имели форму вытянутой подковы, с поднимающимся рядами вверх каменными сидениями (что-то подобное в современном цирке). Арены, гипподромы - сооружения для гимнастических состязаний строились вокруг вытянутых площадок, напоминающие современные стадионы; гимнасии и палестры, для занятий спортом - это открытые площадки в окружении колонн.

Каноны сооружений известны благодаря римскому зодчему Витувию, написавшего в I в. до н.э. трактат по архитектуре. Различия в пропорции архитектурных зданий Витрувий делит на 3 класса или ордера. Ордер (от греч. «строй», «порядок») - соотношения несущих (фундамент, опоры, колонны, смены); несомых (крыша, перекрытия и т.д.) частей здания. Ордера различаются архитектурными элементами, особенностями декора, пропорциями, временем появления, местом распространения. Названия даны в связи с обозначением греческого племени, впервые использовавшего данную конструктивную систему, или местом возникновения.

Шедевры античного искусства

Древняя Греция:

1. Ансамбль Акрополя, в т. ч., Парфенон (храм Афины). г. Афины. V в. до н. э. Фидий - общее руководство, архитекторы: Иктин, Калликрат, Мнесикл.

2. Мирон из Элевтер. Cтатуя «Дискобол», V в. до н. э. Римская копия. Музей Терм; г. Рим.

3. Поликлет. Cтатуя «Дорифор». V в. до н.э. Римская копия. Национальный музей, г.Неаполь.

4. Скопас. Надгробие юноши с реки Илисса. IV в. до н. э. Национальный археологич.музей, г. Афины.

5. Лехар. Аполлон Бельведерский. Сер. IV в. до н.э. Римская копия. Музей Пио-Клементино, Ватикан.

6. Агесандр из Антиохии. Венера Мелосская. II в. до н.э. Лувр, г. Париж.

7. Эсхил (525 - 456 гг. до н. э.). Трагедия «Прикованный Прометей».

8. Аристофан (ок. 446 - 388 до н. э.). Комедия «Облака». 423 г. до н. э.

9. Софокл ( 496 - 406 гг. до н. э.) Трагедия «Царь Эдип». 429-425 гг. до н. э.

10. Гомер. Поэмы «Илиада» и «Одиссея».

11. Гесиод. «Теогония», «Труды и дни».

Древний Рим:

1. Колизей. (Амфитеатр Флавиев). г. Рим. I в. н. э. (75-80 гг.).

2. Арка Тита. г. Рим. I в. н.э. (81 г.).

3. Апполодор из Дамаска. Колонна Траяна. г. Рим. II в. н.э.

4. Пантеон («Храм всех богов»). г. Рим. I в. н. э.

5. Термы Каракаллы. г. Рим. III в. н. э.

6. Конная Статуя Марка Аврелия. г. Рим (Площадь Капитолия). II в. н.э.

7. Портрет Каракаллы. III в. н. э. Национальный музей. г. Неаполь.

8. Настенная живопись на вилле Мистерий. Помпеи. I в. до н. э. (раскопки)

9. Петроний (I в.; ум. в 66 г. н. э.) Сатирикон: Роман.

10. Луций Анней Сенека (14 - 65 гг. н. э.) Трагедия «Медея».

11. Публий Вергилий Марон (70 г до н. э. - 19 г. н. э. Поэма «Энеида».

12. Поэты Марциал (ок. 40-104 г.), Гораций, Овидий - стихи.

13. Апулей. Золотой осел. II в. н.э.

Художественная культура как понятие

Культура (в переводе с латинского, возделывание, воспитание, образование, развитие, почитание) -- это исторически развивающаяся мировая система созданных человеком материальных и духовных ценностей. Культура -- это и динамичный процесс

раскрытия и развития способностей личности.

Художественная культура понимается как подсистема культуры, как относительно самостоятельный ее слой.

Художественная культура охватывает все отрасли художественной деятельности -- словесную, музыкальную, театральную, изобразительную и т. д. Она включает в себя и «все процессы, протекающие «вокруг» искусства, -- созидание, хранение, распространение, восприятие, оценку, изучение художественных произведений, а также воспитание художников, публики, искусствоведов, организаторов художественной жизни. Следовательно, художественная культура -- это совокупный способ и продукт художественной деятельности людей.

Вырабатываемая культурой общая модель бытия (картина мира, представление о человеке, общественные идеалы) превращается в художественном сознании каждой эпохи в неповторимый образ мира и отношение человека к миру. При этом художественное сознание испытывает прямое, подчас весьма сильное, жесткое, императивное давление извне: со стороны религиозной и политической идеологии, морали п права, эстетического сознания данного общества, со стороны всех существующих в конкретную эпоху форм общественного сознания.

Вместе с тем фундаментальной задачей художественной культуры является сохранение художественного наследия прошлого, приумножение и передача художественных ценностей будущему. Эта задача стала осознаваться по всем спектре проблем лишь в XX в., хотя художественная культура человечества существует уже более пяти тысяч лет. Творения искусства концентрируют в себе энергию лучших стремлений человечества к красоте, любви и знанию, к гармонии с природой и свободному развитию всех творческих сил человека. Поэтому сохранение памятников, а также постоянное и свободное общение с искусством разных времен и народов -- важнейшее условие сохранения человеческого в человеке. Современный мир стал наследником огромных художественных богатств.

Однако художественная культура человечества может стать содержанием современной личности только при условии заинтересованного, глубокого, длительного научения и освоения художественного наследия.

Синтез и взаимодействие искусств

Искусство существует в конкретных своих видах: литература театр, графика, живопись, скульптура, архитектура, декоративно-прикладное искусство, цирк, художественная фотография, кино, телевидение и т. д. Многообразие видов искусства дает возможность эстетически осваивать мир во всей его сложности и богатстве. Нет главных и второстепенных искусств, каждый вид обладает своими сильными и слабыми сторонами в сравнении с другими видами искусства. Соотношение между искусствами, их большая или меньшая близость, их внутреннее сходство, взаимотяготение и противоборство исторически изменчивы и подвижны. Для развития искусства равно плодотворны как проявление специфики каждого из видов искусств, так и взаимодействие муз. Хотя виды искусства и имеют известную склонность к соединению, даже слиянию, важно развитие специфических особенностей каждого из них.

Например, в музыке, особенно в сложном жанре симфонии, можно отобразить очень широкую картину действительности, хотя композитор и исполнитель не пользуются кистью художника. Слушатель «домысливает» недостающее, «дорисовывает» в своем воображении слышимое. Однако при всей своей эмоциональности музыка лишена конкретности и поэтому охотно контактирует со словом и зрелищными видами искусств. «Обнаруживается, что самостоятельная жизнь каждого вида искусств очень относительна и связи между ними куда более прочны и сложны, чем кажется на первый взгляд. Все виды (искусства в разных комбинациях и в разных целях часто объединяют свои средства воздействия, создавая неразрывные сплавы» (С. Образцов).

Искусство -- что постоянно развивающаяся сложная система общения его видов и жанров. Однако искусство не замкнуто в кругу изначально освоенных им средств художественного моделирования жизни и художественного воздействия. Оно внимательно следит за тем, что приносит человечеству его технический гений. Конечно, огромную роль в существовании массовой культуры играет невиданный до сих пор прогресс транслирующей и оформительской техники, различных видов дизайна. Однако самая сложная техника остается лишь инструментом в руках творца, хотя и дает ему новые, особые возможности, накладывая при этом и свои ограничения.

Основные стили и направления в мировой художественной культуре

Сравнивая между собой произведения различных видов искусства -- архитектуры, живописи, скульптуры, графики, художественной керамики и тканей, металла и стекла, оформления интерьера и ювелирного искусства, мы всегда можем обнаружить присущие им общие черты, историко-художественную закономерность, единство принципов художественного мышления. Смена одних способов художественного мышления другими, чередования форм, типов композиций, приемов пространственных построений, особенностей колорита, технологии обработки материала взаимосвязаны и не случайны. Не только мнения отдельных людей, но и вкусы целых эпох существенно различаются между собой: то идеальной кажется строгость греческой Классики, то живописность Барокко, то архаика Египта, то жеманная эстетика Рококо. Создание, восприятие и оценка произведений искусства связаны понятием стиля.

По мнению Гете, стиль -- это «познание сущности вещей». Вельфлин (нем. искусствовед рубежа XIX--XX вв.) назвал стиль «(Средоточием истории искусств». Действительно, стиль -- фундаментальная категория искусства. Она настолько универсальна, что, всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей. Каждый стиль закономерно возникает для того, чтобы разрешить свои исторические задачи" на пути самопознания человечества. 'Подлинно художественный стиль обладает непреходящей ценностью, он не устаревает. Этим объясняется постоянная потребность возвращения к стилям прошлого. Преобразуясь и возрождаясь, они участвуют в художественном развитии мировой культуры.

Каждая историческая эпоха обладает своими стилистическими признаками. В искусстве первобытного человека древнего каменного века отмечают «натуральный стиль» первобытных охотников, который будет возрождаться в последующие эпохи в так называемом «зверином стиле». С изменением o6pаза жизни в период неолита (новокаменного века), выходом из пещер, развитием земледелия значение охоты отступает на второй план и «натуральный» изобразительный стиль наскальной живописи исчезает, уступая место геометрическому стилю орнаментации орудий и утвари.

Проявления «звериного стиля» в художественных культурах Средневековья (романтика, готика, орнамент византийских тканей, мотивы владимиро-суздальской иконы, белокаменной резьбы и т.д.) рассматривают как результат единых закономерностей взаимодействия фольклорных традиций «варварских» языческих культур с христианством. Геометрический стиль также развивается на протяжении многих эпох, впервые проявившись в сооружениях типа кромлеха (каменный круг) как выражение солнечной идеи круга. Все древнейшие виды орнамента относятся к геометрическому стилю. Он входит составной частью во многие позднейшие стили, вплоть до модернистской живописи кубистов, постимпрессионистов и абстракционистов.

Искусство древних рабовладельческих цивилизаций -- это стиль геометрических архитектурных форм, канонизация простейших геометрических приемов изображения на плоскости. Стиль канонического искусства Древнего Египта мало менялся на протяжении веков, он исполнен глубокого философского, жизнеутверждающего смысла, овладевает Вечностью. «Египет держал глаза открытыми перед лицом смерти» (Ж. Кокто). Самым подходящим материалом для воплощении художественного образа Вечности был камень, причем наиболее твердые породы: гранит, базальт, диабаз.

Ни одно искусство не создавало столь простыми средствами такого впечатления подавляющей грандиозности, В целом «египетский стиль» отличается каноничностью, архитектоничностью, монументальностью, декоративностью, теснейшей связью с религиозным культам. Проявление «египетского стиля» очевидно в художественной культуре Римской империи, позднее -- в искусстве французского Ампира после египетского похода Наполеона (1798-- 1799). Затем «египетский стиль» был заимствован «русским ампиром». В начале XIX в. Романтизм как общеевропейское художественное движение породил эстетику Историзма, и «египетский стиль» продолжал существовать в русле различных течений. «Египетские мотивы» включены в классическую архитектуру Петербурга (перед Академией художеств архитектором К. Топом в 1831 г. были установлены подлинные сфинксы из Фив и т, д.); позднее «египетские мотивы» вошли в моду и в искусстве Модерна.

Античную, греко-римскую, культуру мы называем классической (первоклассной, образцовой), отсюда стиль Классицизма, ориентирующийся на античность. Античность как «единый культурный тип», «стиль античности как нечто общее, определенное и оформленное целое» изучал русский философ XX в. А. Лосев.

«Человек -- мера всех вещей». Эта мысль древнегреческого философа Протагора стала девизом античной, а затем и европейской культуры. Древний эллин чувствовал себя в Греции «как дома». Теплый климат, яркая щедрая природа, масштабность окружающего пространства приводили его к идее соразмерности сил человека и природы, человека как «микрокосма» Вселенной. Даже эллинские боги были совсем как люди, со страстями и слабостями.

Главной особенностью античного художественного стиля является антропоморфизм (соразмерность человеку) и мерность. Греческий храм как жилище бога невелик по размеру, колонна уподоблялась фигуре человека (пропорции колонны, атланты и кариатиды), все формы (искусства логичны, конструктивны, размеренны. Все виды искусства развивались в счастливом равновесии. Стилевое развитие античного греческого искусства происходило от строгого и лаконичного дорийского стиля к свободной классике Века Перикла (V в. до н. э.), мягкому ионическому стилю и пышному коринфскому. Главной характеристикой античного стиля является «телесность», «осязательность» формы. После классических произведений Поликлета и Фидия, достигших предела совершенства статичной и замкнутой в себе формы, этот идеал был разрушен, возникнув ненадолго в период Высокого Возрождения в творчестве Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и других мастеров флорентийской и римской школ XV--XVI вв.

Идеализация, симметрия, статичность античного искусства были позднее канонизированы академизмом, превратившим искусство греческой классики в эталон прекрасного для последующих поколений. Античный рационализм художественного мышления стал основой различных проявлений Классицизма в европейском искусстве.

Средневековое искусство -- это грандиозное многостилевое явление, которое развивалось в сфере единого для всех народов Европы христианского мировоззрения. К общецелевым чертам средневековой художественной культуры католицизма относится символизм, аскетизм и крайняя экспрессия образов. Собственными стилевыми особенностями обладает раннехристианское искусство Западной Европы, классицизм «Каролингского Возрождения», романский стиль, сменившая его готика, достигшая художественных пределов в стиле «пламенеющей готики»

Древнерусское искусство -- исторический тип искусства со своей сложной и развивающейся стилевой системой, которая складывалась во взаимодействии византийских и множества национальных языческих и фольклорных традиций, а также европейских влияний.

С момента формирования в Европе национальных культур они периодически переживают переходные эпохи интенсивных общественных изменений. Тогда в поисках новых форм художники обращаются к классическому наследию, возрождая его на новом историческом витке. Итальянское Возрождение обращается к античным формам, но вкладывает в них новое содержание. Дж. Вазари в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550 г.) определил суть художественного метода и стилистических поисков: природа -- это «образец», а древние -- «школа». Отталкиваясь от «готического» средневековья, идеи Возрождения на самом деле буквально «вырастают» из него, особенно если вспомнить три принципа красоты Фомы Аквинского: целостность, соответствие и ясность, или чистота. Божественное начало понимается теперь более сложно; человек, созданный «по образу и подобию божьему», оказывается в центре мироздания и становится главной темой искусства. Все искусство Итальянского Возрождения пронизано размышлениями о Божественной красоте и мудрости в устройстве мира. В изобразительном искусстве соединились христианская идеология и чувственность, «телесность» в образах Мадонны или св. Себастьяна. Эпоха Возрождения была идеализирующим преобразованием умов, а не жизни, воображения, а не реальности, культуры, а не цивилизации. Период Высокого Возрождения в искусстве в начале XVI столетия в реальной жизни буквально потонул в море крови во время «охоты на ведьм». Однако художественное движение, именуемое Возрождением, проявляется повсеместно. По мнению историка Н. Конрада, все страны пережили свое Возрождение. Период подъема культуры, начавшийся в VIII в. на берегах Тихого океана, в Китае, в течение тысячелетия прокатился через весь Евразийский континент, с Востока на Запад, и завершился в XVII в. в Англии. На орбиту этого процесса попадает и «русский Ренессанс» XV в. -- время A. Рублева и Епифания Премудрого. Возрождение культуры Польши, Чехии, Хорватии, византийский Ренессанс времени династии Палеологов, Северное Возрождение и культура Реформации (Германия). Возрождение движется вместе с солнцем с Востока на Запад; всем этим периодическим всплескам культурной активности свойственны общие черты: радикальные сдвиги сознания, смена одной системы мироощущения и мировоззрения другой происходили в предельно сжатые сроки. Стремительное художественное развитие повлекло за собой рождение новых художественных направлений, течений, стилей, школ. Вспыхнув на короткий миг, Возрождение породило в изобразительном искусстве такие противоречивые и сложные явления, как Маньеризм и Барокко.

В итальянском маньеризме движения фигур не мотивируются смыслом, а начинают подчиняться декоративному ритму композиции, становятся преувеличенными, манерными; пространство картины кажется загроможденным телами, а композиция становится неясной, плохо читаемой.

Барочный стиль XVII--XVIII вв. замечателен тем, что впервые в истории мирового искусства в нем соединились Классицизм и Романтизм, существовавшие до этого как две тенденции художественного мышления. В конце XVI -- начале XVII вв. открытия в области естественных и точных наук окончательно расшатали образ завершенного в себе, замкнутого мироздания, в центре которого находился сам человек.

Барокко часто называют стилем католицизма с его мистицизмом и экзальтацией, а также искусством иллюзии (кажимости). Барочные черты проявились уже в творчестве Микеланджело, родившись из глубочайшей неудовлетворенности искусством. Баpoккo возвратило архитектуру к мистическим идеалам Готики: динамике, иррациональности, дематериализации форм -- стилистический круг замкнулся. В архитектуре, как и в музыке, где главная тема обрастала полифоническими вариациями, также создавался сложный, динамичный, многоэлементный образ. Росписи плафонов, иллюзорные и перспективные, выражали эстетический идеал Барокко -- экстатическое переживание бесконечности пространства, движение света и цвета. Величие в пышном декоре, роскошь и импозантность в изображении мифологических аллегорий заполняют произведения барочной живописи.

Исторически так сложилось, что словом классицизм стали называть широкий круг разнообразных явлений. Как метод мышления Классицизм нормативен, рационален и систематичен. Не случайно только в Классицизме существует система правил и законченная теория художественного творчества. Классицизм как стиль есть осознание родства с античной классикой. На этом родстве выросло, по существу, все европейское искусство, хотя программно это было сформулировано в эпоху Итальянского Возрождения. Классицизм дает чувство равновесия и стабильности в быстро меняющемся мире. Однако как идеальное состояние Классицизм недолговечен. Этот стиль интеллектуален, ярко воплощает историзм художественного мышления и преобладание рационального, конструктивного начала. В реальной художественной практике Классицизм проявляет себя в стилевых разновидностях. Например, в России Классицизм господствовал в искусстве второй половины XVIII в. (екатерининский классицизм), в начале XIX в. (александровский классицизм, русский классицизм, русский петербургский ампир; московский классицизм; «московский ампир»), на рубеже XIX и XX вв. (русский неоклассицизм периода Модерна).

Классицизм оказался наиболее подходящим для выражения гражданских идеалов «свободы, равенства, братства» эпохи Просвещения и французской революции. Он получил название «революционного классицизма»; в то время говорили, что греки были зеркалом, в котором отражались революционные идеалы красоты, свободы и естественности. В XIX в. Классицизм, с одной стороны, переродился в «стиль империи», с другой, смыкался с салонным академизмом. Третье, наиболее живое течение, стало основой романтического движения. Ф. Шлегель говорил, что «каждый находит в древних то, что он сам ищет». Аналогичной греческому, классической была роль персидского искусства в культуре мусульманской Турции, китайского -- в Японии, индийского -- во всей Юго-Восточной Азии. Художественный стиль Классицизма представляет собой выражение идеи композиционной целостности, ясности, завершенности, уравновешенности.

XVIII в. для искусства явился счастливой, продуктивной, но и крайне противоречивой эпохой. Во главе художественных движений стояла Франция, начиная с Большого стиля Людовика XIV (1643--1715). Однако по сравнению с итальянским Классицизмом XVI в. и Барокко XVII в. искусство XVIII в. во многом утратило масштабность. Господство в первой половине столетия Рококо (камерного аристократического стиля) привело к распаду видового синтеза искусств: живопись и скульптура окончательно оторвались от архитектуры, измельчав, начали превращаться в декоративные безделушки. Проблемы архитектурного ансамбля потеряли свое значение. А с середины XVIII в. начинает оформляться идеология Просвещения, призывавшая к естественной простоте и возврату к «природе». Эстетика Просветителей вскоре выродилась в сентиментализм, а неоклассические тенденции -- в академизм. Однако оба эти течения раскрыли новое в человеческой душе, открывая дорогу мощному романтическому движению по всей Европе.

Романтическое ощущение может проявляться в самых разных художественных направлениях, течениях и стилях. Романтизм свойствен искусству вообще и является основой художественного сознания. Но в различные эпохи мечта об идеале прекрасного, недостижимого в действительности принимает различные формы. Романтизм и Классицизм как два основных направления в развитии художественного сознания все время «шли рядом», и только во Франции в начале XIX в. их пути стали расходиться. Романтизм в искусстве включает в себя различные художественные стили: готику, барокко как выражение романтического христианского сознания, романтизм как идеализированное, романтическое изображение античности и итальянской природы, отчасти неоклассицизм, ведь воспоминание классики тоже романтично, неоготику -- воспоминание средневековой романтики и все неостили, а также художественные течения периода Модерна.

В более узком, конкретно-историческом смысле, Романтизмом называют художественное направление конца XVIII -- начала XIX вв., сторонники которого программно противопоставили свое творчество Классицизму XVII и второй половины XVIII вв. Великая французская революция и ее последствия «надломили» человека, под влиянием этого возникла эстетика «разочарованного героя», индивидуализма и тяга к уединению. Главным принципом романтической эстетики стал субъективизм и историчность художественного мышления. «Новое, современное искусство стали противопоставлять Классицизму, ориентированному на языческую древность, и называть христианским, т. е. ориентированным на «внутреннего человека». Пафосом обращения к «человеческой душе» проникнуто программное Произведение романтической эстетики «Гений христианства» Р. Шатобриана. Романтизм начала XIX в. отражал всю сложность переходной исторической эпохи. Он провозгласил ценность отдельной человеческой личности и полную свободу художественного творчества от сковывающих его норм Классицизма и академизма. Идеи романтизма закономерно возникают на почве неудовлетворенности действительностью, кризиса рационалистического мышления. Романтики «бегут» от действительности в различные миры истории и культуры, не стремясь к объективному их воссозданию; «романтичный гений... все приводит к себе самому», ценит лишь субъективное, экзальтированное переживание Красоты.

По-разному развивался Романтизм в европейских странах. Во Франции он вырос из сентиментализма, противопоставив расслабленной мечтательности глубину и силу познания самых сокровенных тайн человеческой души, опоэтизировал и возвеличил этику искусства, определив художественное творчество как «идеалистическое изображение природы и нас самих в целях физического и морального совершенствования человеческого рода» (П. Прюдон). Французский Романтизм окреп в борьбе с академизмом, эти направления противостояли в лице их вождей: Энтра и Делакруа. Одно из ярких проявлений литературного романтизма -- «Собор Парижской богоматери» Б. Гюго.

В России, как и в Италии, Классицизм и Романтизм успешно дополняют друг друга (например, в творчестве К- Брюллова). В архитектуре эстетика Романтизма проявилась в праве свободного использования наследия не только античной культуры, но и всех предшествовавших эпох. Поздний Романтизм отчаянно сопротивляется проникновению в сферу искусства промышленной технологии, прагматического буржуазного мышления. Не случайно наиболее сильным романтическое движение было в Англии, стране, раньше и острее других столкнувшейся с негативными последствиями промышленной революции.

Направления «направляют», а течения «текут», т. е. образуют реальную художественную практику. Среди течений второй половины XIX в. особое место занимает французский импрессионизм (в переводе с французского -- впечатление). История его как художественного течения исчисляется почти десятилетием {1874--1876), за которое было проведено восемь выставок независимых от официального Салона, после чего каждый из художников пошел своим путем. Однако, стараясь максимально точно выразить свои впечатления от вещей, освободившись от традиционных правил, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов (цвето-световых оттенков) на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде. Абсолютизация зрительного подхода к изобразительному искусству сделала импрессионистов «фанатиками зрения»; они умели самое обыденное сделать прекрасным объектом искусства, обновив на пленэре (вольное воздухе) колорит своей живописи, почти не смешивая краски на палитре.

Вместе с «коричневым тоном» старых мастеров и презираемых академистов импрессионисты отбросили и всю глубину живописи, заменив ее красочными образами внешних впечатлений от предметов, освобожденных от всех смысловых связей. Именно с импрессионизма начался глубокий разлад изобразительного искусства, приведший впоследствии к полному отрицанию художественных традиций, к нигилизму модернистов. В наиболее последовательном выражении импрессионистический метод заводит живописца в тупик, что и проявилось у эпигонов (продолжателей): неоимпрессионистов, дивизионистов, пуристов, орфистов и абстрактивистов.

Более широко импрессионизм понимается как одна из характерных черт разрушения целостности мировоззрения, как эстетическая тенденция, которая как возможность скрыта во всяком расцвете искусства.

Уже более ста лет идут опоры о границах понимания слова «реализм», когда в середине XIX в. французский литературный критик Ж. Жанфлери выдвинул этот термин обозначения искусства, противостоящего романтизму и символизму. Реализм отождествлялся с натурализмом и «натуральной школой» французского и русского искусства 1860--1880 гг. в литературе, живописи и графике.

К русской «натуральной школе» относится и движение передвижников, которое не создало нового стиля, будучи национально-идеологическим и критически-просветительским. Каждая новая картина И. Крамского, А. Корзухина, К. Лемоха, Г. Мясоедова, В. Перова, И. Репина, А. Саврасова, В. Якоби, Н. Ярошенко становилась событием общественной жизни, но, как стало ясно позднее, иллюстративность «погубила их живопись». Репин вспоминал: «У нас художник не смеет быть самим собою... его толкают на деятельность публициста; его признают только иллюстратором либеральных идей».

В конце XIX в. в Петербурге заявило о себе журналом «Мир искусства» и выставками объединение очень разных художников против официального искусства, насаждаемого Академией, и натурализма художников-передвижников. В «Мир искусства» входили в разное время чуть ли не все передовые русские художники: Л. Бакст, А. Бенуа, М. Врубель, А. Головин, М. Добужинский, К. Коровин, Е. Лансере, И. Левитан, М. Нестеров, К. Сомов и др. Каждый из этих художников «сам по себе стиль», но одновременно, так или иначе, соотнесен со стилями своей эпохи, со стилями национальной и мировой художественной культуры. Их объединяла сама идея культурности, отрицание «прозы жизни», стремление к отказу от «литературщины» и назидательности, желание «уйти от отсталости российской художественной жизни... и приблизиться к культурному Западу, к чисто художественным исканиям иностранных школ...» (А. Бенуа).

...