Историческое развитие искусства

История «Мира искусства» и московского «Союза русских художников» показала, что в России конца XIV -- начала XX вв. существовало два параллельных течения с задачей обновления художественной культуры, две традиции -- петербургская и московская с различным пониманием национального содержания искусства и использования европейского опыта.

Искусство Модерна завершило в начале XX в. свой стилистический цикл развития и, по мнению многих исследователей, вообще «классический» период романтизма европейского искусства, его называют «последним большим художественным стилем» Позднее отказ от идей Модерна (например, его стремление к художественному синтезу достижений предшествующих эпох) стал отказов вообще от идей художественности и привел к модернизму: конструктивизму, функционализму, абстрактивизму. В этих течениях исчезло человеческое, художественно- образное содержание искусства и прервалась художественная «связь времен».

Модернизм (в переводе с латинского--новый, современный) -- общее название художественных тенденций, течений, школ, деятельности отдельных мастеров XX в., порывающих с традициями искусства и считающих формальный эксперимент основой своего творческого метода. В этом смысле модернизм -- то же что авангардизм, формализм и противопоставляется академизму. К модернизму в изобразительном искусстве относятся все течения постимпрессионизма: фовизм, экспрессионизм, футуризм, кубизм, абстрактное искусство, его геометрическое направление (супрематизм) и абстрактный экспрессионизм, или ташизм, символизм, а также множество более мелких течении постмодернизма.

Традиционный русский максимализм, ярко проявившийся еще в движении передвижников и «шестидесятников» XIX в., был усилен русской революцией и привел к тому, что во всем мире Советская Россия считается родиной авангардного искусства. Проходившая в 1992--1993 гг. в США, Западной Европе и Москве выставка русского авангарда 1915--1933 гг. была названа «Великая утопия» Как сказано в предисловии к каталогу выставки, «утопия двигала историю России и заключала в себе несоответствие действительности», поэтому и оценивать однозначно такое сложное явление невозможно. Русский философ И. Ильин определил авангардизм «как дух эстетического большевизма, теорию безответственности и практику вседозволенности». Авангардисты, добровольно отказавшись от культуры, историзма мышления, а значит и от духовности вообще, без Бога и Веры остались один на один с пустотой. Вот что символизируют «Черный квадрат» К. Малевича. Подобное одиночество в пустоте могли выдержать только гении а авангардисты отнюдь не были таковыми, враждуя друг с другом и со всеми.

Кроме разрушительной агрессивности авангардизму присуща и коммерческая сторона. Сознательное пренебрежение школой и сложностью изобразительной формы есть наиболее легкий путь, привлекающий тех, кому правится с большой выгодой для себя дурачить простаков, недостаточно культурную публику, малообразованных критиков и невежественных меценатов. Ведь для то го, чтобы осознать внутреннюю пустоту авангардизма, нужен немалый «зрительный опыт». Чем элементарнее искусство, тем мно- гозначительнее оно кажется неопытному зрителю. Художествен ное бессмыслие авангардного искусства является причиной и то го, что за свою достаточно долгую историю оно так и не смогло обрести статус целостного художественного направления, течения или стиля, объединяя самые разные течения искусства XX в.

В развитии искусства авангардистские устремления постоянно сталкиваются с противоположными тенденциями возврат к традиции, причем в результате оказывается, что авангард по на званию не всегда является таковым по существу (различные неостили и ретростили).

С тридцатых по восьмидесятые годы в нашей стране господствовало идеологическое направление -- социалистический реализм, который должен был вобрать в себя все лучшее, выработанное историей искусства: классические традиции античности, эпохи Возрождения, французского Просвещения и «критического реализма» XIX в. На практике главные принципы метода «партийности, идейности и народности» приводили к сужению творческого диапазона художников. Главными признаками социалистического реализма стали примитивность мысли, шаблонность образов, стандартность композиционных решений, натуралистич- ность формы. Соцреализм выродился в соцакадемизм. Чудовищный парадокс соцреализма состоял в том, что художник переставал быть автором своего произведения, выступал не от своего имени, а от имени большинства, коллектива «единомышленни- ков». Соцреализм в живописи сравнивают иногда с передвижничеством. Внешние приемы натуралистической живописи в картинах передвижников и соцреалистов действительно схожи. Но по содержанию передвижничество было протестом как против академических канонов, так и против общественной морали. Оно находилось в стороне от салонов и императорских заказов и поддерживалось частным меценатством (П. М. Третьяков и его га лерея). Соцреализм был целиком на службе бюрократического госаппарата. Параллельно в 60--70 е гг. возникло течение соцарта, созданное «подпольными художниками» андеграунда. «Игра с идеологией», пародия и гротеск, а по стилю близкий дадаизму и сюрреализму китч, т. е. приспособление к расхожим стереотипам массового потребителя.

Среди бушующего моря современной массовом культуры с ее крикливой индустрией низкохудожественных развлечений еще сохраняются островки подлинной высокой культуры, общение с которой требует усилий ума и сердца, приводит нас к великим исканиям смысла, цели и полноты человеческой жизни, к тем художественным ценностям, которыми обладает Искусство прошлого и настоящего.

Настоящее искусство соответствует не характеру цивилизации и условиям жизни, а лишь духу эпохи, ее идеалам, обычно либо обогащающим, либо отстающим от этих условий.

Древнерусское искусство (IX--XVII вв.)

Более семисот лет охватывает период древнерусской художественной культуры. Истоки ее восходит к жизни восточнославянских племен докиевского периода. Через многообразие культурных явлений и форм просматриваются и общие черты: сильное влияние религии (христианско-языческое двоеверие), традиционность и замкнутость (локальность), а также преимущественное следование канону и анонимность (имперсональность).

Искусство Древней Руси включает в себя искусство Киевской державы, мощного Владимиро-Суздальского княжества, Новгородской боярской республики и искусство Москвы, возглавившей борьбу за объединение страны после тяжких испытаний монголо-татарского нашествия.

Древнерусское государство -- наша национальная гордость, яркое воплощение идеалов русского народа. Стремление к душевной чистоте и способность к состраданию, стойкость и богатырский размах, любовь к родной земле, трудолюбие, терпимость и восприимчивость -- эти лучшие черты национального характера питали великие творения древнерусского искусства.

Правдивость и искренность, тяга к гармонии и единению с народной жизнью, с родной природой, особенная сердечность и задушевность, глубинное проникновение в человека и его предназначение составляют самобытный вклад древнерусских мастеров в сокровищницу общечеловеческих ценностей.

Образование древнерусского государства -- Киевская Русь -- завершилось к IX веку. Одно из крупнейших государств средневековой Европы -- Русь--исторически представляло собой зону политических, торговых и культурных контактов между Скандинавией и Византией, Западной Европой и Арабским Востоком и творчески усваивала влияние извне, опираясь на собственную культуру, сложившуюся в эпоху язычества.

Неизвестный русский автор «Слова об идолах» (XII в.) выделил три этапа развития славянского язычества. На первом славяне «клали требы (жертвы) упырям и берегиням, злым и добрым духам, управлявшим стихиями. На втором этапе поклонялись древнейшему земледельческому божеству Вселенной Роду и рожаницам, божествам благополучия и плодородия. Праздник Рода и рожаниц -- это праздник урожая. Род давал жизнь всему живому и стал источником корневых понятий: народ, природа, родня, родина... На третьем этапе сложился государственный культ княжеско-дружинного бога войны Перуна, ранее почитавшегося богом грозы, а Род стал покровителем семьи, дома».

Среди важнейших божеств в доперуново время -- Сварог (бог неба и небесного огня), его сыновья -- Сварожич (бог земного огня) и Даждьбог (бог солнца и света, податель всех благ), среди солярных богов (солнечных) -- Коляда, Купало, Ярило, позднее -- Хорс. Стрибог почитался богом воздушных стихий, а Велес (Волос) -- покровителем скота и богатства. Культ Велеса был распространен во всех славянских землях, его именем клялась вся Русь. В дружинной среде Велеса считали покровителем искусства -- музыки и песен; недаром в «Слове о полку Игореве» легендарный певец Боян назван велесовым внуком.

Местом отправления культа служили капища, требища, храмы, в которых волхвы (жрецы) молились, совершая обряды, и приносили богам жертвы.

Духовные устремления наших предков ярче всего проявились в культе природы, глубоко поэтическом и развитом. Жизнь древнего славянина подчинялась календарно-земледельческому кругу и сопровождалась торжественными празднествами. Новый год славяне начинали с марта, когда, по преданию, светлые боги приступали к созданию своего благодатного царства, был сотворен мир и первый человек. Масленица и закликание весны, семик, или русальная неделя, летний праздник Ивана Купалы, зимний Коляды и т. д. сопровождались обрядовыми игрищами с хоровыми песнями и плясками. Именно в фольклоре и декоративно-прикладном народном искусстве сохранилась более всего художественная культура древних славян, веками питавшая и музыкальную культуру, и русскую словесность. Ведь с языческим прошлым связано рождение и сказок, и былинного эпоса.

Художественная культура славянских племен, а также античного и скифского Причерноморья способствовала созданию самобытной культуры средневековой Руси. С другой стороны, она формировалась в процессе творческого восприятия христианской культуры византийского образца.

Насаждаемый сверху переход от языческого многобожия (политеизма) с его первобытным равенством к единобожию (монотеизму) христианской религии, освящавшей централизованную власть и социальное неравенство, продолжался веками. Христианство на Руси утверждалось иногда силой, но чаще оно приспосабливалось к языческому мировоззрению.

Согласно летописи, в 980 г. киевский князь Владимир Святославич, увидев «заблуждения язычества», совершил второе, решающее (после принятия христианства киевскими князьями Аскольдом и Диром еще в 860-е гг.) Крещение Руси. Выбор веры, по преданию, носил эстетический характер: послов Владимира потрясли красота, величие и великолепие византийского богослужения.

С принятием христианства начинается формирование официальной, государственной культуры и сложный процесс взаимодействия ее с народной культурой.

В целом искусству раннего средневековья, домонгольской поры, присуща такая отличительная черта как монументальность форм. Особое место занимает архитектура. Усваивая византийскую крестово-купольную форму храма, русские мастера использовали также традицию деревянного зодчества -- многоглавие.

В XI в. время первого расцвета переживает иконопись. Было создано множество произведений этого вида станковой живописи. Сохранилось имя знаменитого иконописца Алимпия Печерского, ему приписывают создание иконы Оранты Ярославской, или Великой Панагии. Иконы почитали как видимый символ невидимого мира. По приданию, древнейшие иконы явились чудесным образом («Спас Нерукотворный») либо написаны с натуры (Богородица евангелиста Луки).

После распада Киевского государства образовался ряд самостоятельных княжеств -- Владимиро-Суздальское, Новгородская республика и др.; единый историко-культурный процесс разделился на несколько потоков, но сохранилось исконное духовное единство Руси.

В это время родилось великое «Слово о полку Игореве» и «Моление Даниила Заточника». Архитектура отличается уменьшением объемов и упрощением конфигурации каменных зданий. В Новгороде сложился собственный тип храма. Торговому городу была чужда киевская изысканная роскошь. Традиционной становится небольшая кубической, формы одноглавая церковь с одной или. тремя апсидами без резного декора, т. к. местный камень плохо поддавался резьбе (церковь Спаса на Нередице).

Во Владимиро - Суздальском княжестве особенно активно каменное строительство велась при Андрее Боголюбском. Знаменит Успенский собор -- величественный пятиглавый храм, украшенный резным аркатурным поясом -- дом Богоматери. А при впадении Нерли в Клязьму, на высоком искусственном холме вознеслась церковь Покрова, памятник мировой архитектуры. Посвященный новому празднику богородичного цикла, этот храм, по преданию, построил князь Андрей Боголюбский, печалясь о смерти сына Изяслава. Одноглавая церковь Покрова поражает гармонией пропорций и поэтичностью образа, устремленностью к небу.

С закатом Киевской державы отошло в прошлое и дорогостоящее искусство мозаики, или «мерцающей» живописи.

В это время на Руси появляется икона «Богоматерь Умиление» из Византии, получившая название «Владимирская Богоматерь», (ГТГ), именно для нее строили Успенский собор во Владимире. Драматическая судьба иконы и удивительная красота и проникновенность сделали ее одной из самых прославленных на Руси.

Новгородская школа этого периода может быть представлена иконами византийско-киевской традиции. Это «Спас Нерукотворный» (ГТГ). На русских воинских хоругвях изображали именно этот образ Христа-триумфатора. Монументальна икона «Устюжское благовещение» (ГРМ). Широко известна и икона «Ангел златые власы» (ГРМ). Суровость и внушительность образов, сочетание контрастных цветов, укрупнение форм -- отличительные черты новгородской школы.

На самом высоком уровне развитие древнерусской культуры было прервано монголо-татарским нашествием.

Русская культура второй половины XIII--XV вв.

Если время с 1240 г. до середины XIV в. отмечено заметным упадком во всех областях культуры в связи с нашествием и вторжением западных феодалов (немецких, тверских, датских, венгерских, литовских и польских), то период со 2-й половины XIV в. до конца XV в. являет собой подъем национального самосознания, стремление к объединению русских земель во главе с Москвой. Разгром Византии и установление на Балканах турецкого владычества усилили значение Московской Руси как центра православия.

Борьба против монголо-татар стала главной темой фольклора в былинах и новом жанре исторической песни (например, об Авдотье-Рязаночке, возглавившей строительство новой Рязани). Ведущим жанром в литературе, становится воинская повесть («Слово о погибели земли русской», « Повесть о разорении Рязани Батыем»), а позже возникают исторические произведения о победе над татарами («Сказание о Мамаевом побоище», летописная повесть о Куликовской битве, «Задонщина», близкая «Слову о полку Игореве»).

Самостоятельное развитие новгородского зодчества привело к созданию простого и конструктивно ясного, классического типа одноглавого храма с богатым наружным декором (церковь Федора Стратилата, Спасо-Преображения па Ильине), аналога ему нет в архитектуре других стран.

В Пскове развивалось в основном оборонное зодчество. Крепость Изборск -- одно из крупнейших сооружений Древней Руси. XV в. -- время бурного развития Псковской архитектуры, было возведено 22 церкви.

В «послекуликовский» период каменное строительство и в Московском княжестве приобретает большой размах. Строились церкви в Москве, Коломне, Звенигороде, Можайске, Дмитрове, Раннемосковское зодчество создало новый тип одноглавого храма башнеобразной конструкции на высоком цоколе, со сложным верхом, увенчанным ярусами килевидных закомар и кокошников, с куполом на высоком барабане и системой лестниц к перспективным порталам (Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря, Спасский собор Спасо-Андронникова монастыря в Москве).

Длительная изоляция Руси от Византии и разобщенность русских земель подтолкнули формирование в XIII в. новгородской и ростовской школ живописи, а в XV .в. -- тверской, псковской, московской и вологодской. Более всего сохранились новгородские памятники. Своеобразным «бунтом» против византийской традиции стали краснофонные иконы («Святые Иоанн Лествичник, Георгий и Власий», ГРМ). От парадного искусства в них яркие краски, орнаментальность, графическое построение формы («Никола Липенский», Новгородский музей).

Русская культура конца XV--XVI вв.

После двух с половиной веков почти полной изоляции культура молодого Российского государства вошла в соприкосновение с ренессансной культурой Запада, укрепляя свое положение среди европейских государств.

Наряду с исторической песней появляется народная баллада («Гнев Ивана Грозного на сына», «Оборона Пскова»). Развивается светская публицистика и историческая литература, проникнутая идеей укрепления самодержавия и его союза с церковью. Появляется и новый жанр остросюжетной повести, его героем стал активный торговый люд.

Выдвижение Москвы сопровождалось размахом строительства. Рядом с искуснейшими мастерами со всей Руси работали и лучшие зодчие Европы, создавая общерусский архитектурный стиль. В Кремле на месте старых храмов времен Ивана Калиты возводились новые. Первым был построен Успенский собор (итальянский архитектор Аристотель Фиораванти) -- величественный крестово-купольный пятиглавый храм с единым внутренним пространством. Благовещенский собор, домовую церковь великих князей строили псковские мастера.

Среди живописцев второй половины XV в. выделяется Дионисий. Он и продолжает «рублевское» направление, и отступает от него. Мирянин, видимо, знатного происхождения, Дионисий возглавлял большую артель, выполнявшую княжеские, монастырские и митрополичьи заказы. Известны его иконы «Спас в силах» и «Распятие» (ГТГ) и житийные -- митрополитов Петра и Алексия. Самым замечательным памятником Дионисия являются фрески Рождественского собора Ферапонтова монастыря па Вологодчине, объединенные ярко-лазурным тоном -- ликующее славословие в красках.

Художественная культура Индии, Китая и Японии

Искусство Индии, Китая и Японии принадлежит художественной культуре народов Востока. Их объединяет схожесть путей исторического развития, а также распространение в этих странах буддизма, который повлиял на возникновение нового искусства на рубеже древности и средневековья. Это искусство отличалось широтой охвата действительности, осознанием глубокого родства человека и природы, большим эмоциональным накалом. Индийская скульптура, китайская пейзажная живопись, японские монастыри и сады -- это лишь отдельные знаменитые примеры.

Искусство Индии с древнейших времен питает могучая фантазия, грандиозность масштабов представлений о Вселенной. Средства художественного выражения поражают многообразием и красочностью, напоминающей цветущую природу Индии. Идея единства жизни во всех ее проявлениях пронизывает и философские учения, и эстетику, и искусство. Поэтому столь велика в индийском искусстве роль синтеза -- архитектуры и скульптуры, архитектуры и живописи, а также поэзии, живописи и музыки. Знаменитые театрализованные представления на темы древних эпосов Рамаяны и Махабхараты стали источником запечатленных в изобразительном искусстве классических поз и жестов, которые отличаются экспрессией и смелостью. В формировании индийского искусства принимали участие многочисленные племена самого большого полуострова мира (Индостан).

Период с середины II до середины I тысячелетия до н. э. связан в основном с расцветом философии брахманизма и литературы на древнейшем языке санскрите. Однако еще задолго до нашей эры, когда складывались цивилизации Египта, Месопотамии, Ирана и Китая, в Индии возникли ремесла, науки и искусства. Большое развитие получили грамматика, математика и медицина. Индийцы на весь мир прославили «страну Бхарат», научив человечество цифровой системе и игре в шахматы, изготовлению тончайших красочных тканей и булатной стали,

Буддизм (первоначально не религия, а этическое учение), по преданию, был основан в VI в. до н. э. царевичем из рода Шакиев, по имени Сидхартха Гаутама, прозванным затем Буддой («просветленным»). Будда проповедовал идею самосовершенствования человека, непротивления злу, отречения от мирских соблазнов. У брахманской религии Будда заимствовал понятие о перевоплощении, однако он учил, что состояние высшего покоя -- нирваны может достичь каждый, даже бесправный шудра, а не только высшая каста.

Религиозно-этические принципы буддизма нашли отражение в буддийской литературе (канонические сказания, религиозно-философские трактаты). В джатаках -- сказаниях о перевоплощениях Будды -- много фольклорного и бытового материала. Сюжеты из них часто использовались скульпторами и живописцами для украшения культовых сооружений.

Крупнейшее культовое сооружение индуизма -- шиваистский храм Кайлисанатха (VIII в.), созданный оригинальным способом: в склоне горы высекли ров в форме буквы "П", из внутреннего монолитного массива и было «изваяно» сверху донизу здание храма (61 м длиной, 30 м высотой). Поверхность изобилует скульптурами богов, фантастических существ и животных. «В пещере такая масса изображений, что она может почитаться книгой индийской мифологии», однако в этом изобилии чувствуется некоторая перегруженность, беспокойство форм.

В XI--XII вв. в употребление входят «новоиндийские» языки -- хинди, урду, бенгали, маратхи. Древний санскрит остается в основном языком науки, как латынь европейского средневековья. В это время возникает новый тип башенных храмов -- шикхара, по форме напоминающих плод дыни. Несмотря на фантастический вид, храм строился по строгим канонам. Таков возвышающийся на монолитной платформе величественный храм в Кхад-журахо. Под влиянием жреческой брахманистской эстетики скульптура постепенно отходит от непосредственных наблюдений жизни, становясь все более канонической и отвлеченной, символически выражая идеи индуизма.

С XIII в. разрозненные индийские княжества подвергаются вторжению мусульман, принесших с собой ислам и его эстетику, активно влиявших на искусство Индии почти до начала XIX в. Возникли новые формы в архитектуре -- мечеть, минарет, мавзолей. Позднее складывается средневековая архитектура Индии, синтезирующая местное и привнесенное, два стиля сливаются в один, «индо-мусульманскнй».

Насколько это удалось, можно судить по знаменитой усыпальнице Тадж-Махал (1632--1650), которую заслуженно называют жемчужиной индийской архитектуры, «поэмой в мраморе», «лебединой песнью зодчества эпохи Великих Моголов. Купол мавзолея, как говорят индийцы, похож на «облачко, отдыхающее из воздушном троне».

Мавзолей был создан по велению императора Шах-Джахана в память его любимой жены Мумтаз-Махал лучшими архитекторами Востока.

Английская колонизация в конце XVIII в. Остановила развитие национальной монументальной архитектуры и скульптуры, однако сохранилась местные художественные ремесла. Станковая живопись и скульптура, развивавшие национальные традиции, смогли возродиться лишь с подъемом национально-освободительного движения в начале XX в.

Художественная культура Индии оказала огромное влияние на страны Юго-Восточной и Центральной Азии.

Художественная культура Китая насчитывает около пяти тысячелетий в своем развитии. За это время создано великое множество произведений искусства. Величие китайской культуры проявилось в том, что, несмотря на исторические потрясения, она продолжала существовать, опираясь на прочные национальные традиции. Наоборот, завоеватели Китая утрачивали родной язык и письменность, целиком попадая под его культурное воздействие. Обилие памятников искусства древности и поры расцвета средневековой культуры поистине грандиозно, несмотря на чудовищные потери. И в настоящее время прибывающего в Китай поражает легко вписавшаяся в современность и бережно сохраняемая древняя культура.

Возникновению китайской живописи предшествует развитое искусство скульптурного рельефа, образцы которого во множестве обнаружены в древних погребениях китайской знати империи Хань, многие ученые ведут начало китайской живописи именно от ханьских рельефов с их фризовой композицией и богатством ритмических отношений плоскостных силуэтов. В средневековье (III--IV вв. н. э.) Китай входит со стойкими традициями в различных областях культурной жизни.

О широте архитектурных замыслов китайских зодчих свидетельствует древняя Великая китайская стена (строилась в VI--III вв. до н. э.), один из самых величественных памятников мирового зодчества; после многовековых достроек стена превысила 3000 км. Суровый ландшафт северо-китайских гор составляет гармоничное созвучие с суровой простотой этого стратегического сооружения, защищавшего Китай с севера.

Помимо пещерных храмов, строившихся на протяжении веков как своеобразные музеи средневековой скульптуры и настенной живописи, большое распространение получают буддийские мемориальные памятники в честь святых и паломников - пагоды.

С XV в., после изгнания монголов, столицей Китая становится Пекин, по-китайски Бэйцзин (Северная столица), существующий уже более трех тысяч лет. Его план, грандиозные ансамбли дворцов, садов и храмов-созданы по древним образцам и строительным уставам. Город расположен по правилам геомантики «фын-шуй» -- старинной системы ориентировки зданий на местности в зависимости от розы ветров, протекающих вод и окружающих горных цепей. Строго симметричную планировку магистралей и улиц эффектно дополняют тенистые сады и парки на насыпных холмах, глади искусственных озер, раскинувшиеся свободно и живописно. В центре города высится Императорский дворец - «запретный город» -- сказочный лабиринт архитектурных и садово-парковых сооружений. Главное здание дворца -- Тайхэ-дянь -- Павильон высшей гармонии, подобно всем дворцовым деревянным павильонам, сочетает простоту и логичность конструкции с живописной нарядностью декора. С XV в. город украшает и величественный ансамбль Храма Неба, связанный с древнейшими обрядами почитания неба и земли как дарителей урожая. Основное здание -- Храм молитвы за годовую жатву -- с тройной густо-синей черепичной глазурованной конической крышей, красными колоннами и высокой белой круглой террасой с мраморными пандусами, высится над всем ансамблем, словно сияющая горная вершина из драгоценного лазурита.

Живопись как вид искусства издревле пользуется в Китае большим уважением. Сохранились посвященные живописи стихи и трактаты, описания картин и сводные истории о мастерах живописи на светскую и культовую, прежде неразрывно связанных между собой. Культовая живопись украшает стены буддийских храмов, светская -- шелковые свитки и стены дворцов. Китайская живопись неразрывно связана с поэзией. Большая часть живописцев была и поэтами (в пору китайского средневековья от образованного человека требовалось, чтобы он был и поэтом, и музыкантом, и живописцем, а часто и философом). Сочетание картины и надписи необычно для европейского восприятия, да и картина совершенно обходится без рамы, в виде свитка хранимая в специальных ящиках и развертываемая в редких случаях для рассмотрения. По-видимому, на рубеже новой эры была выработана эта форма живописных свитков, имеющих два вида. Вертикальные свитки обычно не превышают 3 метров, тогда как горизонтальные (панорама, иллюстративная повесть: либо серия пейзажей, либо сцены городской жизни) достигают 10 метров.

Китайский народ с его богатейшей фантазией, воспитанным тысячелетиями тонким художественным вкусом создал великие и прекрасные традиции в прикладном искусстве. Достаточно назвать китайский художественный фарфор, долгое время служивший валютой, будучи монополией и секретом Китая.

Не умея проникнуть в тайны иероглифической письменности, западный мир долгое время почти не знал китайской классической поэзии. Чистым источником вдохновения для китайских поэтов последних двух тысячелетий служит древнейшая классическая «Шицзин» -- «книга песен», где собраны лирические на-родные песни и ритуальные гимны XII--VII вв. до н. э.

С XVII в. китайские художественные изделия Проникают в Европу, фарфор и шелк ценятся на вес золота. Влияние китайского искусства ощутимо в стиле рококо и в загородной, парковой архитектуре XIX в., что было лишь поверхностной стилизацией. Более глубоки связи китайского искусства с европейской романтической традицией символистской поэзии рубежа XIX и XX вв. Поэты-символисты отмечали, что старая китайская живопись «уходит от действительности к снам наяву», художники Китая обладают способностью «зачаровывать предметы», изображать их с помощью чувства, переживания, воспоминания.

Искусство Японии -- это самостоятельный исторический тип искусства. Его возникновение теряется в веках. Долгое время об искусстве древней Японии не было ничего известно. Только в начале XX в. обнаружены памятники II--I тысячелетии до н. э. Длительный период древней культуры с IV тыс. до н. э. почти до начала новой эры называется Дземон («след веревки»), от способа изготовления древнейшей керамики. Ритуальные сосуды были для древнего человека драгоценным сводом знаний о мире, его стихиях, магической связи человека и Вселенной. По мнению исследователей, именно к началу земледелия относятся глиняные фигурки -- догу -- божков плодородия.

Считается, что наиболее значительный вклад в мировую культуру Япония внесла в эпоху феодального средневековья (с VI-- VIII до середины XIX в,), испытав сильное культурное влияние Кореи и особенно Китая. Все основные черты китайского искусства получили развитие, однако формирование национального художественного стиля заключалось в преодолении влияний и доведении до высокой степени совершенства отдельных, заимствованных в Китае видов искусства. Отличительной особенностью японской культуры является ее демократизм. Особое значение придавалось художественному оформлению интерьера в жилищах разных слоев общества.

В каждый из периодов долгого средневековья созданы выдающиеся художественные произведения. В VII--VIII вв. -- это архитектурно-скульптурные ансамбли буддийских монастырей.

По древнему закону храмы строились на 20 лет, затем их разрушали и строили новые по такому же плану. Древнейшие синтоистские храмы («синтоизм» -- «путь богов» древнейшая национальная политеистическая религия) строили из ценных пород дерева. Буддизм, который с VI в. становится государственной религией, предопределил грандиозный размах зодчества. Знаменит храм Хорюдзи, Золотой храм около древней столицы Нара и самое большое деревянное здание в мире - «храм Тодайдзи. «Великий восточный храм», главная государственная святыня с огромной бронзовой статуей Будды внутри. Буддийские храмовые комплексы стали прообразом первых городских поселений.

В IX--XII вв. появляется и переживает расцвет японская светская живопись -- ямато-э. На шелке и бумаге яркими красками с добавлением золота и серебра художники рисовали пейзажи, придворные сцены, иногда иллюстрировали знаменитые романы своих современников. Картины в форме горизонтальных свитков - зкимоно -- рассматривали на столе, а вертикальные -- какимоно - украшали стены парадных комнат. Картины ямато-э («японской живописи») оставляют впечатление праздничной драгоценности.

В XVII--XVIII вв. созданы замечательные произведения в сфере декоративных росписей на ширмах и стенах дворцов. Безукоризненная точность линий, выработанная в живописи па свитках, стала в росписи ширм залогом выразительности каждого силуэта, строгой ритмической упорядоченности цветовых пятен; изысканная декоративность свитков приобрела здесь черты монументальности.

Завершающий этап средневековья ознаменовался расцветом ксилографии -- гравюры на дереве, которая служила театральной афишей, книжной иллюстрацией, поздравительной открыткой и просто украшением быта. Коллективность творчества, как и виртуозность исполнения каждого штриха, общая композиция и звучная гамма цветов роднит гравюру с живописью (ямато-э) и декоративным искусством. Мастерами гравюры признаны Китагава Утамаро («Шесть знаменитых красавиц») и Кацусика Хокусай («Путешествие по водопадам различных провинций»).

Специфическим для Японии было декоративное искусство НЭЦКЭ -- фигурки (брелки) из кости и дерева, изображавшие то бога мудрости, то цикаду на листе, то маску богини веселья. Вообще горожанин XVII--XIX вв. обладал высокой культурой восприятия условности в искусстве, связанной с религиозной и фольклорной символикой, и был окружен в быту живописью и декоративно-прикладным искусством. Он наслаждался в театре «Кабуки» условной игрой актеров, сам сочинял трехстишья -- хокку и пятистишья - танка, умел оценить поэтический шедевр Мондзаэмона и Басе.

Японское искусство оказывает влияние на Европу примерно с XVII в., когда в Англии появилась мебель в японском стиле.

Художественная культура Индии, Китая и Японии представляет собой самостоятельное явление в мировом искусстве, которое, открывается лишь при глубоком изучении и тонком проникновении в художественный мир Востока.

Идеалы просвещения и их отражение в искусстве

В Европе XVIII в. почти все пространство человеческого знания и разума было заполнено философией Просвещения. Мыслители, ученые и люди искусства отстояли перед церковными и светскими властями определенную свободу научного и художественного творчества. С гордой своей утонченностью цивилизация, потребность в жизненных удобствах в той же мере стимулировали научные открытия, что и потребности в познании.

В 1751 г. вышел первый том Энциклопедии, или «Толкового словаря наук, искусств и ремесел». Издание, по выражению Дидро, стало символом «века философии». Руководителями гигантского проекта были Дидро и Даламбер и еще 178 сотрудников. Уже к 1759 году, несмотря на запрет, в свет вышли семнадцать томов текста и одиннадцать томов иллюстраций. Это монументальное произведение вобрало в себя все направления мысли, эпохи Просвещения. Была составлена общая картина всех знаний, которые человечество приобрело к середине XVIII в. В введении к «Энциклопедии» Даламбер приглашает читателя самостоятельно мыслить и искать истину в естественных науках, в истории, а не в Библии или церковных проповедях. Человек сам держит в руках свое счастье; он способен всего достичь, если освободится от оков, мешающих его движению вперед. «Энциклопедия» сама того не зная, изменяла мир. Ее идеи провоцировали антипросвещенченские тенденции, вызывали ожесточенные споры. Очень скоро они станут залпами Революции. Чтимые и ненавидимые, авторы «Энциклопедии» выступали в роли ее предвозвестников. Гимн труду, прославление природы, иллюстрации давали представление о реальной жизни и воспевали прогресс. Вселенная просматривалась насквозь -- от недр до утробы человека.

Распространение книг, газет и кафе приводит к тому, что в XVIII в. у людей появляются новые привычки, например, читать печатные издания. Аристократические салоны были центрами светской жизни, 300 парижских кафе тоже являлись очагами культуры, где читались газеты и обсуждались новости. Основывались публичные библиотеки и читальные залы. Создавались литературные общества, научные общества, например, академии, которые становились настоящими бастионами «литературной республики».

Именно в XVIII в. в центре общественного внимания оказывается личность идеального писателя. «Писатель -- это философ, человек света и наставник человеческого разума», -- писал Вольтер в своей статье, посвященной литераторам. С 1760-х гг. и до самой Революции культ писателя сочетается с поклонением Прогрессу. Силой своего гения писатель соединяет рационализм и чувствительность, призывает свободу и правит империей общественного мнения. Вот эта новая философия и перевернет весь западный мир. Наука эпохи Просвещения делает невиданные успехи и открытия. Важные страницы Ботаники были написаны в Королевском саду (Ботанический сад), вобравшем огромное множество растений. Карл фон Линней (1707--1778) описал тысячи видов флоры, фауны, дал им двойные латинские названия. В 1700 г. Жозеф Турнефор создает научную классификацию цветов, положив в ее основу строение тычинки. Термин «биология» ввел в оборот французский натуралист Жорж Луи Бюффон (1707-- 1788), обозначив им «науку о жизни». В 1868 г. Ньютон опубликовал главный труд своей жизни -- «Математические начала натуральной философии». Парижская Академия наук делает большие успехи в астрономии, установив мощные телескопы, снабженные микрометром -- изобретением Озу, и часами с маятником -- изобретением Гюйгенса, что позволило увеличить точность измерений в сто тысяч раз.

Двое ученых -- Ньютон и немецкий философ Лейбниц -- почти одновременно открывают исчисление бесконечно малых величин. Расчеты Ньютона- очень помогли в описании «небесной механики», вплоть до настоящего времени математики пользовались методами и записями Лейбница. Энтузиазм европейской публики вызвали машины, вырабатывавшие электричество. Весь Париж устремлялся на демонстрации опытов аббата Нолле, который развлекал королевский двор, наэлектризовывая роту гвардейцев Людовика XV.

Успехи естественных наук и технические достижения способствовали развитию производства.

Рост городов -- одна из примечательных черт XVIII в. Благодаря увеличению числа университетов и театров, города становится средоточением интеллектуального и художественного творчества. Горожанам возводятся дворцы для их увеселения. Строительство Московского университета, Смольного института в Санкт-Петербурге лишний раз подтверждает, что Россия принадлежит Европе.

В музыкальной Европе эпохи Просвещения все больший тон задает католическая и итальянизированная Австрия Моцарта. За отпущенную ему короткую жизнь испытаниям подвергались и талант Моцарта, и его чувства. Он создавал шедевры, но не имел чуткого покровителя. Всемирно признанный сегодня, гений умирает 35 лет отроду, в нищете и нужде. Освоив все музыкальные стили и жанры, создав музыку для всех инструментов, Моцарт воплотил в себе всю музыкальную культуру своей эпохи. Список его произведений насчитывает более 700 опусов, в числе которых оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта».

Творчество Иоганна-Себастьяна Баха (1685--1750), сочинявшего как религиозную, так и светскую музыку, оказало решающее воздействие на развитие всей западной музыкальной культуры.

Оперы, симфонии, квартеты, сонаты, церковная музыка -- все это сочинил Иозеф Гайдн (1732 -- 1809), ставший вместе с Моцартом и Бетховеном одним из законодателей классической венской музыки.

С 1715 г. французский классический театр начинает распространять свое влияние на большинство европейских стран. XVIII в. приносит всеобщее увлечение театром. К 1791 году в Париже был 51 театр. Появились и частные театры: Вольтер, где бы он ни жил, устрашал собственный театр. Буржуазные драмы и сентиментальные комедии ставят реальные проблемы формирующегося общества. Дидро и Бомарше облагородили новый театр своими именами. А еще были и ярмарочные театры и театры парижских 5 бульваров, учитывающие вкусы простых людей. Незадолго до французской революции Бомарше (1732--1799) выпускает на сцену Фигаро в знаменитой трилогии «Севильский цирюльник», «Женитьба Фигаро» и «Преступная мать».

В гуще народа всегда существовали самые разные социальные категории. Наряду с крестьянами, рабочими, ремесленниками, мелкими чиновниками, низы общества включали и тех, чей труд был совсем уж незавидным, а также домашнюю прислугу. Жанровые сценки художника Шардена помогают представить облики заботы простых тружеников, таких как прачки, кухарки, судомойки. Жанровые картины ценились эстетами несмотря на то, что без прикрас рассказывали о повседневной жизни маленького человека.

Это было время, когда была написана Энциклопедия, когда дух Просвещения будил научные мысли и человек ставил омыты во Вселенной... Когда в Европе правили просвещенные государи. Когда Французская революция прославляла свободу, равенство, братство.

Искусство танца

Сегодня балет -- это театральный спектакль с сюжетом, выраженным средствами музыки и танца. Каждый знает, что артисты балета долго тренируются, чтобы потом, на сцене, поразить нас невесомой легкостью прыжка или блеском знаменитых фуэте, словно вращение на одной ноге -- самый естественное, с детства знакомое движение.

В словах «бал» и «балет» один корень, и оба они произошли от «ballo», «ballеttо» (с итал. - танцевать, прыгать). Бал и балет связывает главное -- танцы. Термин «балет» появился в Италии около 1600 г. Первоначально «балетом» называли отдельную танцевальную сцену в спектакле, а не весь спектакль. Если в Италии в конце эпохи Ренессанса возникла опера, то во Франции в эти же годы складывался придворный балет.

В 1573 году во Франции впервые был поставлен «Балет польских послов», а в 1581-м «Комедийный балет Королевы» (Франция, Версаль) - один из первых балетных спектаклей (балетмейстер Бальтазарини ди Бельджойозо). Балет, сопровождая придворный праздник, включал не только танцы, но и пение. В придворных балетах исполнялись обычные бальные танцы, и никакой особой специальной техники танца для этого не требовалось.

В 1588 году француз Туан Арбо предпринял одну из первых попыток создания универсальной системы записи танца.

Короли нередко сами участвовали в придворных балетах. «Король-солнце» Людовик XIV устроил новую для двора роскошную забаву -- «Большой балет короля» и сам участвовал более чем в 30 спектаклях, в том числе, в роли бога Аполлона. В 1681 году по указу Людовика XIV в Париже была открыта «Академия танца». Потому и терминология в хореографии на французском языке. В «Академии танца» проверяли знания балетмейстеров и выдавали им дипломы, устраивали балы, а главное -- совершенствовали народные танцы, в том числе, менуэт.

Менуэт - это же сельский «бранль» (фр. - хоровод), при дворе стал не круговым, а парным, с новыми, более подвижными фигурами. Сегодня на его родине (во французской провинции Пуату в Бретани), менуэт танцуют, плавно приседая, легко подпрыгивая, пристукивая деревянными башмаками - сабо. Народный менуэт -- танец живой и подвижный, веселость сочетается в нем с грацией изяществом.

Среди танцев XVII--XVIII веков менуэт можно сравнить лишь с популярностью вальса в XIX веке. Не королям и придворным, развлекающим самих себя, обязаны мы развитием балета, а тем, для кого искусство было хлебом и жизнью.

1830-50-е гг. - эпоха романтизма в балете. Тоска по романтическому идеалу, стремление к гармонии, утраченной в окружающем человека мире, нашли отражение в структуре балетов, где со сценами реальной жизни контрастируют картины романтических грёз и мечтаний, фантастические, ирреальные образы и персонажи. Именно балет эпохи романтизма закрепил в сознании зрителей «классическое» впечатление о хореографии, впервые так ярко отразил идеализированное представление о человеке и вывел на первый план женщину-танцовщицу.

Истоки романтизма в балете связаны с Англией, Италией и Россией. Представители романтизма в России: Елена Андреянова, Екатерина Санковская, Адам Глушковский, Шарль Дидло. Особое место романтизм занимает во французской хореографии 1830-1840-х годов. Романтический балет «Жизель» на музыку франц. композитора Адана популярен и сегодня.

В 1830-е гг. сформировался костюм, составивший основу современного традиционного балетного костюма: облегающий лиф, широкая полупрозрачная юбка, веночек на голове, мягкие туфли без каблуков, пуанты. Такой костюм был введён на сцене художником и модельером Э. Нами для роли Сильфиды. Это был театрализованный вариант модного бального платья. С тех пор тюник стал постоянным костюмом танцовщицы. Этот изменившийся костюм позволил во многом усовершенствовать и технику танца: развитие получила пальцевая техника, пластика мелких движений, большой шаг, высокий прыжок, создающий иллюзию парения танцора в воздухе.

Размещено на Allbest.ru