Культура и наука XIX века, ее вклад в мировую культуру

Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования и науки РФ

СПбГХПА

Реферат

по дисциплине «История»

Культура и наука 19 века, ее вклад в мировую культуру

Выполнила:

В. Ивашкевич

г. Санкт-Петербург, 2013

Оглавление

Введение

1. Культура России 19 века

2. Развитие науки

3. Вклад в мировую культуру

Заключение

Список литературы

Введение

Начало XIX века - время культурного и духовного подъема в России. Если в экономическом и социально-политическом развитии Россия отставала от передовых европейских государств, то в культурных достижениях она не только шла вровень с ними, но и часто опережала. Развитие русской культуры в первой половине XIX века опиралось на преобразования предшествующего времени. Проникновение элементов капиталистических отношений в экономику усилило потребность в грамотных и образованных людях. Города стали основными культурными центрами. Новые социальные слои втягивались в общественные процессы. Культура развивалась на фоне все возрастающего национального самосознания русского народа и в связи с этим имела ярко выраженный национальный характер. Существенное влияние на литературу, театр, музыку, изобразительное искусство оказала Отечественная война 1812 года, которая в небывалой степени ускорила рост национального самосознания русского народа, его консолидацию. Произошло сближение с русским народом других народов России. Однако консервативные тенденции в политике императоров Александра I и Николая I сдерживали развитие культуры. Правительство активно боролось с проявлениями передовой общественной мысли. Крепостничество не давало возможности пользоваться высокими культурными достижениями всему населению.

Эпоха Освобождения дала сильный толчок культурному развитию России. Изменения в экономической и политической жизни после падения крепостного права создавали новые условия для развития культуры. Втягивание в рыночные отношения все более широких слоев крестьянства со всей остротой поставило вопрос о начальном народном образовании. Это вызвало невиданный прежде рост числа сельских и городских школ. Промышленность, транспорт и торговля проявляли все более широкий спрос на специалистов со средним и высшим образованием. Значительно выросли ряды интеллигенции. Ее духовные запросы вызывали рост книгоиздательского дела, подымали тиражи газет и журналов. На этой же волне шло развитие театра, живописи, других искусств. Культура России второй половины XIX-начала XX века впитала художественные традиции, эстетические и моральные идеалы "золотого века" предшествующего времени. На рубеже веков XIX - XX веков в духовной жизни Европы и России появились тенденции, связанные с мироощещениями человека XX столетия. Они требовали нового осмысления социальных и нравственных проблем. Все это приводило к поиску новых изобразительных методов и средств. В России сложился своеобразный историко-художественный период, который его современника назвали "серебряным веком" русской культуры.

Прославление подвига народа, идея его духовного пробуждения, обличение язв крепостнической России -- таковы главные темы изобразительного искусства 19 века.

1. Культура России 19 века

изобразительный искусство культура крепостнический

XIX век по праву считают «золотым веком» русской культуры. Именно в это столетие национальная культура русского народа достигла высокой зрелости, получила мировое значение. Культурное наследие этого столетия так велико, что мне бы хотелось написать о развитии каждого из видов искусства того времени отдельно.

Литература

19 век - знаменательный век в русской литературе. Он дал миру такие великие имена, как А.С. Пушкин, М.Ю. Лермонтов, Н.В. Гоголь, И.С. Тургенев, Ф.М. Достоевский, Л.Н. Толстой… Литература этого времени четко делится на два периода: первая половина 19 века и вторая половина 19 века. Художественные произведения этих периодов отличаются идейным пафосом, проблематикой, художественными приемами, настроением. Русская литература первой половины XIX в. - одно из?наиболее ярких явлений в истории мировой культуры. На?рубеже XVIII-XIX вв. классицизм с его риторикой и "высоким?штилем" постепенно вытеснялся новым литературным течением?- сентиментализмом. Основоположником этого направления в?русской словесности был Н.М. Карамзин. Его произведения, открывая современникам мир человеческих чувств,?пользовались огромным успехом. Творчество Н.М. Карамзина?сыграло большую роль в развитии русского литературного?языка. Именно Н.М. Карамзин, по выражению В.Г. Белинского,?преобразовал русский язык, совлекши его с ходуль латинской?конструкции и тяжелой славянщины и приблизил к живой,?естественной, разговорной русской речи". Отечественная война 1812 г., порожденный ею подъем?национального самосознания вызвал к жизни такое?литературное течение как романтизм. Одним из его наиболее выдающихся представителей в русской литературе стал?В.А. Жуковский. В своих произведениях В.А. Жуковский часто?обращался к сюжетам, навеянным народным творчеством,?перелагая стихами легенды и сказки. Активная переводческая?деятельность В.А. Жуковского знакомила русское общество с?шедеврами мировой литературы - творчеством Гомера, Фирдоуси, Шиллера, Байрона и др. Высоким гражданским?пафосом был пронизан революционный романтизм поэтов -?декабристов К.Ф. Рылеева, В.К. Кюхельбекера.

Русская литература первой половины XIX в. необычайно?богата яркими именами. Величайшим проявлением народного?гения стала поэзия и проза А.С. Пушкина. "...через эпоху?Державина, а потом Жуковского, - писал один из выдающихся?представителей отечественной философской мысли?В.В. Зеньковский, - приходит Пушкин, в котором русское творчество стало на собственный путь - не чуждаясь?Запада... но уже связав себя в свободе и вдохновении с?самыми глубинами русского духа, с русской стихией". В 30-е?годы XIX в. пышным цветом расцвел талант младшего?современника А.С. Пушкина - М.Ю. Лермонтова. Воплотив в своем стихотворении "На смерть поэта" общенациональную?скорбь по поводу гибели А.С. Пушкина, М.Ю. Лермонтов вскоре?разделил его трагическую судьбу. С творчеством А.С. Пушкина?и М.Ю. Лермонтова связано утверждение реалистического?направления в русской литературе.

Свое яркое воплощение это течение нашло в произведениях Н.В. Гоголя. Его творчество наложило огромный отпечаток на?дальнейшее развитие отечественной литературы. Сильное?влияние Н.В. Гоголя испытали начавшие свою литературную?деятельность в 40-е годы XIX в. Ф.М. Достоевский,?М.Е. Салтыков-Щедрин, Н.А. Некрасов, И.С. Тургенев, И.А. Гончаров, чьи имена являются гордостью отечественной и?мировой культуры. Крупным событием литературной жизни?конца 30-начала 40-х годов стала короткая творческая?деятельность А.В. Кольцова, поэзия которого восходила к?народной песне. Глубоким чувством Родины была насыщена философско-романтическая лирика выдающегося поэта-мыслителя Ф.И. Тютчева. Шедеврами русского?национального гения стали элегии Е.А. Баратынского.

Авторы, чьи произведения составляют классику русской литературы второй половины 19 века, очень разные. В их число входят А.Н. Островский, И.С. Тургенев, Ф.М. Достоевский, Л.Н. Толстой, А.П. Чехов. А.Н. Островский по праву считается реформатором, привнесшим много нового в русскую драматургию. Новаторство его сказалось в том, что он круто повернул русский театр к жизни и к ее актуальным социально-нравственным проблемам. Островский первым обратился к жизни русского купечества, обрисовал быт и нравы этого огромного слоя российского общества, показал, какие проблемы существуют в нем. Кроме того, именно Островский стал «разработчиком» психологической драмы, показывающий внутренний мир героев, волнения их души. Пьесы этого драматурга наполнены символикой. Все эти черты найдут продолжение в пьесах Чехова и драматургов 20 века. И.С. Тургенев вошел в историю не только русской, но и мировой литературы как непревзойденный психолог и художник слова. Этот писатель известен прежде всего как автор романов «Отцы и дети», «Дворянское гнездо», «Рудин» и другие. Кроме того, он является создателем стихов в прозе, полных лиризма и глубоких раздумий над жизнью, и других прозаических произведений. Определяя главную особенность своего творческого пути, Тургенев говорил: «Я стремился, насколько хватало сил и умения добросовестно и беспристрастно изобразить и воплотить то, что Шекспир называл самый образ и давление времени». Классик сумел показать в своем творчестве чистоту любви, силу дружбы, страстную веру в будущее своей Родины, уверенность в силе и мужестве русского человека. Творчество истинного художника слова предполагает множество открытий, и Тургенев - тому подтверждение. Все творчество Ф.М. Достоевского -- это художественное исследование человека, его идеальной сути, его судьбы и будущего. Человек Достоевского -- это существо, потерявшее целостность, это человек в разладе, в несовпадении с действительностью и с самим собой. Можно сказать, что герой Достоевского - это мятущийся герой, который постоянно находится в поисках себя. Этот путь полон страданий, крови, греха. Но всегда это - мыслящий человек, пытающийся познать себя. В своем отрицании и Бога и жизни герой Достоевского намного честнее, чем многие «верующие» и «добропорядочные» люди. Персонажи Достоевского кровно связаны с Богом, хотя часто и отрицают его. Сами того не ведая, они часто проходят путь многих евангельских святых, буквально «перестрадав» свою веру. Мир Достоевского - это мир «униженных и оскорбленных». Взгляд писателя обращен именно к ним, обнажая жизнь и страданья этих людей. Во многом, поэтому Ф.М. Достоевского называют «великим русским гуманистом». Изображение духовного роста человека, «диалектики души» -- самое, пожалуй, характерное в творчестве Л.Н. Толстого. Эта художественная особенность прослеживается на протяжении всего творческого пути писателя. Толстой пишет так, что ясно видно: чем больше влияет на человека светское общество, тем беднее его внутренний мир, человек может достигнуть внутренней гармонии в общении с народом, с природой. Толстой убежден, что сословные преграды угнетающе действуют на развитие характера. Герои Толстого не чужды противоречий, в них происходит упорная внутренняя борьба, но лучшие душевные качества никогда не изменяют им. Интуитивная душевная чуткость Наташи, благородство Пьера, аналитический ум и моральная красота князя Андрея, тонкая душа княжны Марьи -- все это объединяет героев «Войны и мира», несмотря на индивидуальность каждого характера. Можно сказать, что всех лучших героев Толстого объединяет богатство душевного мира и стремление к счастью. Все произведения А.П. Чехова не только очень реалистичны, но в них еще и заложен глубокий философский смысл. «Пошлость пошлого человека» - это то, против чего всю жизнь боролся писатель. Протест против обыденщины, мещанства - главное в его произведениях. Одни герои писателя стремятся вырваться из этого «заколдованного круга» (три сестры из одноименной пьесы), другие покорно погружаются в эту трясину, постепенно усыпляя свою душу (док тор Старцев из «Ионыча», например). ? Произведения Чехова сложны и очень тонки. В них несколько смысловых пластов, раскрыть которые может только внимательный и знающий читатель. Все произведения этого русского писателя наполнены множеством символов, позволяющих раскрыть всю их глубину. Таким образом, русская литература второй половины 19 века очень разнообразна и ярка. Каждый писатель того времени - это настоящая величина не только русской, но и мировой литературы. Несмотря на все различия, всех этих художников объединяет любовь к родине, стремление улучшить жизнь русских людей. Кроме того, все писатели пользовались классическими традициями, создавая на их основе что-то свое, новое, ставшее, в свою очередь, тоже классикой.

Театр

XIX век в жизни русского театра -- «золотой век», в течение которого были созданы величайшие произведения классической драматургии, русская актерская школа. XIX век начался с формирования реалистических принципов драматургии и актерской игры и закончился рождением режиссерского театра, обобщившего опыт достигнутого в течение столетия отечественным сценическим искусством. Теоретическое обоснование принципы этого искусства получили в трудах К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Театр стал значительным явлением культурной жизни России первой?половины XIX в. Популярность театрального искусства росла. Крепостной театр сменялся "вольным" -?государственным и частным. Впрочем, государственные театры?появились в столичных городах еще в XVIII в. В частности,?в Петербурге в начале XIX в. их было несколько - дворцовый?театр в Эрмитаже, Большой и Малый театры. В 1827 г. в?столице открылся цирк, где ставились не только цирковые представления, но и драматические спектакли. В 1832 г. в Петербурге по проекту К.И. Росси было построено здание драматического театра, оборудованного по последнему слову театральной техники. В честь жены Николая I Александры Федоровны он стал именоваться Александрийским (ныне -?театр им. А.С. Пушкина). В 1833 г. завершилось строительство Михайловского театра (ныне - Малый театр оперы и балета). Свое наименование он получил в честь брата Николая I - великого князя Михаила Павловича. В?Москве в 1806 г. открылся Малый театр, а в 1825 г. завершилось строительство Большого театра.

С большим успехом шли на сцене такие драматические произведения как "Горе от ума" А.С. Грибоедова, "Ревизор" Н.В. Гоголя и др. В 20-40-е годы в Москве демонстрировал свое многогранное дарование выдающийся русский актер М.С. Щепкин, друг А.И. Герцена и Н.В. Гоголя. Большим успехом у публики пользовались и другие замечательные артисты - В.А. Каратыгин - премьер столичной сцены, П.С. Мочалов, царивший на сцене Московскаго драматического театра и др.

Значительных успехов в первой половине XIX в. добился?балетный театр, чья история в тот период во многом была связана с именами знаменитых французских постановщиков Дидло и Перро. В 1815 г. на сцене Большого театра Петербурга дебютировала замечательная русская танцовщица А.И. Истомина.

Во второй половине XIX в. в истории русского театра наступает новая эпоха - на сцене появляются пьесы великого русского драматурга А.Н. Островского. Драматургия Островского - это целый театр, и в этом театре выросла плеяда талантливейших актеров, прославивших русское театральное искусство.

Кроме пьес Островского в русской драматургии второй половины XIX в. появляются пьесы А.В. Сухово-Кобылина, М.Е. Салтыкова-Щедрина, А.К. Толстого, Л.Н. Толстого. Театр идет по пути утверждения правды, реализма.

Во второй половине XIX в. значительно увеличивается интерес к русской современной драме. Революционно-демократическая критика во главе с Чернышевским и Добролюбовым поддерживает драматургию Островского, обличающую темное царство купцов-самодуров, продажность и лицемерие бюрократической машины русского самодержавия.

Первое представление пьесы Островского состоялось 14 января 1853 г. на сцене Малого театра, когда была сыграна комедия «Не в свои сани не садись». Малый театр приобретает большое общественное значение в 50-70-е годы XIX в. Его роль в культурной жизни России чрезвычайно велика. Недаром Малый театр за его высокую просветительскую и воспитательную роль называли вторым университетом. Именно он утвердил на сцене драматургию Островского.

После первой постановки комедии «Не в свои сани не садись» Островский все свои пьесы отдает на сцену Малого театра. Сблизившись со многими талантливыми артистами, драматург сам принимает участие в постановке своих произведений. Его пьесы - целая эпоха, новый этап в развитии русского сценического искусства. Именно в пьесах Островского раскрылся талант крупнейшего актера Малого театра Прова Михайловича Садовского (1818-1872). Исполнение артистом роли Любима Торцова в пьесе «Бедность не порок» стало одним из высочайших достижений артиста. Садовский сыграл 30 ролей в репертуаре Островского. Его герои, казалось, пришли на сцену из самой жизни, зритель узнавал в них хорошо знакомых людей. Садовский своим творчеством продолжал принципы великого актера-реалиста Щепкина.

Вместе с Садовским на сцене Малого театра играла выдающаяся русская трагическая актриса Любовь Павловна Никулина-Косицкая (1827-1868). Она была первой и одной из самых замечательных исполнительниц Катерины в «Грозе» Островского. В ее даровании сочетались черты романтической приподнятости и глубокой реалистической правды в изображении человеческих чувств и переживаний. Полина Антипъевна Стрепетова (1850-1903), крупнейшая провинциальная трагическая актриса, навсегда запомнила ее игру на сцене. Встреча с Никулиной-Косицкой помогла Стрепетовой стать большой актрисой. Традиции искусства Никулиной-Косицкой сказались также в творчестве великой трагической актрисы Малого театра М.Н. Ермоловой.

Передовые, демократические стремления талантливейших актеров Малого театра постоянно вызывали ожесточенное сопротивление со стороны театрального начальства и цензуры. Многие пьесы Островского, несмотря на их успех у зрителей, часто снимались с представления. И все же пьесы Островского все прочнее входят в репертуар театра, оказывая влияние и на других драматургов.

В сценическом искусстве продолжают совершенствоваться творческие принципы Щепкина. Основой труппы Малого театра 50-70-х годов XIX в. становятся такие актеры, как П.М. Садовский, Л.П. Никулина-Косицкая, С.В. Шумский, С.В. Васильев, И.В. Самарин.

В 80-90-е годы XIX в. после убийства народовольцами Александра II усиливается наступление реакции. Цензурный гнет особенно тяжело сказался на репертуаре театра. Малый театр переживает один из самых сложных и противоречивых периодов своей истории. Основой творчества крупнейших актеров Малого театра стала классика.

Постановки драм Шиллера, Шекспира, Лопе де Вега, Гюго с участием величайшей трагической актрисы Марии Николаевны Ермоловой стали событиями в театральной жизни Москвы, В этих спектаклях зритель видел утверждение героических идей, прославление гражданского подвига, призыв к борьбе с произволом и насилием.

Труппа Малого театра в конце XIX в. была необыкновенно богата талантливейшими актерами. Они явились замечательными продолжателями славных традиций Малого театра, его искусства глубокой жизненной правды, хранителями заветов Щепкина, Мочалова, Садовского.

Александрийский театр в Петербурге в первые десятилетия второй половины XIX в. переживает наиболее трудный период своей истории. Большое влияние на судьбу театра всегда оказывала его близость к царскому двору. Дирекция императорских театров с нескрываемым пренебрежением относилась к русской драматической труппе. Явное предпочтение отдавали иностранным актерам и балету. Искусство актеров Александрийского театра развивается в основном в направлении совершенствования внешних приемов выражения. Величайшим мастером перевоплощения, виртуозно владевшим техникой актерского искусства, был Василий Васильевич Самойлов (1813-1887), создававший жизненно достоверные, сценически эффектные образы.

Творчество талантливейшего актера-гуманиста Александра Евстафьевича Мартынова (1816-1860), создателя целого ряда образов «маленьких людей», защищавшего их право на счастье, было исключением для Александрийского театра тех лет. Он играл Подколесина в «Женитьбе» и Хлестакова в «Ревизоре» Гоголя, Мошкина в «Холостяке» Тургенева, много ролей из репертуара Островского. Одним из высочайших достижений артиста был образ Тихона в «Грозе» Островского. Мартынов был одинок в театре, ранняя смерть унесла его в расцвете творческих сил.

Творчество этих актеров прокладывало дорогу для их решения, открывало путь театру будущего.

Музыка

Первая половина XIX в. стала временем формирования в России национальной музыкальной школы. В этот же период создается русская национальная опера. Огромный вклад в развитие музыкального искусства внесло творчество М.И. Глинки. Созданные им оперы "Жизнь за царя" (у нас она по понятным причинам долгое время именовалась "Иван Сусанин"), "Руслан и Людмила" поставили М.И. Глинку в один?ряд с крупнейшими композиторами мира. В своем оперном и симфоническом творчестве М.И. Глинка явился основоположником русской классической музыки. К числу талантливейших композиторов первой половины XIX в. относились А.А. Алябьев - автор более чем 200 романсов и песен, А.Н. Верстовский. Крупным явлением в истории русского музыкального искусства стало творчество А.С. Даргомыжского. Большой успех имели его вокальные?произведения - в особенности романсы. По мотивам песен и обрядов была создана его опера "Русалка" - лирическая музыкальная драма. В сокровищницу русского музыкального искусства вошла опера А.С. Даргомыжского "Каменный гость", написанная на текст А.С. Пушкина.

Говоря о второй половине 19 века, мне хотелось бы выделить творческое содружество российских композиторов под названием «Могучая кучка», которое сложилось в Санкт-Петербурге в конце 1850-х и начале 1860-х годов и сыграло большую роль в русской музыкальной культуре. Оно состояло из гениальных композиторов, в произведениях которых отражались передовые идеи популярного в то время демократического движения. Члены "Могучей кучки" считали себя последователями великих мастеров - А.С. Даргомыжского и М.И. Глинки. В 1860-х годах всю страну охватил демократический подъем, вся интеллигенция боролась за прогрессивные идеалы-как в общественной жизни, так и в культуре. В литературе появляется журнал "Современник", в живописи - "Артель художников". Эти группы людей противопоставляют себя официальным, классическим обществам. "Могучая кучка" также становится своеобразным антагонистом академической рутины. Главный лозунг - не отрываться от жизни! Главное в музыке - национальная направленность! Состав "Могучей кучки" практически не менялся за все время ее существования: основными членами были Балакирев, Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков, и Кюи.

Все эти яркие, выдающиеся, талантливые люди однажды встретились и, увидев друг в друге единомышленников, объединились в музыкальное содружество, получившее название "Балакиревский кружок", а позже - "Могучая кучка", или "Группа пяти". Идейным вдохновителем был Владимир Васильевич Стасов, музыкальный критик - фактически, он являлся шестым членом "Могучей кучки", хотя и не был композитором. Он же дал содружеству название - в своей статье " Славянский концерт г. Балакирева". Сами члены Балакиревского кружка ввели такое понятие, как "Новая русская музыкальная школа". Свои идеи они несли в народ: в качестве просветительской деятельности композиторы "Могучей кучки" образовали бесплатную музыкальную школу.

В творчестве всех пятерых преобладают народные, сказочные мотивы, часто встречаются сюжеты из истории России - композиторы постоянно ищут нравственные идеалы в исконных началах. В связи с этим, важнейшей опорой для них была народная песня (и русская, и восточная)- они собирали старинные крестьянские напевы, в которых видели корни национального русского мышления. Далее мотивы обрабатывались и воплощались в творчестве "Могучей кучки". Кроме того, Балакирев и Римский-Корсаков собрали песни в отдельный сборник - "Сорок русских народных песен" (1860).

Что касается интонационной выразительности, "кучкисты" опирались на творчество Александра Сергеевича Даргомыжского. В его операх "Каменный гость" и "Русалка", как считали члены содружества, наиболее точно и ясно выражаются идеи, "слова". Даргомыжский, как и Глинка, был для них отцом-основателем музыкальной культуры России.

Практически всем произведениям "кучкистов" свойственен размах, большие размеры, эпическая широта. В камерном же творчестве ярко проявил себя только Бородин. Однако в фортепианной литературе выделились Балакирев ("Исламей") и Мусоргский ("Картинки с выставки").

Главным противником "Могучей кучки" была академическая школа, а особенно - Петербургская консерватория, которую возглавлял в то время А.Г. Рубинштейн. Члены содружества критиковали "консерваторов" за то, что те слишком тщательно следуют традициям и не признают других путей развития музыки в России, в том числе и национально-народных. Однако со временем конфликт сглаживался, и в 1871 году Римский-Корсаков даже стал профессором Петербургской консерватории.

"Могучая кучка " распалась в средине 1870-х годов, причин этому было много: как лежащих на поверхности (отстраненность Балакирева из-за душевного кризиса), так и более глубоких (творческие расхождения между "кучкистами"5 например, Мусоргский и Балакирев сочли Римского-Корсакова перебежчиком и предателем). Это, в общем-то, неудивительно: такие гении не могли долго находиться в одной группе, каждому был необходим индивидуальный творческий рост.

Но с распадом "Могучей кучки" никуда не пропали их идеи - еще многие русские композиторы создавали свои произведения под их влиянием . Благодаря Римсому-Корсакову, кучкистская деятельность стала активно развиваться в Петербургской консерватории. Появился "беляевский кружок", возглавлял который сам композитор. По словам Римского-Корсакова, "беляевский кружок" нельзя считать абсолютным продолжателем "балакиревского кружка", ведь "... кружок Балакирева соответствовал периоду бури и натиска в развитии русской музыки, а кружок Беляева - периоду спокойного шествия вперед; "балакиревский был революционный, "беляевский" же- прогрессивный...".

Среди композиторов, творящих на рубеже веков, продолжателями традиций "Могучей кучки" можно по праву считать Александра Глазунова, Анатолия Лядова, Александра Гречанинова и многих других.

Живопись

Культурная жизнь России в первой половине XIX в. характеризовалась интенсивным развитием изобразительного искусства. Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

Кипренский Орест Адамович [13 (24) марта 1782, Мыза Нежинская, около Копорья, ныне в Ленинградской области -- 17 октября 1836, Рим], русский художник. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как замечательный портретист. В картине «Дмитрий Донской на Куликовом поле» (1805, Русский музей) продемонстрировал уверенное знание канонов академической исторической картины. Но рано областью, где его талант раскрывается наиболее естественно и непринужденно, становится портрет. Первый его живописный портрет («А.К. Швальбе», 1804, там же), написанный в «рембрандтовской» манере, выделяется своим выразительным и драматичным светотеневым строем. С годами его мастерство, -- проявившееся в умении создавать в первую очередь неповторимые индивидуально-характерные образы, подбирая особые пластические средства, чтобы эту характерность оттенить, -- крепнет. Впечатляющей жизненности полны: портрет мальчика А.А. Челищева (около 1810-11), парные изображения супругов Ф.В. и Е.П. Ростопчиных (1809) и В.С. и Д.Н. Хвостовых (1814, все -- Третьяковская галерея). Художник все чаще обыгрывает возможности цветовых и светотеневых контрастов, пейзажного фона, символических деталей («Е.С. Авдулина», около 1822, там же). Даже большие парадные портреты художник умеет сделать лирически, почти интимно непринужденными («Портрет лейб-гусарского полковника Евграфа Давыдова», 1809, Русский музей). Его портрет молодого, овеянного поэтической славой А.С. Пушкина является одним из лучших в создании романтического образа. У Кипренского Пушкин выглядит торжественно и романтично, в ореоле поэтической славы. «Ты мне льстишь, Орест»,-- вздохнул Пушкин, взглянув на готовое полотно. Кипренский был также виртуозным рисовальщиком, создавшим (преимущественно в технике итальянского карандаша и пастели) образцы графического мастерства, зачастую превосходящие открытой, волнующе легкой своей эмоциональностью его живописные портреты. Это и бытовые типажи («Слепой музыкант», 1809, Русский музей; «Калмычка Баяуста», 1813, Третьяковская галерея), и знаменитая серия карандашных портретов участников Отечественной войны 1812 года (рисунки с изображением Е. И. Чаплица, А. Р. Томилова, П. А. Оленина, тот же рисунок с поэтом Батюшковым и др.; 1813-15, Третьяковская галерея и др. собрания); героическое начало здесь приобретает задушевный оттенок. Большое число набросков и текстовые свидетельства показывают, что художник весь свой зрелый период тяготел к созданию большой (по его собственным словам из письма А.Н. Оленину 1834 года), «эффектной, или, по-русски сказать, ударистой и волшебной картины», где в аллегорической форме были бы изображены итоги европейской истории, равно как и предназначение России. «Читатели газет в Неаполе» (1831, Третьяковская галерея) -- по виду просто групповой портрет -- на деле есть скрытно-символический отклик на революционные события в Европе. Однако наиболее честолюбивые из живописных аллегорий Кипренского остались неосуществленными, либо пропали (подобно «Анакреоновой гробнице», завершенной в 1821). Эти романтические поиски, однако, получили масштабное продолжение в творчестве К.П. Брюллова и А. А. Иванова.

Реалистическую манеру отражали произведения В.А. Тропинина. Ранние портреты Тропинина, написанные в сдержанной красочной гамме (семейные портреты графов Морковых 1813-го и 1815-го годов, оба -- в Третьяковской галерее), еще всецело принадлежат к традиции века Просвещения: модель является в них безусловным и стабильным центром образа. Позднее колорит живописи Тропинина становится интенсивней, объемы обычно лепятся более четко и скульптурно, но самое главное -- вкрадчиво нарастает чисто романтическое ощущение подвижной стихии жизни, лишь частью, фрагментом которой кажется герой портрета («Булахов», 1823; «К.Г. Равич», 1823; автопортрет, около 1824; все три -- там же). Таков и А.С. Пушкин на знаменитом портрете 1827 года (Всероссийский музей А.С. Пушкина, г. Пушкин): поэт, положив руку на стопку бумаги, как бы «внимает музе», вслушивается в творческую мечту, окружающую образ незримым ореолом. Он тоже написал портрет А.С. Пушкина. Перед зрителем предстает умудренный жизненным опытом, не очень счастливый человек. На портрете Тропинина поэт по-домашнему обаятелен. Каким-то особенным старомосковским теплом и уютом веет от работ Тропинина. До 47-летнего возраста находился он в крепостной неволе. Поэтому, наверное, так свежи, так одухотворены на его полотнах лица простых людей. И бесконечны молодость и очарование его «Кружевницы». Чаще всего В.А. Тропинин обращался к изображению людей из народа ("Кружевница", "Портрет сына" и др.).

Художественные и идейные искания русской общественной мысли, ожидание перемен отразились в картинах К.П. Брюллова "Последний день Помпеи" и А.А. Иванова "Явление Христа народу".

Великим творением искусства является картина «Последний день Помпеи» Карла Павловича Брюллова (1799--1852). В 1830 г. на раскопках античного города Помпеи побывал русский художник Карл Павлович Брюллов. Он гулял по древним мостовым, любовался фресками, и в его воображении вставала та трагическая ночь августа 79 г. н. э., когда город был засыпан раскаленным пеплом и пемзой проснувшегося Везувия. Через три года картина «Последний день Помпеи» совершила триумфальное путешествие из Италии в Россию. Художник нашел изумительные краски для изображения трагедии древнего города, погибающего под лавой и пеплом извергающегося Везувия. Картина проникнута высокими гуманистическими идеалами. Она показывает мужество людей, их самоотверженность, проявленные во время страшной катастрофы. Брюллов был в Италии по командировке Академии художеств. В этом учебном заведении было хорошо поставлено обучение технике живописи и рисунка. Однако Академия однозначно ориентировалась на античное наследие и героическую тематику. Для академической живописи были характерны декоративный пейзаж, театральность общей композиции. Сцены из современной жизни, обычный русский пейзаж считались недостойными кисти художника. Классицизм в живописи получил название академизма. Брюллов был связан с Академией всем своим творчеством.

Он обладал могучим воображением, зорким глазом и верной рукой -- и у него рождались живые творения, согласованные с канонами академизма. Поистине с пушкинским изяществом он умел запечатлеть на холсте и красоту обнаженного человеческого тела, и дрожание солнечного луча на зеленом листе. Немеркнущими шедеврами русской живописи навсегда останутся его полотна «Всадница», «Вирсавия», «Итальянское утро», «Итальянский полдень», многочисленные парадные и интимные портреты. Однако художник всегда тяготел к большим историческим темам, к изображению значительных событий человеческой истории. Многие его замыслы в этом плане не были осуществлены. Никогда не покидала Брюллова мысль создать эпическое полотно на сюжет из русской истории. Он начинает картину «Осада Пскова войсками короля Стефана Батория». На ней изображен кульминационный момент осады 1581 г., когда псковские ратники и. горожане кидаются в атаку на прорвавшихся в город поляков и отбрасывают их за стены. Но картина осталась неоконченной, и задача создания подлинно национальных исторических картин была осуществлена не Брюлловым, а следующим поколением русских художников. Одногодок Пушкина, Брюллов пережил его на 15 лет. Последние годы он болел. С автопортрета, написанного в ту пору, на нас смотрит рыжеватый человек с тонкими чертами лица и спокойным, задумчивым взором.

В первой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806--1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта. На переднем плане его грандиозного полотна в глаза бросается мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего народу на приближающегося Христа. Его фигура дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно придет, говорит художник. И светлеют, очищаются лица и души тех, кто ожидает Спасителя. В этой картине он показал, как говорил позднее И.Е. Репин, «угнетенный народ, жаждующий слова свободы».

В первой половине XIX в. в русскую живопись входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился Алексей Гаврилович Венецианов (1780--1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни крестьян. Эту жизнь он показывает в идеализированном, приукрашенном виде, отдавая дань модному тогда сентиментализму. Однако картины Венецианова «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», "Захарка", "Утро помещицы" отображая красоту и благородство простых русских людей, служили утверждению достоинства человека вне зависимости от его социального положения.

Его традиции продолжил Павла Андреевича Федотов (1815--1852). Его полотна реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую мораль, быт и нравы верхушки общества ("Сватовство майора", "Свежий кавалер" и др.). Свой путь художника-сатирика он начинал будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные зарисовки армейского быта. В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Это была дерзкая насмешка не только над тупым, самодовольным чиновничеством, но и над академическими традициями. Грязный халат, в который облачился главный герой картины, очень уж напоминал античную тогу. Брюллов долго стоял перед полотном, а потом сказал автору полушутя полусерьезно: «Поздравляю вас, вы победили меня». Комедийно-сатирический характер носят и другие картины Федотова («Завтрак аристократа», «Сватовство майора»). Последние его картины очень печальны («Анкор, еще анкор!», «Вдовушка»). Современники справедливо сравнивали П.А. Федотова в живописи с Н.В. Гоголем в литературе. Обличение язв крепостнической России -- основная тема творчества Павла Андреевича Федотова.

Вторая половина XIX в. ознаменовалась расцветом русского изобразительного искусства. Оно стало подлинно великим искусством, было проникнуто пафосом освободительной борьбы народа, откликалось на запросы жизни и активно вторгалось в жизнь. В изобразительном искусстве окончательно утвердился реализм -- правдивое и всестороннее отражение жизни народа, стремление перестроить эту жизнь на началах равенства и справедливости.

Центральной темой искусства стал народ, не только угнетенный и страдающий, но и народ -- творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни.

Утверждение реализма в искусстве проходило в упорной борьбе с официальным направлением, представителем которого было руководство Академии художеств. Деятели академии внушали своим ученикам идеи о том, что искусство выше жизни, выдвигали лишь библейскую и мифологическую тематику для творчества художников.

9 ноября 1863 г. большая группа выпускников Академии художеств отказалась писать конкурсные работы на предложенную тему из скандинавской мифологии и покинула Академию. Во главе бунтарей стоял Иван Николаевич Крамской (1837--1887). Они объединились в артель и стали жить коммуной. Через семь лет она распалась, но к этому времени зародилось «Товарищество передвижных художественных выставок», профессионально-коммерческое объединение художников, стоявших на близких идейных позициях.

«Передвижники» были едины в своем неприятии «академизма» с его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Они хотели изображать живую жизнь. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией «передвижников» пользовалось крестьянство. Они показывали его нужду, страдания, угнетенное положение. В ту пору -- в 60--70-е гг. XIX в.-- идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Лишь со временем художники вспомнили о самоценности живописи.

Пожалуй, самую большую дань идейности отдал Василий Григорьевич Перов (1834--1882). В своих произведениях Перов страстно обличает существующий строй, с большим мастерством и убедительностью показывает тяжелую долю народа. В картине «Сельский крестный ход на пасху» художник показал русскую деревню в праздничный день, нищету, беспробудное пьянство, сатирически изобразил сельское духовенство. Поражает своим драматизмом, безысходной скорбью одна из лучших картин Перова -- «Проводы покойника», которая рассказывает о трагической судьбе семьи, оставшейся без кормильца. Большой известностью пользуются его картины «Последний кабак у заставы», «Старики-родители на могиле сына». Тонким юмором и лиризмом, любовью к природе проникнуты картины «Охотники на привале», «Рыболов». Его творчество пронизано любовью к народу, стремлением осмыслить явления жизни и языком искусства правдиво рассказать о них. Картины Перова принадлежат к лучшим образцам русского искусства. Его творчество как бы перекликается с поэзией Некрасова, с произведениями Островского, Тургенева. Достаточно вспомнить такие его картины, как «Приезд станового на следствие», «Чаепитие в Мытищах». Некоторые работы Перова проникнуты подлинным трагизмом («Тройка», «Старики-родители на могиле сына»). Кисти Перова принадлежит ряд портретов его знаменитых современников (Островского, Тургенева, Достоевского).

Некоторые полотна «передвижников», писанные с натуры или под впечатлением от реальных сцен, обогатили наши представления о крестьянской жизни. В картине С.А. Коровина «На миру» показана стычка на сельском сходе между богачом и бедняком. В.М. Максимов запечатлел ярость, слезы и горе семейного раздела. Торжественная праздничность крестьянского труда отражена в картине Г.Г. Мясоедова «Косцы».

Идейным вождем Товарищества передвижных выставок был Иван Николаевич Крамской (1837--1887)--замечательный художник и теоретик искусства. Крамской боролся против так называемого «чистого искусства». Он призывал художника быть человеком и гражданином, своим творчеством бороться за высокие общественные идеалы. В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Крамской создал целую галерею замечательных портретов русских писателей, художников, общественных деятелей: Толстого, Салтыкова-Щедрина, Некрасова, Шишкина и других. Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с какой бы точки он ни смотрел на полотно. Одно из наиболее сильных произведений Крамского -- картина «Христос в пустыне».

«Передвижники» совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830--1897) сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. В 1871 мастер создает ряд лучших своих работ («Печерский монастырь под Нижним Новгородом», Нижегородский художественный музей; «Разлив Волги под Ярославлем», Русский музей), в т. ч. знаменитую картину «Грачи прилетели» (Третьяковская галерея), ставшую самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России. Этюдная работа над «Грачами» шла в марте, в с. Молвитино (ныне Сусанино) Буйского уезда Костромской губернии. Талый снег, весенние грачи на березках, серо-голубое, блеклое небо, темные избы и древняя церквушка на фоне стылых дальних лугов, -- все сплавилось в образ удивительного поэтического обаяния. Картине свойственен поистине волшебный эффект узнаваемости, «уже виденного» (deja-vue, говоря языком психологии) -- причем не только где-то близ Волги, где писались «Грачи», а чуть ли не в любом уголке страны. Здесь «настроение» -- как особое созерцательное пространство, объединяющее картину со зрителем -- окончательно превращается в совершенно особый компонент образа; это метко фиксирует И.Н. Крамской, когда пишет (в письме к Ф.А. Васильеву, 1871), касаясь других пейзажей на выставке: «все это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в «Грачах». Незримо зримая «душа», настроение животворит и последующие вещи Саврасова: замечательные московские пейзажи, органично сочетающие бытовую простоту переднего плана с величавыми далями («Сухарева башня», 1872, Исторический музей, Москва; «Вид на Московский Кремль, Весна», 1873, Русский музей), виртуозный по передаче влаги и светотени «Проселок» (1873, Третьяковская галерея), сентиментальную «Могилу над Волгой» (1874, Алтайский краевой музей изобразительных искусств, Барнаул), светозарную «Радугу» (1875, Русский музей), меланхолическую картину «Зимний пейзаж. Иней» (1876-77, Воронежский музей изобразительных искусств). В поздний период мастерство Саврасова резко слабеет. Житейски опустившись, страдая алкоголизмом, он живет за счет копий со своих лучших работ, прежде всего с «Грачей».

Федор Александрович Васильев (1850--1873) прожил короткую жизнь. Его творчество, оборвавшееся в самом начале, обогатило отечественную живопись рядом динамичных, волнующих пейзажей. Художнику особенно удавались переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к буре. Выходец из семьи почтового служащего, учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, а также в 1871 в Академии художеств; в 1866-67 работал под руководством И.И. Шишкина. Выдающийся талант Васильева сложился рано и мощно в картинах, впечатляющих зрителя своим психологическим драматизмом. Замечательной «поэзией при натуральности впечатления» (по словам И.Н. Крамского, близкого друга Васильева, о коренном свойстве его творчества в целом) проникнута уже картина «Перед дождем» (1869, Третьяковская галерея). В 1870 путешествовал по Волге вместе с И.Е. Репиным, в результате появилась картина «Вид на Волге. Баржи» (1870, Русский музей) и другие работы, отмеченные тонкостью световоздушных эффектов, мастерством передачи речной и воздушной влаги. Но не во внешних эффектах здесь суть. В произведениях Васильева природа, словно откликаясь на движения человеческой души, в полном смысле психологизируется, выражая сложную гамму чувств между отчаянием, надеждой и тихой грустью. Наиболее известны картины «Оттепель» (1871) и «Мокрый луг» (1872; обе в Третьяковской галерее), где постоянный интерес художника к переходным, неопределенно-зыбким состояниям натуры претворяется в образы озарения сквозь меланхолическую мглу. Это -- своего рода натурные сны о России, выдерживающие сопоставление с пейзажными мотивами И.С. Тургенева или А.А. Фета. Художник (судя по его переписке с Крамским) мечтает о создании каких-то невиданных произведений, о символических пейзажах-откровениях, которые могли бы исцелить человечество, отягощенное «преступными замыслами». Но дни его уже сочтены. Заболев туберкулезом, он переселяется в 1871 в Ялту. Роковая болезнь, сливаясь с впечатлениями от южной природы, которая предстает у него не праздничной, но отчужденно-тревожной, придает его живописи еще большую драматическую напряженность. Тревожно и сумрачно самое значительное его полотно этого периода -- «В Крымских горах» (1873, Третьяковская галерея). Тонущая в дымке, написанная в мрачных коричневато-серых тонах горная дорога обретает тут потусторонний оттенок, подобие безысходной дороги в никуда. Влияние искусства Васильева, усиленное трагизмом его ранней кончины, было весьма значительным. Романтическая традиция, окончательно отрешаясь от представлений о пейзаже как декоративном зрелище, достигла в его работах особой духовной содержательности, предвещающей искусство символизма и модерна, пейзаж чеховско-левитановской поры.

Творчество Виктора Михайловича Васнецова (1848--1926) тесно связано с русскими народными сказками, былинами, сюжеты которых он брал за основу своих картин. Его лучшее произведение -- «Три богатыря». Перед зрителем любимые герои русского былинного эпоса -- богатыри, защитники русской земли и родного народа от многочисленных врагов.

Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832--1898). Архипа Ивановича Куинджи (1841--1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге,-- эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах. Для ранних работ Шишкина («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая планы, он не достигает еще убедительного единства образа. В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве).

В 1870-е гг. мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе -- Третьяковская галерея). Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую шкалу. Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин -- замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы [в наиболее типических своих записях он обычно поминает не просто «лес», но лес из «осокорея, вязов и частью дубов» (дневник 1861 года) или «лес еловый, сосновый, осина, береза, липа» (из письма И.В. Волковскому, 1888)]. С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен -- в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Шишкина -- такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя...» (картина названа по песне А.Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская галерея) -- воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику одинаково удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886; «Утро в сосновом лесу» где медведи написаны К.А. Савицким, 1889; обе -- там же). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной жизни. Плодотворно работал также в области офорта. Печатая свои тонко нюансированные пейзажные офорты в разных состояниях, издавая их в виде альбомов, Шишкин мощно активизировал интерес к этому виду искусства. Педагогической деятельностью занимался мало (в частности, руководил пейзажной мастерской Академии художеств в 1894-95), но имел в числе своих учеников таких художников, как Ф.А. Васильев и Г.И. Чорос-Гуркин. Его образы, несмотря на свою «объективность» и принципиальное отсутствие психологизма, свойственного «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского типа, всегда имели большой поэтический резонанс (недаром Шишкин принадлежал к числу любимейших художников А.А. Блока). В Елабуге открыт дом-музей художника.

К концу XIX в. влияние передвижников упало. В изобразительном искусстве появились новые направления. Портреты кисти В.А. Серова и пейзажи И.И. Левитана были созвучны с французской школой импрессионизма. Часть художников сочетала русские художественные традиции с новыми изобразительными формами (М.А. Врубель, Б.М. Кустодиев, ИЛ. Билибин и др.).

Своей вершины русская пейзажная живопись XIX в. достигла в творчестве ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860--1900). Левитан -- мастер спокойных, тихих пейзажей. Человек очень робкий, стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа.

Однажды приехал он на Волгу писать солнце, воздух и речные просторы. Но солнца не было, по небу ползли бесконечные тучи, не прекращались унылые дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту погоду и не обнаружил особую прелесть сизо-сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя Волга, заштатный городок Плес прочно вошли в его творчество. В тех краях он создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».