Материнство в изобразительном искусстве

Иконографические варианты, где изображается Богоматерь без Младенца Христа, немногочисленны, объединить их в особую группу не представляется возможным, так как иконографическая схема в каждой из них определена своей самостоятельной богословской идеей. Но в той или иной степени они примыкают к уже названным нами ранее типам. Например, «Богоматерь Остробрамская-Виленская» представляет собой вариант, тяготеющий к типу «Знамение». Положение рук, скрещенных на груди (жест смиренного молитвенного поклонения) близок жесту Оранты. Кроме Остробрамской этому типу соответствует икона «Невеста Неневестная», которая была келейной иконой преподобного Серафима Саровского.

Известная древняя русская икона «Богоматерь Боголюбская» также изображает Богородицу без Младенца, но предстоящей пред Богом с ходатайством о молящихся Ей (группа молящихся иногда изображается у ног Богородицы). В руке Богородица держит свиток с молитвой, а другой рукой указывает на образ Христа, написанный слева в сегменте неба.

Так же к этому типу можно отнести иконографию «Богородица Семистрельная» или «Симеоново проречение», известен этот иконографический вариант и под другим названием - «Умягчение злых сердец». Здесь изображена Богоматерь с семью мечами, пронзающими Ее сердце. Этот образ взят из пророчества Симеона, который во время Сретения произнес такие слова: «и Тебе Самой оружие пройдет душу, - да откроются помышления многих сердец» (Лк. 2.35). Подобные иконографии, как правило, позднего происхождения, по всей видимости, пришли из западноевропейской традиции и отличаются литературностью. Тем не менее, и в них заложен свой смысл, открывающий нам образ Богородицы.

Иконографические варианты, соответствующие третьему типу богородичных икон, известному под названием «Умиление», практически не встречаются, так как трудно представить, как возможно изобразить интимные отношения Богоматери и Ее Сына в образе одной только Богоматери. Тем не менее, и такой поворот в иконографии возможен. Это так называемый тип Скорбящей Богоматери, когда Божья Матерь представлена погруженной в молитвенную скорбь о распятом Христе. Обычно Богородица изображается со склоненной головой и молитвенно сложенными руками возле самого подбородка. Этот вариант получил большое распространение на Западе, но и в православной иконографии он также хорошо известен. Этот же сюжет мы можем видеть и в иконе «Не рыдай Мене Мати», хорошо известной в балканском искусстве и менее известной у нас, в России. На этой иконе обычно изображены Богородица и Христос (иногда стоящими в гробе), Мать оплакивает смерть Сына, обнимая Его мертвое тело. Иконографическая схема построена по принципу «Умиления» - только на иконах типа «Не рыдай Мене Мати» Богородица прижимает к Себе не Маленького Иисуса, а взрослого после снятия с Креста.

Многочисленны изображения Богородицы в Деисусе, которые одни исследователи выделяют в отдельный иконографический тип, другие же считают его вариантом типа Оранты. Деисус изображает моление Богородицы и святых перед Иисусом Христом за человеческий род. Центром композиции может быть «Спас Вседержитель» (поясное изображение Христа), тогда молящиеся также изображаются по пояс, если же в центре «Спас на престоле» или «Спас в силах», то и молящихся представляют в полный рост. Замечательные деисусные изображения Богоматери были созданы в XV веке. В самом начале этого столетия тверским иконописцем был написан полуфигурный Деисус. Богородица изображена с молитвенно поднятыми руками на фоне цвета светлой охры, на нем алой киноварью очерчен нимб вокруг головы. Нежный, большеглазый, наполненный розовым свечением лик Богородицы повернут к стоящим перед иконой. «Во взгляде ее широко распахнутых глаз, с необычайно высоко поставленными, прозрачными зрачками, обращенность к молящим слита с недоступным им таинственным молитвенным средоточием» Барская Н.А. Сюжеты и образы древнерусской живописи. М., 1993. - С. 43. А весь силуэт ее фигуры мягко склоняется перед Христом. «И зримо возносят к нему обретенные людские молитвы ее тонкостью источенные, наполненные тем же розовым свечением, что и лик, руки - мягко перед грудью поднятая правая и как бы продолжающая ее движение, трепетными пальцами указующая на Иисуса Христа левая» Барская Н.А. Сюжеты и образы древнерусской живописи. М., 1993. - С. 44.

Итак, мы рассмотрели основные иконографические типы и варианты богородичных икон, которые условно разделяются на четыре группы: «Знамение», «Одигитрия», «Умиление» и «Акафистные».

Хотелось бы несколько слов добавить к тем отступлениям от канона, которые иногда можно видеть в различных иконах, посвященных Богородице.

Так традиционно принято изображать Богородицу в одеждах двух цветов: вишневом мафории (модификация красного цвета), синей тунике и голубом чепце. На мафории, как правило, изображаются три золотые звезды - как знак ее непорочности («непорочно зачала, непорочно родила, непорочно умерла») и кайма как знак ее прославления. Сам плат - мафорий - означает Ее Материнство, прикрытый им голубой (синий) цвет платья - Девство. Но изредка мы можем видеть Богоматерь, облаченную в синий мафорий. Так Ее иногда изображали в Византии, на Балканах. Так Богоматерь написал Феофан Грек в деисусном чине Благовещенского собора Московского Кремля.

Православная традиция в исключительных случаях допускает изображение женщин с непокрытой головой. Обычно так пишут Марию Египетскую в знак ее покаянного образа жизни, Во всех остальных случаях принято изображать женщин с покрытой головой. Но в некоторых иконографических вариантах богородичных икон мы видим изображение Богоматери с непокрытой головой. Например, «Богоматерь Ахтырская» и некоторые другие. В некоторых случаях плат заменен венцом (короной). Обычай изображать Богоматерь с непокрытой головой западного происхождения, где он вошел в обиход с эпохи Возрождения, и в принципе неканоничен. Мафорий на голове Богородицы - глубокий символ - знак Ее Материнства и полной отданности Богу. Изображают венец поверх плата, как это мы видим в таких иконографических изводах, как «Богоматерь Державная», «Новодворская», «Абалацкая», «Холмовская» и другие. Изображение венца (короны) на голове Богородицы также пришло в восточно-христианскую иконографическую традицию из Западной Европы. В Византии это не было принято вовсе. Даже когда изображали Богоматерь с предстоящими императорами (как это можно видеть в мозаиках св. Софии Константинопольской), на ее главе мы не видим ничего, кроме плата-мафория. И это очень характерно, так как в развитии иконографии наблюдается со временем отход от лаконизма и чистой семантики (знаковой структуры) в сторону иллюстративности и внешнего символизма.

Основные иконографические типы дали жизнь многим местным вариантам изображений Богородицы. В православном календаре насчитывается около ста двадцати наименований икон, дни празднования которых отмечаются церковью. Любовь и почитание Богоматери на Руси нераздельно слились с ее иконами. Это отношение к ее иконам могло сложиться и потому, что художникам удалось воплотить в своих произведениях сохраненный в преданиях образ Божьей Матери, средствами живописи сумели передать соединение в ней того лучшего, что несет в себе женское начало - материнской любви и чистоты девы. И сегодня, пожалуй, первые образы, которые привлекают в древнерусском искусстве современного человека и наиболее понятны ему - это образы Богородицы.

2. ОБРАЗ МАТЕРИНСТВА В ИСКУССТВЕ ВОЗРОЖДЕНИЯ

2.1 Искусство Возрождения

Феномен Возрождения - это весьма многогранное явление в культурном развитии Европы, стержнем которого было новое мировоззрение, новое самосознание человека. В центре внимания мыслителей Возрождения находился человек, а не Создатель, как высшее мерило всего сущего, в силу чего подобная система взглядов получает название «гуманизм». Идеи Возрождения утвердились в основном лишь в верхах общества. Они не опирались на широкие народные массы.

Классический образ женской красоты во многом ассоциируется с образами эпохи Возрождения. Именно ренессансная культура предложила бесконечное множество полотен, с которых на нас смотрят возвышенные и трогательно-прекрасные образы. Вспоминаются многочисленные женские лица, часто очень разные, индивидуальные, по-своему таинственные и даже не всегда правильные, но всегда имеющие между собой нечто общее. Каждое из них изумляет своей одухотворенностью, жаждой совершенства, поисками «абсолютной» красоты.

Искусство Возрождения не забывает тему Бога, наоборот - божественное начало присутствует во всех сферах жизни, но в творчестве художников оно получает воплощение, отличное от того, какое присуще было искусству средних веков. Дистанция между Богом и человеком сильно сократилась, человек сам стремился стать существом богоподобным. Даже создавая картины, на религиозные сюжеты, которых было ничуть не меньше чем в средневековье, художник Ренессанса считал необходимым запечатлеть все то, чем он восхищался в реальной жизни - женскую красоту и материнство, родную природу, детали интерьера.

Сюжеты картин эпохи Возрождения основывались в основном на событиях, описанных в Библии. Чаще живописцами того времени изображались истории из Нового Завета. Самое популярный образ - это Богородица с младенцем - маленьким Иисусом Христом.

Персонаж был до такой степени живой, что люди даже поклонялись этим изображениям, хотя народ и понимал, что это не иконы, однако им молились и просили помощи и защиты. Кроме Мадонны (так в Италии называют Богоматерь), живописцы эпохи Возрождения очень любили воссоздавать образы Иисуса Христа, апостолов, Иоанна Крестителя, а также евангельские эпизоды. Например, Леонардо да Винчи создал известную на весь мир картину «Тайная вечеря».

Изображая библейские сюжеты, художники Ренессанса пытались дать понять, что земные проявления человека можно изобразить более понятно, если при этом использовать библейские истории. Понять, что такое грехопадение, искушение, ад или рай можно, если начать знакомиться с творчеством художников того времени. Образ Мадонны передает нам красоту женщины, а также несет в себе понимание земной человеческой любви.

Зачастую, даже вполне благочестивые художники, писали мадонн со своих жен и любовниц, а иногда богоматерями становились известные всему городу куртизанки. В этом никто не видел ничего предосудительного, религиозное мироощущение Ренессанса претерпело сильные изменения по сравнению с эпохой средневековья.

Кроме того, в эпоху Возрождения европейское искусство новь обратилось к античным мотивам, которые нашли яркое выражение в изобразительном искусстве того периода. Самый известны пример на тему деторождения - это «Даная», воплощенная многими художниками среди которых - Тициан, Рембрандт, Климт. На их полотнах перед нами предстает возлюбленная Зевса, которую тот оплодотворил, тайно проникнув в ее спальню под видом золотого дождя.

Человеческая личность опосредуется в эпоху Возрождения не Богом, а красотой и прежде всего женской красотой. Искусство Возрождения принесло новое понимание женской красоты. Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Ботичелли стремятся к созданию обобщённого образа совершенного человека, прекрасного как физически, так и духовно. Воплощением такого идеала становится мадонна, дева Мария с младенцем Иисусом Христом - возвышенный символ материнства и жертвенной любви к людям. Впервые в истории человечества женщина занимает исключительное место, как Мадонна на троне.

Образ Мадонны не раз привлекал внимание живописцев Возрождения. Рассмотрим некоторые из них.

2.2 Мадонны эпохи Возрождения

Робер Кампен (ок. 1378 - 26 апреля 1444, Турне) - нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в своей стране. Имя художника встречалось во многих старинных документах, но без указания созданных им произведений. В начале XX в. была выдвинута гипотеза, затем подкрепленная достаточно вескими доказательствами, о его тождестве с анонимным Мастером из Флемаля, довольно обширный круг работ которого был уже известен. В настоящее время эта гипотеза принята большинством ученых.

«Мадонна с младенцем у камина» Робера Кампена принадлежит к числу шедевров Эрмитажа. В прошлом «Мадонна с младенцем у камина» и «Троица» составляли диптих (двустворчатый складень), поэтому при экспонировании оба сюжета были заключены в единую раму. Традиционность исполнения особенно ощутима в «Троице», где характер композиции, объемная лепка фигур и изображение пьедестала свидетельствуют о влиянии готической скульптуры. На другой створке- «Мадонна с младенцем». В «Мадонне с Младенцем» почти нет ничего традиционно иконописного. В этой композиции мастер отходит от готических традиций и создает новаторское для своего времени произведение.

Мадонна с младенцем представлена в комнате обычного нидерландского дома, причем обстановка воспроизведена с необыкновенной тщательностью. У стены на столике стоит таз и кувшин для омовения, на полочке висит полотенце, детально написаны деревянные створки окна со шляпками медных гвоздей. За окном можно разглядеть уголок пейзажа. Мадонна - молодая нидерландская женщина, с простыми и даже грубоватыми чертами лица. Сидя с младенцем на руках возле зажженного камина, Мадонна протянула в сторону огня руку, по-видимому для того, чтобы согреть ее и не коснуться холодными пальцами тельца ребенка. А возможно, что мать просто защищает его от жара пламени. Но в любом случае этот жест явно подмечен в жизни и носит конкретный, бытовой характер. Сцена проникнута поэзией тихой, будничной жизни, настроением спокойствия, домовитости и уюта. Однако многое в картине представляется условным - передача пространства (пол круто наклонен так, что фигуры как бы скатываются к нижнему краю картины), с разных точек изображены кувшин, таз и умывальный столик. Часть предметов воспринималась современниками художника и как символы (так, например, таз, кувшин, белое полотенце - знаки чистоты и невинности девы Марии), открытое окно и свет, льющийся из него - присутствие духовного начала, камин - злые силы, от которых Мария защищает младенца.

К образу Девы Марии - Богоматери многократно обращались самые разные художники. Среди великих мастеров, отдавших в своем творчестве дань этой теме, - итальянский живописец и ученый Леонардо да Винчи (1452-1519).

История человечества не знает другого столь разностороннего и талантливого творца. Гениальная и загадочная личность, живописец, скульптор и архитектор, чьим именем началась эпоха Высокого Возрождения; ученый, изобретатель, инженер-теоретик и механик-практик - все это Леонардо. Однако на первое место он всегда ставил живопись - «царицу искусств». Живописное наследие мастера невелико.

Одно из первых произведений, исполненных Леонардо в редкой для того времени технике - маслом - «Мадонна с цветком», написанная во Флоренции в 1472 г.

Перед этой картиной испытываешь трепет восхищения: в ней все так просто и ясно - и в то же время бесконечно сложно. Мастер не использовал ярких тонок полотно словно окутано легкой, воздушной дымкой. Мягкими переливами света и тени создается объемность изображения.

Юная мать с радостной улыбкой протягивает младенцу цветок и наблюдает, как серьезный малыш внимательно его рассматривает. Ласковая и живая девочка-мать и мудрое дитя воплощает радость бытия и красоту познания. Мать и младенец развёрнуты к зрителю, Мадонна как бы демонстрирует ребёнка и позирует сама. Работа же да Винчи, необычна тем, что персонажи не обращают абсолютно никакого внимания на зрителя. Богоматерь настолько увлечена игрой со своим младенцем, что в сочетании с её улыбкой, даже смехом, вызванным восхищением от созерцания сына, становиться похожа на обычную молодую девушку, играющую со своим ребёнком.

Леонардо создал настолько живой и обаятельный образ, что Мадонны, написанные предшественниками великого мастера, кажутся неподвижными, скованными по сравнению с этой. Образ «Мадонны с цветком» внутренне лишен святости в религиозном ее понимании. Перед нами просто молодая мать, одетая и причесанная по моде XV века. Бесконечное очарование полотна в том, что оно воплощает прелесть и поэзию материнства.

Образ материнства передан так точно и так выразительно, что перед нами уже не просто мать, а Мадонна, именно вечное торжество и красота материнства делают простую женщину Мадонной.

Интересна судьба этого шедевра. До XVII в. картина находилась в Италии, затем... неизвестно где. В 1824 г. русский купец Сапожников, будучи в Астрахани, приобрел у бродячего музыканта совершенно почерневшую, испорченную позднейшими записями картину. Потом она попала в собрание петербургского архитектора Н, Л. Бенуа [2], где и было установлено, что это - творение Леонардо. В 1912 г. "Мадонна Бенуа" (под таким названием она известна теперь) куплена Эрмитажем и с тех пор является гордостью коллекции.

Еще один волнующий материнский образ созданный Леонардо да Винчи - «Мадонна с младенцем», именуемая также «Мадонна Литта» (1490). Здесь в отличие от «Мадонны с цветком» он стремился к большей обобщенности образа. Изображено состояние спокойной радости, в которое погружена прекрасная молодая женщина, кормящая грудью ребенка. Холодный ясный свет озаряет ее тонкое, мягко очерченное лицо с полуопущенным взором и едва уловимой улыбкой. Тщательно выписаны пушистые, вьющиеся волосы младенца. Взгляд его, не по-детски серьезный и внимательный, устремлен на зрителя. Картина написана темперой, придающей сочность тонам голубого платья и красного плаща Марии. Живой и гибкий силуэт вписан между симметрично расположенных окон, отчего композиция приобретает завершенность и четкость. Спокойная уравновешенность всех элементов картины подчеркивает гармоничность образа матери.

Обратимся к творениям другого известного живописца эпохи Возрождения. За приверженность к теме материнства современники прозвали его «мадоньеро» - «изображающий Мадонн». Слава этого мастера столь велика, что и по сей день его называют только по имени - Рафаэль.

С творчеством Рафаэля Санти (1483-1520) связано представление о возвышенной красоте и гармонии. Неустанное стремление к свету и совершенству составляет суть его художественного творчества.

Главной темой в творчестве Рафаэля на протяжении многих лет являлись образы Девы Марии.

Сохранились воспоминания самого художника о том, что образ богоматери однажды явился ему во сне и с тех пор «я прилепился к этому тайному образу, который и сейчас иногда навещает мою душу».

В каждом из его полотен, посвященных Богоматери, мать и ребенок тесно связаны между собой движениями тел, но кажутся отдаленными в своем внутреннем мире.

Рафаэль был мечтателем и стремился воплотить в живописных образах представления о совершенстве мира и человека. Его произведения прославляют любовь и жертвенность как оправдание бытия, как высшую цель существования.

В Эрмитаже можно увидеть одну из ранних работ Рафаэля - созданную во Флоренции «Мадонну Конестабиле» (1500-1502; традиционно сохраняется название полотна по имени одного из бывших владельцев).

Молодая женщина с ребенком задумчива и немного грустна. От ее печального, с опущенным взглядом, лица и окутанных струящимся покрывалом плеч словно исходит предчувствие страдания. Тем же настроением проникнут и пейзаж - долина реки, холмы, гора с заснеженной вершиной. Целомудрием и душевной чистотой, прозрачной ясностью покоряет это маленькое тондо (так называется изображение, вписанное в круг). В огромном музейном зале, в пышной золоченой раме, образ Мадонны, словно озаренный внутренним светом, невольно притягивает к себе.

Достаточно сравнить этот портрет будущей матери с известным под именем «Прекрасной садовницы» изображением девы Марии, написанным Рафаэлем в 1507 году.

Совсем еще юная Мария, с нежным овалом сужающегося к подбородку лица, с золотистыми вьющимися волосами, играет в саду с младенцами Христом и Иоанном. Вокруг мадонны и детей простирается изысканный пейзаж - трава и деревья, собор и горы вдали, светлое синее небо с жемчужными отливами облаков.

Гармоничная правильность лица мадонны, опущенный вниз, на младенца взгляд, заставляют воспринимать ее уже не как земную мать, но как чудо, как духовное явление Девы современникам художника.

Флорентийские «Мадонны» Рафаэля - миловидные, трогательные, очаровательные юные матери. «Мадонны», созданные мастером в Риме, в период художественной зрелости, приобретают иные черты: это величественные владычицы, воплощающие добро и красоту. Властной женственностью и одухотворенной гармоничностью они облагораживают мир и смягчают человеческие сердца.

Общность типов некоторых рафаэлевских женских образов свидетельствует о том, что моделью художнику служила одна и та же женщина. Это прекрасная Маргарита, возлюбленная Рафаэля, дочь пекаря, прозванная Форнариной («Булочницей»). Изящные, правильные черты ее лица угадываются и в самом прославленном изображении Богоматери кисти Рафаэля.

Это большая алтарная картина, написанная Рафаэлем в 1515-1519 гг. по заказу монастыря Святого Сикста в Пьяченце (Италия). Ныне она под названием «Сикстинская Мадонна» экспонируется в Дрезденской галерее.

Рассмотрим картину Рафаэля «Сикстинская мадонна». На ней изображена прекрасная молодая женщина с ребенком на руках, которая легко ступает по облакам навстречу своей трагической судьбе: Мария должна отдать своего сына Христа на страдания и муку, чтобы все люди были счастливы. Прекрасные глаза матери печальны. Драматизм образа матери оттеняется в его единстве с образом младенца Христа, которого художник наделил недетской серьезностью и прозорливостью. Рафаэль славит величие женщины, способной во имя высшего долга пойти на жертву. Мария - идеал материнства.

Рафаэль изобразил не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, но чудо явления Царицы Небесной, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. На ней покрывало и плащ из гладкой ткани, ноги ее босы, Мария, в сущности, простая женщина. Недаром многим бросалось в глаза, что и младенца она держит, как обычно держат крестьянки. Все обаяние ее - в изящной соразмерности фигуры, в спокойной осанке, в душевной чистоте. Но эту босоногую женщину встречают как царицу-владычицу и папа Сикст, и святая Варвара, и ангелы. Рафаэль снял с легендарной темы ее церковный покров и этим выявил ее глубокий человеческий смысл. Персонаж христианской мифологии стал у Рафаэля образом нормального, прекрасного, идеального совершенного человека, и потому предание о том, что владычица неба спустилась на землю, превратилось в поэму о том, как человеческое совершенство в образе босоногой, но царственно-величавой матери с младенцем на руках способно привести в восхищение свидетелей ее появления. Взгляд Мадонны устремлен вперед, словно она провидит и крестный путь Иисуса, и свое страдание. Облик Марии, полный любви и строгого величия, нежности и решимости, покоряет одновременно торжественностью и простотой. Легко ступает она по облакам, и благоговейно склоняются перед нею Сикст IV и Святая Варвара.

В картине нет ничего случайного, незначительного. Образы Богоматери и святых убедительны и гармоничны. Особенно умиляют лица ангелочков, написанных в нижней части картины. Глядя вверх, ангелочки возвращают внимание зрителя к центральному образу. Они сами зрители, глубоко переживают впечатление, произведенное кистью художника. Впервые, наверное, религиозное полотно так прямо и непосредственно обращается к человеку. Хочется присоединиться к восторженному хору ангелов, что изображены на фоне этой картины, или попытаться привлечь внимания тех двух малышей, что написаны Рафаэлем в нижней части полотна. Но ангелы смотрят вверх, а вы уже не можете отвлечься от взгляда Девы Марии, что, кажется, устремился прямо в вашу душу.

Богоматерь сходит к зрителю по облакам. Еще мгновение - и она окажется на грешной земле. И образ Матери небесной и земной сольются воедино.

Художник в своих картинах воспевает красоту, женственность, нежность, бескорыстие матери.

Таким образом, искусство Возрождения не отвергло полностью традиции средневековья, а даже позаимствовало у средневековых художников ставший одним из самых распространенных в художественном творчестве сюжет - изображение Богоматери с младенцем, который трактуется живописцами так же, как и в Средние века - ребенок на руках Богоматери находится как будто на престоле. Однако, отбросив те сковывавшие творчество художников требования, которые предъявляла церковь к написанию картин, творцы эпохи Возрождения по-новому - свободно и гармонично - воплотили в своем искусстве образ Марии с младенцем, использовав художественно-изобразительные средства и достижения своего времени.

Культура Возрождения, обладающая яркими специфическими особенностями эпохи, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав, стала важнейшим этапом в истории искусства. Достижения Итальянского Возрождения за полтора столетия его существования из значения локального характера превратились в явление общемирового масштаба, в ходе него была выработана мощная система культурных ценностей, которая оказала прямое влияние на культуру других европейских стран, впоследствии распространившись далеко за пределами Италии. Искусство Ренессанса - это гимн женской красоте и материнству.

3. ЖЕНЩИНА-МАТЬ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

3.1 Материнство в изобразительном искусстве

Тема материнства - одна из древнейших тем в мировой культуре. Первые изображения матери с ребенком на руках относятся к додинастическим временам Египта, и сегодня художники не обходят стороной эту тему, так как тайны женской красоты тревожат человечество на протяжении всей истории его существования. Едва ли найдется художник, который не пытался бы постичь эту тайну, но каждый открывал ее по-своему. Точно так же художники постигали и тайну материнства, в том числе и подготовку к нему. Художники широко прибегали к символическим и аллегорическим средствам, изображая, к примеру, молодую женщину, держащую на коленях гнездо с птенцами, и вокруг нее крольчат или цыплят. Существовала целая система «тайнописи», условных знаков, без знания которых в наши дни бывает трудно разгадать истинное значение той или иной картины. Многие героини картин Вермеера Дельфотского (1632-1675) выглядят так, будто ожидают ребенка. Учитывая, что у самого художника было 11 детей, это не так уж и удивительно, хотя большинство искусствоведов считает, что эффект «беременности» создается за счет своеобразной моды той эпохи, зрительно увеличивающей талию.

Образ беременной или кормящей женщины полноправно входит в мировую живопись лишь к концу XIX века, когда художник из ремесленника постепенно превращается в свободного творца, начиная изображать на своих картинах мир таким, каким он его видит сам, без оглядки на общепринятые моральные и религиозные нормы. Загадка рождения жизни, мотивы эмбриона и беременности нашли воплощение в работах замечательных художников: Бердслей, Климт, Шагал - этот список можно продолжить множеством других имен.

Австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи Густав Климт (1862-1918) создал свои творения в очень театральном, декоративном и одновременно символично-философском стиле. Густав Климт использовал образ беременной женщины в некоторых своих порой мрачных, обнажающих порочность мира, картинах как некий хрупкий, не всеми осознанный, но верный оплот мироздания, надежду на возрождение.

Радостную сцену ожидания первенца изобразил, будучи в Италии знаменитый русский живописец Карл Петрович Брюллов (1799 - 1852).

«Итальянка, ожидающая ребенка, разглядывает рубашку, муж сколачивает колыбель» (1831). Двери и окна дома широко распахнуты, чтобы впустить как можно больше света и прохлады. У входа на террасу сидит будущая мать, любуясь только что законченной детской рубашечкой. На придвинутом стуле пеленка и чепчик - вот и готово первое приданое. У окна занят работой отец - осталось закрепить дуги, чтобы можно было набрасывать покрывало на колыбельку, и его работа тоже будет выполнена. А возможно и они возьмутся потом за краски - чтобы придать кроватке еще большую красоту.

3.2 Материнство в русской живописи XIX века

Традиции церковного и светского искусства, творческие особенности древнерусских иконописцев и мастеров итальянского Возрождения своеобразно переосмыслены русскими художниками XIX века.

Как уже говорилось ранее, что Божия Мать считается покровительницей и заступницей земли Русской, поэтому к образу Богородицы неоднократно обращались русские живописцы, создавая произведения большой художественной силы - как церковные, так и светские.

В конце XIX в. в Киеве был возведен величественный собор в память князя Владимира, крестившего Русь. К внутренней отделке храма привлекались лучшие художники, в числе которых - Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926), известный как мастер живописи, работавший в самых разнообразных жанрах: историческом, сказочном, бытовой картине, портрете, пейзаже. Написанные им святые не вполне каноничны: в них угадываются черты реальных людей. «Припоминая волнующие меня образы, я всегда учитывал, что творю в канун двадцатого века», - признавался художник.

В.М. Васнецову было дано воплотить образ Божьей Матери по-новому, никого не повторяя, «с теплотой, искренностью и смелостью». Богоматерь, идущую по облакам с Младенцем, он написал в апсиде алтаря (1885-1896). Даже неискушенному человеку ясно, что художник, создавая композицию, ориентировался на традицию, заложенную Рафаэлем. Подобно «Сикстинской Мадонне», Богоматерь, держа на руках младенца, идет по направлению к зрителю. Но трактовка образа Марии существенно отличается от рафаэлевской. Если «Сикстинская Мадонна» воплощает торжество и величие духовного подвига, то «Богоматерь» Васнецова прежде всего трагична. Огромные глаза Марии наполнены невыразимой скорбью. «Духовными очами», как говорили в старину, она видит тяжкий путь, которым предстоит пройти ее сыну. Скорбит она и о людях - обо всех, кто должен нести крест нелегкой земной жизни.

Обеими руками Богоматерь держит ребенка. Взгляд его не по-детски проницателен и мудр. Символичен жест младенца: правой рукой он как бы благословляет нас, живущих на земле, а левой указывает ввысь, куда должны быть устремлены наши помыслы.

Глубоко личные душевные переживания художника позволили ему с необыкновенной простотой и человечностью, воплотить в образе Богоматери красоту женственности, силу материнского чувства и проникновенную одухотворенность. Идеальный женский образ получил наконец свое завершение. Недаром Богоматерь Васнецова стала одним из любимейших образов сразу же после освящения Владимирского собора. Репродукции с него можно было встретить во многих домах России в конце XIX - начале XX века. Авторское повторение этого образа выполнено в церкви подмосковной усадьбы Абрамцево.

Искусство XIX века по-новому раскрывает образ женщины-матери. Признанный портретист, академик живописи Венецианов А.Г. (1780-1847) стал писать простых русских женщин - крестьянок, занятых нелегкой работой. Вдали от шумной городской жизни у художника складывалось свое представление об идеале женской красоты, во многом отличное от общепринятых норм. Здесь уместно назвать его картины такие как «Жница», «Кормилица с ребенком», «Девушка с васильками», «Пелагея (девушка с косой и граблями)», «Девушка в платке». В облике величавой славянки художником подчеркнуты одухотворенное начало и яркая индивидуальность. Выбор тем можно было объяснить желанием автора подчеркнуть, что именно женщина, несмотря на всю тяжесть быта была и осталась хранительницей лучших традиций крестьянской жизни.

Взгляните на полотно «На жатве. Летом». Нещадно палит солнце, стоят рядами снопы, зеленеют холмы. В центре картины женщина-жница с ребенком на руках. Расположившись отдохнуть на высоком помосте, она ласково обнимает малютку, забыв об усталости.

Хотя Венецианов верен избранному принципу изображать все так, как «в натуре является», здесь неизбежно возникают «высокие» аналогии: было бы вполне естественно назвать его героиню «крестьянской мадонной» От иконы до авангарда. - СПб., 2000. - С.100.

«На пашне. Весна»- на этой картине изображена крестьянка в длинном розовом сарафане и алом кокошнике. Она ведет запряженных в борону лошадей. А в стороне сидит играющий ребенок, на которого с любовью и нежностью посматривает молодая мать. Позади женщины - неоглядная русская даль. Фигура женщины изображена в увеличенном масштабе. Движения крестьянки изящны, по земле она не ступает, а будто парит над ней, сарафан красив как греческая туника. Героиня уподоблена античной богине плодородия Флоре. Младенец на первом плане воспринимается символом материнства и плодородия.

3.3 Материнство в русской живописи ХХ века

В искусстве XX века совершенно по-новому зазвучала тема материнства, прославляющая самые глубокие и искренние человеческие чувства. Переоценка женских образов сказалась и в возрождении мотива материнства, что ознаменовало отход от семейной политики 1920-х годов и переориентацию на создание общества, одной из задач которого является рождение потомства. Образ матери с ребенком на руках по-прежнему волнует художников. Тема материнства красной нитью проходит в творчестве таких художников, как Петров-Водкин, Михаил Савицкий, Александр Головин, Александр Шилов и многих, многих других. Рассмотри их подробнее.

Тема женственности и материнства занимает значительное место в творчестве одного из крупных и оригинальных художников начала 20 века - Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939). Его творчество может вызывать противоречивые чувства, но нельзя не признать, что он является крупнейшим русским художником первой трети XX в.

В творчестве Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина всегда присутствовала мысль о непреходящей ценности и святости материнства. Долгие часы проводил художник в Эрмитаже перед полотнами старых мастеров и вдохновенно, по-рафаэлевски «не боясь композиционного канона», создавал своих «мадонн» в первые послеоктябрьские годы. Это обычные женщины, которым знакомы «все земные печали», работницы в ситцевых платьях и пролетарских красных косынках, но в этих образах чувствуется волнующее соприкосновение современности с вечностью. Истинно русские, национальные традиции находят отражение в такой его картине, как «Богоматерь Умиление злых сердец». Кто она? Работница революционного Петрограда, Богоматерь с древнерусских икон или мадонна Возрождения? Наверное и то, и другое, и третье. Она действительно вбирает в себя прошлые, настоящие и будущие времена, воплощает многие облики известных мадонн.

Картина «Мать» (1915) представляет собой завершенное, отлично скомпонованное произведение, в котором художник добился полного, свежего и поэтического раскрытия темы. Картина отличается особой ясностью и прозрачностью красок среди которых доминируют пылающе-красная и различные оттенки ультрамариново-синих. Это - гимн семейному счастью, радости и святости материнской любви. В этом живописном полотне Петров-Водкин преследует одну из основных целей - раскрыть средствами живописи сущность и красоту жизни во всех ее проявлениях. Это - возвышенный образ матери, непреходящий в своей душевной чистоте и нравственной силе. Молодая мать, прижимающая к себе спящего младенца, своим общим обликом, силуэтом напоминает мадонну.

«Мать» можно считать Иконой Материнской Любви. От этого вечно живого Образа чудодейственно исходят тихая радость, скромность, умиротворение, свежесть, доброта, задушевность, бодрственные грёзы о человеческом счастье, красота в её понимании целомудренным трудовым Народом. И всё это достигнуто столь малыми средствами, столь лаконичным языком! Картина «Мать» есть откровение Чистой Женственности, Святости Материнства, глубокого чувства Родины, исполненной вселенских раздумий. Это - сама Русь.

Одна из самых известных картин Петрова-Водкина называется «1918 год в Петрограде» (1920), но чаще о ней говорят как о «Петроградской Мадонне».

На картине «Петроградская Мадонна» молодая женщина с грудным ребёнком изображена на фоне революционного Петрограда, где началась новая эра человеческой истории. Женщина, прижавшая к себе ребенка, стоит на балконе. Позади нее город - темная панорама революционного города, которая вносит мощный мотив тревоги. Куда-то спешат прохожие, кто-то останавливается у стен зданий, чтобы обсудить расклеенные декреты новой власти. Но это лишь временный фон для основного изображения женщины-матери. Приметы трудного времени (например, очередь за хлебом) привлекают внимание зрителя не сразу, прежде всего взгляд останавливается на лице героини. Не случайно она повернулась спиной к городу. Юная работница с обострившимися, как у мадонны, чертами бледного лица, не оглядывается назад - она вся полна сознания своего материнства и веры в свое предназначение. Ее главные заботы - заботы о ребенке, о его настоящем и будущем. От нее исходит волна надежды и покоя. Образ Богоматери остается неизменным, незыблемым, несмотря на потрясения мира: линии, описывающие ее голову, мягкий наклон к младенцу, направленный на нас взор. В облике молодой матери сочетаются чистота, самоотверженность и воля.

Мать и ребенок, как символ вечной жизни и добра, царят надо всеми. Несмотря на то, что художник придает облику молодой женщины иконописные черты, она все же простая петроградская работница. Её главная забота - это забота о ребёнке, о его настоящем и будущем.

Тема материнства была продолжена в советском искусстве Павлом Варфоломеевичем Кузнецовым (1878-1968), российским живописцем, в картине «Мать» (1930). На переднем плане картины сидит женщина с ребенком на руках. Зрелая и сильная, она вложила немало труда в землю ради будущего своих детей. Это мать, уверенная в будущем, уверенная в том, что труд ее детей в новом обществе будет более легким, чем у людей ее поколения.

Интересно воплощена тема материнства в картине Александра Александровича Дайнеки (1899-1969). Величие и целомудрие, достоинство и женская гордость ощущаются в облике матери в картине «Мать» (1932). Она написана 80 лет назад. Но до сих пор нельзя без волнения смотреть на простой, и в то же время очень нежный образ матери с ребёнком на руках. Картина полна тишины и величавого чувства материнской любви.

Сюжет вечный. На руках молодой женщины спит малыш. Композиция удивительно проста: на гладком темном фоне крупным планом изображена женщина с заснувшим ребенком на руках. Поразителен колорит холста, построенный на сочетании теплых и глубоких земляных красок. Живопись предельно экономна, она напоминает фреску по своей сдержанности и благородству фактуры.

В облике матери передана величавая осанка венецианских крестьянок, нежные трепетные чувства к прильнувшему к ее плечу малышу. Противопоставляя хрупкое разморенное сном тельце мальчика сильной и крепкой фигуре матери, художник стремится подчеркнуть существующую между ними неразрывную духовную связь, готовность матери защитить ребенка от любых жизненных невзгод. Дейнека восславил земную любовь матери, оберегающей свое дитя от всех случайностей нашего тревожного века.

Картины, подобные работе А. Дейнеки «Мать», вновь сделали привлекательным здоровое материнство. Другие картины, демонстрирующие отношения матери и ребенка, свидетельствуют о реабилитации образа Богородицы, который всегда был глубоко укоренен в русском народном сознании.

Красной нитью проходит тема материнства в творчестве Шурпина Федора Саввича (1904-1972), известного московского живописца, мастера крестьянской темы. В ряде картин - «Материнство» (1931), «Мать с двумя детьми» (1937), «Мать» (1947), «В поле» (1949), «Радость материнства» (1963), «У материнской груди» (1964), «У колыбели», «Тихая минута» - тема получила образное поэтическое воплощение. Все эти картины интерьерные, написанные в теплой гамме, тонкие и красивые по живописной фактуре, с умело использованными для образной выразительности эффектами освещения.

О стойкости и мужестве советских людей, о героизме и бесстрашии советской женщины-матери рассказал художник Сергей Васильевич Герасимов (1885-1964), живописец и график, мастер книжной иллюстрации) в картине «Мать партизана» (1943). На ней изображен героический подвиг женщины в годы войны. На переднем плане картины изображена женщина - мать партизана - и немецкого карателя. Это простая женщина в обычной крестьянской одежде: густой юбке темного цвета в красные крапинки, просторной светлой кофте. На голове - платок. Ноги босые - фашисты вытолкнули ее из дома, и обуться не успела. За ее спиной - односельчане, которых согнали каратели, чтобы взять на испуг и принудить сознаться, чей партизан. По левую сторону от матери - ее сын - партизан. По разорванной рубашке, измученному лицу можно додуматься, что его люто подвергали пытке, но он ни в чем не сознался. И молодой партизан, и его мать, и крестьяне, которые стоят плотно стеной за матерью, держатся мужественно, гордо, с достоинством. Лицо карателя налилось кровью от злости и бессилия. Старая женщина, которую он думал взять на испуг, поставить на колена, пренебрегает не только его, а и самую смерть.

В картине нет светлых, радостных красок. На фоне черного дыма и красных языков пламени - гитлеровец в темно-зеленом мундире. Картина вызывает ненависть к фашистам. Мать партизана и крестьяне изображенные в теплых цветах, а белая кофта матери, подчеркивает ее душевную чистоту. Картина вызывает чувство гордости за наш народ, за его мужество и бесстрашие.

Поражают своей красотой, величественной простотой и силой образы матери в живописных полотнах М. Савицкого (1922-2010). Пережитые ужасы войны оставили глубокий след в его творчестве. В образе матери воплощается израненная войной родная страна Беларусь. Ярким и необычным явлением в эпопее о Великой Отечественной войне стала картина «Партизанская мадонна» (1967). В центре ее - образ молодой крестьянской матери с крепкими босыми ногами и загорелыми натруженными руками. Она сидит, кормит грудью ребенка. Голова туго повязана темно-синим платком. Накинутая на плечи красная шаль превращает белую блузку и черную юбку в торжественное одеяние. Иконная красота цветового созвучия дополнена золотом холмистой земли, где, как в мирное время, так и в годы войны, женщины жали хлеб. Ритм их согнутых спин, образующих серповидный полукруг, вторит линейным ритмам в изображении молодой матери, певучей плавности ее силуэта. Она и Земля - единый образ гармонии бытия народного. Но драматично противопоставлены ему резкие перекрестные ритмы винтовок и решительная поступь тех, кто уходит в бой... Лишь на минуту задержался около нее молодой партизан, может муж, может брат. А она, не глядя ни на кого, делает свою вечную работу - кормит ребенка. Она - сама надежда, Надежда на доброту, на счастье, на жизнь. Пока есть дети - выживет страна.

В 1978 году художник вновь обращается к этой тематике и пишет новую картину, которая не только уступает художественным достоинствам первой, но и несет новое содержание. И в названии у нее добавилось слово - «Минская». Глядя на эту работу, невольно вспоминаешь «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля. Вертикальный формат полотна, недетская серьезность ребенка на руках у матери. У Рафаэля преклонил колени перед Марией старый Сикст. Здесь вместо молодого партизана на переднем плане, как бы в дополнение к окаменевшей в тяжких раздумьях старой женщине, изображен старый мужчина с винтовкой в руках готовый защищать их до последней капли крови. Да, Отечественная война требовала жертв. И в исторических битвах особенно явственно виден великий смысл материнской любви и материнского подвига. Без эффектных действий и фраз, он прост и неизбежен, как сами военные будни.

И в завершении обратимся к творчеству нашего современника - художника Александра Максовича Шилова (1943). Он создал множество женских портретов, каждый из которых несёт частичку идеала красоты. Но женственность в этих работах наиболее полно предстаёт в ореоле материнства. Тема матери привлекает Шилова в разных своих проявлениях.

Вот современная мадонна в поэтической картине «Утро» (1978). Молодая мама в утреннем нежно-голубом пеньюаре сидит около детской кроватки, держа на руках ребёнка и кормя его. И та же нежность и светлая радость в её склоненном над младенцем лице, что и на старинных картинах. Картина несёт в своём названии символику: утро - это время суток, о чём можно судить и по одежде женщины, и по виднеющемуся через окно в дымке городу, утро - в природе, расцвет её (на окне в стакане цветущие нарциссы); утро - это и начало новой жизни и начало материнства.

С этой картиной перекликается другая - «Мадонна с младенцем». Но если первая напоминает жизненное изображение, фото, то эта скорее несёт в себе отношение художника к матери. На тёмно-коричневом столе стоит покрытая прозрачным полотном белая картина с полупоясным изображением матери, прижимающей к себе ребёнка. А перед ней в светло-коричневой вазе 3 нежных розы. Уважение и преклонение художника перед матерью.

И в заключение хочется сказать о картине, уже относящейся к нашему веку - «Мадонна с младенцем» (2001). Она, как и предыдущая несет в себе отношение художника к матери. На тёмно-коричневом столе стоит белая картина с полупоясным изображением матери, прижимающей к себе ребёнка. А перед ней в вазе букет нежных незабудок. Название растения незабудка у разных народов и на разных языках является синонимом понятия «не забывай». Сложно сказать, какое событие исторически важного значения послужило первопричиной дать незабудке такое нарекание, но сказки и легенды народов мира пересказывают один и тот же смысл: цветок незабудки символизирует возвращение в родной край, к родным и любимым людям, в родные семьи.

4. ПОРТРЕТ МАТЕРИ

4.1 История возникновения женского портрета

Что такое портрет? Само слово «портрет» восходит к старофранцузскому слову «pourtrait», что означает «изображение черта в черту, черта за черту»; оно восходит к латинскому глаголу «protrahere» - то есть «извлекать наружу» «обнаруживать».

В изобразительном искусстве под портретом подразумевают изображение определенного конкретного человека или группы людей, в котором передан, воспроизведен индивидуальный облик человека, раскрыты его внутренний мир, сущность его характера.

Считать, однако, что портрет есть только изображение определенного конкретного человека - не совсем верно, ибо произведение искусства нельзя сравнивать со слепком или, скажем, с фотографией в удостоверении личности. Это значит, что портрет предполагает не только передачу внешности, но и передачу сути, души человека.

Живописный станковый портрет сначала писался, подобно иконе, на доске и давал или оглавное, или оплечное изображение персонажа, производимое иногда с натуры, но преимущественно по памяти.

Постепенно портреты стали писать на холсте вначале в иконописной технике, а затем - в технике живописной. Появились также и портреты в рост. Если изначально главное внимание уделялось лицу портретируемого персонажа, то потом значение приобрела трактовка костюма и окружающего пространства. Постепенно портретные композиции, исполненные отечественными мастерами, обогатились изображением интерьеров и многочисленных атрибутов.

Из всех художественных жанров, портретный меньше всего менялся на протяжении всей истории. Безусловно, существует множество различий между портретом эпохи Возрождения и современным портретом. Однако это в основном несущественные различия, в большей степени отражающие тенденции в моде, характерной для определенной эпохи - на одежду, прически, мебель. Лица людей и их выражение не меняются. По древнеримским портретам так же легко понять психологические особенности и характеры людей, как и по произведениям XIX века. Особенности стиля характерного для каждого исторического периода, позволяет определить в какое время жил портретируемый и к какому сословию принадлежал. А кроме того мастера прошлого умели отобразить сущность характера исключительно с помощью художественных средств создавая такие композиции и сочетания форм и цветов что обычные люди выглядели поистине величественно.

До нас дошло очень немного художественных произведений, созданных во времена Древней Греции и Древнего Рима. Поэтому сложно сказать наверняка, насколько популярен был тогда портретный жанр. Судя по большинству работ, в основном художники писали погребальные портреты. Из них наиболее известны помпейские росписи и погребальные дощечки. Все эти работы отличаются высоким художественным мастерством и по своей реалистичности не уступают портретам эпохи Возрождения. Написанные темперой или восковыми расплавленными красками в технике энкаустики, они сохранились как на досках, так и на холстах.

Самым ярким примером древних портретов являются погребальные дощечки, обнаруженные в некрополе оазиса Файюм. Это небольшие дощечки с изображением лица умершего человека помещались в бинты мумии на месте лица. Они были созданы в период между I и IV веками н.э. Многие из них творения созданные великими художниками, оторых благодаря способности передать внешнее сходство можно считать первыми портретистами в истории человечества.

В первобытном искусстве женщина всегда в буквальном смысле безлика: она нарисована точным сплошным силуэтом без изображения лица. Вероятно в те далекие времена и мужчины и женщины ощущали себя частью племени и чувство личности, без которого портрет невозможен не было и не могло быть развито. Некоторые первобытные традиции в изображении женщины наследуют искусство древних государств. Например в Древнем Египте женщина всегда нарисована грудью в фас, а головой и ногами - в профиль. Такой способ изображения женщины и человека вообще в искусстве Древнего Египта был возведен в незыблемый принцип, почти не знавший исключений. Изображая женщину по такой схеме египетские художники старались более наглядно показать ее тело: ведь глаза и плечи «виднее» в фас, а ноги, наоборот «виднее» в профиль. Героиня древнеегипетского искусства отличается от других персонажей не лицом, а написанными рядом именем и титулом, а также масштабом. Портретное сходство полностью отсутствует.

В античной Греции портрет должен был передавать не индивидуальные черты модели, а гармонию женского тела, красоту движения. Это было изображение-идеал: художник показывал согражданам, какой должна быть женщина. Была создана математическая теория пропроций идеальной женщины. То, что не укладывалось в эти строгие нормы, считалось недостойным «портретного» изображения. Характерное, индивидуальное в представлении античных греков считалось природным недостатком человека и изображению не подлежало. Так часто при изображении женщины художник совмещал вместе идеальные, по его мнению, части различных моделей: грудь ионийки, руки афинянки и т.д. Более того, портретное сходство с моделью считалось святотатством. Так, когда прославленный Фидий изобразил себя на щите Афины, то был узнан, отведен в тюрьму и отравлен. Таким образом, в Древней Греции вопрос, быть или не быть портрету, стал вопросом быть или не быть художнику. Но времена менялись, а вместе с ними менялись и представления о портрете: при Александре Македонском портретное сходство уже не считалось кощунством. Изображение характера при портретном сходстве сближает работы художников эллинизма с работами художников следующей, римской эпохи.