Морфология искусства

Художественная культура - это совокупное функционирование и развитие всех областей искусства - литературы, музыки, живописи, театра и др. Важно учитывать их динамику, место и роль в культуре. В разные эпохи разные виды искусства выходят на первый план, и это - существенная характеристика времени (например, греческая культура представлена, прежде всего, скульптурными произведениями; для средневековой культуры характерен синтез искусств; в культуре Возрождении наиболее востребована живопись, в культуре Романтизма (рубеж 18-19 вв.) - музыка, в 19 в. - литература и т.п.).

1) воспринимаемого (объекта),

2) воспринимающего (субъекта),

3) произведения искусства (нового объекта),

4) второго воспринимающего (второго субъекта) - зрителя, слушателя, читателя.

Эстетическое сознание активизируется прежде всего вследствие недостаточности красоты объекта. Это и провоцирует вспышку эстетического чувства и создание эстетической установки. Эстетическая «достаточность» «паралитична» (М.С. Каган), это условие эстетической недееспособности.

Художественное в этом смысле - перевёрнутое эстетическое. Красота заразительна, степень эстетического совершенства прямо пропорциональна творческой энергии. В этом - диффузная зона контакта создающих и воспринимающих художественные произведения людей, единое лоно творческого, центр креативности, «рассеивающийся» не только среди творцов художественных произведений, но и в среде «вторичного» творчества (критиков, исполнителей), в среде художественно одарённых слушателей, читателей, зрителей.

Художественное знание уникально. Поэзия как особый опыт, особое знание, которое не может быть получено иным способом, переведено на иные языки - характерная установка многих современных литературоведческих направлений. «Причина, почему искусство может нас обогатить, заключается в его способности напоминать нам о гармониях, недосягаемых для систематического анализа» (Н. Бор). По И.Канту, эстетическая идея приводит познавательные силы в состояние «свободной игры», как бы тренируя их: «Образы поэзии не предназначены специально для уяснения предмета, но должны приводить в движение и оживлять воображение» (И.Кант).

Предмет и способ художественного познания - одна из традиционных проблем филологии. Претензию искусства на большую обобщённость, универсальность познания выразил уже Аристотель: «Задача поэта говорить не о действительно случившемся, но о том, что могло бы случиться, следовательно, о возможном по вероятности или по необходимости». От этого суждения берут начало многие высказывания о характерной для искусства типизации, о непростом соотношении правды и правдоподобия. Художественное бытие - особая эстетическая реальность, которая не требует признания её за действительность (Л. Фейербах). Искусство - «гигантская условность» (В. Турбин). Искусство - не жизнь, а образ жизни. Искусство - это средство, которое заполняет разрыв между духом и чувственно осязаемой материей, «эту рану, которую дух наносит себе в своём поступательном движении» (Г.В.Ф. Гегель).

Отличительная черта искусства - его бескорыстие. Искусство напоминает евангельское чудо «претворения воды в вино», это акт «преодоления чувства», его «разрешения, победы над ним», это «организация нашего поведения на будущее, установка вперёд, требование, которое, может быть, никогда не будет осуществлено, но которое заставляет нас стремиться поверх нашей жизни к тому, что лежит за ней» (Л.С. Выготский).

Традиционно искусство понимается как вид культурной деятельности, удовлетворяющий потребность человека в прекрасном; это результат выражения внутреннего облика человека, реализация мира его чувств в художественных образах, «использование мастерства и воображения для создания эстетических объектов» (Энциклопедия Британника).

Искусство - особый способ познания и отражения действительности. Таким образом, понимание искусства всегда сопровождается сопоставлением его с другими формами познания и отражения жизни, прежде всего - с наукой.

Познавая жизнь, искусство подобно науке, но для науки характерны дифференцирующие тенденции, а для искусства - интегрирующие. «Наука познаёт всё, даже человека, применительно к мирозданию; искусство познаёт всё, даже мироздание, применительно к человеку» (Б.М. Рунин).

Существенное отличие науки от искусства - разность их языка. Язык науки - референтивный (от лат. referre - сообщающий), язык искусства - эмотивный (от лат. еmovere - возбуждать, волновать).

Искусство и наука - равноценные категории опыта. Тем не менее, художественное знание уникально.

Проблема происхождения искусства.

Наиболее распространёнными являются четыре теории происхождения искусства:

· биологизаторская, восходящая к идее Ч.Дарвина и связывающая истоки художественной практики с потребностью привлечь внимание существа противоположного пола;

· игровая, рассматривающая любую деятельность человека прежде всего в аспекте универсальной «игровой природы» культуры;

· магическая, помещающая искусство в сферу религиозных действий человека,

· трудовая, полагающая, что объекты труда постепенно становятся объектами эстетического восприятия.

Интересной представляется мысль о появлении искусства из «излишка мастерства». Искусство рождается тогда, когда вещь готова, оно демонстративно не выполняет никаких утилитарных функций и практически бессмысленна. Конец

Искусство изначально самодостаточно, его отличительная черта - бескорыстие.

Отличие предмета искусства от предмета науки - в ином соотношении внешней по отношению к познающему субъекту действительности и внутреннего мира самого художника, в единстве субъективного и объективного.

Если научное знание повествует об отдельных феноменах мира, то искусство обнаруживает его «родство», целостность, органичность.

Если науки изучают человека и мир в отдельных их проявлениях, что и дифференцирует научное знание по предмету исследования, то в искусстве человек познаётся сразу весь, искусство схватывает человека «сплошь» (И. Павлов). Предметом искусства оказывается человек, взятый в аспекте соотношения различных начал его природы.

Своеобразие искусства связано не только с предметом, но и способом художественного познания.

Одной из первых работ, в которой рассматриваются эти вопросы, является знаменитый трактат великого древнегреческого философа IV в. до н.э. Аристотеля (384-322 гг. до н.э.) «Поэтика, или Об искусстве поэзии».

Сравнивая поэзию и историю, Аристотель пишет, что история описывает жизнь такой, какой она была или есть, а «задача поэта - говорить не о действительно случившемся, но о том, что могло бы случиться, следовательно, о возможном по вероятности или по необходимости…поэтому поэзия философичнее и серьёзнее истории».

Аристотель указывает на черту, которая позже будет названа типизацией - искусство не просто описывает жизнь, фиксирует отдельные факты, но систематизирует их, обобщает, обнаруживает закономерности.

Расхожая похвала искусству - сравнение его с жизнью (как в жизни!). Однако искусство - не жизнь, а образ жизни. Художественное бытие - особая эстетическая реальность, которая не требует признания её за действительность (Л. Фейербах).

Всё искусство, по словам одного исследователя, - «гигантская условность» (В. Турбин). Разрушение художественной условности разрушительно для искусства.

Художественный образ

Основная категория искусства, его «визитная карточка» - художественный образ. Художественный образ - универсальная эстетическая категория, специфические для искусства способ и форма познания и отражения жизни, «язык искусства и одновременно - его высказывание» (И. Роднянская).

В сфере гуманитарного знания целостность человека, органичность этой целостности с наибольшей очевидностью явлена в категории художественного образа. Художественный образ - коронованный Гегелем «абсолют» искусства, его синоним. Образ способен схватывать явление «сплошь», он богаче, больше суммы составляющих его элементов и поэтому точнее перечня.

Категория художественного образа родилась в связи с пониманием искусства как особой формы познания. Сам факт существования понятийного и образного сознания доказывает незаменимость и суверенность каждого из них.

Истоки теории художественного образа - в учении Аристотеля о мимесисе: поэзия должна «производить свойственное ей удовольствие, подобно единому и целостному живому существу».

Классическим стало определение образа, данное Г.В.Ф. Гегелем: «Мы можем обозначить поэтическое произведение как образное, поскольку оно ставит перед нашим взором вместо абстрактной сущности конкретную её реальность».

Художник «мыслит образами» (В.Г. Белинский), образ - это и «есть художественная мысль» (П.В. Палиевский). Образному мышлению учил актёров К.С. Станиславский: для художника понять - «значит почувствовать».

Понятие образа разномасштабно: это и целое произведение, и его мельчайшие единицы (слова, фразы, события, персонажи и пр.). Целое не «состоит», не «смонтировано» из более «мелких» образов, оно «живородящее» (А.А. Григорьев). Произведение не разложимо на любом своём уровне. Вырванная деталь перестаёт быть «образом», становится «мёртвой» деталью (И.Роднянская).

Основные положения статьи А.Ф. Лосева «О поэтическом образе»:

· Образ прежде всего - живой организм.

· Поэтический образ есть символ, т.е. он значит больше, чем он есть, он - бесконечность.

· Истинно поэтический образ всегда мифологичен. В поэтическом образе отдельные его моменты тоже объединяются не в порядке их естественного происхождения или логического соотношения, но в порядке их жизненно-человеческого общения, т.е. объединяются мифологически.

· Поэтический образ есть результат активных усилий творящего индивидуума и в то же время результат действия судьбы.

· Поэтический образ есть волшебство, он вырывает нас из бытовой обстановки и делает нас равнодушными к логической последовательности мысли; в поэтическом образе обязательно есть нечто донаучное, сверхнаучное, вненаучное, то, что хватает людей за душу, как некоего рода волшебное видение.

· Искусство всегда неожиданно, непредсказуемо (ср. шутливое высказывание Ю.Н. Тынянова об искусстве, которому «заказывают Индию, а оно открывает Америку»).

· Образ обладает эстетическим качеством. Он - предмет любования. Эстетическое качество образа не зависит ни от предмета изображения, ни от темы произведения. Часто говорили, что любование красотой размагничивает людей, ослабляет их волю к жизни. Это совершенно неправильно. Любуясь красотой, человек становится чище, здоровее. Он получает художественную «зарядку», ему есть с чем противостоять несовершенствам жизни.

Основные положения работы П.В. Палиевского «Внутренняя структура образа»:

· образ - это целостность, искусство захватывает действительность «сплошь», это сложная «система отражений»; образ является «носителем нерасчленённых, отрицающих друг друга противоречий»;

· вся художественная мысль есть одно сплошное иносказание, она сообщает нам свой смысл через иные, чем понятия и суждения, формы, поэтому искусство не может быть подменено никакими иными формами мысли;

· элементарная модель художественной мысли - сравнение, это первый инструмент художественной фантазии;

· фантазия, вымысел - обязательное качество художественной мысли; образ - это мышление с помощью индивидуальности, созданной воображением;

· образ воплощает жизнь как тенденцию, по аналогии;

· образ неисчерпаем, так как предмет не сводится к сумме перечисляемых понятий; внутри образа всегда протекает синтез;

· образ всегда содержит в себе то, что очеловечивает внешний мир и самого человека.

Художественный образ и символ

Всякий художественный образ в какой-то степени всегда является символом. «Если бы стихотворение о грусти не имело никакой другой задачи, как заразить нас авторской грустью, это было бы очень грустно для искусства…настоящая природа искусства всегда несёт в себе нечто претворяющее, преодолевающее обыкновенное чувство…Страх, боль, волнение, когда они вызываются искусством, заключают в себе ещё нечто сверх того, что в них содержится» (Л.С.Выготский).

Символ (от греч. знак, опознавательная примета) - и знак, и образ. В художественном произведении символ - «это эстетически оформленная и художественно-локализованная единица речи» (В.В. Виноградов).

· В символе два полюса: 1)предметный образ 2)глубинный смысл. Они немыслимы один без другого. Переходя в образ, символ становится «прозрачным», «просвечивает» сквозь него, существует как «смысловая глубина» образа, его «смысловая перспектива».

· Символ отличается от аллегории тем, что его нельзя расшифровать рассудочно, он не существует в качестве рациональной формулы, которую можно «вложить» в образ, а потом «извлечь» из него.

· Символ отличается от знака своей многозначностью: для знаковой системы многозначность, как правило, - помеха, а символ, чем многозначнее, тем содержательнее.

· Смысл символа не дан, а задан: он осуществляет себя не как «наличность», а как динамическая тенденция, это вектор, множественность инстанций, бесконечная символическая связь смыслов.

· Истолкование символа - диалогическая форма знаний: символ реально существует только внутри человеческого общения;

· В символе есть теплота сплачивающей тайны: по символическим осколкам узнавали себя люди, связанные наследственной дружбой.

Проблема художественности

Художественность - сложный комплекс внутренних структурных характеристик, определяющих принадлежность созданного предмета к сфере искусства, особое качество произведения, отличающее его от явлений жизни и культурного творчества, степень эстетического совершенства произведения, «способность писать хорошо» (Ф.М. Достоевский).

Выявление специфических черт художественности - одна из самых сложных в искусствознании. Тем не менее, существует длинный ряд произведений, которые традиционно определяются как художественные. В современном литературоведении определение художественный часто используется как элемент сравнительной конструкции, в связи с чем появилось понятие «как-художественного текста» (В.А. Лукин). Код художественного текста принципиально отличен от кода языкового: «в основе художественного текста лежит код естественного языка… поэтому всякий художественный текст закодирован как минимум дважды (принадлежит к так называемым вторичным моделирующим системам) и, следовательно, принципиально гетерогенен» (Ю.М. Лотман). Существенное отличие кода художественного текста от языкового кода состоит в его «гиперсемантизации» (У. Вейнрейх).

В художественном тексте «всё стремится стать мотивированным со стороны своего значения», поэтическая рефлексия «мотивирует немотивированное», в итоге - художественный «язык означает сам себя» (Г.О. Винокур).

1. В мифологии отражён исторический процесс формирования первых морфологически-эстетических представлений.

2. Для античной философской эстетики характерны два типа размышлений:

· Всё более чётко осознавались целостность мира искусств, родство мусических и технических искусств;

· Всё более чётко определялись отличия мусических искусств от наук и технических искусств.

В эстетике Платона намечено ещё одно принципиально важное противопоставление:

1. искусства, основанные на подражании природе (мимезис - подражание природе);

2. искусства, имеющие немиметический (неподражательный) характер.

В основу этого деления у Платона положен принцип одержимости, безумия. Именно этот принцип противоположен мимесису и объясняет то, как мусические искусства могут стать неизобразительными.

Современная классификация искусств

Наука о формах искусства - морфология (от греч. morphз - форма и logos - учение).

Вид искусства - это устойчивая форма существования искусства, его форма. По Аристотелю - это различие в средствах подражания природе: музыка, танец, литература, живопись, скульптура и др.

Внутри видов искусства выделяются роды и жанры искусства.

Понятие рода - одно из самых обобщающих и исторически устойчивых. Но род не может существовать непосредственно: род проявляется только через жанр.

Род - это единство художественной структуры, повторяющееся во многих произведениях на протяжении истории искусства и обусловленное характером отношения автора к отображаемым явлениям.

Жанр (франц. - род, вид) - это содержательно-структурное единство, повторяющееся в произведениях; различие в предметах подражания природе (по Аристотелю): портрет, натюрморт, исторический и т.п.

Пространственные (пластические) искусства:

1. архитектура

2. изобразительные искусства:

· графика

· живопись

· скульптура

· декоративно-прикладное искусство

· фотография

Временные искусства:

1. литература

2. музыка

Пространственно-временные искусства:

1. хореография

2. театр

3. кино

4. телевидение

5. эстрада

6. цирк

В некоторых видах искусства художественный образ возникает на основе нехудожественного вида деятельности:

· в архитектуре - на основе строительства;

· в фотографии - на основе документальных снимков;

· в декоративно-прикладном искусстве - на основе создания полезных вещей.

В некоторых видах искусства сочетаются элементы искусства и спорта: эстрада, цирк.

Музы

(в греческой мифологии)

Музы - дочери Мнемосины и Зевса.

Мнемосина - дочь Урана и Геи, богиня памяти, мать девяти муз.

Зевс - главный бог в античной мифологии, бог всех небесных сил (грома, молний), отец многих богов, брат Посейдона (морского бога) и Аида (бога подземного царства).

Первоначально музы - это богини пения. Позже - богини поэзии, искусств и наук.

У Гомера в произведениях упоминается то одна муза, то несколько, но имена их не называются. Иногда муз отождествляли с харитами, которые сначала были богинями плодородия, а потом стали богинями красоты, радости, олицетворениями женской прелести.

У Гесиода упоминаются имена трёх харит: Эфросина (Благомыслящая), Аглая (Сияющая), Талия (Цветущая). Обычно в мифах хариты сопровождали Гермеса, Афродиту, Диониса. В Риме хариты называются грациями.

Если муз отождествляли с харитами, то муз тоже было три: Мелета (Раздумье), Мнема (Память) и Аэда (Песня).

Позже муз стало девять: Каллиопа, Клио, Мельпомена, Полигимния, Талия, Терпсихора, Эвтерпа, Эрато, Урания.

Впервые девять муз называет Гесиод, который считает их не только богинями пения, но и танцев. Как богини пения музы связаны с Аполлоном, которого поэтому называют Мусагетом (предводитель муз). Аполлон - бог солнца, бог-воитель, бог-предсказатель. В переносном смысле Аполлоном называют очень красивого человека.

Считалось, что музы тоже обладают даром предсказания.

Любимым местом пребывания муз были горы Геликон и Парнас. На Парнасе были два чудесных прохладных источника - Кастальский ключ и Гиппокрена. На склоне Парнаса находился храм, посвящённый Аполлону (Дельфийский храм).

Гиппокрена - ключ, который появился от удара копыта крылатого коня Пегаса. Ключ вдохновлял поэтов.

Кастальский ключ образовался из дочери речного царя нимфы Касталии, которая превратилась в него, спасаясь от преследования Аполлона. В Кастальском ключе очищались паломники, которые шли в Дельфы.

Храмы муз назывались мусейонами (отсюда - музей, музыка). В Риме музы назывались каменами (поющие, предсказывающие).

В искусстве муз изображают юными, красивыми, цветущими девушками с соответствующими атрибутами (признаками).

Каллиопа (имеющая прекрасный голос, красноречивая) - самая старшая из муз. Первоначально - муза песнопений, позже - муза эпической поэзии. Изображалась с навощенными табличками и палочкой для письма (стилем).

Клио (славящая, от клеос - слава) первоначально - муза героических песен. Потом - муза истории. Изображается со свитком папируса (пергамента) и с палочкой для письма.

Мельпомена (поющая, от мелодиа - мелодия, радующая слушателей) - первоначально муза песен, позже - только печальных песен. Потом - муза трагедии. Изображалась высокой женщиной с повязкой (строфием) на голове, в венке из виноградных листьев или плюща, в театральной мантии, стоящей на котурнах (специальной обуви на высокой подошве для сцены), в одной руке - трагическая маска, в другой руке - палица или меч (символ неотвратимости наказания человека, нарушающего волю богов).

Полигимния (богатая гимнами, многопоющая) - первоначально муза танцев, позже - муза пантомимы. Изображалась с головой, покрытой покрывалом.

Талия (цветущая) - муза комедии. Изображалась в лёгкой одежде, в левой руке - с комической маской, в правой - с бубном или пастушеским посохом.

Терпсихора (любящая танцы, усладительнотанцующая, от терпейн - наслаждение) - муза танца (иногда - и хорового пения). Изображалась молодой улыбающейся женщиной в позе танцовщицы, чаще - сидящей и играющей на лире иногда в позе танцовщицы, чаще сидящей и играющей на лире. Характерные атрибуты:

· венок на голове;

· в одной руке лира, а в другой плектр.

Считается матерью сирен (демонические существа, заманивающие моряков своим пением). Терпсихору связывают с Дионисом (бог виноделия, производительных сил природы, в римской мифологии ему соответствует Бахус) приписывают ей атрибут этого бога - плющ.

Урании (небесная) - муза астрономии. Изображалась с небесным глобусом и палочкой-указкой.

Эвтерпа (прекрасноуслаждающая, увеселяющая) - муза лирической поэзии. Изображается с двойной флейтой (авлосом).

Эрато (любезная, милая, приятная) - муза любовной, эротической поэзии. Изображалась с лирой в руках.

ТЕМА 3: АРХИТЕКТУРА

Архитектура (от греч. строитель):

· строительное искусство;

· искусство проектировать и строить;

· художественный характер постройки;

· совокупность характерных признаков сооружений какого-либо периода.

В архитектуре художественный образ создаётся на основе нехудожественной задачи - строительства утилитарных сооружений.

Смысл термина архитектура охватывает три сферы:

1. архитектура отдельных сооружений (дома; общественные здания; промышленные, медицинские, учебные, научные и т.д. сооружения);

2. ландшафтная архитектура (организация садово-паркового пространства);

3. градостроительство (организация пространства, территории; предполагает учёт различных данных: геологии, метеорологии, сейсмологии и др.).

Художественный архитектурный образ обладает тремя особенностями:

· функциональной;

· конструктивной;

· эстетической.

1. Функциональность архитектурного сооружения - это назначение зданий.

Функции здания определяют:

- количество помещений;

- их состав;

- их расположение;

- их размеры.

Функциональное содержание должно удовлетворять потребностям людей, отсюда - исторически изменения в архитектурных сооружениях.

2. Художественную функцию архитектурного образа определяют два момента:

· общие (композиционные) формы; главные объёмы сооружения и основная группировка его масс и пропорций называются композицией; к общим композиционным формам относится также соотношение внешних и внутренних объёмов.

· частные (детальные) формы, они завершают и дополняют основные объёмы; делают их пластически более выразительными; позволяют точнее представить масштаб. Сгущая детали, собирая их в одном месте и разрежая в другом, архитектор подчёркивает центр композиции.

Художественность зависит от композиции в целом, от группировки масс, от силуэта здания и его общих пропорций. Выстроить здание композиционно правильно очень сложно. Нужно учесть состав и группировку сооружения; особенности рельефа местности; художественные требования. Выбор композиции не произволен. Он определяется назначением, конструкцией, климатом, окружением.

Огромное значение имеет материал (естественный, облицовка), который используется при создании сооружения, и характер его обработки.

Главные художественные средства архитектуры, её «язык»:

1. открытые и закрытые пространства (сообщающиеся - изолированные; освещённые - затемнённые; спокойные - динамичные);

2. объёмы зданий (простые - сложные; тяжёлые - лёгкие);

3. элементы окружающих поверхностей (плоские - рельефные; глухие - ажурные; однотонные - красочные);

4. композиция (симметричная - асимметричная, т.е. контрастно соединяющая элементы по форме, цвету, материалу, объёму, что создаёт динамичный образ);

5. ритм - распределение повторяющихся с определённым интервалом отдельных объёмов и деталей (анфилады комнат и залов; последовательное изменение объёмов; группировка окон, колонн, скульптур). Ритм может быть:

· вертикальным (чередование отдельных элементов в вертикальном направлении; создаёт впечатление лёгкости, устремлённости вверх);

· горизонтальным (чередование отдельных элементов в горизонтальном направлении; создаёт впечатление приземистости, устойчивости).

6. масштаб; учитывает 3 измерения: планы; разрезы; фасады; зависит не от действительных размеров сооружения, а от общего впечатления. Крупномасштабные здания - с крупными членениями их форм (большие плоскости стен, крупные поверхности остеклённых витрин). Например, кинотеатры меньше жилых высотных домов, но кажутся больше, «главнее». Маломасштабные здания - с мелкими деталями («нормальные» окна, лоджии, балконы).

3. Конструктивная функция архитектурного сооружения обеспечивает ему прочность.

Конструкции бывают 2 типов:

· поддерживающие (стены, опоры, колонны);

· перекрывающие (балки, своды); это самые сложные конструкции.

Одно из требований, предъявляемых к конструктивной стороне здания, - экономичность.

Особый принцип сочетания элементов художественной формы называется стилем. Чаще всего архитектурным стилем называют совокупность основных черт и признаков архитектуры определённого времени (архитектура античности, барокко, классицизма и т.п.

В понятие архитектуры включается также интерьер (внутреннее пространство здания) и включаемое в него убранство. Интерьер более чувствителен к изменению вкусов и моды, чаще заменяется на новый.

Высшая форма в архитектуре - ансамбль, т.е. совокупность архитектурных сооружений, отличающаяся художественно-планировочным единством.

ТЕМА 4: ГРАФИКА

Графика (греч. grapho - пишу, черчу, рисую) - вид изобразительного искусства. Она включает:

· рисунок;

· виды печатной графики, в основе которых лежит рисунок, но которые обладают собственными художественными средствами и специфическими способами воздействия.

Первоначально термин графика употреблялся применительно к письму и каллиграфии (от греч. kallos - красота и grapho - пишу) - искусству красивого и чёткого почерка.

На рубеже 19-20 вв. появилось новое значение слова графика, так как развилась полиграфия и был открыт фотомеханический способ воспроизведения изображений. Наиболее удобным для этого фотомеханического способа воспроизведения оказался такой тип рисунка, в котором был ярко выражен линейный характер. Этим он приближался к каллиграфии. В связи с этим сложилось и новое понимание термина графика. Теперь это было уже не только письмо и каллиграфия.

Графика - это искусство, в основе которого лежит линия, это искусство чёрного и белого.

В дальнейшем термин графика стал ещё более широким:

1. линейный рисунок;

2. рисунок с использованием штриха;

3. рисунок с использованием пятна;

4. цветной рисунок.

Главное в рисунке линия - одно из важнейших выразительных и изобразительных средств в пластических изобразительных искусствах (архитектуре, скульптуре, живописи, графике). Это самое раннее средство изображения в истории человечества.

Линии могут быть сплошными (контур), прерывистыми (пунктир, штрих), прямыми, ломаными, волнистыми, толстыми, тонкими, цветными, однотонными, наклонными, пересекающимися, с разным и одинаковым нажимом и т.д. У линии есть свой собственный декоративный ритм, она может быть круглящейся, мелодичной, угловатой, ломаной, жёсткой, т.е. - она очень выразительна, способна передавать чувство, настроение. Линия - самостоятельное и вспомогательное выразительное средство.

Штрих (нем. Strich) - черта, выполняемая одним движением руки; различается по толщине, очертаниям, направлению, помогает изобразить объём предметов, пространство.

Система штрихов - штриховка, она может быть вертикальной, горизонтальной, диагональной, перекрёстной и др.

Отличительные черты и возможности графики:

1. Особое отношение изображаемого предмета к пространству. Роль пространства выполняет фон бумаги. Бумага - основной материал графики. Пространство графики - «воздух белого листа» (В.А.Фаворский).

Пространственные ощущения создают:

· не занятая изображением поверхность листа;

· фон бумаги, проступающий под изображением (например, в рисунках акварелью).

2. Плоскостный характер изображения. Графика не обладает такой полнотой возможностей в создании пространственных иллюзий, как живопись. Но графика достаточно свободно варьирует степень пространственности и плоскостности.

3. Способность к тщательному объёмно-пространственному построению, к повествовательности, выявлению структуры предмета, штудированию натуры.

4. Незаконченность и лаконизм изображений. Графика склонна к свободному и широкому использованию беглых, условных обозначений; она может дать знак предмета, намёк на него. Отсюда - в графике самостоятельную художественную ценность имеют натурные наброски, эскизы (например, рисунки Микеланджело, Бернини, Рембрандта, Родена и др.).

5. Способность к резкому заострению образа, сатире, гротеску (Гойя, Домье, Калло, Кукрыниксы и др.).

6. Метафоричность графического языка, т.е. способностью работать на широких и свободных ассоциациях. Метафоричность достигается экономией, концентрацией художественных средств, обращённостью к воображению зрителя. В связи с этим графику часто сравнивают с поэзией.

7. Особая роль фактуры используемых материалов: бумаги, дерева, металла, линолеума и пр.

8. «Оперативность» графики, т.е. способность быстро откликаться на события, быть актуальной: 1)удобно тиражируется; 2)может выходить серийно (Хогарт, Фаворский, Калло).

Существуют различные графические техники, т.е. технические средства, которыми исполняются графические оригиналы.

По технике исполнения графика делится на 2 основных вида:

1. рисунок;

2. печатная графика.

В 20 в. появились новые техники:

· коллаж (франц. collage - приклеивание, наклейка) - наклеивание на какую-либо поверхность (основу) различных плоских материалов или объёмных кусков (обои, газеты, ткань, дерево, металл и др.). Коллаж введён в искусство П.Пикассо. В дальнейшем получил широчайшее распространение;

· граттаж (от франц. gratter - скрести, царапать, скоблить) - способ выполнения рисунка путём процарапывания пером (или острым инструментом) бумаги или картона, залитых тушью. Для произведений, выполненных в технике граттажа, характерен контраст белых линий рисунка и чёрного фона, что делает их похожими на ксилографию или линогравюру. В России впервые использовал граттаж М.В.Добужинский в работах 20-х гг;

· шёлкография - просачивание краски через ткань и др.

РИСУНОК

Рисунок - древнейший вид искусства. Первобытный человек процарапывал изображения на камне, кости, рисовал минеральными красками. Это был контурный линейный рисунок. В нём не было штриха и моделировки светотенью.

В античном искусстве рисунок представлен прежде всего богатейшей вазописью.

В Средние века почти не было разницы между графикой и живописью. Наиболее развитые виды искусства - витражи, миниатюры - это практически расцвеченные рисунки.

В Возрождении уже вырабатывается строгая линейная манера рисунка. Появляется пятно и штрих, который обобщает тональное изображение и смягчает контрасты.

Рисунок - искусство линейное, строгое, основано на сочетании белого и чёрного. Белое - бумага, чёрное - любой «сухой» красящий материал (карандаш, уголь и др.).

Графические материалы - средства, которыми исполняются графические оригиналы. Они бывают различными:

1. Карандаш обыкновенный - даёт серебристо-серый фон; используется примерно с 16 в. (Энгр, Кипренский, Брюллов, Федотов, Репин).

2. Карандаш итальянский (чёрный мел) - оставляет тёмный бархатный след; особо распространяется к 15 в.

3. Сангина (франц. sanguine, от лат. sanguineus - кроваво-красный) - карандаш без оправы красно-кирпичных тонов - красный мел; позволяет работать более густой фактурой - не штрихом, а пятном; даёт ощущение теплоты. Рисунки сангиной очень живописны; техника известна с Возрождения; считается, что её ввёл Леонардо да Винчи.

4. Уголь - даёт мягкую вибрирующую фактуру.

5. Грифель (штифт) - металлический, самый древний, инструмент. В средние века появился свинцовый штифт, он оставляет мягкие стирающиеся линии. В 15 в. распространяется серебряный штифт, линии которого почти не стираются и поэтому работа им требует большой точности (Леонардо, Рафаэль, Дюрер, Гольбейн Младший).

6. Перо (тростниковое, гусиное, металлическое), требующее красящих материалов (чернила, сепия, тушь и др.); способно скрупулёзно предавать натуру, но тоже требует большой точности. Пером обычно рисуют с натуры обнажённых (например, Микеланджело для Сикстинской капеллы).