История искусства

Золотых и серебряных дел мастера изготавливали уникальную церковную утварь, украшенную филигранью, полудрагоценными камнями, выемчатыми эмалями. Использовалась резьба по слоновой кости. Все эти различные техники использовались для изготовления пластин для облицовки алтарей, окладов книжных переплётов, чаш для омовения рук, подсвечников, процессионных крестов, ларцов и т.д.

Живопись.

Церковь была главным заказчиком произведений искусства. И в проповедях церкви и в сознании народа жила идея греховности мира - контраст духовной экспрессии и внешнего уродства облика.

Исключительно церковная была и настенная живопись - плоскостная. Сцены страшного суда и апокалипсиса - ведущий сюжет. Сохранились картины-иконы, написанные на деревянных досках в технике темперы, отличаются яркими красками и обилием золота. Обычно главный персонаж картины находился в центре, и по размерам превосходил фигуры стоящие рядом.

9. Искусство итальянского Возрождения: культурный хронотоп, традиции, основные черты, художественные центры

Термин и понятие «Возрождение». Периодизация искусства Возрождения. Основания художественной культуры: гуманизм, антропоцентричность, светский характер. Отношение к античному наследию. Титаническая личность в искусстве. Общественный характер искусства. Расцвет всех видов искусства: живописи, скульптуры, архитектуры. Утверждение в живописи реалистического метода: разработка линейной и воздушной перспективы, изучение пропорций и анатомии человека, образ героя. Особенности скульптуры: самостоятельность круглой пластики, развитие станковых и монументальных форм, сюжеты, образы. Развитие архитектуры. Основные художественные центры: Флоренция, Рим, Милан, Венеция.

Возрождемние, или Ренессамнс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; от «re/ri» -- «снова» или «заново» и «nasci» -- «рождённый») -- имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению. Приходится - в Италии - на начало XIV (повсеместно в Европе - с 15-16 вв.) -- последнюю четверть XVI веков и в некоторых случаях -- первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения -- светский характер культуры и её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» -- так и появился термин.

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры, в Византии никогда не забывавшейся. Так, под впечатлением от выступления византийского лектора, Козимо Медичи основал Академию Платона во Флоренции.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма -- общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканья и др.), но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Возрождение делят на 4 этапа:

Проторенессанс (2-я половина XIII века -- XIV век)

Раннее Возрождение (начало XV -- конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV -- первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI -- 90-е годы XVI века)

Проторенессанс[править | править вики-текст]

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими, византийскими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение -- собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Высокое Возрождение

Сюда перенаправляется запрос «Высокое Возрождение». На эту тему нужна отдельная статья.

Пьета (Микеланджело) (1499): в традиционном религиозном сюжете на первый план вынесены простые человеческие чувства -- материнская любовь и скорбь

Третий период Возрождения -- время самого пышного развития его стиля -- принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II -- человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это -- Леонардо да Винчи (1452--1519), Микеланджело Буонарроти (1475--1564) и Рафаэль Санти (1483--1520).

Позднее Возрождение

Кризис Возрождения: венецианец Тинторетто в 1594 г. изобразил тайную вечерю как подпольную сходку в тревожных сумеречных отсветах

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590--1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий -- маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Северное Возрождение

Основная статья: Северное Возрождение

Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Выдающиеся представители -- Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.

Архитектура. Итальянская архитектура в течение длительного времени следовала средневековым традициям, что выражалось в использовании мотивов готики, но итальянская готика сильно отличалась - она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членениям, широким поверхностям стен.

Церковь Санта-Кроче, одна из самых больших во Флоренции, была начата Арнольфо ди Камбио в конце XIII в. (фасад создан в XIX в.). Храм отличается широкими пролетами, единством внутреннего пространства; вместо сложных готических сводов в нем использовано деревянное потолочное перекрытие. Одним из главных достижений - создание нового типа городских дворцов (палаццо). Среди различных вариантов отделки дворцов - алмазная рустовка - фасад выглядел более нарядным.

Создавали фасады, облицованные цветным мрамором. Например, церковь Санта-Мария деи Мираколи (1481--89), напоминает драгоценный ларец.

Скульптура. В XV в. скульптура переживает расцвет. Заказы богатых ремесленных и купеческих кругов на украшение общественных зданий; проводятся художественные конкурсы. Один из таких конкурсов -- на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия (1401). победу одержал Лоренцо Гиберти (1381--1455). Гиберти посвятил свою жизнь одному виду скульптуры -- рельефу. Вершиной творчества Гиберти явились восточные двери флорентийского баптистерия (1425--52), обессмертившие имя мастера. С легкой руки Микеланджело восточные двери флорентийского баптистерия стали называть «Вратами рая».

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворенному, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семейству скульпторов делла Роббиа. Глава семьи, Лукка делла Роббиа (1399/1400 -- 1482), прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Он создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа и святых. Жизнерадостное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников.

Живопись. Настенная живопись выполнялась в технике фрески. Приготовленными на воде красками писали либо по сырой штукатурке (собственно фреска), либо по сухой -- эта техника называется «а секко» (в переводе с итальянского -- «по сухому»). Работе над росписями предшествовало изготовление синопий -- вспомогательных рисунков, нанесенных под фреску по первому слою штукатурки. Постепенно от синопий отказались. С середины XV в. широкое распространение получили картоны -- выполненные на бумаге или на ткани подготовительные рисунки в размере будущих произведений. Контуры рисунка переносили на влажную штукатурку с помощью угольной пыли. Ее продували через проколотые в контуре дырочки и вдавливали в штукатурку каким-либо острым инструментом.

В Венеции из-за климатических условий для украшения зданий использовали не фрески, а огромные картины в технике масляной живописи. Живопись этого периода производит скульптурное впечатление, фигуры на картинах художников напоминают статуи.

Крупнейшие мастера Раннего Возрождения - Ф.Брунеллески (1377-1446), Донателло (1386-2466), Вероккио (1436-1488), Мазаччо (1401-1428), Мантенья (1431-1506), С. Боттичелли (1444-1510).

10. Итальянский Ренессанс - эволюция живописи и скульптуры на примере творчества великих мастеров Высокого Возрождения

Два этапа наивысшего развития изобразительного искусства: Раннее Возрождение (кватроченто) и Высокое Возрождение (чинквеченто).(в предыдущем вопросе) Живопись кватроченто - Боттичелли; Высокое Возрождение -Леонардо да Винчи, Рафаэль. Скульптура Раннего Возрождения -Лоренцо Гиберти, Донателло; Высокое Возрождение - Микеланджело. Цели, задачи и творческие достижения.

Сандро Боттичелли (1444 -- 1510) - флорентийский художник эпохи ренессанса, чьим настоящим именем было Алессандро ди Мариано Филипепи.

В своей биографии Боттичелли учился у Фра Филиппо Липпи, чья изысканная цветовая гамма проявляется в ранних работах художника. Такую тенденцию можно заметить на полотнах «Adoration of the Kings» (Национальная галерея, Лондон), «Chigi Madonna» (музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон).

Элементы более сильного стиля Поллайоло, Верроккьо вскоре стали проявляться в таких работах Боттичелли: «Fortitude» (галерея Уффици), «St. Augustine», «Portrait of a Young Man» (Уффици). Боттичелли был одним из величайших колористов Флоренции, мастером ритмичных линий. Вскоре художник стал фаворитом Медичи.

В 1481 году папа Сикст IV попросил Боттичелли помочь в оформлении Сикстинской капеллы. Тогда Сандро Боттичелли было выполнено три библейских фрески. После этого он вернулся во Флоренцию, где наблюдался пик его популярности.

Затем Боттичелли поддался идеям Фичино и Полициано. Его мифологические аллегории «Spring, Birth of Venus, Mars and Venus», «Pallas Subduing a Centaur» упоминаются в основном как триумф любви над зверскими инстинктами. Вероятно, в 1490х годах художник работал над мечтательными иллюстрациями к «Divine Comedy». Он нарисовал несколько фресок для вилла Торнабуони в Лувре, создал серию излучающих свет Мадонн («Magnificat», «Madonna of the Pomegranate»). Согласно описаниям тех времен, Боттичелли восстановил знаменитую античную работу «The Calumny».

Религиозная позиция в биографии Боттичелли явно выражена в его творениях «Nativity» (национальная галерея, Лондон), «Last Communion of St. Jerome» (музей «Метрополитен), «Pieta» (Кембридж).

Леонардо да Винчи (1452--1519) - художник, скульптор, архитектор, ученый и инженер. Рукописи насчитывают свыше 7 000 листов, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки. Обогатил все области научного знания: анатомию, физиологию, ботанику, палеонтологию, картографию, геологию, химию, аэронавтику, оптику, механику, астрономию, гидравлику, акустику, математику. В своем «Трактате о живописи» (1498) и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов. Кисти Леонардо принадлежит «Мона Лиза» (Джоконда). Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения. Леонардо да Винчи (15 апреля 1452 -- 2 мая 1519) -- величайший художник и гениальный ученый, заслуги которого трудно сравнить с чьими-либо.

Родился в 1452 году вблизи города Винчи (откуда и произошла приставка его фамилии). Его художественные увлечения не ограничиваются живописью, архитектурой и скульптурой. Не смотря на громадные заслуги в области точных наук (математики, физики) и естествознания, Леонардо не находил достаточной поддержки и понимания. Лишь спустя многие годы его работы были по-настоящему оценены.

Увлекаясь идеей создания летательного аппарата, Леонардо да Винчи разработал сначала простейший аппарат (Дедала и Икара) на основе крыльев. Новой его идеей стал аэроплан с полным управлением. Однако ее воплотить в жизнь не удалось из-за отсутствия мотора. Также знаменитой идеей в краткой биографии Леонардо да Винчи является аппарат с вертикальным взлетом и посадкой.

Изучая законы жидкости и гидравлику в целом, Леонардо внес значительный вклад в теорию шлюзов, портов канализации, проверив идеи на практике.

Знаменитыми картинами Леонардо да Винчи являются «Тайная вечеря», «Мадонна с горностаем», «Мона Лиза» и многие другие. Леонардо был требователен и точен во всех своих делах. Даже увлекаясь живописью, он настаивал на полном изучении объекта перед началом рисунка.

Рукописи Леонардо да Винчи бесценны. Их полностью опубликовали лишь в 19-20 веках, хотя еще при жизни автор мечтал издать часть З. В своих заметках Леонардо отмечал не просто размышления, а дополнял их рисунками, чертежами, описанием.

Будучи талантливым во многих областях, Леонардо да Винчи внес значимый вклад в историю архитектуры, искусства, физики. Умер великий ученый во Франции в 1519 году.

Рафаэль (Рафаэль Санти) (1483 -- 1520) - художник (живописец, график), архитектор эпохи Высокого Возрождения.

Родился Рафаэль 24 марта 1483 года в Урбино, Италия. Первое обучение художественному мастерству в биографии Рафаэля проводил его отец -- Джованни Санти. Оставшись в 11 лет сиротой, Рафаэль стал обучаться у Пьетро Перуджино - известного итальянского художника.

Сначала Рафаэль копирует стиль своего учителя, а позже вырабатывает свою неповторимую манеру написания картин. Неповторимую - потому что его полотна чисты красками, легки, фигуры на них правильны в пропорциях. Однако анатомические знания в биографии Рафаэля были получены не сразу.

Лишь переехав во Флоренцию, ознакомившись с величайшими работами Микеланджело, Рафаэль стал учиться пропорциональному изображению человеческих тел. Творческий пик в биографии Рафаэля начинается примерно в 25-летнем возрасте. Он переезжает в Рим, где получает несколько ценнейших заказов. Так он выполняет фрески во дворцах и соборах.

Там же Рафаэль проявил себя как архитектор - был одним из руководящих строительством собора Святого Петра. Картины Рафаэля более всего прославлены благодаря его мадоннам. Он написал множество полотен с изображением Богоматери. Одним из самых известных картин Рафаэля - «Сикстинская Мадонна» (1513), «Мадонна Конестабиле» (1504), «Маленькая Мадонна».

Творчество Микеланджело - живописец, архитектор и поэт. Начал со скульптуры. Его статуи стали символом нового человека -- героя и борца («Давид»). Мастер возвел немало архитектурно-скульптурных сооружений, самое знаменитое - капелла Медичи во Флоренции. Но особенно знамениты росписи в Ватикане, в Сикстинской капелле. Пожалуй, никто в мировом искусстве не создавал таких сильных телом и духом персонажей («Сотворение Адама»). Огромная, невероятно сложная по исполнению фреска на потолке была выполнена художником в одиночку, без помощников. Уже в старости создал яростно-вдохновенный «Страшный суд» -- символ крушения идеалов своей великой эпохи. Микеланджело всегда боготворил красоту человека. Много работал в архитектуре, руководил строительством собора Св. Петра и ансамбляплощади Капитолия в Риме. Творчество Микеланджело оказало влияние на формирование принципов барокко.

Лоренцо Гиберти (1378 -- 1455) - флорентийский скульптор.

Первые навыки Лоренцо приобрел в мастерской Бартолуччо. В 1401 году в своей биографии Гиберти принял участие в конкурсе рельефов бронзовых дверей для баптистерия во Флоренции. Гиберти выиграл соревнование, обойдя ближайшего конкурента - Брунеллески. Тройная дверь, изображающая жертвоприношение Исаака, сейчас находится в национальном музее Барджелло.

С 1403 до 1424 года Гиберти работал над главным входом. Дверь была разработана достойной ранее выполненной работы Андреа Пизано. В результате, Гиберти работал без ограничений по украшению четырехстороннего каркаса готического периода. Рельефы изображали сцены из жизни Иисуса, а также представляли четырех евангелистов и Отца церкви. На протяжении этих лет в биографии Лоренцо Гиберти также было выполнено несколько впечатляющих статуй для церкви Орсанмикеле: Святого Иоанна Баптиста, Святого Матфея и Стефана.

В 1424 году Гиберти совершил недолгую поездку в Венецию. Вернувшись во Флоренцию, он начал разрабатывать восточный вход баптистерия. Скульптор посвятил примерно 23 года этой работе, за это время его мастерская стала одним из основных центров Флорентийской творческой активности.

Гиберти получил больше свободы при выполнении этого входа, дверь содержала десять квадратных панелей. Новая система перспектив была мастерски использована в архитектурном окружении трех рельефов: Исаака, Иосифа, Соломона. Флорентинцы гордо называют работу «Врата рая». Пять из десяти панелей двери были оторваны при наводнении 1966 года, а позже восстановлены с помощью точных копий из Сан-Франциско. Чтобы защитить оставшиеся оригинальные части от загрязнения, они были заменены точными копиями в 1990 году.

За последние годы своей биографии Лоренцо Гиберти написал книгу «Commentarii», которая содержала анализ раннего искусства, а также собственных работ Гиберти. Книга представляет древнейшую сохранившуюся автобиографию скульптора.

Донателло (1386 -- 1446) - итальянский скульптор, художник, главный новатор в искусстве Ренессанса. Полное имя - Донато ди Никколо ди Бетто Барди. В те годы биографии Донателло, когда формировалась его творческая личность, он работал вместе с Гиберти во Флоренции над бронзовыми дверьми для баптистерия.

К 1409 году Донателло начал работу над кафедральным собором. Его мраморный «David» (Флоренция) до сих пор является отражением готических форм. А вот «St. Mark» (Флоренция), «St. John the Evangelist» воплощает новые гуманистические выражения. Работа «St. George» является необыкновенным отображением идеальной молодости. Более важной является сопроводительная сцена «St. George and the Dragon» (1416) - новаторская попытка работать вне системы перспективы.

На протяжении следующей декады в биографии Донателло проходила работа над сценой «Salome» для баптистерия Сиены, которая была закончена к 1427 году. Донателло изобрел технику, названную «сплющенная» (schiacciato), в которой он смог достичь эффектов пространственной глубины. Во время того периода Донателло создал несколько пророков для Флорентийской колокольни, включая «Zuccone».

В 1430 - 1432 годах Донателло пребывал в Риме, завоевав за это время репутацию первого скульптора Ренессанса, интересующегося старинными сооружениями. Среди его изображений херувимов в «Singing Gallery» (1433 - 1438, кафедральный музей) можно найти отражение классического мальчика. Классическое влияние для Донателло в биографии очевидно в бронзовой фигуре «David» (1432) - одной из самых ранних свободностоящих оголенных фигур эпохи Ренессанса.

По требованию Италии Донателло был приглашен в Падуа в 1443 году. Там он провел около 10 лет в качестве главы громадной мастерской. Он спроектировал статую «Gattamelata» (1447 -- 1453), а также высокий алтарь для Сан-Антонио (1446 -- 1450). По возвращению во Флоренцию Донателло вырезал весьма экспрессивную скульптуру «Magdalen» (1460, баптистерий), которая была очень повреждена во время наводнения 1966 года.

В последние годы биографии Донателло работал на кафедре Сан-Лоренцо, создавая великолепные серии рельефов. Донателло был одним из влиятельнейших художников и скульпторов своего времени. Большое количество его работ представлены во Флоренции. Также хорошую подборку можно увидеть в музее Виктории и Альберта в Лондоне. Две работы Донателло находятся среди американских коллекций: незавершенный «David» (Национальная галерея искусств, Вашингтон) и «Madonna» (музей Бостона).

11. Западноевропейское искусство XVII века: художественный хронотоп, формирование и развитие стилей, новации жанровой структуры

Формирование национальных культур нового времени. Завершение процесса локализации больших национальных художественных школ - Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции. Отражение сложности эпохи в художественной культуре XVII в. Стремление к широкому показу действительности. Формирование и развитие новых жанров живописи: бытового, пейзажа, портрета, натюрморта. Разнообразие художественно-идейный течений и стилевая эволюция. Особенности барокко, классицизма, реализма и их главные представители.

17--18 века занимают особое место в истории Нового времени. Это был полный противоречий и борьбы переходный период, завершивший историю европейского феодализма и полошивший начало периоду победы и утверждения капитализма в передовых странах Европы и Америки. Общей тенденцией эпохи было нарастание противоречий между новым, капиталистическим строем и разлагающимся феодализмом. Крестьянские восстания расшатывали феодально-крепостническую систему, но уничтожить ее могли только буржуазные революции. Переход от феодализма к капитализму осуществлялся в основном в результате двух буржуазных революций: английской (1640--1660 гг.) и французской (1789--1794 гг.). Особенно велико значение французской буржуазно-демократической революции, открывшей новую эпоху в развитии культуры. 17 век открывает в истории западноевропейского искусства новую фазу, чрезвычайно важную для его последующего развития. Это прежде всего время появления и расцвета больших национальных художественных школ Италии, Фландрии, Испании, Франции, Голландии. Впервые в развитии европейского искусства можно констатировать проявление столь ярких национальных особенностей художественной культуры отдельных стран. Это объясняется тем, что уже в 17 веке во многих передовых европейских странах процесс формирования буржуазных наций не только получает большое развитие, но и близится к своему завершению.

Своеобразие каждой крупной национальной художественной школы обусловлено особенностями исторического развития той или иной страны, характером общественной жизни, спецификой художественных традиций. Развитие изобразительного искусства характеризуется прежде всего углублением его познавательного значения. Связь с реальным миром становится по сравнению с предшествующим периодом более глубокой и многосторонней. Это находит свое выражение прежде всего в расширении тематики, в разработке новых самостоятельных жанров или в развитии и углублении тех, которые уже существовали в эпоху Возрождения. Так, значительные видоизменения и весьма разнообразную интерпретацию получает в различных национальных школах религиозная и мифологическая живопись -- от безудержной декоративности и бурной патетики в творчестве мастеров барокко до жизненности, простоты и убедительности в работах художников-реалистов. Но особенное значение имеет в этот период развитие таких жанров, как портрет и пейзаж. Усиление интереса к индивидуальной личности, ко всем особенностям ее физического облика и характера, подчеркнутое внимание к внутреннему миру человека привели к необычайному подъему портретного искусства во многих странах и, в частности, к развитию психологического портрета. Иным становится в этот период восприятие и изображение природы. Развитие точных наук, естествознания способствует стремлению глубже познать ее жизнь и особенности. Важные достижения в области пейзажного искусства в 17 веке явились основой для развития этого жанра в последующие периоды. Художники 17 века более цельно воспринимают действительность. Жанры, которые прежде получили сравнительно небольшое развитие или вовсе не были распространены, например бытовой жанр, изображение животных, натюрморт, теперь занимают видное место в искусстве.

Искусство этого периода уже нельзя определить единым стилистическим понятием. Даже в рамках одной национальной школы можно нередко отметить существование различных, порой противоположных течений и тенденций. Одной из главных стилистических систем в искусстве 17 века было барокко, преимущественно связанное с католической и феодальной культурой. При всем разнообразии художественных решений и приемов искусство барокко в целом характеризуется ярко выраженной декоративностью, пышностью, парадностью в сочетании с бурной эмоциональностью и патетикой. Зародившись и достигнув наиболее полного расцвета в Италии, которая еще в 16 веке становится оплотом феодально-католической реакции в Европе, барокко получает значительное распространение также и в некоторых других странах, где господствующими социальными силами были дворянство и католическое духовенство. В тех странах, где предпосылки для развития барокко оказываются более слабыми или отсутствуют вовсе, как это было в буржуазной республике Голландии, господствующее значение в искусстве приобретает реализм. Реалистические течения, связанные с идеологией прогрессивных общественных слоев, получают широкое распространение и в других национальных школах. Стремление по-новому использовать античное наследие, выразив в классических формах современные идеалы и представления, приводит к развитию классицизма, получившего особенно яркое выражение в искусстве Франции. Следует отметить, что эти важнейшие течения в искусстве 17 века развивались не изолированно, а в непосредственной связи, нередко в пределах одной национальной школы и даже в творчестве одного и того же мастера. Это параллельное развитие различных тенденций художественной культуры 17 века сопровождалось не только их борьбой, но часто и взаимным влиянием и обогащением.

Если искусство первой половины 17 века характеризовалось разнообразием направлений, то во второй половине столетия получает развитие в основном лишь одно направление, связанное с королевским двором. Господствующим и в значительной степени единственным стилем эпохи становится классицизм, ибо он более всего соответствовал требованиям величавости, торжественности и монументальности, которые ставились перед официальным искусством, так называемым искусством «большого стиля». Однако искусство, призванное окружать абсолютного монарха ореолом блеска и величия, должно было быть и достаточно пышным и декоративным. Поэтому классицизм, став официальным искусством абсолютизма, лишается простоты и строгости классицизма Пуссена и приобретает декоративный характер, ярко выраженные барочные черты.

Утверждению единого стиля во французском искусстве, централизации и регламентации художественной жизни страны чрезвычайно способствовала деятельность Академии живописи и скульптуры. Она была основана в 1648 году и первоначально не играла большой роли в художественной жизни Франции. В Академии были разработаны теоретические положения, следование которым было обязательным для всех ее членов. Академическая доктрина строилась на рационалистической основе. Искусство должно было подчиняться законам разума. Все случайное, низкое, обыденное, не соответствовавшее представлениям о прекрасном, изгонялось из сферы художественного творчества и обучения. Высоким искусством была признана лишь историческая живопись. В понятие ее входили сюжеты религиозные, мифологические, аллегорические и собственно исторические. Трактовка этих сюжетов должна была соответствовать представлениям о «большом стиле» эпохи и основываться на изучении классических образцов античного искусства, Рафаэля, мастеров болонского академизма и Пуссена. Строгие принципы и сложные правила, выработанные в Академии и превратившиеся в официальную доктрину, обусловили стилистическое единство французского искусства. Однако они сковывали творческую инициативу художников и лишали их искусство индивидуального своеобразия.

Против утонченного искусства рокайля, искусства салонов и будуаров, «подчиненного фантазии и прихоти горсти людей богатых, скучающих, праздных, вкус которых так же испорчен, как и их нравы» , выступили в 60--70-х годах представители буржуазной критики во главе с Дени Дидро. Порицая искусство аристократии за его условность и отсутствие естественности, они потребовали создания искусства, правдиво отражающего жизнь, свободного от манерности, не боящегося обыденного. В противовес искусству рокайля, главной задачей которого было доставлять наслаждение испорченным праздностью людям, Дидро и его сторонники требовали создания действенного искусства, ставящего своей задачей не только воспроизведение действительности, но и воспитание нового человека. По их мнению, помимо правдивости искусство должно обладать глубоким содержанием, имеющим общественное значение, должно оказывать благотворное воздействие на общество, помогать человеку в разрешении важнейших жизненных задач.

12. Эволюция художественных идей в западноевропейском искусстве XVIII века (на примере Франции и Англии)

Кризис феодализма и его идеологии. Возрастание роли реализма и расширение сферы искусства. Новое культурное движение - Просвещение. Новые герои - «маленький человек» и эмансипированный цивилизованный интеллектуал. Эволюция стилей в искусстве: рококо, реализм, революционный классицизм, романтизм. Разнообразие художественных жанров: от галантных празднеств до исторической картины, от архитектурных пейзажей до портрета. Основные художники Франции: А. Ватто, Ж.-Б. С. Шарден, М.К. де Латур, Ж.Б. Грез, Л. Давид. Англия: У. Хогарт, д. Рейнольде, Т. Гейнсборо, Г. Реберн.

Развитие французского изобразительного искусства 17 века можно разделить на два этана, хронологически совпадающие с первой и второй половинами этого столетия. Их характер определяется особенностями развитии Франции за этот период. Первая половина 17 века была бурным временем в истории Франции, когда многие слои французского общества принимали участие в политической жизни страны, когда их общественная активность еще не была целиком подавлена неограниченной властью абсолютного монарха. Это породило и разнообразие явлений в искусстве первой половины 17 века, разнообразие тематики и художественных приемов. Творчество мастеров, связанных с королевским двором и занимавших господствующее положение в официальной художественной жизни страны, отмечено чертами пышности и внешней декоративности. Однако это направление, связанное с придворной культурой, в первой половине 17 века не было в искусстве Франции единственным. Наряду с ним очень сильными и разнообразными были в это время реалистические течения. И, наконец, исключительное значение приобретает во французской художественной культуре 17 века классицизм.

Первую четверть 17 века обычно рассматривают как подготовительный этап в развитии французского искусства этого периода. В это время наиболее крупными мастерами, работавшими во Франции, были иностранны -- прежде всего фламандцы, а французское искусство представляло собой пеструю картину, лишенную яркого национального своеобразия. О самостоятельной национальной французской художественной школе можно говорить лишь с начала второй четверти 17 века, когда Франция выдвигает целый ряд выдающихся мастеров изобразительного искусства. Ведущая роль в первой половине 17 века во французском искусстве принадлежит живописи и графике; значительные явления в области скульптуры относятся главным образом ко второй половине 17 века.

Изобразительному искусству XVIII столетия в лучших произведениях свойственны анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность (иногда беспощадная) --характерные черты искусства XVIII в. как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти особенности художественного восприятия жизни являются вкладом XVIII столетия в развитие мировой художественной культуры.

Развитие европейского искусства XVIII в. сложно и неравномерно. В лишенной национального единства Италии наивысшие достижения связаны с венецианской школой. Во Франции, уже прочно ставшей законодательницей новых художественных веяний, прослеживается эволюция от рококо к искусству программно-гражданственной направленности. В искусстве и особенно в литературе Англии уже зарождались характерные черты реализма развитого буржуазного общества. Молодой Гойя в Испании всем своим творчеством, по сути, подготавливал романтизм нового столетия. Ценнейшим наследием XVIII в. явились заложенные в нем основы эстетики и искусствознания как подлинно научной дисциплины.

Начало регентства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, торопливом желании успеть насладиться была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, неизбежности расплаты за бездумье, надвигающихся грозных бедствий.

Многое меняется и в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор -- единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы. В первой половине XVIII в., когда так активно происходил процесс вытеснения религиозной культуры светской, ведущим направлением во Франции стало рококо. Рококо -- порождение исключительно светской культуры, еще уже -- двора, французской аристократии, тем не менее оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на его дальнейшее развитие. Все искусство рококо построено на асимметрии, обостряющей ощущение изменчивости, мимолетности -- игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Портрет и пейзаж -- не случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле существования. Всем этим аристократический стиль во многом способствовал демократической эпохе Просвещения. Представителем этого направления в искусстве был художник Жан Антуан Ватто (1684--1721), создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто начал с подражания фламандцам: маленькие по формату, остро схваченные сцены военных бивуаков, народные типы вроде написанного уже в годы расцвета «Савояра» -- мальчика с Савойских гор, идущего на заработки. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества -- аристократическое общество в парке, музицирующее, танцующее, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, -- сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Колорит Ватто--одно из сильнейших качеств его дарования -- построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых (всегда смешанных) тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все оттенки тонов, так и в изображении Ватто даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 г. художник создал одно из самых больших своих произведений «Паломничество на остров Цитеру» (Киферу). Театральность характерна для всего искусства XVIII в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции: действие разыгрывается на переднем плане, который выглядит как площадка сцены; он всегда пишет кулисы -- обрамление этой главной сцены; как в театре, располагает группы фигур, освещая их искусственным светом рампы. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник. Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Его «Жиль» одиноко и печально стоит у края рампы, от всей его фигуры веет неизбывной грустью, и это пронзительно-грустное настроение тонко передано статикой позы. Пейзаж в картинах Ватто -- также выдуманный театральный пейзаж, и это лишь усиливает общий оттенок ирреальности, призрачности, фантастичности изображения. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. во Франции началась эпоха Просвещения, определенные нравственные, этические и эстетические принципы которого направили искусство в новое русло.

Раскопки античных городов, некогда погибших под лавой вулкана, работы немецкого ученого Винкельмана с его апологетикой античного искусства, его вышедшая в начале 60-х годов «История искусства древности» изменили эстетические идеалы, вкусы, требования.

Образцом для подражания становится теперь не Рим, который был идеалом для художников Ренессанса и классицистов XVII в., а Эллада, ибо в греческом искусстве больше тепла, задушевности, поэтичности. Стилизация греческого искусства окрашена в какой-то степени романтическим чувством. В моду входит английский ландшафтный парк, с виду не тронутый рукой человека, полная противоположность французскому регулярному. Мостики и хижины в нем возникают как случайные, руины наводят на размышление. В орнаментике используются греческие мотивы -- меандр, пальметты. Обозначившийся в 60--70-х годах интерес к голландскому реализму был вызван несомненным влиянием буржуазии. В русле этих новых эстетических идей развивается искусство Жана Батиста Симеона Шардена (1699--1779), художника, создавшего, в сущности, новую живописную систему. Шарден начал с натюрморта, ранее мало развитого жанра во Франции. Сначала это натюрморты с битой дичью в голландском или фламандском вкусе, в композицию которых входит живое существо, как, например, натюрморт с ободранной тушей и кошкой (1727). Затем художник находит свою тему -- это полные тихого очарования, живущие какой-то своей «тихой жизнью» вещи кухонного обихода: котлы, кастрюли, бачки («Медный котел», около 1734). Сведенный до минимума предметов мир самых простых вещей лишен всякой претензии, но исполнен пронзительной силы живописного мастерства. Столь же искренен, достоверен и тонко живописен Шарден в жанровой живописи. В противовес аристократическим галантным праздникам и пастушеским идиллиям на фоне буколического пейзажа Шарден, выражая вкусы буржуазии, начинает изображать размеренность, порядок, уют буржуазного быта («Молитва перед обедом», около 1740; «Прачка», около 1735; «Женщина, моющая кастрюли», 1736). Добропорядочность и трудолюбие прославлены Шарденом без дидактики и морализирования, без патетики и эффектов, с теми самыми «мерой и порядком», которые он провозглашает как жизненный образец. Изумительное живописное мастерство, чистые тона с лессировками поверх их делают картины Шардена маленькими шедеврами. С новых позиций выступает художник и в портрете. За несколько лет до смерти он исполняет пастелью автопортрет (1775): без тени» манерности он изображает лицо труженика и творца, которому открыто то, что не видит в человеке простой смертный.

Бытовому жанру, прославляющему скромный быт третьего сословия, который открыло творчество Шардена, суждено было пройти путь сложных превращений. Его дальнейшее развитие связано с именем Жана Батиста Греза (1725--1805), в творчестве которого нашли выражение совсем иные принципы толкования темы. Картины Греза близки к сентиментальной драме, как раз возникшей в этот период, тому литературному жанру, в котором писал Дидро. Как сентиментальная, слезливая мещанская драма, так и все творчество Греза испытало на себе огромное влияние руссоистских идей, проповеди патриархальной идиллии и семейных добродетелей. Это было веяние времени, распространившееся по всей Европе. Только Грез проповедует это без шарденовских меры и вкуса и далеко не на том уровне мастерства. «Отец семейства, объясняющий своим детям Библию» (1755), «Деревенская невеста« (1761), «Паралитик» (1763), «Балованное дитя» (1765) --все это «нравственная живопись», урок морали, изобразительная дидактика, когда художник превращается в рупор добродетели, а живопись служит иллюстрацией; недаром Грез любил литературные пояснения к своим картинам. Несомненно, от Шардена, а не от Греза взял многое французский портрет этого времени. В нем намечается тяготение к утонченному психологизму, к контакту зрителя с моделью. Поэтому же пути идут мастера пастельного портрета Перроно, Морис Латур.

Морис Кантен де Латур (1704--1788, с 1750) -- («живописец короля») -- один из непревзойденных мастеров камерного, в основном пастельного портрета, обычно это изображение философов, общественных деятелей, художников, в которых мастер всегда умел подчеркнуть яркую индивидуальность модели (портрет Ж. Л. д'Аламбера, 1753, многочисленные, разнообразные по характеристике автопортреты).

Английское искусство XVIII века

Политический и экономический расцвет Англии начинается с XVI в. В правление королевы Елизаветы Англия уже по праву считается владычицей морей. Новые морские пути и связанная с ними торговля сформировали в стране сильную буржуазию, и в XVII в. в Англии произошла революция (1640--1660). Ее движущей силой были городской плебс и крестьянство. Народным восстанием воспользовалась буржуазия, выступившая в союзе с дворянством, что явилось отличительной особенностью Английской революции XVII в. Провозглашенная в 1649 г. после казни короля Карла I Стюарта республика вскоре сменилась военной диктатурой Кромвеля. В 1660 г. произошла реставрация Стюартов. После государственного переворота 1688 г. была установлена буржуазно-конституционная монархия, ограничившая власть короля и провозгласившая верховенство парламента. Результаты революции сказались в Англии, таким образом, на столетие раньше Франции.

С конца XVI в. в Англии бурно развиваются науки, особенно философия. Френсис Бэкон, Томас Гоббс, Джон Локк, принципы материалистической философии в целом расчищают путь для будущих ученых от Ньютона до Дарвина.

Союз буржуазии с дворянством не мог не отразиться на английской культуре и эстетических вкусах, характер которых несет черты умеренной демократизации. С XVI в. Англия справедливо считается первой страной в области литературы, драматургии и театра благодаря Шекспиру и плеяде драматургов до и после него. Но изобразительное искусство Англии в «просвещенный век Елизаветы» еще жило традициями Гольбейна Младшего, а затем подражанием французскому искусству.

Английская изобразительная школа сложилась позже остальных видов искусств, и процесс этот был трудным. Феодальные войны и Реформация тормозили формирование собственной художественной традиции. Пуританское движение XVII в. с его иконоборческими идеями, естественно, никак не способствовало развитию национальной живописной школы. В протестантской Англии почти не было религиозной живописи. В XVII в. медленно начинает развиваться портретный жанр, в основном миниатюра. Но зато в следующем столетии, как бы стараясь нагнать упущенное, английские художники работают так интенсивно и своеобразно, что уже в конце века оказывают влияние на континент.

Следует помнить, однако, что в отличие от континентальной Европы, где классицизм второй половины XVIII в. стал новым этапом культуры, неоклассика в контексте английского искусства не выделяется, ибо античностью здесь увлекались давно. Английское Просвещение было зрелым уже к 40-м годам XVIII столетия, и на всей культуре Англии сказывались его гуманистические идеи. Но революция в Англии уже произошла, и английское Просвещение не имело того революционного духа, который характерен для Франции. Расцвет национальной школы живописи в Англии начинается с Уильяма Хогарта (1697-- 1764), в лице которого английское искусство сблизилось с передовой английской литературой и театром первой половины XVIII в. Хогарт сначала учился у ювелира, затем стал заниматься гравюрой и как гравер сложился быстрее живописца. В гравюрах он обращается к самым широким кругам Англии, изображая современную жизнь и делая предметом сатиры все отрицательные ее стороны: распущенность нравов, продажность суда, разложение армии и т. д. Хогарт создает целые серии живописных полотен: «История шлюхи» (или «Карьера проститутки», серия из 6 картин, 1732), «История распутника» («Карьера мота», 1735), «Модный брак» (1743--1745). Свои произведения, объединенные в повествовательные циклы, Хогарт строил как драматург, он разыгрывал действие, как искусный режиссер. Каждая из картин в сериях Хогарта самостоятельна и изображает узловой момент всей истории, но несколько деталей связывают его с предыдущими событиями и последующими. Хогарт занимался и исторической живописью, религиозными сюжетами, но несомненно «высокая живопись» не отражала полностью представлений художника о задачах искусства и не давала реальной почвы для его практической деятельности. Истинный Хогарт -- это жанровые картины и гравюры, в которых он показал социальную жизненную драму несколько прямолинейно, но без всякого иносказания, в доступной и ясной форме. В этом огромное значение Хогарта, определившее его место и роль в английском искусстве.

...