История искусства

15. Импрессионизм и постимпрессионизм как основные направления в развитии западноевропейского искусства конца XIX века

От реализма к импрессионизму. Стремление к новым средствам художественного выражения, борьба против буржуазной пошлости и ограниченности реакционного салонного искусства. «Салон отверженных». Творчество Э.Мане: переосмысление традиций реалистической сюжетной картины в новых условиях. Импрессионизм: возникновение, цели и задачи, творческие особенности. Главные представители: Э.Дега, К.Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей. Программные положения постимпрессионизма. Творчество П. Сезанна, Ван Гога, П.Гогена.

Импрессионизм - направление в живописи, зародившиеся во Франции в 1860х годах и во много определившее развитие искусства 19 века. Мастера фиксировали свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Писарро, Ренуар, и Силей, и вклад каждого из них в его развитии уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить «впечатление» от того, что глаз видит в конкретный момент. Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своем творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин, прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приемах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Моне Клод Оскар Один из основоположников импрессионизма, в своих картинах художник Моне со второй половины 1860-х годов стремился передавать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, красочное богатство мира, сохраняя при этом свежесть первого зрительного впечатления от природы. От наименования пейзажа Моне “Впечатление. Восходящее солнце” (“Impression. Soleil levant”; 1872, Музей Мармоттан, Париж) произошло название импрессионизма. В своих пейзажных композициях (“Бульвар капуцинок в Париже”, 1873, “Скалы в Этрета”, 1886, - обе в ГМИИ, Москва; “Поле маков”, 1880-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Моне воссоздавал вибрацию света и воздуха с помощью мелких раздельных мазков чистого цвета и дополнительных тонов основного спектра, рассчитывая на их оптическое совмещение в процессе зрительного восприятия. Стремясь запечатлеть многообразные переходные состояния природы в разное время дня и при разной погоде, Моне создал в 1890-е годы серии картин-вариаций на один сюжетный мотив (серия полотен “Руанские соборы”, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва, и другие собрания). Для позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.

Дега Эдгар Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов (“Семейство Беллелли”, около 1858), Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма, обратился к изображению современной городской жизни - улиц, кафе, театральных представлений (“Площадь Согласия”, около 1875; “Абсент”, 1876). Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту (“Гладильщицы”, 1884). В утверждении эстетической значимости жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра (“Звезда”, пастель, 1878). Художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд (“Экзамен танца”, пастель, 1880). Произведения Дега с их строго выверенной и одновременно динамичной, часто асимметричной композицией, точным гибким рисунком, неожиданными ракурсами, активным взаимодействием фигуры и пространства сочетают кажущиеся непредвзятость и случайность мотива и архитектоники картины с тщательной продуманностью и расчетом. Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стесненностью пространства, придающей им напряженно-драматический характер (“Голубые танцовщицы”, пастель). С конца 1880-х годов Дега много занимался скульптурой, добиваясь выразительности в передаче мгновенного движения (“Танцовщица”, бронза).

Ренуар Пьер Oгюст В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Гюстава Курбе и произведений молодого Эдуара Мане (“Харчевня матушки Антони”, 1866,). На рубеже 1860-1870-х годов Ренуар переходит к живописи на пленэре, органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду (“Купание на Сене”, 1869). Палитра Ренуара светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами (“Ложа”, 1874). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни - балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия (“Мулен де ла Галет”, 1876). Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи (“После обеда”, 1879, “Зонтики”, 1876; портрет актрисы Жанны Самари, 1878). В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций, построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна (“Нагая женщина, сидящая на кушетке”, 1876). Замечательный колорист, Ренуар часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов (“Девушки в черном”, 1883). С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма (“Большие купальщицы”, 1884-1887). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты (“Купальщицы”, 1895) Ренуара.

Мане Эдуар Значительное влияние на становление Мане как художника оказало творчество Джорджоне, Тициана, Хальса, Веласкеса, Гойи, Делакруа. В работах конца 1850-х - начала 1860-х годов, составивших галерею остро переданных человеческих типов и характеров, Мане сочетал жизненную достоверность образа с романтизацией внешнего облика модели (“Лола из Валенсии”, 1862). Используя и переосмысляя сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их актуальным содержанием, иногда эпатирующим образом внести в известные классические композиции изображение современного человека (“Завтрак на траве”, “Олимпия” - оба 1863). В 1860-е годы Эдуар Мане обращался к темам современной истории (“Казнь императора Максимилиана”, 1867), но проникновенное внимание Мане к современности проявлялось прежде всего в сценах, словно бы выхваченных из будничного течения жизни, полных лирической одухотворенности и внутренней значимости (“Завтрак в мастерской”, “Балкон” - оба 1868), а также в близких к ним по художественной установке портретах (портрет Эмиля Золя, 1868, портрет Берты Моризо, 1872). Своим творчеством Эдуар Мане предвосхитил возникновение, а затем стал и одним из основоположников импрессионизма. В конце 1860-х годов Мане сблизился с Эдгаром Дега, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, перешел от глухих и плотных тонов, напряженного колорита с преобладанием темных цветов к светлой и свободной пленэрной живописи (“В лодке”, 1874, Метрополитен-музей; “В кабачке папаши Латюиль”, 1879). Многим произведениям Мане свойственны импрессионистические живописная свобода и фрагментарность композиции, светонасыщенная красочная вибрирующая гамма (“Аржантёй”). В то же время Мане сохраняет ясность рисунка, серые и черные тона в колорите, отдает предпочтение не пейзажу, а бытовому сюжету с выраженной социально-психологической подосновой (столкновение мечты и реальности, призрачность счастья в сверкающем и праздничном мире - в одной из последних картин Мане “Бар в Фоли-Бержер”, 1881-1882). В 1870-1880-е годы Мане много работал в области портрета, расширяя возможности этого жанра и превращая его в своего рода исследование внутреннего мира современника (портрет С.Малларме, 1876), писал пейзажи и натюрморты (“Букет сирени”, 1883), выступал как рисовальщик, мастер офорта и литографии.

Писсарро Камиль испытал влияние Джона Констебла, Камиля Коро, Жана Франсуа Милле. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Писсарро в многочисленных сельских пейзажах раскрывал поэзию и очарование природы Франции, с помощью мягкой живописной гаммы, тонкой передачи состояния световоздушной среды придавал обаяние свежести самым непритязательным мотивам (“Вспаханная земля”, 1874; “Тачка”, 1879,). Впоследствии Писсарро часто обращался к городскому пейзажу (“Бульвар Монмартр”, 1897; “Оперный проезд в Париже”, 1898). Во второй половине 1880-х годов Писсарро использовал иногда живописную технику неоимпрессионизма. Писсарро играл одну из главных ролей в организации выставок импрессионистов. В своих работах Камилю Писсарро удалось избежать крайнего проявления пленэра, когда материальные предметы словно растворяются в мерцании световоздушного пространства (“Снег в Лувесьенне”; “Улица в Лувесьенне”, 1873). Многие его работы отличает интерес к характерной выразительности, даже портретности, присущей городскому пейзажу (“Вид на Руан”, 1898)

Сислей Альфред испытал влияние Камиля Коро. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Сислей писал непритязательные по мотивам пейзажи окрестностей Парижа, отмеченные тонким лиризмом и выдержанные в свежей и сдержанной световой гамме. Пейзажи Сислея, передающие подлинную атмосферу Иль-де-Франса, хранят в себе особую прозрачность и мягкость природных явлений всех времен года (“Маленькая площадь в Аржантёе”, 1872, “Наводнение в Марли”, 1876; “Мороз в Лувесьенне”, 1873, “Опушка леса в Фонтенбло”, 1885).

Чарующие изображения природы художника Альфреда Сислея с легким оттенком грусти завораживают удивительной передачей настроения в данный момент времени (“Берег Сены у Буживаля”, 1876). С середины 1880-х годов в творчестве Сислея нарастают черты красочного декоративизма.

Вывод: мастера импрессионизма фиксировали свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Э. Мане (формально не входивший в группу импрессионистов), О.Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, обратились к изображению мгновенных, выхваченных из потока реальности ситуаций, духовной жизни человека, изображение сильных страстей, одухотворение природы, интерес

к национальному прошлому, стремление к синтетическим формам искусства сочетаются с мотивами мировой скорби, тягой к исследованию и воссозданию "теневой", "ночной" стороны человеческой души, со знаменитой "романтической иронией", позволявшей романтикам смело сопоставлять и уравнивать высокое и низменное, трагическое и комическое, реальное и фантастическое. использовали фрагментарные, реальности ситуаций, использовали фрагментарные, на первый взгляд неуравновешенные композиционные построения, неожиданные ракурсы, точки зрения, срезы фигур. В 1870-1880-е годы формируется пейзаж французского импрессионизма: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра, создавали в своих картинах ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха.

Постимпрессионизм: принципы и творческий метод на примере живописи П. Гогена, В. Ван Гога, П. Сезанна.

В 80-х гг. XIX в. ситуация во французском искусстве сильно изменилась. Три последние выставки импрессионистов показали высшие достижения этого направления и одновременно свидетельствовали о том, что оно уже исчерпало себя.

В конце столетия четыре художника громко заявили о себе, подводя итог искусству XIX столетия и прокладывая путь в будущее. Это были Поль Сезанн (1839--1906), Винсент Ван Гог (1853--1890), Поль Гоген (1848-1903) и Анри де Тулуз-Лотрек. Яркие индивидуальности, они не объединились в группу, однако с разных сторон двигались к одной цели -- познанию истинной сущности вещей, скрывающейся под их внешностью. Так родился постимпрессионизм.

Это течение было тесно связано с импрессионизмом и смогло проявить себя лишь в пору его заката.

Сезанн, самый старший из четырёх художников, долгое время работал параллельно с импрессионистами. Знакомство с Камилем Писсарро и совместная работа на пленэре изменили живописный язык Сезанна. Он участвовал в первой и третьей выставках импрессионистов. Гоген в свою очередь познакомился с Писсарро в 1876 г. и по его рекомендации примкнул к импрессионистам. Его работы были представлены на четырёх последних выставках движения. Голландец Ван Гог соприкоснулся с импрессионизмом в 1886 г. после своего приезда в Париж. Палитра художника стала яркой и чистой под влиянием импрессионизма. Постимпрессионисты были близки импрессионистам и своим отношением к буржуазному обществу. Но если последние только противопоставляли своё искусство салонному, то первые отрицали буржуазный образ жизни. в отличие от импрессионистов они стремились запечатлеть не мгновения, а вечность. Постимпрессионисты как будто видели не только явные, но и скрытые силы, тайные законы мироздания. Они повернулись к маленькому мирку импрессионистов спиной, расширив свой мир до масштабов Вселенной.

Основные черты творчества Поля Сезанна проявились в произведениях 80--90-х гг. Художник искал способы передать материальную структуру вещей -- форму, плотность, фактуру, цвет. Тщательно подбирая цветовые соотношения, он нередко подчёркивал контуры предметов резкой линией, сознательно деформировал изображаемое. В его натюрмортах фрукты и посуда приближались к простым геометрическим фигурам, подчеркивает структуру предметов, как бы утяжеляя их с помощью красочной фактуры и использования чистого цвета («Натюрморт с драпировкой»),а в пейзажах скаты крыш и стены домов, склоны гор и гладь воды образовывали ровные плоскости. В пейзажах достигает великой эпичности («Берега Марны»). Опираясь на непосредственное впечатление от натуры, мастер строил продуманную и устойчивую композицию, где каждая деталь составляла часть единого целого. Изображая человека, живописец нередко рассматривал его как любой другой предмет, интересуясь лишь передачей форм, словно это был не портрет, а натюрморт или пейзаж. При этом внутренний мир человека, его характер, настроение отступали на второй план.

Сезанн интересовался не динамикой световоздушной среды, а цветовыми сочетаниями и формами («Дом повешенного в Овере»), оперируя 3 основными цветами (зеленый, голубой и желый), то тонкими и прозрачными, то резко контрастными, нанесенными плотными мазками он обозначал с из помощью пространственные планы и степень освещенности. В произведениях Сезанна лаконичный рисунок, четкая конструктивная пластическая форма и уровновешанная композиция.

Творчество Сезанна отражает родство всех проявлений материального мира, в котором земля, человек, деревья, плоды, стулья, чашки равнозначны.

На полотнах Ван Гога обыденные предметы, люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние. Природа предстаёт здесь в одухотворённом виде.

Лимонно-оранжевым диском висит солнце над полыхающими красным огнём виноградниками, излучая жар. Синева теней и бликов на воде усиливает яркость солнечного света («Красные виноградники», 1888 г.). Солнце похоже на нимб над головой сеятеля, его лучи согревают землю, принимающую семена («Сеятель», 1888 г.). Колышутся хлеба в полях, кипарисы, подобно языкам пламени, устремляются к небу, где над извивающейся линией гор клубятся облака. («Хлеба и кипарисы», 1889 г.). В серии картин и этюдов середины 1880-х годов (“Крестьянка”, 1885, “Едоки картофеля”, 1885,), написанных в темной живописной гамме, отмеченных болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздает гнетущую атмосферу психологической напряженности. 1888 ван Гог жил в Париже, посещал частную художественную студию, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, “синтетические” произведения Поля Гогена. В этот период палитра ван Гога стала светлой, исчезли земляные краски, появились чистые голубые, золотисто-желтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок (“Мост через Сену”, 1887, “Папаша Танги”, 1881). В 1888 ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и в то же время страх перед враждебными человеку силами находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах (“Жатва. Долина Ла-Кро”, 1888), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах (“Ночное кафе”, 1888). Динамика цвета и мазка в картинах Ван Гога наполняет одухотворенной жизнью и движением не только природу и населяющих ее людей (“Красные виноградники в Арле”, 1888), но и неодушевленные предметы (“Спальня ван Гога в Арле”, 1888). Творчество двух последних лет жизни художника отмечено предельно обостренной экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения - от исступленного отчаяния и мрачного визионерства (“Дорога с кипарисами и звездами”, 1890) до трепетного чувства просветления и умиротворения (“Пейзаж в Овере после дождя”, 1890).

Поль Гоген, друживший с Ван Гогом, совмещал в своих работах действительность и миф, создавая иную реальность -- непосредственную и чистую. Неприятие современного ему общества пробудило у Гогена интерес к традиционному укладу жизни, к искусству архаической Греции, стран Древнего Востока, первобытным культурам. В 1891 Гоген уехал на остров и после кратковременного (1893-1895) возвращения во Францию поселился на островах навсегда. Во Франции поиски обобщенных образов, таинственного смысла явлений (“Видение после проповеди”, 1888. “Желтый Христос”, 1889). Светотеневая моделировка объемов, световоздушная и линейная перспективы замещаются ритмичным сопоставлением отдельных плоскостей чистого цвета, целиком заполнявшего формы предметов и играющего ведущую роль в создании эмоционального и психологического строя картины (“Кафе в Арле”, 1888). Эта система получила дальнейшее развитие в картинах, написанных Гогеном на островах Океании. Изображая сочную полнокровную красоту тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, художник стремился воплотить утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой (“А, ты ревнуешь?”, 1892; “Жена короля”, 1896; “Сбор плодов”, 1899 “Женщина, держащая плод”, 1893).Полотна Гогена, по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщенности стилизованного рисунка подобные панно, несли многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн, оказали влияние на творческие поиски живописцев начала XX века.

16. Новые художественные направления в западноевропейском искусстве первой половины XX века: программные основания, стилистические особенности, главные представители

Отход буржуазной культуры от реализма, провозглашение независимости искусства от действительности, эстетический бунт против установившихся канонов и традиций искусства. Понятия «модернизм», «модернистические направления». Особенности и главные представители фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, сюрреализма и др.

Распространению упадочных символистски-декадентских течений противостоит развитие реалистического искусства. Однако последнее совершается далеко не беспрепятственно и приобретает достаточно сложный, а порой и противоречивый характер. Расцвет реализма как направления в середине 19 века, его демократическая и критическая направленность были порождены размахом революционно-демократического движения этого времени. Разгром Парижской коммуны надолго приостановил развитие революционных движений не только во Франции, но и в некоторых других (хотя и не во всех) странах. В условиях победоносного наступления реакции, сопровождавшегося растущей реакционностью буржуазной культуры, развитие прогрессивного направления в искусстве встречало все больше трудностей. Со спадом демократического движения в ряде стран реализм теряет социальную направленность, критическую остроту. Однако достижения многих передовых художников, их вклад в поступательное развитие реалистического искусства все же очень значительны. В этот период они часто определяются прежде всего их поисками новых средств художественной выразительности. Правда, на этом пути таилась опасность чрезмерного увлечения формальными моментами, недооценки идейной стороны искусства, его общественного значения. Последнее и сказалось в творчестве некоторых, даже крупных мастеров, работавших в эту сложную, кризисную эпоху, в частности в творчестве художников-импрессионистов.

Авангард - обобщающее название многообразных новаторских, революционных, бунтарских движений и направлений в европейском искусстве XX в. Авангардные явления характерны для всех переходных этапов в истории художественной культуры, отдельных видов искусства, охватившие практически все его более или менее значимые стороны и явления и знаменовавшие начало качественно нового грандиозного переходного периода в культуре в целом; фактически авангард знаменовал последнюю страницу эпохи Культуры и начало пост-культуры. Понятие авангард в большой степени эклектично по своей сути. Этим термином обозначают целый ряд школ и направлений в искусстве, порой имеющих диаметрально противоположную идейную основу, но имеющих общие культурно-исторические корни, общую атмосферу, породившую их, и многие общие основные характеристики и тенденции.

Предпосылки и история возникновения направления

Предпосылками возникновения авангардистских течений в искусстве и литературе Европы можно считать всеобщую тенденцию к изменению общеевропейских культурных ценностей. Последняя треть XIX века охарактеризовалась появлением новых философских работ, переосмысляющих моральные и культурные аспекты цивилизации. Апогеем новой философской мысли следует считать творчество Ницше, напрямую призывавшего к переоценке ценностей и переосознанию сущности человека и культуры. Кроме того, развитие научно-технического прогресса только подтолкнуло человечество к смене восприятий ценностей цивилизации, места человека в природе и обществе, эстетических и морально-этических ценностей. Этот процесс начался еще в прошлом веке и на рубеже столетий с появлением символизма, импрессионизма, постимпрессионизма, модерна (ар-нуво) и активно продолжился во всех основных направлениях и движениях искусства первой пол. XX в.

К характерным чертам большинства авангардных феноменов относятся их осознанный экспериментальный характер; революционный пафос относительно традиционного искусства и традиционных ценностей культуры; протест против всего, что представлялось их создателям и участникам консервативным и обывательским; в визуальных искусствах и литературе - отказ от прямого изображения видимой действительности; безудержное стремление к созданию принципиально нового во всем и, прежде всего, в формах, приемах и средствах художественного выражения, а отсюда - и часто эпатажный и скандальный характер представления; стремление к стиранию границ между традиционными для новоевропейской культуры видами искусства, тенденции к синтезу отдельных искусств.

К основным направлениям авангарда относятся фовизм, кубизм, абстрактное искусство, супрематизм, футуризм, дадаизм, экспрессионизм, конструктивизм, метафизическая живопись, сюрреализм, наивное искусство; додекафония и алеаторика в музыке, конкретная поэзия, конкретная музыка, кинетическое искусство, а также такие крупные фигуры, не принадлежавшие в целом ни одному из указанных направлений, движений, видов арт-де-ятельности, как Пикассо, Шагал, Филонов, Клее, Матисс, Модильяни, Мондриан, Ле Корбюзье, Джойс, Пруст, Кафка и некоторые другие.

Авангард в развитии проходит несколько ступеней:

На I этапе (1910-1920-е годы) возникают фовизм, супрематизм, футуризм, акмеизм, экспрессионизм, имажинизм, кубизм, мерцизм, абстракционизм, сюрреализм, дадаизм, экспериментальный театр и т. д. Для этих ветвей авангарда характерен интерес к форме, обретающей духовный смысл и онтологичность.

На II этапе (1920-е - конец 1940-х годов) появляются иные ветви: конструктивизм, биокосмизм, люменизм, «новая вещественность», риджионализм, «органическая архитектура», театр жестокости, неореализм (в кино). Здесь интерес к формотворчеству дополняется пристальным вниманием к реальности.

Затем следует III этап (конец 1940-х - 1960-е годы), когда авангардизм «академизируется». Новые ветви - поп-арт, оп-арт, кинетическое искусство, «новый роман», абсурдизм, акционизм - появляются на дряхлеющем стволе авангарда.

Фовизм (от фр. les fauves -- дикие (звери)) Локальное направление в живописи нач. XX в. Наименование Ф. было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников (А. Матисс, А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, Э.О. Фриез, Ж. Брак, А.Ш. Манген, К. ван Донген), совместно участвовавших в ряде выставок1905-1907 гг., после их первой выставки 1905 г. Название было принято самой группой и прочно утвердилось за ней. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго, оставив, однако, заметный след в истории искусства. Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Развивая художественные достижения постимпрессионистов (Сезанн, Гоген, Ван Гог), опираясь на некоторые формальные приемы средневекового искусства (витражи, романское искусство) и японской гравюры, популярной в художественных кругах Франции со времен импрессионистов , фовисты стремились к максимальному использованию колористических возможностей живописи.

Кубизм -- «самая полная и радикальная художественная революция со времен Ренессанса» (Дж.Голдинг). Художники: Пикассо Пабло, Жорж Брак, Фернан Леже Робер Делоне, Хуан Грис, Глез Метценже. Кyбизм -- (фpaнц. cubisme, oт cube -- кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Mнoгиe pyccкиe художники пpoшли чepeз yвлeчeниe кyбизмoм, чacтo coeдиняя eгo пpинципы c пpиeмaми дpyгиx coвpeмeнныx xyдoжecтвeнныx нaпpaвлeний -- фyтypизмa и пpимитивизмa. Cпeцифичecким вapиaнтoм интepпpeтaции кyбизмa нa pyccкoй пoчвe cтaл кyбoфyтypизм.

Фyтypизм -- литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa. Используя пересечения, сдвиги, наезды и наплывы форм художники пытались выразить дробящуюся множественость впечатлений современного им человека, городского жителя.

Экспрессионизм (от фр. expression -- выразительность) -- модернистское течение в западноевропейском искусстве, главным образом в Германии, первой трети 20 века, сложившееся в определенный исторический период -- в преддверие первой мировой войны. Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм. Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций.

Серреализм -- космополитичное течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции и официально завершившее свое существование в 1969 году. Оно в значительной мере способствовало формированию сознания современного человека. Главные деятели движения -- Андре Бретон -- писатель, лидер и идейный вдохновитель течения, Луи Арагон -- один из основателей сюрреализма, причудливым образом трансформировавшийся впоследствии в певца коммунизма, Сальвадор Дали -- художник, теоретик, поэт, сценарист, определивший суть течения словами: «Сюрреализм -- это я!», в высшей степени сюрреалистический кинематографист Луис Бунюэль, художник Хуан Миро -- «самое красивое перо на шляпе сюрреализма», как называл его Бретон, и многие другие художники всего мира.

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) -- художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского,П. Мондриана и К. Малевича. В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

Пуризм -- (франц. purisme, от лат. purus -- чистый) течение во французской живописи конца 1910--20-х гг. Основные представители -- художник А. Озанфаном и архитектор Ш. Э. Жаннере (Ле Корбюзье). Отвергая декоративные тенденции кубизма и других авангардистских течений 1910-х гг., принятую ими деформацию натуры, пуристы стремились к рационалистически упорядоченной передаче устойчивых и лаконичных предметных форм, как бы «очищенных» от деталей, к изображению «первичных» элементов. Для работ пуристов характерны плоскостность, плавная ритмика лёгких силуэтов и контуров однотипных предметов (кувшинов, стаканов и т. п.). Не получив развития в станковых формах, существенно переосмысленные художественные принципы пуризма нашли частичное отражение в современной архитектуре, главным образом в постройках Ле Корбюзье.

Супрематизм (от лат. supremus -- высший, высочайший; первейший; последний, крайний, видимо, через польское supremacja -- превосходство, главенство) Направление авангардного искусства первой трети XX в., создателем, главным представителем и теоретиком которого был русский художник Казимир Малевич. Сам термин никак не отражает сущности супрематизм. Фактически, в понимании Малевича, это оценочная характеристика. супрематизм -- высшая ступень развития искусства на пути освобождения от всего внехудожественного, на пути предельного выявления беспредметного, как сущности любого искусства. В этом смысле Малевич и первобытное орнаментальное искусство считал супрематическим (или «супремовидным»). Впервые он применил этот термин к большой группе своих картин (39 или больше) с изображением геометрических абстракций ,включая знаменитый «Черный квадрат» на белом фоне, «Черный крест» и др., выставленных на петроградской футуристической выставке «ноль-десять» в 1915 г. Именно за этими и подобными им геометрическими абстракциями и закрепилось название Супрематизм, хотя сам Малевич относил к нему и многие свои работы 20-х гг., внешне содержавшие некоторые формы конкретных предметов, особенно -- фигуры людей, но сохранявшие «супрематический дух». Да и собственно более поздние теоретические разработки Малевича не дают оснований сводить супрематизм (во всяком случае самого Малевича) только к геометрическим абстракциям, хотя они, конечно, составляют его ядро, сущность и даже (черно-белый и бело-белый супрематизм) подводят живопись к пределу ее бытия вообще как вида искусства, т. е. к живописному нулю, за которым уже нет собственно живописи. Этот путь во второй половине века и продолжили многочисленные направления в арт-деятельности, отказавшиеся от кистей, красок, холста.

17. Особенности развития древнерусского зодчества: художественная эволюция и основные сохранившиеся памятники X-XVII вв.

Христианский православный храм: традиции, конструкция, художественный образ. Древнерусские архитектурные школы: новгородская, владимиро-суздальская, московская, ярославская и их стилистические особенности. Гармоническая связь древнерусской архитектуры с природным ландшафтом.

Объединение восточных славян привело к образованию мощного государства - Киевской Руси, по размерам своим и значению занявшего одно из первых мест в тогдашней Европе. К концу Х в. древнерусское государство приобрело уже законченные формы. С появлением государства должна была измениться религия. Владимир Святославович сделал попытку объединить языческие культуры, но язычество не могло отвечать новым запросам. Между тем рядом с Русью находилось мощное государство - Византийская империя, где идеологические формы уже были разработаны полностью. Эти формы Русь могла заимствовать в готовом виде. В установлении тесных связей были заинтересованы обе стороны: Русь получала религию, литературу и искусство, из Византии поступали и некоторые предметы роскоши; Византия была заинтересована в военных силах Руси.

Жизнь средневекового человека тесно связана с землей. В его культуре широко развит эстетический момент. Это тип человека самодостаточного, цельного. В героическом эпосе, в былинах, перед нами сильные натуры, у которых слово не расходится с делом, они непосредственны, искренни; а чем больше человек имеет власти, тем больше он несет ответственности. Культура Средних веков основывается не на личности. Люди живут нормами, предназначенными для целого коллектива. Свобода -- категория отрицательная, она понимается как своеволие. Эти особенности мышления и отразились в архитектуре, прежде всего храмовой.

Ведущим направлением в культуре средневековья была архитектура. Вершиной архитектурных построек и в христианских, и в мусульманских странах были каменные храмовые сооружения. На Руси они появились в X веке. До этого времени Русь была страной деревянной. Из дерева строились укрепления и языческие молельни, избы и дворцы, издавна славились русские «древодели» - мастера резьбы по дереву. Многие деревянные формы славянского зодчества - башни, двухскатные перекрытия, многоглавие, наличие разных пристроек (клетей, сеней, теремов) повлияли на каменное строительство Киевской Руси. Если деревянная архитектура восходит к Руси языческой, то архитектура каменная связана с Русью христианской. Подобного перехода не знала Западная Европа, издревле строившая и храмы, и жилища из камня.

С принятием христианства Русь восприняла сооружение своих церквей по образцу крестово-купольного храма греков: квадрат, расчленённый четырьмя столбами, попарно соединёнными арками, составляет основу здания; примыкающие к подкупольному пространству прямоугольные ячейки образуют архитектурный крест. На арках стоит барабан, завершающийся куполом. Эта форма очень гибка, так как по её принципу можно было строить храмы разной величины, что обусловливалось их функциональным назначением. Крестово-купольная форма возведения церквей явилась результатом долгих поисков храмового строительства, отвечавшим потребностям христианского вероучения и богослужения. Эта форма воплощала в себе главную особенность нового мировоззрения - историзм, приходящий на смену античному циклизму. Историческое понимание времени требовало линейно-пространственного развития культового действия, чему способствовала прямоугольная форма храма (базилика) . Но базилика была неудобная для возведения купола, символического места пребывания Бога. Выходом из этого положения было соединение базилики с куполом. Так появилась крестово-купольная форма храма, прочно утвердившаяся во всех православных странах к началу IX века.

По этому образцу начинают сооружаться каменные храмы и на Руси. Но русские мастера и умельцы, работавшие вместе с греками, стремились внести в эти образцы формы и традиции деревянного зодчества. Если первые русские храмы в конце Х века построены в строгом соответствии с византийскими правилами, то Софийский собор в Киеве отразил сочетание славянской и византийской традиций. Пирамидальная композиция храма, многоглавие, наличие галерей, угловых башен - черты, характерные для деревянного зодчества. В XI веке - веке расцвета зодчества Киевской Руси - во многих городах были построены монументальные многокупольные храмы с толстыми, мощными стенами, маленькими оконцами, великолепным внутренним убранством - свидетельством красоты, мощи и величия государства. Архитектурный стиль Киевской Руси (конец Х - начало ХII веков) исследователи называют стилем «монументального историзма» , наиболее адекватно выразившим «дух эпохи» - идею об общерусском могуществе. Функция соборов этого стиля была государственной, что и определило их масштабность и ёмкую архитектурную образность. Этот стиль для Древнерусского государства был «первичным стилем» , каким для Западной Европы был стиль романский, но оба они способствовали укреплению христианской веры в своих странах.

С ХII века начинается новый период в развитии архитектуры - развивается придворно-княжеский стиль, являющийся «вторичным стилем» в зодчестве Руси, каким, скажем, для Западной Европы была готика. Храмы строятся на княжеских дворах, рассчитаны на небольшое число прихожан, прежде всего на княжескую семью и её челядь. Отсюда и название жанра.

По всей Руси в этот период прошагали однокупольные, четырёхстолпные кубические храмы-богатыри, красивые и лаконичные в своём архитектурном воплощении. В этом стиле строятся храмы двух типов: ординарные и неординарные. В постройках неординарного типа зодчие стремятся различными архитектурными приёмами возвеличить образность храма, приподнять его над городом. На внешнем оформлении этих храмов заметно отразило.

Новгородская школа

Новгородская София была проще, лаконичнее и строже своего оригинала как по своим внешним формам, так и по внутреннему убранству. Это был пятикупольный, пятинефный храм с широкой галереей и лишь одной лестничной башней. Для него характерны некоторые художественные и конструктивные решения, не известные ни южнорусскому, ни византийскому зодчеству: кладка стен из огромных, неправильной формы камней, двухскатные перекрытия, наличие лопаток на фасадах, аркатурный пояс на барабане, отсутствие пышного скульптурного убранства стен. Частично это объясняется связями Новгорода с Западной Европой и влиянием романской архитектуры, частично творчеством местных мастеров. Собор назывался Софийским, как и главный храм в Киеве. В названии и монументализме этого сооружения подтверждалось, с одной стороны, единство земли Русской, с другой - подчеркивалось растущее могущество и самостоятельность Новгородской земли.

Софийский собор послужил образцом для новгородских построек начала XII в. Из монументальных сооружений этого времени следует отметить шестистолпную церковь Благовещения в Городище, княжеской пригородной резиденции, Никольский пятиглавый собор, воздвигнутый на торговой площади города, трехглавые соборы Антониева и Юрьева монастырей. Известно, что Георгиевский собор Юрьева монастыря, самое замечательное творение новгородцев, строил мастер Петр. Совершенство пропорций, уравновешенность ассиметричного трехглавия, органическое слияние объемов башни и храма, общая четкость и ясность образа делают этот собор наиболее выдающимся памятником архитектуры той поры. Все эти сооружения еще близки к киевским. Но вместе с тем, в них проявились некоторые особенности (лаконичность и строгость внешнего мира, скромность убранства, строительная техника), свидетельствующие о начале сложения новгородской архитектурной школы.

Особенности стиля

Древнерусское зодчество при наличии большой монументальности характеризуется чрезвычайной пластичностью форм, ощущением их спокойствия и незыблемости, соизмеримостью с размерами человека, его масштабами и потребностями.

Характерные черты - органическое сочетание с природным ландшафтом.

Зодчие стремились выделить храмовые сооружения среди остальных городских построек. В северных городах, где архитектурным фоном были бревенчатые дома, церкви делали белоснежными, в южных, где постройки промазывали глиной и белили, церкви оставляли в красно-розовой окраске. После монголо-татарского разорения русская архитектура переживала пору застоя и упадка, таким образом в конце XIII в. во многом приходилось начинать все сначала. Очевидно, что разделение русской архитектуры на школы не уничтожило близости между ними, не привело к распаду русского зодчества на самостоятельные части.

В течение почти всего XI в. Киев был единственным городом Руси, где имелась строительная организация, способная возводить монументальные здания. Отдельные области были тесно связаны с Киевом также и после утраты им центрального руководящего значения (Черниговское, Волынское, Смоленское княжества), другие (Новгородское, Галицкое, Владимиро - Суздальское, Полоцкое) в результате обособления создали собственную архитектурную традицию. В отдельных областях сформировались архитектурные традиции, отличные от киево-черниговской. Прежде всего, это удаленные от Киева, северные области: Новгородская и Владимиро- Суздальская.

Отличительные черты новгородской архитектуры -- монументальность, простота, отсутствие излишней декоративности. Храмы отличаются простотой и некоторой тяжеловесностью форм.

Превращение Москвы в сильный политический центр привело к стремительному развитию архитектуры на территории города и княжества. Архитектурные традиции Владимиро-Суздальского княжества успешно перенимались московскими зодчими, к концу XVI века уже можно говорить о собственной московской архитектурной школе. В раннемосковском зодчестве конца XIV - начала XV в. продолжаются традиции русской архитектуры предшествующего периода. Москва воспринимала формы зодчества разных русских земель и объединяла их в своем строительстве. Для московских церквей того времени характерен пирамидально-ярусный переход от основного объема к куполу, что было свойственно смоленским и черниговским храмам XII-XIII вв. В декоративном убранстве фасадов и барабана в определенной мере возрождались приемы владимиро-суздальского зодчества. У новгородско-псковских мастеров было воспринято практичное отношение к использованию внутреннего пространства: столбы делались не крестовидными в сечении, а квадратными или даже круглыми, отсутствовали пилястры на поверхностях стен в интерьере.

Уникальность владимиро-суздальского зодчества состоит в том, что оно не просто продолжило традиции византийской и южнорусской архитектуры, но и значительно обогатило их западноевропейскими идеями и элементами. Специфическая особенность Владимиро-Суздальских храмов - скульптурная декорация. В интерьере храма было много драгоценных икон в золотых окладах, стены украшала фресковая живопись.Владимиро-суздальские храмы имели компактный кубовидный объем и увенчивались одной главой. Внешние массы и внутреннее пространство статичны. Постройки обогащены каменной пластикой и иногда деталями из золоченой меди; интерьеры расписаны фресками.

*Золотые -- символ небесной славы. Золотые купола были у главных храмов и у храмов, посвященных Христу и двунадесятым праздникам.

*Купола синие со звездами венчают храмы, посвященные Богородице, потому что звезда напоминает о рождении Христа от Девы Марии.

*Троицкие храмы имели зеленые купола, потому что зеленый -- цвет Святого Духа.

*Храмы, посвященные святым, часто увенчаны зелеными или серебряными куполами.

*В монастырях встречаются черные купола - это цвет монашества.

Примеры зданий:

1. Софийский собор1045-1050гг.

2. Церковь Благовещения в Городищах 1103 г.

3. Рождественский собор Антоньева монастыря 1117-1119 гг.

4. Церковь Фёдора Стратилата 1361 г.

5. Спасо-Преображенская церковь на Ильине улице 1374 г.

6. Храм Петра и Павла в Кожевниках 1406 г.

Новгородская архитектурная школа

Общие черты по отношению к древнерусской архитектуре

«Одного взгляда на крепкие, коренастые памятники Великого Новгорода достаточно, чтобы понять идеал новгородца, доброго вояки... но себе на уме... В его зодчестве такие же... простые, но крепкие стены, лишенные назойливого узорочья, могучие силуэты, энергичные массы». Общие закономерности, зависящие от единства происхождения, сходства социального развития и непосредственных культурных связей между русскими землями, определили общность путей развития русской архитекторы в целом при всем многообразии направлений, в которых эта общность получила отражение. Распространен крестово-купольный тип храма.

Принципиально отличительные черты от других школ

Для понимания причин становления особой отличной от других архитектурных традиций необходимо понимание социального и политического положения Новгорода как обособленной области. Напомним, что в XII веке Новгород становится республикой, свободной от княжеской власти. Возглавляют область бояре и архиепископ, но большую роль также играют ремесленники и торговцы. Те же сословия определяли принципы монументального зодчества: зодчие возводят небольшие домовые (боярские) четырехстолпные храмы или же приходские церкви. Упрощается не только общая композиция и масштаб сооружения, но также внутреннее пространство: оно становится более лаконичным и просторным, столбы не крестообразные, а квадратные в плане, упрощаются хоры. Нередко к храму примыкает дополнительный объем - придел, посвященный покровителю заказчика. Отличается также техника кладки: вместо плинфы (плоского кирпича) используют известняковые плиты, затираемые с фасада раствором, во избежание выветривания. Ряды плит прокладывают рядами кирпичей (в целях выравнивания фасада). В рамках описанной техники мастера отказались от сложных декоративных элементов фасадов, оставив наиболее простые в исполнении. Шлемовидная форма напоминала о воинстве, о духовной брани, которую ведет Церковь с силами зла и тьмы. Форма луковицы -- символ пламени свечи, обращающий нас к словам Христа: "Вы - свет миру". Цвет купола также важен в символике храма.

Новгород был связан культурными традициями с Западной Европой и подвергался тем самым влиянию романской архитектуры, поэтому для архитектуры Новгорода характерны художественные и конструктивные решения, не известные ни южнорусскому, ни византийскому зодчеству: кладка стен из огромных, неправильной формы камней, двускатные перекрытия, наличие лопаток на фасадах, аркатурный пояс на барабане, отсутствие пышного скульптурного убранства стен.

Влияние традиций школы на дальнейшее развитие архитектуры

Постепенно влияние типов и отдельных форм архитектуры Москвы усиливается, что приводит в Новгороде к отказу от традиционного одноабсидного решения алтарной части и замене его на трехабсидное, а также к появлению в Новгороде и Пскове пятиглавых храмов (а в Новгороде - и трехглавых). Большое значение имело появление трапезных с церквами в новгородских и псковских монастырях: их тип и декорация были попросту перенесены из архитектурной практики Северо-Восточной Руси. Следует отметить, что в 1530-1540-е гг. московское влияние шло часто не напрямую из Москвы, а транслировалось через зодчество Ростовской епархии, развивавшееся в близком к Новгороду Белозерском крае. После разгрома Новгорода в 1569 г. и серьезного ослабления обоих центров в конце Ливонской войны пути новгородской и псковской архитектурных школ разошлись: в Новгородской земле мастера в монастырских постройках конца XVI в. продолжали традицию местного варианта "грозненского стиля", но архитектурное качество форм было уже во многом утрачено, а во Пскове произошло возвращение к чистой местной традиции, что привело к появлению ряда архаичных памятников. К рубежу XVI-XVII вв. Новгород хотя и сохраняет "особность" своего зодчества, но превращается по сути в провинциальные архитектурные центры Московского государства.

18. Особенности развития древнерусской живописи: стилистика, сюжетика, художественные школы и главные представители