Народная художественная культура

Так же, как и борецкая, лопаска пучужской прялки делится на три части. Вверху располагаются окна с цветами, в центре - арка с пышными растениями и птицами, ниже - сцена катания. Вместе с тем в пучужской росписи имеются отличия, свои особенности, которых мастера строго придерживаются.

Так, характерный для всех видов северной росписи трилистник имеет свой вариант. Верхняя часть листа переходит в круглую ягоду, а нижняя более тонкая, чем у борецкой, и загнута к стеблю. Мастера Пучуги выполняют роспись красной краской на белом фоне, украшая ее белыми точками- капельками и мелкими зелеными листиками. Иногда в узоре встречается синий цвет.

Ракульская роспись. Ракульская роспись имеет глубокие самобытные традиции и заметно отличается от белофонной росписи Пермогорья, Борка и Пучуги. Это орнаментальная роспись прялок в виде крупной изогнутой ветки на желтом фоне и контурного изображения птицы, вписанной в квадрат. По фасаду ракульская прялка делится на три части. В верхней большей части лопаски расположена цветистая, изогнутая ветвь с округлыми листьями. В нижней части рисуется условная декоративная птица, обведенная несколькими квадратами из линий разной толщины, полосами из геометрических и растительных мотивов.

Начиная свое движение от основания ножки прялки, орнамент тянется вверх, создавая образ «древа жизни». Колорит росписи строгий. Главную роль играют золотисто-охристый и черный цвета, зеленый и коричнево-красный являются сопутствующими, акценты намечаются синей краской. В характере орнамента ракульской росписи имеются черты, которые говорят о близости к миниатюрам старинных поморских рукописей.

Мезенская роспись. По своему характеру мезенская роспись не имеет ничего общего с нарядным красочным орнаментом пермогорской, борецкой и ракульской росписей. Предельная скупость изобразительных средств, лаконичность рисунка ставит мезенскую роспись особняком среди всех известных в народном искусстве росписей. Некоторые ученые считают, что геометрические мотивы и графичность рисунка свидетельствуют о связи росписи с резьбой по дереву. Художественная немногословность и цветовая сдержанность мезенской росписи говорят о большом художественном вкусе Среди множества разнообразных предметов быта - лукошек, коробов, сундуков - выделялись прялки.

Роспись прялки имела всегда строгий порядок. Она многоярусная. В верхнем ярусе выделяются птицы, в нижнем и среднем - главными фигурами являются кони и олени.

Иногда в среднем ярусе к изображению животных присоединяются контуры птиц. По всей вероятности, ярусы соответствуют трем мирам: подземному, наземному и небесному, широко извнстным в искусстве многих народов мира. Геометрические знаки, играющие важную роль в мезенской росписи, несут большую смысловую нагружу. В них отражается круг очень ранних земледельческих представлений крестьян. Здесь можно увидеть изображения семян, плодов, шишек, заключенных в ромбические фигуры, древнее значение которых как символов плодородия присуще орнаментам разных народов мира. Крестообразные и круговые фигуры - это символы огня, солнечного божества, языческие очистительные и охранительные знаки, сохранившиеся в мезенской росписи. Птицы и животные, отмеченные кругами и розетками, как бы показывают их причастность к небу. Зооморфные образы в древних узорах - олень, конь, водоплавающие птицы - далеко не случайны. Образ оленя в русском искусстве получил широкое распространение. Олень почитается многими народами Севера и Сибири. Он приносит счастье и веселье и связан с аграрно-скотоводческим культом, в частности с праздником бога-громовика Ильи-пророка. Мезенские мастера изображали коня и оленя обобщенно. Отличие оленя от коня заключалось в том, что вместо гривы у оленя был изображен черной краской один ветвистый рог. Образ птицы в фольклоре и орнаменте имеет широкий спектр значений. Птица символизировала тепло, свет, урожай, богатство. Одна из наиболее почитавшихся птиц на Севере - лебедь - органически связан с водной стихией, с небом, солнцем, и это нашло свое отражение в мезенской росписи.

Художественная обработка камня

Изделия из твердого камня выпускаются на девяти предприятиях народных художественных промыслов: в Бурятии и Коми, Хабаровском. Алтайском краях. Мурманской, Иркутской, Читинской, Пермской, Челябинской областях, а также на заводе «Русские самоцветы» в Екатеринбурге.

Специфика материала - его твердость, прочность, красота и разнообразие цвета - обуславливает широкое применение твердого камня в ювелирной промышленности. Это особая область художественной обработки твердого камня, которая в настоящее время получила очень широкое распространение. Колье, подвески, броши, браслеты, перстни, серьги, заколки -- широк ассортимент изделий из твердых пород камня.

Мастера, работающие над созданием ювелирных украшений, опираются на богатейшие традиции этого искусства в России. Художники стремятся выявить естественную красоту камня, используя неграненую поверхность, при которой особенно четко видны оттенки цвета, природные включения Подобный принцип использования твердого камня в настоящее время особенно плодотворен, так как современные синтетические камни -- корунды с их граненой поверхностью могут конкурировать с естественными камнями. Кроме ювелирных украшений из твердого камня изготовляют довольно обширный ассортимент изделий. Это небольшие декоративные вазы, лотки для ювелирных изделий, настольные приборы для письменных принадлежностей, миниатюрная анималистическая скульптура.

Промыслы по обработке мягкого камня находятся на Урале, в Нижегородской области, на Северном Кавказе, в Архангельске. Искусство обработки мягкого камня не имеет таких традиций, как обработка твердых пород. К мягким камням относятся различные породы гипсового камня. Месторождения мягких камней есть на Урале, в Пермской, Архангельской, Нижегородской областях. Краснодарском крае. Мягкий камень необычайно разнообразен по своим расцветкам. В камнерезном промысле чаще всего используются белый или серый камень с темными прожилками и вкраплениями, кальцит - камень бурого цвета, талькохлорид - густого серо-черного цвета с зеленоватым оттенком.

Селенит, называемый уральским самоцветом, имеет золотисто-желтый, иногда нежно-розовый оттенок. Он слоист по структуре, полупрозрачен, поверхность его переливается шелковистым блеском. Талькохлорид - зеленовато-серый камень, но при полировке он становится черным. Эту особенность используют мастера. Комбинируя полированную черную блестящую поверхность с неполированной серой матовой, камнерезы добиваются интересных эффектов. Обрабатывают мягкий камень в основном вручную, с применением металлических инструментов. Из куска камня выпиливают заготовку, опиливают ее рашпилями до нужной формы. Скульптурные детали вырезают металлическими стамесками. Для шлифовки используют мелкий речной песок. Полируют мягкий камень гашеной известью и мыльной пеной. После прогрева в печи изделие покрывают парафином, под слоем которого особенно хорошо выявляются блеск камня и его природный рисунок. Податливый в обработке материал позволяет мастеру свободнее проявить свои возможности творческого характера, особенно если создается скульптура или изделие с декоративными скульптурными деталями. Ведущая анималистическая тема оттеснила сказочные образы и стала более реалистичной по своему содержанию. Скульптура уральских резчиков все дальше уходит от статичности, движения фигур становятся более пластичными, не нарушая скульптурной монолитности.

В настоящее время в Краснодарском крае существуют два предприятия по художественной обработке камня: отраднинская фабрика камнерезных изделий и хаджохский завод «Русские самоцветы», расположенные поблизости от месторождения мягкого камня. Мастера ходжохского завода используют светлый гипсовый камень с его мягкими оттенками желтоватых, светло-серых, молочных тонов. Особую прелесть камню придают живописные темные вкрапления, прожилки. Из него создают вазы, декоративные ковши и т.д.

Резьба по кости

Кость - материал, широко использовавшийся еще в глубокой древности. Художественные промыслы по обработке кости сложились в основном на Севере. Наиболее древний центр обработки кости сформировался на Чукотском побережье. Старейший промысел, получивший развитие в XVII в., находился близи г.Холмогоры Архангельской области. Расположенные в устье Северной Двины, у Белого моря, Холмогоры были крупным торговым центром. Другой традиционный промысел резьбы по кости возник в середине XIX в. в Тобольске - крупном городе Западной Сибири, богатом ископаемой мамонтовой костью.

Материалом для художественной обработки служили бивни слона, мамонта, клык моржа. Народные мастера сумели выявить и использовать замечательные свойства материала для художественных изделий.

Бивень мамонта имеет красивый желтоватый тон и текстуру в виде миниатюрной сеточки. Благодаря своей твердости, внушительным размерам, красивому цвету он пригоден для создания разнообразных художественных изделий. Из него можно делать вазы, кубки, настольную декоративную скульптуру, изделия с ажурной резьбой.

Клык моржа - красивый материал бело-желтого цвета. Он употреблялся для создания миниатюрной скульптуры, различных изделий с ажурной и рельефной резьбой, а также для гравировки. Кроме этих основных видов кости для создания художественных изделий употребляют простую животную кость - цевку, а также рог крупного скота Хотя после отбеливания и обезжиривания простая животная кость и приобретает белый цвет, но она не имеет тех свойств, красоты, цвета, твердости, которыми обладают клыки моржа и мамонта.

Холмогорская резьба по кости. Своего наибольшего расцвета холмогорское искусство достигло в XVIII в. Для начала этого века типично изготовление ларцов, имеющих традиционную форму сундучков. Деревянная основа ларцов оклеивалась костяными пластинками (моржовой костью), часть из которых окрашивалась в интенсивно зеленый цвет.

Ритмичное чередование белого и зеленого создавало декоративное звучание вещи. Ко второй половине XVIII в, ассортимент и декор костяных изделий становятся особенно многообразными и богатыми. В праздничном и пышном оформлении изделий гармонично сочетались ажурная и рельефная резьба, отличающаяся своеобразием сюжетов и пластическим богатством, гравировка, окраска кости, подкладка цветных фонов под ажурный узор.

В первой половине XIX в. характер изделий меняется. Оформление изделий становится более строгим, лаконичным, а его формы -- строго геометрическими. Ажурный орнамент теряет свою сочность, превращается в тончайшую ромбовидную сетку, на фоне которой помещаются изящные гирлянды из мелких цветов и листьев. В изделиях остаются не украшенными большие плоскости гладкой кости.

К концу XIX века холмогорский промысел, не способный конкурировать с промышленными изделиями, почти умирает. Возрождение промысла начинается в 1930 г. Молодые мастера начинают осваивать традиционные художественно-технические приемы: тонкую ажурную резьбу, изящно моделируемые рельефные изображения. В последние два десятилетия в искусстве холмогорских мастеров преодолевается тенденция к созданию сложных, чрезмерно украшенных изделий. Постепенно создается новый тип орнамента, в основе которого декоративно переработанные мотивы северной природы: ветви деревьев, северное сияние, цветы и травы.

Тобольская резьба по кости. Возникновение косторезного промысла в Тобольске относится к 60-м годам XIX века. В 1872 г. была открыта первая косторезная мастерская. В тобольской резьбе основное место занимала скульптура. В начале XX века косторезный промысел приходит в упадок. В конце 1920-1930 гг. вновь возрождается тобольский промысел и организуется артель, объединившая мастеров резьбы по кости.

Излюбленным сюжетом косторезных изделий стали так называемые «поездки», изображающие охотника, сидящего в санях и погоняющего оленей или собак. Мастера умело передавали стремительность бега животного, динамичную позу ездока.

Мастера Тобольска создали множество скульптурных изображений жителей Севера - рыбаков, охотников. С любовью изображали они играющих детей, мать с ребенком. Эти маленькие скульптуры обобщенны по форме, выразительны, просты по композиции.

До настоящего времени мастера умело используют зуб кашалота, строя композицию скульптуры в соответствии с его формой, выявляя оригинальную красоту материала.

Хотьковский косторезный промысел. Это один из относительно молодых промыслов. Возникновение его в Подмосковье, очевидно, связано со старинными традициями обычной резьбы по дереву, бытовавшей в с. Богородское еще в XVI в., а также плоскорельефной резьбы в селах Абрамцево и Кудрино. Широко употребляя простую животную кость (цевку), мастера сумели всесторонне использовать свойства этого материала. Необходимо отметить, что объемная резьба по цевке имеет свои трудности. У нее тонкие стенки, ограничивающие возможности объемного изображения. Кроме того, не обладая такой красивой фактурой, как мамонтовая или моржовая кость, цевка требует сложной предварительной обработки. Тем не менее в последнее время создаются интересные работы, в которых срезы простой кости соединяются между собой, образуя площадь для резьбы.

Излюбленна хотьковскими мастерами и миниатюрная скульптура, которую они выполняют из цевки и, частично, из зуба кашалота. Это персонажи русских народных сказок, а также изображения животных (играющие медвежата, лось, косуля). Значительное место в искусстве промысла занимает создание украшений из кости. Они представлены браслетами, подвесками, серьгами, отличающимися тонкой, искусной, рельефной резьбой, в которой изображаются цветы, ягоды, листья.

Миниатюрная живопись на папье-маше

Искусство русской миниатюрной живописи на папье-маше известно во всем мире. Это шкатулки, коробки, пудреницы, броши и другие изделия. Исходным материалом для изготовления этих изделий служит обыкновенный картон, который после многократной пропитки маслом и клеем и просушки при определенном режиме приобретает новые свойства, становится твердым как дерево, легко поддается столярной и токарной обработке.

Производство изделий из папье-маше с миниатюрной живописью, возникшее в России в конце XVIII века в с. Данилкове под Москвой, впоследствии было перенесено в соседнее село Федоскино. В середине 1920 г. организуется производство изделий из папье-маше с миниатюрной живописью в с.Палех. В 1930 г. появляется миниатюра с. Холуй и миниатюра Мстеры - поселка Владимирской области. Все четыре центра русской миниатюры обладают своими ярко выраженными художественными особенностями.

Федоскинская миниатюра. Развиваясь на протяжении XIX в., федоскинская миниатюра многое позаимствовала у классической русской живописи: сюжеты ее часто идут от старой русской гравюры и русского лубка. Характерны изображения народных гуляний, плясок в русских народных костюмах.

Создается в Федоскино и немало портретных и пейзажных миниатюр. Федоскинцы правдиво и с большим чувством передают очарование русской снежной и морозной зимы, золотой осени, неповторимую прелесть живописных поэтических уголков Подмосковья. Федоскинские миниатюры всегда написаны на черном фоне. Свои миниатюры федоскинские мастера пишут масляными красками в технике лессировок. Часто, прежде чем написать миниатюру, мастер наклеивает на фон тонкую пластинку перламутра или листочек сусального золота, которые, просвечивая сквозь полупрозрачные слои красок, придают законченной миниатюре необыкновенную декоративность. Такой прием называется «живописью по-сквозному». Федоскинская миниатюра пишется на основной поверхности шкатулки, она занимает все плоскость и не имеет обрамления в виде орнаментальной рамки или бордюра.

Палехская миниатюра. Всем своим художественным строем она коренным образом отличается от федоскинской. Палехские художники свои миниатюры пишут не масляными, а темперными красками, разведенными эмульсией на яичном желтке. Праздничность, нарядность и цельность колорита, яркие чистые локальные цвета характеризуют палехскую палитру. Человеческие фигуры на палехских миниатюрах, как и в произведениях древнерусской живописи, имеют несколько вытянутые пропорции, движения их размеренны, плавны и сами по себе уже увлекают зрителя в область легенды или песни.

Искусство миниатюры требует от художника твердой руки, зоркости глаза и душевной чуткости. Палехские миниатюры производят впечатление подлинных драгоценностей. Нередко небольшая по размерам шкатулка расписана со всех сторон. Тончайшая разработка и занимательность сюжета позволяет подолгу и без устали рассматривать каждую миниатюру. Мир палехского искусства поражает богатейшей фантазией художника. Она то увлекает в историческое прошлое русского народа, то подводит к литературным произведениям, переносит зрителя с зимней вьюжной дороги в знойную пустыню. Вглядываясь в миниатюру, мы не только следим за сюжетом, но и восхищаемся мастерством, с которым выполнено произведение.

Холуйская миниатюра. Холуйская миниатюра занимает как бы промежуточное место между федоскинской и палехской. В ней много непосредственности и жизненности в передаче событий окружающей действительности, присущих Федоскину, и в то же время фантастичности, характерной для Палеха, Свои миниатюры мастера Холуя пишут на черных фонах темперными красками. Человеческие фигуры в миниатюрах имеют нормальные пропорции, рисунок их менее певуч и изыскан, чем в Палехе. Вместе с тем, значительно больше внимания уделяется природе, пейзажу. Тематика холуйских миниатюр очень разнообразна. Здесь много сказок, былин, а также миниатюр на современные темы. Миниатюра на крышке обычно окаймлена золотым орнаментальным бордюром.

Мстерская миниатюра. Миниатюра Мстеры значительно отличается от палехской и холуйской. В ней ясно проступают черты условности и декоративности, непосредственно связывающие ее с древнерусской живописью. Мстерские миниатюры пишутся на светлых фонах. Основную роль в них играет пейзаж. Герои мастерских миниатюр живут и действуют в светло-воздушной, пленэрной среде.

Живописцы Мстеры стремятся заполнить красками всю поверхность изделия. В связи с этим произведениям лаковой живописи присущи ковровая красочность, живописность поля. Окаймляются миниатюры золотой полоской ажурного орнамента.

Тематика миниатюр самая разная. Здесь и сказки, и песни, и исторические события, жанровые мотивы, лирические сценки, героические батальные композиции.

Мастера-живописцы Мстеры часто изображают пейзаж, в котором поэтично рассказывают о своей родной природе, причем сам пейзаж несет здесь активную нагрузку. Кроме того, если палехские миниатюры отличаются графичностью, контрастными цветами, то характерной особенностью миниатюрной живописи Мстеры является разнообразие и утонченность колористических оттенков с единством общего тона композиции. Колорит их произведений выдержан в нежной тональной гамме. Цветовая гамма мстерских художественных изделий состоит из теплых тонов с преобладанием золотисто-охристого, красного, розового, светло-коричневого цветов с разбеленными, блеклыми красками, голубоватыми, бирюзовыми, изумрудными тонами, перламутровыми оттенками. В росписи Мстеры почти не используют черный цвет, орнаментальные мотивы очень разнообразны, здесь сочетаются растительные и геометрические мотивы. Иногда мастера расписывают изделия одним орнаментом, который заполняет всю плоскость шкатулки.

Мастерство, передаваемое из поколения в поколение, явилось той благодатной почвой, на которой выросло замечательное искусство мастеров лаковой миниатюры.

Художественная обработка металла

Разнообразное по своим художественно-техническим приемам искусство обработки металла имеет древние традиции. Неизвестные мастера России - ювелиры Киева, Новгорода, Владимира, Суздаля Х-ХП вв. умели создавать тонкую скань, знали чернение по серебру, перегородчатую эмаль.

Образование промыслов по художественной обработке металла относится к XVII в. Многие из них, сохранившие присущее им своеобразие, существуют и в настоящее время, творчески развивая древние традиции. Это фабрика «Северная чернь» в Великом Устюге Вологодской области, фабрика «Ростовская финифть» в Ростове Ярославской области, ювелирные промыслы в районе села Красное Костромской области, в поселке Мстера Владимирской области.

Возникновение в том или ином районе центров художественной обработки металла было обусловлено рядом исторических, географических, экономических причин.

Великоустюжное черневое серебро. Самый древний художественный промысел по обработке металла сформировался на Русском Севере в Великом Устюге близ Вологды. Уже во второй половине XVI в. этот город стал вторым после Вологды торговым центром Северо-Восточной Руси. Его расположение на торговом пути между Москвой и Архангельском - единственным тогда морским портом России на севере - способствовало развитию различных видов ремесел, среди которых особенно выделялась обработка металла: меди, железа, серебра. Для развития промысла по художественной обработке металла в Великом Устюге большое значение имела связь с Сольвычегодском - крупным центром художественного ремесла.

Ранние черневые изделия Великого Устюга относятся к середине XVIII в. Но есть документы, свидетельствующие, что искусство черни по серебру существовало в этом городе значительно раньше. В 1761 г. в Великом Устюге была открыта фабрика купцов Поповых, куда созывались мастера серебряного дела К этому времени уже сложились основные черты искусства великоустюжских мастеров, заключавшееся в сюжетной черневой гравюре, расположенной на золотом, декоративно разработанном фоне. Изделия, выполненные мастерами Великого Устюга, -- табакерки, коробочки, миниатюрные флакончики для духов - отличались изяществом форм, красотой и изысканностью силуэта.

Обычно основное изображение выполнялось в черни и четко смотрелось на фоне серебра или золота. Позолоченный фон был излюбленным. Чтобы яркий по своему цвету и блеску позолоченный фон не затмевал тонкий черневой рисунок, мастера находили интересные приемы, слегка «приглушая» фон. Они покрывали его мелкими точками чеканки или тонкой сеткой гравировки. Чтобы черневое изображение еще более контрастно выделялось, контур его подрезали, таким образом фон углублялся, а изображение как бы приподнималось, становилось рельефным. Прихотливо изогнутые стебли и цветы, строго геометрический узор в сочетании с сюжетными изображениями подчеркивали форму вещи.

Являясь одним из видов русского ювелирного искусства, черневые изделия Великого Устюга отражали общие характерные черты стиля эпохи.

Ростовская финифть. Город Ростов в Ярославской области - центр живописи по эмали - финифти. Украшение металлических предметов эмалью было известно в России уже в Х-Х1 вв. Это были так называемые дымчатые эмали, когда эмалевыми красками заполнялись углубления, вырезанные на поверхности металла, перегородчатые эмали, когда эмалью разных цветов заполняли детали узора, образованные тонкой серебряной или золотой перегородкой, припаянной на ребро к металлической пластинке.

Во второй половине XVIII в. широкую известность получили ростовские мастера, которые расписывали эмалевыми красками кресты, иконы, украшали оклады Евангелия. Это объяснялось тем, что искусство эмали в Ростове было тесно связано с оформлением церквей и монастырей. В XIX в, в ростовской эмали появляются геометрические портретные изображения, что можно объяснить влиянием станковой живописи того времени.

Излюбленным изделием на промысле были коробочки для ювелирных украшений Роспись их весьма разнообразна. Это и декоративная цветочная роспись, и пейзажные изображения, в которых мастера тонко передают панораму своего родного Ростова.

В настоящее время плодотворно работает, продолжая традиции искусства своих предшественников, фабрика «Ростовская финифть». Работы ростовских мастеров значительно обогатились в декоративном плане. Разнообразны колористические решения росписи, в которой изображение построено то на контрастном сочетании ярких цветов, то на единой тональной гамме. Сочетание живописного яркого мазка и тонкой графичной линии придает декоративность росписи. Филигранная оправа предметов также обогащает облик изделия

Мстерские изделия из металла. Видное место среди сокровищ русского ювелирного искусства филиграни занимают мастерские ювелирные изделия. Филигрань или скань -это способ изготовления художественных изделий из крученой или гладкой проволоки. Элементы сканного узора соединяются при помощи пайки.

Кропотливая техника филиграни сохранилась и развивается в наши дни на мастерском заводе художественных изделий «Ювелир» во Владимирской области. Вначале изготавливают каркас, на который накладывается бумага с нанесенным на нее рисунком будущего изделия. По специальным шаблонам мастера выгибают из витой проволоки детали рисунка - петельки, жучки, колечки, дужки и т.д. Эти маленькие детали приклеивают на бумажную основу по контуру заданного узора. Ажурный каркас покрывается припоем - порошком, состоящим из серебра и поташа, и помещается в муфельную печь. Из нее спаянный корпус изделия поступает на 2-3 мин. в другую печь, где сгорает бумага. Заканчивается изготовление филигранных изделий отделкой, серебрением, золочением, полировкой, травлением.

Мастерские мастера используют как ажурную, так и накладную филигрань - когда филигранный узор наслаивается на поверхность гладких серебряных и позолоченных изделий В ряде изделий ажурное филигранное обрамление сочетается с вкладышами из цветного стекла, которое поставляет мастерам Гусевский хрустальный завод. Работы последних лет говорят о том, что у ювелиров выработался свой характер филиграни, заключающийся в переходах от плотного ажура к разреженному.

Жостовские подносы. Традиционная роспись подносов существует в подмосковном селе Жостово и в уральском городе Нижний Тагил. Тагильские подносы являются родоначальниками этого своеобразного вида декоративно-прикладного искусства, но особенного развития оно достигло в Подмосковье.

Жостовские изделия принадлежат к семье «русских лаков». Возникновение их производства связано с зарождением в конце XVIII в. в подмосковном селе Данилково близ Федоскино и деревнях Осташкове и Жостово лаковой миниатюрной живописи по папье-маше.

На протяжении XIX - начала XX вв. мастерские Лукутиных и Вишняковых славились производством шкатулок, табакерок, кошельков, коробочек, украшенных живописными миниатюрами.

Начало производства подносов в Жостово относится к 1807 г. Каждый поднос обычно проходил через руки трех человек: коваля, изготовлявшего форму, шпаклевщика и живописца, грунтовщика, после просушки покрывавшего изделие лаком.

Жостовское письмо начинается с «замалевки» - нанесения разбеленной краской силуэтов цветов и листьев, затем на просохший замалевок лессировочными (прозрачными) красками накладываются тени. Этот прием «тенежки» погружает букет в глубину фона. Далее следует «плотное корпусное письмо», наиболее ответственный этап живописи. «Бли-ковка» - наложение бликов - выявляет объем и свет, завершает лепку форм. Далее «чертежка» размещает детали, очерчивает лепестки, прожилки и семена. Завершает письмо «привязка» -- тонкие травки и усики.

Расширяя выразительные средства, живописцы Жостова разрабатывают новые способы орнаментальной росписи. Так появился новый прием «копчения», с помощью которого на поверхность подноса наносился узор, напоминающий рисунок панциря черепахи.

Кроме черных и белых фонов, подносы расписывают и по цветным, и по золотым фонам. На поверхность подноса наносится порошок бронзы или алюминия. Просвечивая сквозь слой лака, он создает эффект золота. На золотом фоне краски приобретают особую яркость, а подносу придают вид дорогого предмета.

За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.

Народная керамика

Керамика -- различные предметы из обожженной глины. Они создаются гончарами. Повсюду, где имелись природные запасы глины, пригодной для обработки, мастера-гончары изготавливали разнообразные по формам и декору миски, кувшины, блюда, фляги и другие предметы, широко использовавшиеся народом в быту.

К керамике относятся майолика, терракота, фарфор, фаянс, отличающиеся друг от друга составом глин.

Майоликой называют изделия из гончарных глин, покрытые цветными непрозрачными глазурями -эмалями.

Терракота - это изделия из обожженной глины, не покрытые глазурями.

Фарфор отличается составом массы, в которую входит белая глина -- каолин высокой температуры плавления, или полевой шпат, придающие фарфоровым изделиям белизну, тонкость стенок, прозрачность.

Фаянс близок к фарфору, но не обладает его белизной и прозрачностью, имеет более толстый черепок.

Гжельская керамика. В Гжели, Речицах, Турыгине и других селах Раменского района Московской области издавна существовало производство керамических изделий, которым занималось почти все население местных деревень.

Уже в XVII в. гжельские мастера славились гончарными изделиями, а глины, которые они употребляли, отличались высоким качеством.

В середине XVIII века гжельские мастера начали выпускать изделия в технике майолики, с росписью по сырой эмали. Блюда, квасники, кувшины они украшали нарядной росписью зеленых, желтых, фиолетовых тонов. На них изображались цветы, деревья, архитектура, целые сюжетные сцены.

Сосуды украшались также скульптурой: условно переданными человеческими фигурками, птицами, животными Скульптура выполнялась отдельно.

Впоследствии, когда русским ученым Д.И. Виноградовым в середине XVIII века был открыт секрет состава фарфоровой массы, гжельские мастера начинают создавать изделия из фарфора. Это прежде всего разнообразная посуда: масленки, чашки, молочники, кружки, украшенные яркой, свободной кистевой росписью.

Во второй половине XVIII века в росписи гжельских мастеров излюбленным материалом был кобальт. Сочетание белого фона с синей подглазурной росписью стало типичным и для современных мастеров, работающих в производственном объединении «Гжель».

Орнамент, украшающий гжельские изделия -- растительный. Цветы, травы, изогнутые стебли с листьями, колосья переработаны в декоративные. Ручная роспись характеризуется свежестью и непосредственностью рисунка, свободно и легко располагающегося на поверхности вещи. Живопись мазка зависит от движения руки. Мастерицы гжельского промысла, наносящие роспись вручную, постепенно создали свой творческий почерк. Повторяя, казалось бы, одни и те же виды росписи при тиражировании изделий, они всегда вносят что-то новое.

В этом бесконечном богатстве вариаций заключается одна из привлекательных сторон ручной росписи гжельских мастеров.

Скопинская керамика. Город С копии Рязанской области - известный центр народного гончарства. В середине XIX века в Скопине насчитывалось свыше 50 мастерских. Но известность Скопину создали выполняемые местными гончарами сосуды сложных причудливых форм, подсвечники в виде фигур фантастических зверей, птиц. Сосуды обильно украшались скульптурными изображениями фантастических зверей, львов, драконов. Эти образы были нередко заимствованы с лубочных картинок - рисунков с близкими простому народу темами и сюжетами, продававшихся обычно на ярмарках.

Сложные, богато разработанные формы мастера выполняли вручную, на гончарном круге. В этом сказывалось виртуозное владение материалом и техникой. Разнообразие форм вещей и скульптурных сказочных образов свидетельствует о неистощимой фантазии мастеров, Скопинские изделия обычно покрыты зелеными и желто-коричневыми потечными глазурями. Интенсивный цвет., обилие скульптурных украшении и причудливость форм сообщают искусству Скопина выразительность и яркое своеобразие.

Мастерство и фантазия скопинских мастеров проявляются при создании сосудов, кувшинов, бочонков для солений, ваз для фруктов и др. В наши дни этот промысел развивается, основываясь на выработанных традициях, но формы сосудов стали менее сложными и причудливыми.

Дымковская игрушки. Большую известность получила игрушка из слободы Дымково, расположенной близ г.Вятки. Зарождение этого промысла связывают с древним народным праздником «Свистунья», к которому в течение всей зимы мастерицы готовили разнообразные свистульки в виде коней, всадников, коров, птиц. Весенний праздник сопровождался бойкой торговлей свистульками. Их яркая красочная роспись соответствовала общему радостному весеннему настроению.

Лепились игрушки из местной красной глины, обжигались, затем покрывались меловым грунтом, разведенным на молоке. По белому фону игрушка расписывалась анилиновыми красками, разведенными на яйце. Цвета этих красок поражают своей силой, праздничностью. Яркая малиновая, желтая, синяя роспись на белом фоне обогащается орнаментами в виде точек, кружочков, кисточек. Сочетание нескольких цветов в одном изделии требует от мастерицы особого умения. Иногда узор покрывался кусочками сусального золота, придававшими изделиям еще большую нарядность.

Образы дымковских игрушек отражают городской быт. Дамы и кавалеры, кормилицы, няньки, модницы, удалые всадники отличаются яркостью красок, особой выразительностью, яркой праздничностью и юмором. Форма изделий, так же, как и роспись, условна.

Со временем дымковская игрушка находит широкое применение в быту как декоративное украшение. В связи с этим значительно укрупняется и размер изделий дымковских мастериц. Часто встречаются многофигурные композиции, изображающие народные гулянья, праздники.

Дымковская игрушка близка народу метким изображением характеров, остроумием, чувством радости жизни В этом ее непреходящая ценность и уникальность.

Каргопольская игрушка. Город Каргополь Архангельской области - это центр традиционного русского народного художественного промысла глиняной игрушки. Его происхождение в Каргополе связано с богатыми местными залежами глины, которые определили его широкое развитие уже в XIX веке. Здесь делали посуду, а наряду с ней игрушки: коней, оленей, баранов и т.д. В 1930 г, потомственный гончар И.В.Дружинин возродил здесь традицию глиняной игрушки. Его расписные игрушки отмечены единством стиля; крестьянки, охотники представлены с поразительной остротой характера; животные - кони, коровы и т.д. - наделены индивидуальными признаками. Они приземисты, сдержанны по расцветке.

Каргопольские игрушки лепились по частям: на торс насаживалась юбка, присоединялись ноги. Игрушки обжигались и покрывались белой краской.

Веселый Полкан-богатырь со знаком солнца на груди народной мастерицы и сказительницы М.Бабкиной наделен большой силой. Его образ связан с древнеславянской мифологией.

Мастерица сохранила традиционные приемы лепки и росписи. Каргопольский орнамент состоит из геометрических узоров: крест в круге - солнце, кружочки, ромбики, зигзаги, которые имели символическое значение. Каргопольские мастера используют неяркие цвета: красный, желтый, коричневый, болотный, малиновый.

Филимоновская игрушка. Деревня Филимоново Одоевского района Тульской области является центром традиционной русской глиняной игрушки. Зарождение промысла связано с давним производством гончарной посуды. С XIX в. филимоновская игрушка становится широко известна. Это игрушки, в основном свистульки, в виде фигурок животных, украшенные геометрическим орнаментом. В 1967 г. в Филимонове была создана мастерская. Традиционная филимоновская игрушка основывается на пластических качествах жирной глины «синики». После высыхания глины игрушки трескаются; трещины на них заглаживаются, придавая фигуркам более вытянутую форму. При обжиге природный сине-черный цвет меняется на белый. Поэтому фон у игрушки расписывается анилиновыми красками, разведенными на яйце: красной, желтой, зеленой, синей, фиолетовой. Геометрический орнамент состоит из полосок, солярных знаков. Нередко женские фигуры расписывают не только полосами, но и цветами, розетками, треугольниками. Современные мастера сохранили в своем творчестве традиционные формы сочетания цветов и орнамент.

Кружевоплетение

Русские кружева ручного плетения известны в истории наших народных художественных промыслов с конца XVIII века. Ручное кружевоплетение возникло и сформировалось сразу как народный промысел, не проходя стадии домашнего ремесла. Западноевропейское кружево стало проникать в Россию во второй половине XVII - начала XVIII вв; оно служило отделкой одежды дворян и помещиков. С распространением моды на кружева и кружевные отделки многие дворяне заводят у себя крепостные мастерские по кружевоплетению. Ранние кружева, относящиеся к XVIII - первой половине XIX вв., нередко выполнялись из золотых и серебряных ниток с добавлением жемчуга.

Кружева ручного плетения выполняются при помощи коклюшек-бобинок, выточенных из дерева. Перед кружевницей находится плотно набитый валик -- подушка. На подушке закрепляется рисунок будущего кружева, нанесенного на плотную бумагу. На рисунке-сколке точками обозначаются места пересечения и переплетения нитей. В руках у кружевницы от 6 до 12 пар коклюшек с льняной хлопчатобумажной или шелковой нитью.

По способу плетения кружева делятся на парные и сцепные. Парные кружева выплетаются несколькими парами коклюшек. Сцепными кружевами называются кружева, отдельные части которых соединяются при помощи вязального крючка. Парные кружева - это обычно мерные, т.е. такие, которые можно отмерять в нужном количестве и пришивать к одежде, белью.

Кружево обычно состоит из «полотнянки», с помощью которой обозначаются, как бы рисуются, основные формы узора и решетки - ажурного линейного построения из переплетенных нитей, узор которого действительно напоминает решетку. Основными районами производства кружев являются Вологодская область. Елецкий район Липецкой области, Михайловский район Рязанской области.

Вологодское кружево. Своей плотностью, белизной и узорчатостью они очень напоминают морозные узоры на стеклах и иней в лесу на деревьях в разгар зимы, в тихий морозный день

Основу вологодского кружева составляет плотная «лента-полотнянка», которую за то, что она так прихотливо вьется, обрисовывая разнообразные формы кружевного орнамента, называют еще «вилюшкой». Для вологодского кружева типичен растительный орнамент. Мотив симметрично развернутого пышного куста с широкими лапчатыми листьями и фронтальными шести, восьми -- и более лепестковыми цветами-розетками образует широкую узорную кайму кружевного изделия. Решетки имеют стройный, ритмически совершенный характер, производят впечатление прочности, надежности. Ассортимент вологодских кружев очень разнообразен, он включает в себя круглые салфетки, дорожки, скатерти, декорированные настенные панно, оконные занавески, портьеры.

Помимо крупных монументальных интерьерных изделий в объединении «Снежинка» выпускаются в большом количестве отделки для женской одежды - воротнички, манжеты, шарфы, косынки.

Елецкое кружево. Елецкое кружево в отличие от вологодского нежнее и воздушное. Оно выплетается преимущественно из тонких катушечных ниток. Растительный узор с включением птиц и других изобразительных мотивов, как и в Вологде, выкладывается узкой полотнянкой - вилюжкой. Однако в отличие от вологодских, елецкие мастерицы делают эту полотнянку то плотной, то ажурной, придавая орнаменту еще большую невесомость.

Большое место в елецком кружеве занимают геометрические мотивы - «гречишка», «паучки», «бабочка», «снежинка» Наряду со снежно-белыми или чуть кремовыми изготавливают кружево из серых, серебристых нитей с примесью современных синтетических волокон и элегантное черное кружево, изготовлявшееся в России еще в XIX в

Михаиловское кружево. Большой интерес представляет кружево, производимое в г.Михайлове Рязанской губернии. Здесь исполняли кружево плотное, из толстых нитей, не только белое, но и разноцветное, яркое. Оно хорошо подходило к красочным нарядам русских крестьян. Носили его на своих рубахах не только женщины, но и мужчины. Им обшивали женские передники, полотенца, простыни. Оно имело несложный вид заостренных зубцов - «мысов», веерообразных фигур, так называемых бубенцов. В кружевах применялись нити всего трех цветов: белого, красного и синего, но они так умело сочетались, что каждый кусок кружева казался красочным по-новому.

В 1950-х годах происходят заметные изменения в облике Михайловского кружева. Укрепляются узоры, вводятся новые цвета. Эти изменения в большой мере связаны с именем талантливой художницы - кружевницы Д.А.Смирновой, В ее работах впервые появляются изображения человеческих фигур. Д.А.Смирнова с мастерицами промысла стремится сохранить красоту цветных узоров как уникальное явление русского народного искусства.

Художественная роспись ткани

Набивные ткани. Среди приемов украшения тканей существует ручной способ их орнаментации путем набивки. Первоначально этим занимались иконописцы - «травщики». Узоры печатали по белому или окрашенному холсту с помощью деревянных форм. Доски с резным орнаментом изготовлялись из твердых пород дерева: березы, груши, клена, ореха. Русские набивные ткани можно разделить на белоземельные, фон которых оставался не закрашенным, и кубовые, название которых связано с приемом окрашивания тканей в кубах. Узор наносили масляными красками вручную, с помощью кисточки и резерва. Затем ткань опускали в чан (или куб) с краской. Там, где не было резервирующего состава, ткань окрашивалась, затем просушивалась, а резервирующий состав смывали горячей водой, в результате нитками получался светлый узор на цветном фоне.

В первой половине XIX в. русская набойка утратила черты самобытности. В 1828 г. в с. Иваново купцом Спиридоновым была установлена первая ситцепечатная цилиндрическая машина, положившая начало развитию ситцепечатания, которое постепенно оттеснило набойку.

Павловские платки и шали. Город Павловский Посад в Московской области является центром традиционного русского текстиля. В XVIII в. крестьяне изготавливали здесь платки и сарафанные ткани, украшенные орнаментом из золотых нитей. В 1812 г. зажиточный крестьянин из С.Павлова (впоследствии Павловский Посад) Семен Лабзин основал небогатую шелкоткацкую фабрику, заложившую базу современного производства платков и шалей. 1860 -- 1880 гг. -время его формирования и расцвета. Изготовление и декорирование шерстяных тканей в Павловском Посаде базируется на древних традициях русской народной ручной набойки. Узорную ткань печатали при помощи досок - деревянных форм («манеры» или «цветки») с рельефным узором; для каждой краски резалась своя «манера». Для платков со сложной композицией вырезали 40-60 форм, что превышало в два-три раза число использующихся красок.

Русские шали первой половины XIX века имели свои стилевые особенности. Композиционные решения были разнообразными; узорная кайма по краю с гирляндами цветов, чередующихся с красным, голубым и зеленым цветами. Гео-метризированные формы орнамента были лишены строгой схематичности. В узорах русских шалей мастера предпочитали чистые нежные тона красного, зеленого, синего, фиолетового, желтого цветов. Павловские мастера использовали не только белый фон, но и черный, синий, зеленый, желтый, красный. На контрастном фоне яркие цветы собирались в гирлянды или букеты, а иногда свободно размещались на пустом поле платка.

В XIX в. узорные платки и шали, которые в России носили и в крестьянской, и в городской среде, стали выполнять в костюме роль цветного акцента. В настоящее время в Павловском Посаде применяют фотопечать, ручную набойку и набивку на плоскопечатных машинках. Ежегодно выпускается более 200 видов шалей, платков, шарфов. Эту богатую коллекцию ежегодно пополняют изделия, которые создаются по новым рисункам художников.

Вышивка

Вышивка - один из древнейших видов прикладного искусства. Это искусство возникло в незапамятные времена и передавалось из поколения в поколение. С течением веков постепенно сложился традиционный круг узоров, характер расцветки, выработались многочисленные приемы выполнения вышивки.

Народная вышивка выполнялась без предварительного рисунка. Свои узоры вышивальщицы знали наизусть, усваивая их и запоминая вместе с освоением самого процесса исполнения. Основные традиционные узоры, характерные для каждой местности, сохранились и по сей день.

Заслуженной славой пользуется русская народная вышивка. Она подразделяется на северную, вышивку среднерусской полосы и южных районов. Основным материалом, на котором русские женщины - вышивальщицы исполняли свои композиции, был крестьянский домотканый холст, так называемого полотняного переплетения.

На русском Севере - в Архангельской, Вологодской, Костромской, Ярославской областях, а также в Верхнем Поволжье преобладала строгая вышивка -- белая по белому или двухцветная, красная с белым. Вышивка выполнялась льняными, шерстяными, шелковыми нитками, а также золотым шитьем, особенно на головных уборах. В северной вышивке на одежде и предметах домашнего обихода значительное место занимали сложные тематические рисунки. На шитых северных подзорах, особенно в XVIII в., можно видеть сложные жанровые сцены: замки с башнями, раскидистые деревья; кареты, запряженные горделивыми рысаками. Во многих северных народных вышивках встречается изображение барса с угрожающе поднятой передней лапой.

В узорах вышивок среднерусской полосы и юга преобладали геометрические формы. При общем геометрическом строе орнамента эти вышивки отличались большим многоцветием. Техника выполнения этих вышивок была счетная:

роспись, крест, набор.

Владимирская народная вышивка. Издавна бытовала вышивка на владимирских землях. Наиболее крупными вышивальными промыслами во второй половине XIX в. во Владимирской губернии были мстерский и холуйский. К концу XIX в. вышивкой во Мстере занималось около 400 мастериц Большое развитие здесь получила белая гладь. Белой гладью вышивали белье, платки, полотенца. Работа владимирских вышивальщиц отличалась большой тонкостью исполнения и ценилась очень высоко. По мере развития техники и технологии качество и внешний вид вышитых изделий становились на более высокий уровень. Стремясь к сохранению традиций, мастера промысла искали свой стиль, свой орнамент, формировали свой ассортимент. Удивительные произведения владимирских вышивальщиц создаются с помощью незамысловатого инструмента - пяльцев, иглы и вышивальных ниток. Умелые и проворные руки рукодельниц выполняют в натянутом полотне те дивные узоры, мимо которых нельзя пройти.

Народные мастера фабрики им. Н.К.Крупской в настоящее время продолжают традиции мстерской гладевой вышивки. Здесь распространена вышивка белой и цветной гладью. Белой гладью вышивают на белых тонких тканях:

креп-жоржете, маркизете, батисте - белыми нитками. Аналогична белой глади специфичная для мстерской фабрики техника вышивки «русская гладь». Это вышивка белыми нитками по суровому полотну.

Другой разновидностью владимирской вышивки является «владимирский шов». Сочетание растительного орнамента, выполненного выпуклой рельефной гладью, с прозрачным геометрическим узором посредине цветов и частично выстроченным пространством фона, придает особую выразительность мстерской вышивке.

Наиболее распространенный мотив мстерской вышивки - цветок розы в окружении листьев и разнообразных цветов. Иногда растительные узоры дополняются изображением птиц, бабочек и т.д.

Цветная перевить. Цветная перевить как самобытный вид русской народной вышивки выполняется по продернутой сетке, перевитой цветными нитками. Места бытования - Рязанская, Смоленская, Тульская, Калужская области Традиционные виды орнамента цветной перевити - геометрический, растительный, антропоморфный. Малиновый оттенок с вкраплением белого, синего, зеленого, желтого цвета - преобладающее колористическое решение цветной перевити Калужской и Тульской областей. Цветовая гамма смоленской перевити - белоснежный фон с четким красным узором. Синие тона - традиционный колорит рязанской цветной перевити. Основной узор дополняют мережки. Лен - традиционный материал для выполнения цветной перевити.

Золотошвечная вышивка Торжка. Город Торжок Тверской области -- единственный в России крупный центр золотошвейной вышивки. Эта вышивка прошла сложный путь развития, во многом отличающийся от других видов народного искусства.

Золотным шитьем вышивали головные уборы, душегреи, обувь, платки и т.д. Золотные нитки накладывают на ткань сверху и прикрепляют прочной ниткой. Такой нитью вышивают на плотных, тяжелых материалах: толстая шелковая ткань, бархат, сукно, шерсть, кожа, замша. Нитки - золотные и серебряные - различаются по виду и способу изготовления (круглые, граненые, навитые на льняную, шелковую или бумажную основу). Орнамент в золотном шитье растительный, геометрический и зооморфный, предельно обобщен. В настоящее время используется мишура с добавлением небольшого процента золота. В дополнение к вышивке применяются: канитель, блестки, бисер, искусственный жемчуг.

2.5 Народное зодчество

народный художественный культура зодчество

Понятие народное зодчество в русской художественной культуре, прежде всего, связано с деревянным зодчеством. Основываясь всецело на традициях народного искусства, русское деревянное зодчество достигло высокого совершенства и в значительной мере повлияло на все развитие русской архитектуры. В нем проявились все основные черты народного искусства как особого типа творчества. В архитектурных сооружениях и в архитектурном декоре сохранялось и передавалось прежде всего то, что составляло духовные ценности народа.

В этом проявилась родовая сущность зодчества как области народного искусства, Природосообразность народного зодчества выразилась, во-первых, в виртуозном использовании возможностей и свойств дерева как строительного материала, во-вторых, в органической связи архитектурных форм и декора с формами живой природы (в том числе и антропоморфных), в-третьих, в умении сделать сооружения неотъемлемой и органичной частью природной среды. Традиция в народном зодчестве означала прежде всего единство конструктивных и художественных принципов и идейно-образного содержания, передававшееся из поколения в поколение. Наличие самобытных региональных особенностей и многообразие форм деревянной архитектуры связано с понятием вариативности в народном искусстве. Кроме того, народное зодчество имело свою художественно-образную систему, в которой отразились космологические и эстетические идеалы народа. Если мы говорим об ансамблевом характере народного искусства, то народное зодчество во многом выполняет ансамблеобразующую роль, организует духовно-пространственную среду жизни этноса.

Технологические и конструктивные основы деревянного зодчества. Материал и способы его обработки.

На Руси, где леса занимали большую часть территории, дерево было самым доступным материалом, из которого возводились различные типы построек: жилища, хозяйственные сооружения, укрепления, храмы. Каменных построек было мало и их возведение стоило дорого. Древесина же была всегда под рукой и не требовала сложной обработки. Тем не менее, выбор материала, особенно для строительства жилых и культовых построек, осуществлялся очень тщательно. В народном представлении дерево считалось «живым» существом и его рубка сопровождалась определенными обрядово-магическими действиями. В строительстве не применяли деревья с изъянами или аномалиями, сухие деревья (мертвые, лишенные жизненных соков), деревья, росшие на могилах, заброшенных дорогах (такая дорога, по народным представлениям, вела на тот свет), молодой лес, старые могучие «священные» деревья. Что же касается пород, то для жилья предпочиталась сосна, иногда ель (о чем свидетельствуют археологические раскопки). Осина считалась проклятым деревом и в строительстве почти не применялась. Дуб был материалом дорогим и применялся выборочно, например, для подпечных фундаментов и в некоторых других случаях, когда требовалась его особая прочность. Конструктивные особенности построек определялись во многом размерами бревна. Диаметр бревен в деревянных сооружениях колеблется от 16 до 30 см (в жилищах и храмах - 22 - 24 см, в хозяйственных постройках - 16-20 см). Длина стен также определялась длиной бревна: для жилища это от 2,5 - 3 м до 12 - 13 м.